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La mitad de Roxy Music, ausente en su ceremonia de inducción al Salón de la Fama

Los integrantes Bryan Ferry, Andy Mackay y Phil Manzanera se presentarán este viernes 29 de marzo, sin embargo, Brian Eno y Paul Thompson estarán ausentes.

Roxy Music fue una banda londinense representativa del rock de los años 70 que tuvo una fuerte influencia en varios músicos y artistas famosos de diferentes géneros, como es el caso del cuarteto Ladytron, que tomó su nombre de una de las canciones del primer álbum homónimo de Roxy Music.

Roxy Music anunció su separación definitiva en el 2014, pues sentían que ya habían dado todo de sí y su trabajo en la escena había llegado a su fin, “Nuestro trabajo aquí está hecho” declaró Manzanera.

Después de tanto tiempo, la agrupación se reúne con la noticia de haber sido aceptados en el Rock & Roll Hall of Fame (Salón de la Fama del Rock & Roll) donde ya se encontraban artistas como The Cure, David Bowie, The Velvet Underground, U2, entre otros.

Se dice que tanto Eno como Thompson estarán ausentes por compromisos personales.

The Rolling Stones posponen gira por la salud de Mick Jagger

La famosa agrupación británica, autora de éxitos como “Paint it black” y “Wild Horses”, se vio obligada a posponer su gira por Norteamérica debido a que Mick Jagger presentó problemas de salud.

El día 30 de marzo, la página de The Rolling Stones dio el comunicado oficial en el que cancelaban su más reciente tour por Norteamérica y Canadá, esto debido a que Mick Jagger se encuentra en un estado delicado de salud y necesita seguir un tratamiento, por lo que no podría estar presente en la gira.

Jagger, de 75 años, declaró lo siguiente: “Me disculpo con todos nuestros fans de América y Canadá que ya tenían boletos, realmente odio dejarlos así. Estoy devastado por tener que posponer el tour pero estaré trabajando duro para volver tan pronto como me sea posible. Una vez más, una gran disculpa a todos.”

Sin embargo, hasta ahora no se han hecho públicas las razones por las que el intérprete de “Brown Sugar” debe estar medicado. Algunos de los integrantes expresaron su apoyo hacia el cantante y trataron de calmar a los fans con unas palabras:

Keith Richards hizo una declaración en su Twitter personal.

“Una gran decepción para todos, pero estas cosas necesitan cuidados y nos veremos pronto. ¡Mick, siempre estaremos para ti!”

Ronnie Wood también expresó su sentir respecto a la situación.

“Te extrañaremos las próximas semanas, pero esperamos volver a verlos a todos muy pronto. 
Aquí estamos para Mick, gracias por sus mensajes de apoyo, significan mucho para nosotros.”

También aclararon que para quienes ya tenían boletos no habría ningún problema, pues estos serían válidos para las nuevas fechas programadas.

The Rolling Stones vino a México por última vez en el 2016 como parte de su América Latina Olé Tour, con dos fechas en el Foro Sol. En dicha gira incluyeron países de Latinoamérica a los que no se habían presentado antes, como Uruguay, Perú y Colombia. Y fue de este tour donde se desprendió su épica presentación en La Habana, pues era la primera vez que el grupo pisaría tierras cubanas.

Mientras tanto, les dejamos uno de sus grandes éxitos, y esperemos haya Mick para rato.

Pete Doherty and The Puta Madres

Los sollozos de un rock que se niega a morir

Ya en algún otro momento nos habíamos puesto de acuerdo, en equipos y todo, sobre la importancia de llamarse Pete Doherty. Ese profeta de la desgracia que en su lánguido cuerpo lleno de alcohol, drogas y depresión lleva las últimas gotas de rock que quedan en el mundo.

Tal como lo han hecho Lou Reed, Bob Dylan, Leonard Cohen o Tom Petty, cada uno en su momento, en su estilo y en su sitio: tomar una historia, convertirla en mito y contárnosla en forma de riff de guitarra y voz garrasposa solo para que flote en nuestra memoria para siempre.

Así lo dice Guillermo Fadanelli en su Insolencia, Literatura y mundo: “Es el mito lo único que se tiene para sostener la mentira del vivir”. Así mismo lo ha venido haciendo Doherty, este samurai sobreviviente aferrado al misticismo estereotípico del rock durante ya casi dos décadas.

Su personaje es tan importante que sin él, eso que llamamos rock se iría desgastando como una pintura hecha en algún siglo remoto.

Pete Doherty es esa alma libre y triste que pinta de azul lo que toca. Viejo y joven a la vez, prefiere remojar las preocupaciones en un gran vaso de whiskey y de vez en cuando, nos sorprende pariendo pedazos de algo que parece magia en medio de este caos de pus y muerte llamado vida.

Desde el fugaz éxito de The Libertines, Doherty se ha esmerado por mantener este mito al borde. Desde chismarajos de revistas, hasta campañas de PETA. Como artista, poeta, o pintor, como actor o como un tipo equis al que una de las modelos más importantes de la industria de la moda le rompe el corazón.

Luego de que su inútil lucha contra las drogas le dejara un corazón herido y una banda  desecha, llegaron los Babyshambles como una pequeña bocanada de aire fresco a saciar nuestro hambriento corazón.

Ahora llega Pete Doherty and The Puta Madres (¿habían escuchado un mejor nombre de banda que este?) que se trata de eso justamente: El mismo Pete pero con Puta Madres.

