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Cómo se desvelaron los Beatles: las tensiones que los llevaron a dividirse

El año 1968 fue cuando Don McCullin tomó estos maravillosos retratos de los Beatles, en el apogeo de su fama. También resultó ser el año en que salió mi libro sobre ellos, después de dos años de duro trabajo. En realidad, no fue un slog. Todo fue puro placer. No quería parar, para seguir investigando para siempre, cualquier excusa para ver qué sucedió después. Parecían estar en nuevas cosas, nuevos sonidos, nuevas ideas todo el tiempo. Temía que cuando mi libro saliera sería instantáneamente desactualizado.

El Beatle que primero conocí correctamente fue Paul McCartney, en septiembre de 1966. Estaba trabajando en este artículo, escribiendo la columna Atticus. Había estado en el periódico desde 1960, principalmente escribiendo cosas aburridas sobre quién sería nuestro próximo embajador en Washington u obispo de Durham. Como si me importara Quería escribir sobre los atrevidos novelistas del norte, las estrellas del pop, los futbolistas y los diseñadores de moda. Sigo creyendo que los años sesenta no comenzaron hasta 1965, el año en que tomé la columna, el año en que el tipo de personas sobre el que quería escribir se convirtió en la corriente principal.

Eleanor Rigby había salido en agosto de 1966 (lanzada como doble A con Yellow Submarine). La música, usando armonías e instrumentos clásicos, fue otro avance, pero las letras también fueron brillantes. Decidí que las palabras serían la mejor poesía de 1966. Como si supiera algo de poesía.

Foto: DON MCCULLIN

Foto: DON MCCULLIN

Fui a ver a Paul en su nuevo hogar en St John’s Wood, que todavía posee hasta el día de hoy, siendo conservador, pequeño, de corazón. Quería saber cómo le habían llegado las palabras. En la entrevista, me referí a él como el Sr. McCartney y su compañero de composición como el Sr. Lennon. Esto fue The Sunday Times, 1966. Aún terriblemente cortés.

Unos cinco meses después fui a verlo a su casa, esta vez con un sombrero diferente. Estuve allí como escritor de guiones. Mi primer libro, una novela llamada Here We Go Round the Mulberry Bush, se estaba convirtiendo en una película de una compañía de Hollywood y fui con el director a ver a Paul para pedirle que escribiera la melodía del tema. Al final, no lo hizo, pero mientras estaba con él, sugerí que debería haber un libro apropiado sobre los Beatles.Eran el grupo más grande del mundo, nombres muy conocidos en todo el mundo, desde los EE. UU. Hasta Japón, pero solo había dos libros sobre ellos, ambos de bolsillo, uno dirigido a los miembros del club de fans y el otro de un estadounidense en una gira con ellos.

En 1966, muchos tipos impertinentes decían que ya habíamos tenido suficiente de ellos, la burbuja estallaría pronto. En los grabados populares, todavía se hablaba sobre el cabello de los Beatles y por qué, por qué, deletreaban a los Beatles de una manera divertida. Le dije a Paul que si hubiera un libro de tapa dura serio, que cubriera su música correctamente, podría evitar que la gente les haga las mismas viejas preguntas tontas. Dijo que era una buena idea, pero tendrá que hablar con Brian (Epstein, su gerente). En ese momento, Paul me ayudó a componer una carta adecuada para chuparle el culo a Brian. Mi cita con Brian fue cancelada varias veces, por razones que no sabía en ese momento. Era un hombre gay que prefería a los chicos que no eran homosexuales, les daba bebidas y drogas, los metía en la cama, lo golpeaban, lo cual disfrutaba, luego huían robando cosas, como discos inéditos de los Beatles. Brian se sentiría profundamente avergonzado y culpable, tomaría pastillas para dormir y se iría a la cama, a veces por días. Nadie sabía sobre su vida privada. Hasta 1967, los homosexuales podían ser enviados a prisión por indecencia grave.

Mi reunión con él finalmente tuvo lugar el 25 de enero de 1967, en su casa en Chapel Street, Belgravia. Un mayordomo me ayudó a entrar. Me senté y admiré dos hermosas pinturas de Lowry. Me resulta difícil de creer ahora, mirando hacia atrás, que Brian era dos años más joven que yo, nacido en 1934. A los 32 años, era muy maduro, sofisticado, con ropa, voz y moda impecables.Al trabajar en el mostrador de registro de la familia en su tienda de Liverpool, se había convertido en un empresario del West End asombrosamente exitoso.Gracias a los Beatles. A quien amaba profundamente Y ellos lo amaron.