Casi la misma fórmula de The Libertines o Babyshambles, pero con ligeras variaciones: guitarras solitarias que hacen solos, eso sí, bastante más robustas y estables. Un sintetizador como de peli de terror y una batería y bajo como testigos de todo.

Su voz de puberto precoz es lo que enmarca la fórmula, la misma sí, pero madura, consistente y entrañable, pero ante todo un nuevo nombre.

Esto lo sé porque apenas en enero de 2019 se estrenó en las radios del mundo “Who’s Been Having You Over”, el primer sencillo de esta genialidad de la nomenclatura.

Esta joya fue grabada en algún pueblito mágico y pesquero de Francia. Tiene once tracks y promete romperla para la primavera de este mismo año donde verá al fin la luz.

“Un devastador e íntimo retrato sobre el amor, las pérdidas y sentirse perdido” es como describe Doherty a sus Puta Madres y no sé ustedes pero yo ya ardo en escucharlo.

On Record: Pop, Rock and Jazz

Álbum de la semana:

THE 1975

A Brief Inquiry into Online Relationships

 

 

Después terminara la grabación de su nuevo álbum, los miembros de la banda, se preparaban para realizar una intervención a su vocalista Matt Healy con el fin de rehabilitarlo de su adicción a la heroína.  el líder de la agrupación ha pasado por varias recaídas en su adicción, llevando en una situación de subibaja, al ver a sus compañeros preocupados por él, Healy inicio una rehabilitación intensiva donde terminaría por una vez por todas con su adicción.  Cuando los cuatros miembros se volvieron a reunir después de este proceso, en el bucólico Northamptonshire, el panorama que se les presentaba era el mejor que pudieron haber pedido, ya que contaba con: dos álbumes en el número 1, un apasionado grupo de fanáticos y el mundo a sus pies, donde echarlo todo a perder habría sido un crimen y un terrible cliché.

 

Puede ser un poco extraño que su nuevo álbum maneja con un cierto tono de adoración, enojo y honestidad, los temas de adicción, las relaciones, las redes sociales, y pareciera que su música es la playlist del coche de Satanás que  se está llevando al infierno al mundo, pero podemos escuchar un cierto tono de alivio en la producción en general, la música, los sentimientos y la voz, expresa un sentimiento de alegría “Tenemos a nuestro cantante de vuelta. Ok, él es un desastre, está por todo el lugar, cree en una cosa en un minuto y al siguiente lo opuesto, pero … ¡uf!”, es una descripción confusa pero honesta de los sentimientos que podemos ver que están plasmados en su nuevo disco. Más corto que su último (doble) álbum que es extensa y se llega a divagara, aquí podemos escuchar la perfección del pop  (TooTimeTooTimeTooTime), existe un detonante en los escenarios (Love It If We Made It), luego una tangente a la cena de lachrymose -club jazz (Mine) y Americana-polvo (Be My Mistake) antes de posarse en una electrónica de estructura (How to Draw / Petrichor) y la canción épica, (lighters-aloft torch I Always Wanna Die).

Todo este contenido es una breve relación de la vida que llevaron los miembros de la banda durante todo el proceso que vivo su vocalista

 

MY BRIGHTEST DIAMOND

A Million and One

Rhyme & Reason

 

Maternidad y divorcio un nuevo nombre para Shara Nova, antes Worden, regresa a la escena musical después de un breve descanso de cuatro años. la cantante de Michigan con formación en música clásica, colaboradora en algún momento de David Byrne y Sufjan Stevens, siempre se ha distinguido por su dualidad donde podemos apreciar los arrebatos repentinos destellos de luz   que acompaña a las letras de Steely Resolution y con un pequeño toque de ferocidad.  escucharla su alma desnuda con su fuerza es una sensación brutal, pero al mismo tiempo calmada. “Tú quieres ver mis dientes y yo quiero ver Champange”. Podrás citar a San Vicentes como una clara influencia, excepto que Nova lo hizo primero.

 

NEIL YOUNG

Songs for Judy

Shakey Pictures/Reprise

 

Oh, la ironía. cuando Young presenta este álbum en vivo advirtiende a las madres ruidosas y molestas que gritan por las viejas canciones “Si te gusta demasiado la vieja

música, sabes que, buena noche” o al menos son buenas noche para él, este álbum se eliminó de su gira de 1976, así que toda esta música es vieja, algunas muy viejas (una pista de Buffalo Springfield, Mr Soul); algo viejo, pero algo nuevo (la balada de anhelo que No One Parece Parece tener su primer lanzamiento); y algunos 100% clásicos (Heart of Gold, After the Gold Rush). así que buenas noches, pero con dulces sueños.

 

JEFF TWEEDY

Warm

dBpm

 

Tweedy es responsable de tres de los mejores eventos relacionados con la música de este año. Primero, un set de Wilco box que venía con un hacha de tala real (¡para todos los leñadores musicales!); luego sus memorias, Let´s Go (So We Can Get Back), donde nos enteramos de su papel en la transmisión de notas coquetas entre Mavis Staples y Bob Dylan; y ahora este álbum, donde se exploran maravillosamente las melodías de Wilcoesque en Some Birds, I Know What It Like y Let´s Go Rain, mientras Tweedy profundiza en sus propios impulsos más oscuros de “Having Been Is No Way to Be”.