Brian me jugó su último single, a punto de salir, Penny Lane y Strawberry Fields. Me sorprendió Strawberry Fields. Me preguntaba cómo reaccionarían los fanáticos: ¿lo encontrarían demasiado lejos? Me mostró que todavía estaban en desarrollo, que todavía progresaban. En mi editorial, Heinemann, un director, cuando propuse un biog de los Beatles, había dicho: “Oh, no, han terminado. Sabemos todo sobre ellos, y de todos modos la música pop no se vende “.

Foto: DON MCCULLIN

Foto: DON MCCULLIN

Le pregunté a Brian por qué se llamaba Strawberry Fields. Él no sabía. Sin embargo, él también vino de Liverpool, donde Strawberry Field era el nombre de una casa de niños del Ejército de Salvación. Fue mucho más tarde cuando me di cuenta de lo que esto significaba: Brian ya no estaba involucrado con los Beatles, día a día. Él estaba siendo aliviado de sus vidas. Se habían apoderado ellos mismos.

Brian estuvo de acuerdo con la idea del libro. Luego ofreció una cláusula en el contrato en el que no habíamos pensado. Dijo que se aseguraría de que ningún otro escritor de libros tuviera acceso a los Beatles durante dos años después de que saliera mi libro. Dos años más tarde, en 1970, los Beatles ya no existían.Parted, finished, ido sus propios caminos. Así es como mi libro se convirtió en la única biografía autorizada.

Pasé noches interminables en 1967 en el estudio con ellos cuando estaban grabando Sgt Pepper, y en sus casas, observando a John y Paul tocando canciones en forma. Habían abandonado la gira en 1966, lo que les dio más tiempo para crear, para hacer las cosas bien, para bajar los sonidos en sus cabezas. Fue un período que produjo algunos de sus mejores LPs, como Revolver y Sgt Pepper.

Ojalá hubiera escrito más en el libro sobre los retazos de canciones que parecían ir a ninguna parte, nunca se completaron correctamente, o no hasta más tarde. Estaba tratando de explicar canciones completas, que había observado desde el principio, y que sabía que estarían en el disco. Y, por supuesto, desearía haber usado una grabadora. En el estudio, intentaba ser una mosca en la pared, no llamar la atención sobre mí, pero fácilmente podría haber usado una grabadora durante las entrevistas en sus hogares, conversaciones con ellos, familiares y amigos, y personas que recordaban de su pasado, desde Liverpool a Hamburgo. Seguí al padre de Ringo, a quien Ringo no había visto desde que era un niño, trabajando como limpiavidrios en Crewe.Me puse en contacto con el padre de John, Alfred, que estaba lavando platos en un hotel al lado de la carretera no lejos de la casa de John. Pasé mucho tiempo con todos sus padres y con la tía de John, Mimi, que lo había criado. Todos ellos ahora están muertos. Al igual que Epstein, su productor, George Martin, sus roadies Neil y Mal, su agente de relaciones públicas y amigo Derek Taylor, y por supuesto dos Beatles: John y George.

Qué archivo para la Biblioteca Británica sería hoy, si tan solo hubiera usado una cinta. En cambio, escribí mis entrevistas en 30 pequeños cuadernos rojos.Y ahora no puedo entender mi propia letra.

En el verano de 1968, en el momento del día de Don McCullin fotografiándolos, los Beatles estaban trabajando en lo que se convirtió en su doble álbum blanco, su noveno LP y el proyecto más ambicioso hasta el momento, con 30 canciones en total. Tenían tanto material traído de su visita a India a principios de año, con Maharishi Mahesh Yogi, que necesitaban dos álbumes en uno para tenerlos a todos.

Me había ido con ellos en el tren hasta Bangor en agosto de 1967 en su primera reunión correcta con Maharishi. Sus esposas y agentes habían quedado atrás en Euston, así que viajé en un carruaje con ellos, junto con Mick Jagger y Marianne Faithfull.

DON MCCULLIN

Foto: DON MCCULLIN

En el tren nos encontramos con el Maharishi. Me dieron un mantra de él, que me dijeron que nunca revelara. Creo que fue Ummm. O podría haber sido Hmmmm.