 

ALESSIA CARA

The Pains of Growing

 

Ganadora del Grammy a mejor nuevo artista, de este año, la cantante canadiense se hizo famosa como adolescente en el 2015, cuando su primer sencillo, “Here´2”, obtuvo triple platinos en los Estados Unidos. Su álbum debut por lo contrario fue una decepción, pero el continuo deseo de mejorar lleno de personalidad la llevó a escribir cada canción en solitario, buscando así mejorar, este sentimiento la podría llevar a ser la siguiente Camila Cabello para el próximo año. Reflexiono sobre la montaña rusa que puede a llegar ser las emociones sin llegar a caer en la autoayuda, habla de las canciones íntimas que se sumergen en el dancehall, broody synth pop y folktronica.

 

BRYAN FERRY AND HIS ORCHESTRA

Bitter-Sweet

BMG

El hombre del esmoquin va de nuevo viajando en el tiempo. Si estabas intrigado por los instrumentos en su álbum Jazz Age, no serás desmotivado por las versiones de la era de Weimar de canciones de su repertorio y del repertorio de Roxy Music. Ferry agrega voces louche adecuadas y aunque muchos fanáticos prefieren los originales, se acerca a generar un ambiente lleno de humo que recuerda al gran Paolo Conte.

 

AFRO CELT SOUND SYSTEM

Flight

ECC

La fórmula Afro Celt puede sentirse como el equivalente del amor al audio, el collage de melodías y ritmos tradicionales sofocados por un ritmo de pista de baile sin remordimientos. Una meditación sobre las fuerzas de la migración, este conjunto funciona mejora cuando los invitados se une a la melodía, incluyendo un coro de la República Democrática del Congo, que pareciera que se mueven al centro del escenario. Las voces realmente toman vuelo.

 

SHOCK OF THE WEEK

MARIAH CAREY

Caution

RCA

Aquí hay una sorpresa: su decimoquinto álbum es una revelación. En su mayoría, a tiempo del ritmo R&B, Carey rinde homenaje a su apogeo en la década de 1990, pero actualiza sutilmente su sonido. Fuera de sus exaltaciones en el canto, nos presenta tonalidades más suave y sensual, su voz trippy en The Distance son una revelación. En cuanto a las letras, prescinde de los hombres que no alcanzan el placer, maldiciendo dulcemente mientras nos muestra su coraje o se hace una con las atmósferas musicales. Abundan los raperos invitados, pero ninguno le roba el escenario. Es el retrato de la balada es un punto culminante, pero sin tener relleno aquí.

 

MUST-HAVE REISSUE

KATE BUSH

Remastered

Parlophone

Lanzada en dos presentaciones, esta reedición de cuatro cajas, disponible en vinilo y CD, incluye los 10 álbumes de estudio de Bush, junto con rarezas, remixes y versiones de portada. En cualquiera de los dos formatos, estás viendo cientos de letras para todos los gustos, así que podrás elegir según tu estilo. Las cajas 1 y 2 te llevan de The Kick Inside a The Red Shoes, que es una espectacular y genuina carrera creativa por sí misma. Pero hay un montón de riquezas, así que puede ser el momento de comenzar a dejar caer algunas pistas en el período previo a la Navidad.

 

BREAKING ACT

SUZI WU

 

 

 

¿Quién es ella? Una cantante nacida en Blackpool, con base en Londres, con el nombre real de Suzie McDermott y recientemente firmó con AMF / Def Jam. Su segundo EP, Error 404, es una explosión de punky, una polémica parecida a la de Neneh Cherry, una flagelación que arrastra y purga el alma, un electro con TDAH con muestras pesadas y un pop descarado. La pista principal, Grim Reaper, se inspiró en la mala salud de sus padres y es tan conmovedora como feroz. Puede escuchar la influencia de la colección de discos de su madre (profundamente genial): Patti Smith, Riot grrrl, Beastie Boys, Beck, pero es lo que hace con ella lo que la distingue. En la superficie, estas canciones tienen en herramientas de precisión y son prácticamente perfectas.

¿Cuándo está disponible la música? su material será lanzado el 18 de enero; escucha a Grim Reaper en soundcloud.com/therealsuziwu.

 

PISTAS MÁS CALIENTE

 

 

Celeste: Lately

Un lamento del alma con un toque de humor que se presenta en la noche, eso es la nueva canción de Brighton hot tip is a spare, strung-out stunner.

The Magic Gang ft Jessie Ware: Take Care

Las cuatro piezas de la costa sur de los Estados unidos está destacadas en su álbum de debut, con la divina Ms Ware a lo largo del viaje.

Slowthai: Doorman

Producida por Muara Masa, esta mezcla llena de ritmo y punk de un extravagante rapero, te preparan para un candente 2019.

 

On Record: pop, rock y jazz

ALBUM DE LA SEMANA

MARIANNE FAITHFULL
Negative Capability

BMG

Tronada en París, acosada por problemas de salud —artritis, espalda fracturada, cirugía de cadera fracasada— y en duelo por la muerte de amigos, Marianne Faithfull está, milagrosamente, arreglándoselas para hacer alguna de la mejor música de su carrera mientras lucha con el dolor físico y emocional. Trabajando con un equipo de ensueño que incluye a Nick Cave y Warren Ellis, Ed Harcourt y Mark Lanegan, con 71 años, ha alcanzado una edad en la que el tiempo para reflexionar es una condición más que una opción. Usa ese tiempo aquí bien, en un álbum solista que, a través de su artística elección de material, se detiene en múltiples publicaciones de puesta en escena, musicales y teatrales, y es aún más poderosa por ello.