Por casualidad, un fotógrafo estaba en la plataforma en la estación de Chester y nos tomó un chasquido, a través de la ventana del tren. Siempre traté de no ver fotos mientras estaba con ellos, tratando de no parecer una groupie, lo que mi esposa siempre sostuvo que era. También fue el fin de semana que Brian Epstein murió, de vuelta en Londres.

Durante la grabación del álbum blanco, entre mayo y octubre de 1968, mientras intentaba obtener todos los trozos que habían traído de la India, Ringo se fue. En ese momento, estaban trabajando en Back in the URSS. Estaba harto de ser ignorado. Volvió dos semanas después, a tiempo para trabajar en George’s While My Guitar Gently Weeps. George también estaba harto, convencido de que Paul lo estaba mandando por ahí. Durante un tiempo le había metido en la cabeza que tanto Paul como John estaban ocultando deliberadamente sus canciones de sus álbumes, aunque esta vez había cuatro de ellas en el álbum doble, las otras tres son Piggies, Long Long Long y Savoy Truffle. . Ringo, por fin, hizo su debut como compositor en el álbum doble con Do not Pass Me By.

En la superficie, al menos, les pareció a los fanáticos en el verano de 1968 que musicalmente todos se llevaban bien, trabajando bien juntos. Aunque la mayoría de los fanáticos ya sabían que alguien nuevo había entrado en la vida de John. Conocí a Yoko Ono antes que a John, en 1967. Ella había llegado a Londres para hacer una película sobre los fondos desnudos y me llamó por teléfono para preguntar si yo aparecería en ella. Puse una excusa, dije que mi agente no lo permitiría, pero fui a ver cómo se hacía y escribí una pieza para tomar mickey en la columna de Atticus. Fue en mayo de 1968 cuando ella y John se juntaron adecuadamente. Mientras su esposa, Cynthia, estaba de vacaciones, invitó a Yoko a la casa. Hicieron música juntos. Luego se fueron a la cama. John luego se mudó de su mansión Tudor en una propiedad privada en Weybridge y en un apartamento en Londres.

Cada vez que lo visitaba en Weybridge, parecía estar desplomado en una pequeña habitación viendo la televisión de la tarde de los niños. O nadaríamos en su piscina, sin hablar. Solía ​​ponerme furioso cuando recorría todo el camino desde el norte de Londres hasta los suburbios de Surrey para descubrir que había decidido que era un día para no hablar.

Foto: DON MCCULLIN

Foto: DON MCCULLIN

No mucho después, entré en Abbey Road una noche y encontré a John y Yoko abrazados en el estudio de grabación. Los otros tres Beatles se miraban el uno al otro y murmuraban “¿Quién demonios es este?”.

Yoko entró en la vida de John en un momento en que se aburrió y se cansó de ser un Beatle. Y harto de Cynthia. En el estudio solía estar en silencio, distraído, a menudo resacoso de las drogas, a menos que fuera una de sus propias creaciones en la que estaban trabajando. Entonces él saltaría a la vida.Como en los viejos tiempos.

El único en 1968, por lo que me pareció, que todavía estaba disfrutando de ser un Beatle fue Paul. Él era quien había comprado una casa en Londres propiamente dicho, no muy lejos de Abbey Road. Ringo, como John, vivía en la propiedad de Weybridge mientras que George no estaba muy lejos en Esher, en un bungalow muy aburrido, aunque había pintado una pared psicodélica afuera. Paul disfrutó de ser un metropolitano, no un hombre de los suburbios, en el baño de Londres, visitando galerías, mezclándose con artistas, persuadiendo a los Beatles, deseando que hicieran cosas nuevas, como la película de televisión Magical Mystery Tour, que había salido en el final de 1967 y había sido principalmente su vanidad y creación.

En el estudio de grabación en 1968, George Martin estaba siendo empujado, o al menos esperaba su placer, para que decidieran. Allá por 1962, cuando grabaron su primera canción, Love Me Do, lo habían admirado totalmente.

Como parte de estar a cargo de ellos mismos, ahora tenían su propia compañía, Apple. Se suponía que era altruista, para ayudar a otros a hacer música, así como para grabar sus propias cosas. También era una forma de gastar parte de sus vastas ganancias, en lugar de pagar el 98% del impuesto de la tasa máxima.Los ricos gemir hoy sobre impuestos. Deberían haber vivido en la década de 1960.