Una portada de “It’s All Over Now, Baby Blue”, reelaboraciones de “As Tears Go By” y “Witches Song” (de Broken English), un dueto con Cave —“The Gypsy Faerie Queen”— inspirada en “A Midsummer Night’s Dream”: recuerdan la longitud y amplitud de su irregular carrera, a menudo problemática. Las nuevas canciones también tienen la suya: la conmovedora “Born to Live” (escrita para Anita Pallenberg); una escalofriante co-escritura con Lanegan sobre la masacre de Bataclan (“They Come at Night”); La inquietante “No Moon en París”. De principio a fin, la música es austera, cortés, fantasmal, refuerza los temas de la pérdida, la soledad y el tormento. Puede que Faithfull no esté viajando “a través de París en un auto deportivo con el cálido viento en su cabello”, pero es para nuestra gran suerte que, habiendo buscado allí, esté haciendo música tan visceral y convincente como esta.

JEFF GOLDBLUM
The Capitol Studios Sessions

Decca

La estrella del cine como pianista de jazz. Si viste a Goldblum como invitado en The Larry Sanders Show hace años, sabes que puede manejar a un vamp Miles. Mientras la audiencia grita, él se divierte en los estándares, con el trompetista Till Bronner haciendo solos. Imelda May agrega un cameo y Sarah Silverman se tambalea a través de “Me and My Shadow”. Con un toque cinematográfico, la banda se despide con el tema de Nino Rota “Amarcord”.

BARBRA STREISAND
Walls

Columbia

“What happened to just being kind?” El acercamiento a corazón abierto de la cantante sobre la división política de Estados Unidos puede sonar como una tarjeta de felicitaciones de una homilía. Pero en un momento en que las cosas parecen ir de mal en peor, al menos merece recibir crédito por sostener su estandarte en alto. Realmente tienes que ser un fanático para disfrutar de su acoplamiento lacrimoso de “Imagine” y “What a Wonderful World”, pero “Don’t Lie to Me” tiene un ritmo convincentemente contemporáneo.

SUN KIL MOON
This Is My Dinner

Caldo Verde

Inspirado en su gira europea el año pasado, el nuevo lanzamiento de Mark Kozelek pone a prueba la paciencia de una maneras que ni siquiera las secciones más autoindulgentes de la obra del cantante de San Francisco han logrado hacer. Si puedes llegar a la segunda mitad, encontrarás covers con cariño de canciones de David Cassidy y AC/DC. Para llegar allí, tendrás que navegar a través de extensas y enfurruñadas historias de viajes llenas de misantropía Trumpiana, sexismo repelente, pedantería que agota el alma y ocasional ingenio mordaz. Buena suerte.

DAVID ALLRED
The Transition

Erased Tapes

Allred ha twitteado que estaba “tratando de volver a aprender cómo apreciar la música de la misma manera que lo hacía cuando tenía 14 años”. A todos nos gustaría hacer eso, y —claramente— una forma sería escuchando “The Transition”. Esta es la música de la belleza trascendente. El sonido mínimo de Allred, a menudo solo voces en capas o tal vez un piano y un contrabajo, alcanza una pureza extraordinaria que solamente algunos artistas alcanzan. Sumérgete en sus drones que son como himno y emergerás renovado, limpio, tal vez incluso curado.

BILL RYDER-JONES
Yawn

Domino

Desde que dejó “Coral”, Bill Ryder-Jones ha producido trabajo que va de género en género. En “Yawn”, dirige su atención a hacer una raqueta realmente fuerte con su guitarra. El resultado es brillante. “There’s Something on Your Mind” tiene la intensidad de Mogwai o Neil Young de la era Arc; “There Are Worse Things I Could Do”, es básicamente Lou Reed cantando algo del tercer álbum de Velvet Underground, respaldado por Pixies; mientras que Mither (¿título de la canción del año?) presenta un riff de cuatro notas bajado directamente del Monte Olimpo.

THE PRODIGY
No Tourists

BMG

Olvídense de la mediana edad. A lo largo de 10 canciones, Liam Howlett hace travesuras como un niño que vive de los antros. Hablando del sonido, el séptimo álbum de su banda pisó terreno familiar —los estruendosos ritmos del hip-hop, los aplastantes sintetizadores de rave, un desquiciado Keith Flint gritando lemas sin sentido— pero es la eficiencia con la que Howlett captura el caos que convoca el apogeo de “Prodigy”. La muestra ultramagnética de MCs de “We Live Forever” hace referencia a “Out of Space” de 1992, mientras que “Barns Courtney” canaliza a John Lydon en “Give Me a Signal”.

ROCK RAP DE LA SEMANA

IMAGINE DRAGONS
Origins

Polydor

A pesar de haber sido catalogado como una pieza complementaria para el exagerado “Evolve” de 2017, “Origins” es por mucho un mejor disco. Imagine Dragons no conoce la sutileza, pero en éste, al menos hay matices de ella, y la voz de Dan Reynolds tiene el espacio que necesita para brillar. Las percusiones de “Boomerang” se acercan al ensueño, “West Coast” es country empapado de acústica y “Love” es electro dulce y cantable. Pero son las estruendosas pistas de rock-rap que mantendrán las corrientes de la banda en aumento: “Natural” ya es un éxito.