Apple resultó ser un terrible error. Fueron estafados, hubo discusiones entre ellos y choques con sus socios comerciales. Se ven lo suficientemente felices durante ese día con Don, pero durante el verano de 1968, los asuntos de Apple los estaban volviendo locos, ocupando más y más tiempo con reuniones y papeleo.

Foto: DON MCCULLIN

Foto: DON MCCULLIN

Individualmente, intentaban seguir su propio camino mientras seguían grabando como los Beatles. Ringo era a menudo un caído, sin saber si ser un actor de cine, un fabricante de muebles o un fotógrafo. Había comprado todo el equipo, tenía su propio estudio fotográfico, así que a principios de la primavera de 1968 le pedí que hiciera una sesión especial con cada uno de los Beatles y sus socios: John con Cynthia, Paul con Jane Asher, George con Pattie y Ringo con Maureen. Usamos las imágenes en mi biografía cuando salió en septiembre de 1968. (Tengo los originales todavía en mi pared, pero por desgracia dañados por una inundación).

Lo que tenían en común en 1967 y 1968 era lo que habían pasado, el tipo de experiencia que pocas personas de la clase trabajadora habían conocido. En cinco años, habían pasado de la nada a las personas más famosas del planeta.Habían creado música que duraría para siempre. Tenían tanto dinero que nunca más tuvieron que volver a trabajar. Y, sin embargo, seguían siendo hombres jóvenes, cada uno sentado en su vasta casa, pensando: ¿de qué se trata? ¿Es esto?

Habían logrado lo que habían deseado en 1962 con Love Me Do. Ser amado.Ser famoso. Estar arriba del poppermost. ¿Ahora que? Para entonces, también habían experimentado con drogas de todo tipo y asuntos espirituales. Y los encontré en su mayoría con ganas. Solo George todavía estaba luchando por comprender y explorar su vida interior y mística. En 1968, Paul me pareció el más contento, feliz en sí mismo, feliz como un Beatle y aparentemente feliz con Jane Asher, su prometida. John había encontrado a Yoko, pero estaba en un torbellino de salvajes y raras experimentaciones, recogiendo causas, respaldando a los revolucionarios. A fines de 1968, vivía en Portugal con mi esposa y dos de mis hijos cuando, de la nada, Paul llegó con una mujer rubia a la que nunca había visto antes. Supuse que era una groupie, una persona de una noche. – y su pequeña hija, Heather. Los tres se quedaron con nosotros por dos semanas. Linda resultó ser el amor de su vida. Ella lo salvó, de alguna manera, le dio un propósito y se hizo socio durante la separación de los Beatles.

DON MCCULLIN

Foto: DON MCCULLIN

La atmósfera en el estudio durante el verano de 1968 se había vuelto tensa y frágil, y sin embargo, el álbum blanco, lanzado en noviembre de 1968, resultó ser un gran éxito. Habían dos álbumes más por venir, Abbey Road en 1969 y Let It Be, retrasado hasta 1970. Pero para entonces todos sabíamos que había terminado. Los Fab habían terminado.

A pesar de lo que las fotos de Don pudieron haber indicado en el verano de 1968, ellos mismos ya sabían que el tiempo había pasado. Querían seguir adelante, pero no sabían dónde. Habían visto el mundo, y el mundo los había visto. Pero en el verano de 1968, comenzaron a darse cuenta de que ya no eran los mejores amigos de los demás.

 

Fuente: The Sunday TimesThe Beatles: The Only Ever Authorized Biography, de Hunter Davies

NME ya no se publicará en papel cada semana

La revista NME, que todos conocemos como “enemy”, dejará de publicarse en papel después de 66 años de existir como una de las publicaciones semanales especializadas en música más respetadas del orbe. Se muda exclusivamente a internet.

El sitio NME.com continuará vivo, recuerda The Guardian, y de pronto llegará al mundo real en papel en ediciones especiales, tal como el diario estadounidense Politico cobra vida, cuando la ocasión lo amerita.

Hay que recordar que fue en 2015 cuando la revista dejó de venderse, o de cobrarse, pues se convirtió en un medio gratuito ante la caída en circulación, que se llegó a desplomar hasta 15 mil ejemplares semanales. Para los mercados europeos y de países desarrollados, como Estados Unidos, tirar 15 mil ejemplares en papel es como no existir o ser un medio de culto.

Al cambiar su modelo de negocio, regresó a tirar más de 300 mil revistas a la semana, previamente soportada la impresión por acuerdos comerciales.

“Nuestro movimiento a medio gratuito ayudó a levantar la marca y a tener su mejor audiencia en la historia en NME.com”, dijo a The Guardian Paul Cheal, el director administrativo del grupo en Reino Unido, parte del grupo Time Inc. “También enfrentamos el alza en los costos de producción y un mercado de publicidad en impresos muy rudo Es en el espacio digital donde nuestro esfuerzo e inversiones se enfocarán para asegurarle un futuro fuerte a esta famosa marca”.

Recuerda The Guardian que la primera edición tenía a los Goons, Big Bill Bronzy y Ted Heath. Entre los primeros seguidores de la revista están John Lennon, Malcolm McLaren y Marc Bolan, y entre los que participaron con textos están Bob Geldof y Chrissie Hynde.

Las ventas de la revista tocaron su máximo de 307 mil ejemplares en 1964, cuando cubría lo último de The Beatles y los Rolling Stones.

También vivió una época dorada en los 70, cuando la publicación y sus redactores se convirtieron en porristas del punk y el new wave, y surgían leyendas como Joy Division y los Smiths, recuerda el diario británico.

La revista, cuyas iniciales corresponden a New Musical Express, comenzó a vivir presión en los 90, cuando internet comenzó a transformar la industria musical y poco después, con la llegada de Spotify, no supieron hacia dónde dirigirse.

Time Inc. dijo que NME estará explorando nuevas oportunidades para brindar periodismo de primer nivel al mercado impreso.

 

 

La banda elástica

Los grupos de rock son como las ligas, punto y no hay regreso. Lo que en realidad mantiene unida a una banda es su creatividad y el nivel de intensidad que ésta vaya logrando dentro de las filas. Es decir: la cohesión entre los miembros de una banda depende no de la camaradería o la personalidad de cada uno sino de la manera como la capacidad creativa va uniendo las piezas. Si todo dependiera del carácter de cada persona, bueno, no habría grupos de rock sino puro solista.

¿Por qué la referencia hacia las ligas? Simple. Porque la banda va estirando su creatividad poco a poco, con cada disco; por eso también los discos deberían ser conceptuales y no sólo una colección de sencillos en busca de audiencia, como si cada melodía compitiera con la otra. La creatividad es la que mantiene unidos a los miembros de la banda y, por ende, en evolución, hasta que llega un momento en el que la banda se estira tanto que, o se rompe, o se afloja y pierde tensión. O nunca se estira, de plano.

¿Cómo llegué a esto? Viendo el ‘Some kind of monster…’ de Metallica. ¿Cómo llegué al documental? No tengo idea, pero pareciera que tengo que escribir de Metallica a cada rato. En la pieza fílmica, que aparentemente todo mundo ya había visto menos yo, es posible observar la lucha de egos de Lars y James, la ahuevada pasividad de Hammet y la intromisión de un terapeuta quien con Bob Rock hacen de nanas de tres adultos asustados que se agreden mutuamente. Newsted se ve a cuadro señalando que eso le parece una insensatez y uno es testigo de la hechura de un disco muy malo con un largo y terrible proceso de trabajo. Las canciones de ‘St. Anger’ se crearon con un proceso similar a seguir un libro de instrucciones de Lego y, por ende, carecen de espontaneidad.

Es decir: la liga creativa de Metallica se aguadó, perdió tensión como sucedió con U2, The Cure y miles más. Algunas, como la de Nirvana, se quedó a la espera de hallar, quizás, su mejor momento porque en realidad no se había estirado lo suficiente.

Sé de muy buena fuente que el colectivo creativo de un grupo de rock nacional, cuyo nombre me reservo por ética, se lleva terriblemente mal fuera del estudio, las giras, etcétera. Más aún, entre ellos no se toleran en absoluto pero existe un punto en común, precisamente esa comunión artística que les permite hacer música, estirar la liga en el mismo sentido, aun cuando su sonido siempre haya sido ecléctico. Porque, finalmente, aunque al parecer los románticos lo hayan olvidado, la música es un negocio y un grupo es una empresa con sus reglas y leyes y códigos internos cuyo deber es llegar a un buen fin, con ganancias en lo económico y lo creativo. Eso no significa que no deba haber espontaneidad.