DEBEN SER REEDITADOS

FLEET FOXES
First Collection 2006-2009

Nonesuch

Para conmemorar su décimo aniversario, el álbum debut de Fleet Foxes vuelve a aparecer con un paquete de extras que incluye su primer EP (homónimo), el “Sun Giant EP”, un folleto, lados B y otras peculiaridades. Las canciones de country, folk y pop de la banda de la costa oeste de Seattle —que actuaron como una carta de amor en forma musical de armonía cercana a un idilio pastoral americano que posiblemente nunca existió— llegaron como si fueran de otra época, provocando caídas nostálgicas en críticos y en los mejores lugares de fin de año.

ACTO DISRUPTIVOS

VERA SOLA

¿Quién es ella? Danielle Aykroyd, cantante, poeta y multi-instrumentista basada en Nueva York y Canadá. Describe “Shades”, su álbum de debut, como “la monstruosa suma quimérica de todas mis experiencias” (dicho como una verdadera poeta —una con una licenciatura en literatura de Harvard, para arrancar). Las 10 pistas vívidamente detalladas del álbum, imponen letras negras y astutamente humorísticas sobre las experiencias de sus personajes femeninos, tribulaciones, triunfos y errores en la música que mezcla folk-noir, rockabilly y alt-country, emitidos en una voz —o voces— que un minuto aluden a la dicción de cristal tallado de Marianne Faithfull, y al tembloroso y conspirativo canturreo de Johnny Cash al siguiente. Un talento absolutamente singular.

¿Cuándo estará disponible su música? El viernes, en Spectraphonic; verasola.com

PISTAS MÁS CALIENTES

Connie Constance: Fast Cars

Ecos de Neneh Cherry y de Bat for Lashes por aquí, en la brillante y ardiente canción de la nueva cantante de Watford, ferozmente polémica.

 

Gloria: Dancehall No 3

Del nuevo y maravilloso Ep de Seonset, el psíquico-pop de Lyons, una canción que simultáneamente canaliza los mediados de los años sesenta, Stones y Abba.

 

Hatchie: Adored

La nueva canción de la cantante y compositora australiana Harriette Pilbeam es pura alegría y pop de ensueño.

 

Texto tomado de The Sunday Times: https://www.thetimes.co.uk/article/pop-rock-album-review-marianne-faithfull-negative-capability-k835nwg7r?shareToken=a7a2c593fec9bc89b8e15e3535478928

Mark Farner: uno de los pilares del stadium rock, en México

Mark Farner es ampliamente conocido en el mundo del rock como el flamante líder y fundador de la banda Grand Funk Railroad, en la que se desempeñó durante años como voz principal y guitarra.

Además de componer la mayoría de los éxitos de esta legendaria agrupación, el cantautor y guitarrista estadounidense, también tiene una carrera solista trascendente que inició con los discos Mike Farner y No Frills.

 

 

Desde entonces, el músico ha alternado distintos periodos entre algunos revival de Grand Funk y su carrera en solitario, grabando éxitos como “Is not it Amazing”, que le valió una nominación al premio Dove y con la que alcanzó el número 2 en las listas de música cristiana contemporánea.

Con una trayectoria que incluye más de 25 discos grabados y una reputación en vivo que reafirma su leyenda, actualmente Farner se dedica a salir de gira con su banda, N’rG, con la que alterna varias composiciones de Grand Funk con las de su etapa en solitario.

 

 

Ahora, el también miembro del Salón de la Fama de las Leyendas del Rock and Roll de Michigan, visita México para presentarse en el Pepsi Center del WTC este 28 de noviembre… Y Rock 101 te llevará hasta ahí.

 

 

Crisis, cuando la música nos separa

2018, las palabras resuenan en la boca de todos sin mayor problema. Se esparcen en busca de la verdad absoluta sin que importe nada ni nadie. La personalidad es cosa del pasado pues hoy pareciera que las tendencias nos obligan a ser distintos cada día para hablar de todo. Sin duda, las redes sociales son hoy una causa de esta falta de definición pero peor aún, de una crisis de lenguaje. Por lenguaje habré de referirme como el conjunto de todas las formas de expresión, llámese oral, escrito o visual.

La crisis del lenguaje me resulta evidente como estudiante de Ciencias Sociales y como consumidor de la abundante información que hay en Internet todos los días. La realidad es que nunca imaginé que esto fuese posible en el mundo de la música pero ¿qué habría de esperarse de este mundo globalizado? Quizá una primer respuesta sería la forma en cómo se complementan los gustos musicales de distintas generaciones, enseguida de cómo estas se acompañan de letras, idiomas y tradiciones. Una última respuesta sería la fascinante oportunidad de ver en vivo a una banda de Yokohama, Japón un lunes por la noche en la colonia Doctores.

Teniendo presente esta teoría de la música global es que es más fácil identificar una serie de cuestiones que denotan en una crisis de lenguaje. Falta de imaginación, carcomer la imagen de lo femenino e incitar la violencia, son sólo algunos incipientes del mal uso de la palabra dentro y fuera de la música.

Por ello vimos hace unos días a un René Pérez (Calle 13) indignado por su supuesta participación en un festival encabezado por Maná. Por ello existe un sector de la sociedad que deduce que el “rock ha muerto”. Por ello hay artistas que engalanan su trabajo menospreciando el de otros (que hacen reggaeton, por ejemplo). Por ello la música en otro idioma que no sea el español parece otorgar cierto estatus.

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La diversidad en la música y como en otros tantos ámbitos, parece confundirnos en vez de permitir seguir conociendo. Los propósitos de la música nunca fueron ni serán el de dejar como legado una serie de estereotipos.

La indumentaria, las canciones descargadas, el tipo de boleto que compramos, las canciones que nos sabemos y las que no, la forma en cómo bailamos, la forma en cómo nos expresamos; ha sido producto manifiesto del mundo globalizado en el que hoy vivimos y padecemos. En efecto y como expuse al principio, la crisis del lenguaje no es exclusivo de la música y desde luego de la mercadotecnia. A mi juicio, se trata de un efecto de nuestra propia historia, sujeta a la tecnología y la malversación de los medios impresos.

En contraparte, fue inevitable la apertura – por decirlo de alguna forma- de la información y con esto la creación de nuevas formas de comunicación. Por suerte, esta coyuntura dio pie a muchas ventajas en el mundo de la música: la forma de comercializar y exponer proyectos nuevos fue más fácil. Los documentales sobre música tuvieron un nuevo giro que otorgaron mejores contenidos. La fotografía, la redacción e incluso el diseño gráfico se volvieron plataformas de impulso a fin de conocer nuevas bandas y claro, nuevos sonidos.

¿Qué decir de los festivales? La exigencia de nuevos espacios de fomento a la música, aunado a la diversificación de artistas, hoy nos permite tener festivales para todos los gustos. Así pues, el contenido musical ha crecido pero también ha cambiado y por desgracia hay un sector del público que aún se opone a las nuevas formas de consumo, quizá por nostalgia, practicidad e incluso por costos. Al final es válido y enriquece la cultura por igual. Nos muestra estilos y anécdotas de lo sencillo que era hacer música. Desde la poesía de Jim Morrison y Kurt Cobain hasta lo difícil que fue conseguir un vinilo de The Cure o de simplemente conocer un poco lo que fue la represión social en tiempos de Avándaro 71. Lejos de reconciliar al pasado con el presente, pareciera que sólo prevalece una búsqueda constante de autenticidad por encima del otro.

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El ejemplo más claro e instantáneo es el parafraseo que hay alrededor de la escena del reggaeton, donde ciertas personas e incluso artistas asumen la tutela de criticar de forma exacerbada todo lo que devenga de ese estilo de música. De los fans se ha hablado de sus condiciones de vida y hasta de su intelecto. Falso despotismo. En fin.

Ventajas y desventajas que no son casualidad pero sí consecuencia de una confrontación constante entre la diversidad de pensamiento. No hay verdades absolutas pero sí transformadoras. La crisis es un complejo de opiniones de las que todos quieren ser parte sin saber asumir sus consecuencias, para bien o para mal.

Hoy el espacio fue dedicado a la música, sin embargo, esta carencia de diálogo es ya un acontecer social. Hoy se habla del final de una era opresora y de estancamiento político pero lo cierto es que estamos en un punto de incertidumbre que inquieta a algunos y entusiasma a otros. Llámese música o política, el comparar y subestimar el juicio del otro es todavía una enfermedad que a todas luces parece contagiable.

Sin más, el tiempo ha evolucionado a la música pero ha segmentado a sus fans.

La sacerdotisa del punk, sobre los hombres a los que ha amado

En la década de 1970, rompió las reglas del rock’n’roll… luego abandonó la vida de giras por la maternidad.

En la víspera de su regreso a la gira por el Reino Unido, Patti Smith le cuenta a Chrissy Iley, del Times, cómo hizo su mejor trabajo lejos del centro de atención.

Voy a conocer a Patti Smith en un café en el centro de Nueva York. Ella me ha mandado un mensaje de texto para decirme que está sentada atrás, así que me dirijo directamente a la mujer con gafas de John Lennon, con cabello largo y enmarañado. La camarera dice, “Oh, estás con ella”, y asiente con una mirada de despreocupado respeto. Es el local de Smith, ella está aquí todos los días. Siento que ya la conozco un poco. Hemos tenido un intercambio de correos electrónicos y llamadas para configurar esta entrevista. Ella terminó como mi asesora de migraña, muy enriquecedora. No es lo que esperaba. No la mujer con cuya imagen crecí.

Cuando estaba en la escuela, un amigo me introdujo su álbum debut de 1975, Horses, y me dijo: “Te encantará esto. Es Sylvia Plath cantante, pero mucho más cool”. De hecho, lo era. Una poeta prepunk cuya canción más exitosa, Because the Night, lanzada en 1978, co-escribió con Bruce Springsteen.

El álbum Horses fue todo acerca del look. La portada hecha por el fotógrafo Robert Mapplethorpe, compañero de habitación y amante de Smith en la década de 1970, retrataba a una criatura andrógina elegante con una camisa blanca, una corbata de cinta y un blazer de niño colgado de un hombro. Blanco y negro. Una imagen tan poderosa. Ella era, sin embargo, tímida y vulnerable. Nunca había tenido la intención de ser una cantante de rock’n’roll — vino a Nueva York como poeta — así que no fue un sacrificio para ella renunciar a su gira para casarse con el guitarrista Fred “Sonic” Smith en 1980, vivir en los suburbios de Detroit y ser una esposa y madre de sus dos hijos.