Uno de los principales mitos alrededor de la música radica en la fantasía de las historias románticas que, presuntamente, derivaron en la formación de una banda: una casualidad, alguna amistad en común, etcétera. En la mayoría de los casos es ficción pero tiene un objetivo: aderezar el mito alrededor de un grupo. Conociendo a un tipo tan mercenario financieramente como Brian Epstein, cómo saber si es cierta la historia que se mienta alrededor del descubrimiento de los Beatles, o si sólo fue una estrategia de mercadotecnia. Finalmente la inclusión de Starr en el lugar de Best fue algo más concerniente a la técnica de Malcolm McLaren.

Hace una década, cuando era becario del FONCA, una persona que trabajaba en una compañía de discos me pidió que escribiera la biografía de cierto nuevo lanzamiento de mexican happy punk, y como todos somos mercenarios dije que sí porque el cheque y la libertad creativa eran demasiado jugosos. Finalmente no hubo lanzamiento y, para no tener la cosquilla de lucrar con eso de nuevo, es decir, de revelar quién me contrató como negro de un grupo de niños bien metidos a punks, quemé la única copia física y eliminé el archivo de mi PC. Ni siquiera recuerdo el nombre de la banda pero era algo referente a una bicicleta. ¿Por qué iba a mentir? ¿Por qué iba a jugar con la gente? ¿Cómo iba a sentirme al ver que en las entrevistas dichos “músicos” contarían, de memoria, lo que yo había escrito? Por qué todo lo anterior si es precisamente algo que detesto.

Lejos de considerar a los avances tecnológicos y las plataformas de streaming que permiten grabar, producir y difundir música como los culpables de la falta de movimiento en algo que se llama pomposamente “movimiento”, todo señala que las bandas noveles han perdido su capacidad de sorpresa. Sí, todo está inventado pero siempre se le puede dar un giro interesante. Con eso no digo que no haya muy buena música actualmente.

Pareciera que existe un miedo total por estirar demasiado la liga hasta romperla. Y en todo caso sería más interesante quebrar una y otra vez la liga hasta encontrar una de buenas dimensiones y mejor hechura. Una que permita mayor campo de maniobra para un estilo. Radiohead estuvo a punto de romper su liga con una barrabasada comercial involuntaria como ‘Creep’, y prefirieron meter la liga al horno para comenzar a estirarla poco a poco con base en un estilo que evoca, sin dudas, a una liga bastante maleable pero que también tiene un punto sin retorno.

Una banda de rock no es un conjunto de personas sino de ideas, es un ente orgánico que nace, vive, respira, comete errores, tiene éxitos, se estira y muere. Y de la misma manera hay que consentirlo o regañarlo cuando es necesario, y ahí es en donde entramos los analistas musicales, el público, los cronistas, etcétera.

Se trata de hacer algo más que sólo escuchar la canción. Porque, a pesar de ir contra la esencia del rock, en él todos tenemos una responsabilidad. Si es que lo queremos tanto.

#SonicArsenal – Dejar para existir: la música de Charles Manson

 

“Mi música no es música. Es un rap, una plática. Nada de lo que hago termina. Lo hago de una sola vez desde el alma en trance. No es entretenimiento. No soy un payaso o un actor” – Charles Manson

 

Dicen que es un genio y que se hubiera tenido la oportunidad habría alcanzado a los Beatles, pero es mejor conocido por el otro camino, el de la infamia que refleja demasiados sueños ácidos y chicas hippies colgados a una secta que arrojó horrores para zonas todavía inexplicables. Su música es una metamorfosis que va de un cantante de folk, hasta una especie de icono contra lo establecido que observa desde un póster.

 

Su música definitivamente refleja la historia de su vida, que en su mayoría transcurrió en una prisión, muestra el rock que ‘Helter Skelter’ le impregnó y el punk que surgió todavía muchos años después de ser sentenciado a permanecer encerrado de por vida en una cárcel en California.