Cuando Fred murió de insuficiencia cardíaca a los 45 años en 1994, se vio obligada a volver a hacer álbumes y giras. Pero nunca había dejado de escribir. Ella ya había estado trabajando en Just Kids, un memoria bestseller de su vida con Mapplethorpe, publicada en 2010. En ese libro, vemos que es compleja, una buena chica haciendo cosas malas o una chica mala haciendo cosas buenas.

La noche antes de que nos encontráramos, organizó una premier en el Festival de Cine de Tribeca para el documental Horses, que salió en Apple Music la semana pasada. Realizó un corto set junto con Bruce Springsteen y Michael Stipe. Lo que fue una improvisación casual para Smith, de 71 años, se convirtió en el boleto del festival. Su gira por el Reino Unido comienza el sábado en el Brighton Dome.

Hoy está usando una camisa de franela de tartán rojo y una camiseta con la que ha dormido, que le regalaron los Electric Lady Studios, donde grabó Horses, y donde pronto terminaremos porque el café es demasiado ruidoso. Hubiéramos ido a su casa, pero, explica, su hija, Jesse, que dirige una organización que lucha contra el cambio climático, está envuelta en reuniones allí.

Ella sonríe cuando menciono el estreno de Horses. “Fue una noche maravillosa”. En ese momento, su hijo, Jackson — el guitarrista de la banda, ahora de regreso en Detroit — llama. Ellos conversan cálidamente. Luego, Jesse llega al café para llevarles a ella y a sus colegas algo para llevar. Todos caminamos hacia los estudios. Jesse se eleva sobre nosotros. “Solía ​​ser alta”, dice Smith, “hasta que tuve hijos. Mi hijo mide seis pies con cuatro pulgadas”.

Smith ha agregado un blazer de Ann Demeulemeester a su conjunto. Cuando estaba en la ruina, Demeulemeester le envió una maleta llena de prendas de la pasarela. Smith se da cuenta de que llevo puesta una de las camisas de ojal de la diseñadora. “Tengo la misma”, dice con entusiasmo, “y se hicieron muy pocas”.

Una vez dentro de Electric Lady Studios, construido por Jimi Hendrix, ella me lleva al estudio donde se grabó Horses. Subimos a un lugar tranquilo con un sofá de terciopelo y un piso tapizado. En esos días previos a Instagram, las cosas eran diferentes. “Las cosas cambian a medida que envejeces”. Cuando era más joven, era extremadamente fotogénica y me fascinaba tomarme fotos. En estos días, no estoy tan fascinada con mi propia imagen, pero me gusta conectarme con la gente. En Instagram, no tomo muchas fotos de mí misma, pero tomo fotos del mundo. Nunca antes había apreciado el teléfono, pero ahora lo encuentro muy útil. Puedes escribir sobre un café en Eslovaquia o tu poeta favorito“.

Smith creció como testigo de Jehová. Su madre la animaba a leer la Biblia todos los días. Ella lo encontró como una herramienta creativa, y la religión aparece a lo largo de su trabajo. Comienza la Gloria seminal: “Jesus died for somebody’s sins but not mine.”

“Cuando era una niña sentí un parentesco con el catolicismo”, me dice. “Fue casi completamente estético. Éramos una familia pobre y encontré objetos de catolicismo que mis amigos tenían — como rosarios, imágenes sagradas — fascinantes. Pero no me atraía el dogma de la iglesia. Mi madre me enseñó acerca de Dios cuando tenía tres años. Fui una lectora precoz para cuando tuve tres años. No una niña genio ni nada, pero fui a la escuela bíblica temprano en la vida. Fue muy espartano. Estaba fascinada con la diferencia entre nuestra sala de reuniones de los Testigos de Jehová, que no tenía adornos, y luego ir con un amigo a misa, que era como estar dentro de un joyero. Y parecía mágico hasta que una monja me golpeó en el trasero por no sentarme en los momentos adecuados. ¿Te imaginas a Jesús haciendo eso? Jesús fue un maestro notable. He leído la Biblia toda mi vida y todavía la leo un poco porque mi hermana [Linda] es una testigo de Jehová. Ella lee las Escrituras todos los días, y tenemos un buen ritmo de tener estudios bíblicos juntas. Es una hermosa manera de conectar entre nosotras”.

Smith creció principalmente en Pitman, Nueva Jersey, la mayor de cuatro hijos. Su madre era una cantante de jazz que dejó de cantar para criar a la familia y trabajar como camarera. Su padre, un antiguo bailarín de tap, trabajaba en una fábrica. Ella es cercana a Linda, pero menos cercana a su otra hermana, Kimberly, 12 años menor que ella. La canción Kimberly, en Horses, fue escrita para ella. “Ella ha tenido muchas dificultades en su vida. Hago lo mejor que puedo por ella”, dice Smith. “Las personas evolucionan de diferentes maneras”.

Era muy cerca a su hermano, Todd, quien murió repentinamente un mes después de que su esposo lo hizo. “Todd tenía una válvula cardíaca defectuosa, que, si lo hubiera sabido, una pieza de plástico de 39 centavos podría haberla detenido”. Fue un golpe terrible. Mi hermano estaba tan animado, tan enérgico, tan amoroso. Un gran hombre. Un doble golpe, porque después de la muerte de Fred habíamos decidido que mi hermano vendría a vivir conmigo y me ayudaría a criar a mi hijo e hija. Sentimos que esa sería una transición positiva y buena porque mis hijos lo amaban, pero luego murió. Él no tenía síntomas. Acaba de suceder. Nos llevó mucho tiempo reconciliarnos “.