 

Mucho antes de convertirse en el personaje infame que hipnotiza con su mirada y un poco después de cumplir varias condenas por robo y fraude con cheques, Charles Milles Manson tenía la firme ilusión de convertirse en una voz de la contracultura y un compositor que impregnara a todos con sus pensamientos apocalípticos. Desde que llegó a Los Angeles persiguió un contrato discográfico y se unió a varios personajes para poder difundir su música, sin embargo sólo unos cuantos lograron escucharlo antes de convertirse en el autor intelectual de los asesinatos en la casa del director Roman Polanski.

 

LSD = VENERACIÓN

Antes de que los Beatles le confirmaran a través de ‘Helter Skelter’ que sus teorías sobre el fin del mundo eran reales (al menos así lo entendió), Charles Manson mostró su música, hizo varios demos y causó el caos en los estudios de grabación al querer incorporar a sus seguidores de La Familia en una sola toma, tan conflictivo fue el asunto que ningún sello quiso darle otra oportunidad cuando todavía era libre. Como muchas personas que lo rodeaban, Dennis Wilson y Neil Young lo veneraban y apreciaban su música, tal vez había demasiado LSD a su alrededor provocando algunas impresiones exageradas.

 

Wilson logró que los Beach Boys grabaran la canción ‘Cease to Exist’, que apareció en el disco ‘20/20’ bajo el título de ‘Never Learn Not to Love. La ayuda de Neil Young llegó mucho después, el músico le consiguió un contrato discográfico para financiar su defensa en el caso Tate-LaBianca y no se cansó de repetir que Manson “hizo un tipo de música que nadie había hecho antes. Podría sentarse con una guitarra, empezar a tocar y crear algo diferente cada vez. Solo salía y salía. Musicalmente pienso que es único. Tiene algo de locura, algo de grandeza. Era como un poeta viviente”.

 

Precisamente esa fama de pacheco, poeta y loco es la que lo convirtió en un icono desde el encierro, desde su celda creó a una estrella de rock que ha influenciado a mucho músicos, que recibe cerca de 60,000 cartas al año y que ha quedado plasmado en miles de camisetas desde 1969. Charles Manson decía que él y La Familia sobrevivirían al holocausto racial en el desierto y que así lograrían trascender en la historia, la verdad es que sólo Manson alcanzó su objetivo: volverse una figura que mueve masas a través de su música. El resto sólo fue encerrado y olvidado.

 

MÚSICA DE CHARLES MANSON 

 

INSPIRADOS POR CHARLES MANSON

 

  • ‘Look At Your Game Girl’- Guns N’ Roses incluyó como track oculto de ‘The Spaghetti Incident’ ésta canción original de Charles Manson.

  • ‘Piggy’ y ‘March Of The Pigs’ – Nine Inch Nails incluyó estas canciones en el disco ‘The Downward Spiral’, grabado parcialmente en la casa de Roman Polanski y que fue acreditado en el álbum como Le Pig of Beverly Hills Studio. Ambos tracks son referencia directa a la palabra escrita en la escena de los asesinatos con sangre: “PIG”.
  • ‘My Monkey’ – Canción incluida en ‘Portrait of an American Family’ de Marilyn Manson y que cuenta con cuatro líneas extraídas del corte ‘Mechanical Man’ de Charles Manson.
  • ‘ATWA’ – Corte inspirado por el movimiento ecologista “Air, Trees, Water, Animals” (conocido también como ATWAR) que impulsó Manson. Fue incluido en el disco ‘Toxicity’ de System Of A Down, en el booklet del álbum el grupo también le agradece su gran aportación a su música.
  • ‘Bloodbath in Paradise’ – Ozzy Osbourne se inspiró en Manson y La Familia para escribir ésta canción del disco ‘No Rest for the Wicked’.
  • ‘Tin Omen’ y ‘Worlock’ – Skinny Puppy incluyó en la primera sampleos de la voz de Manson. La segunda fue incluida en el álbum ‘Rabies’, en el punto medular de la canción puedes escuchar a Charles Manson cantando ‘Helter Skelter’ con Al Jourgensen (Ministry) haciéndose cargo de la guitarra.
  • ‘Death Valley 69’ – Sonic Youth grabó ésta canción para su disco ‘Bad Moon Rising’. El corte fue inspirado por la zona en la que La Familia se escondería y muestra a grades rasgos como fue la noche del 9 de agosto de 1969.

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