En 1989, había perdido a Mapplethorpe por SIDA. Más tarde, su pianista murió por el mismo problema de válvula cardíaca que su hermano. “No podía imaginarme algo peor que perder a Robert, pero todo mi mundo era aflicción. Me estaba recuperando emocionalmente cuando Fred murió”.

Ella tomó su matrimonio muy en serio. En ese momento, las feministas se quejaban de haber cambiado la vida del rock’n’roll para ser una esposa y una madre, lo que implicaba que era una gran traición.

“Cuando era joven, fui entrevistada por la revista Ms. Vinieron a mi departamento y yo estaba lavando la ropa de mi novio. Era un músico de gira y el periodista lo encontró tan desagradable, pero yo dije que él pagaba por nuestro departamento y que a mi me gustaba lavar la ropa. Ella lo encontró tan anti-feminista, sacó la historia. Pero si quiero tratar a mi esposo como un rey, lo trataré como un rey. No quiero ser definida por nada. No quiero que me definan como una sacerdotisa punk. El salvaje mustang de roca —como sea que me llamaban. Hice mi mejor trabajo cuando estaba casada y fuera del centro de atención. Y la gente lo encontró tan vil. Hacían artículos sobre mí que me representaban volando por el aire con ubres. Me convertí en una vaca doméstica, pero florecí. He estado escribiendo poesía e historias desde que tenía 12 años. Siempre me he considerado una escritora”.

Ella vino a Nueva York para ser poeta y conoció a Mapplethorpe mientras vivía en las calles y trabajaba en Scribern’s Book Store en la Quinta Avenida. “Empecé a escribir poesía y, gracias a mi energía, sin planificarla, comencé a fusionar el rock y la poesía orgánicamente”, explica. “Nunca esperé hacer un disco. Nunca esperé hacer una gira. Pensé que volvería y trabajaría en la librería, pero siempre quise ver el mundo y nunca tuve dinero, así que estaba encantada. Fuimos a Londres, París y Finlandia. Todavía pensaba que volvería a la librería, pero luego me ofrecieron otro disco. Sentí que, en el transcurso de cuatro álbumes, dije todo lo que tenía que decir. Hubieron todas estas entrevistas y estaciones de radio. No sentía que estaba evolucionando como ser humano. No sentía que mi escritura estaba evolucionando. Sentía que estaba pasando una gran cantidad de tiempo con estas actividades extracurriculares, y debido al estrés, me estaba convirtiendo en una persona arrogante, o mejor dicho exigente. Me guardaba todas estas cosas, pero cuando conocí a Fred en Detroit mientras estábamos de gira — él había tenido éxito en la banda MC5 — y ahora tenía otra banda, Sonic’s Rendezvous Band… “

Ellos se enamoraron. “Supe que él era el indicado inmediatamente”, dice Smith. “No sé por qué, pero lo hice”. Sabía que me casaría con él, pero realmente no quería una relación a larga distancia. En ese momento, si yo estaba en Irlanda y él estaba en Detroit, costaría $300 hablar con él durante 20 minutos. Siempre estábamos separados y no quería separarme más de él. Era un chico de Detroit y le era leal a Detroit. ¿Qué quería hacer? No todo estaba basado en el amor, pero en el esquema de las cosas hay todas estas grandes bandas nuevas y pensé que el rock’n’roll estaría bien sin mí. No importaría si estaba allí o no”.

Mientras estuvo fuera del centro de atención en la década de 1980, escribió prolíficamente. “No publiqué nada”, dice ella, “pero aprendí a escribir”. Si no hubiera sido por esos años, no hubiera podido escribir Just Kids. También creo que me convertí en una mejor persona. Al principio no me preocupaba lo que estaba sucediendo en el mundo, solo quería ser una artista. Pero al casarme y tener hijos, aprendí cómo era ser ciudadana. Mi madre y mi padre lucharon y fueron muy trabajadores, y luego vi por mí misma lo difícil que es cuidar a una familia, hacer tres comidas al día y lavar y planchar”.

¿Ella vivía de las regalías? “Vivimos muy frugalmente. Tuve una canción exitosa, Because the Night, y un par de canciones moderadamente exitosas. Vivimos realmente simple. Cuando realmente necesitamos dinero en 1987, Clive Davis [el fundador de Arista Records] nos dio el dinero para hacer [su quinto álbum] Dream of Life“.

Como artista que vivía en Nueva York a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, había vivido solo con sus materiales de arte; sin teléfono, sin televisión. “Nunca tuve un televisor en los años setenta, pero Fred, un hombre de Michigan, tenía que tener su televisor. No nos privamos. Vivimos simplemente”.

¿Crecer como testigo de Jehová y acostumbrarse a una vida espartana la hace más complaciente con esto? “No, no creo que haya tenido nada que ver con eso. Estéticamente, siempre me gustaron las cosas que me gustaban, ya sea que las tuviera o no. Tuvimos muchos momentos difíciles cuando no había suficiente para comer y estaba muy enfermo. Tenía problemas de bronquios”.

Ella todavía tose mucho hoy. Ha renunciado a ciertos alimentos, como los tomates y las berenjenas, por razones de salud, y en el café come betabel asado, a pesar de que no le gusta. Ella dice que no está gravemente enferma, pero tiene que cuidarse sola. Cuando era una artista en pena, no le importaba. “Todos sufrieron. Van Gogh era pobre, William Blake era pobre. Su trabajo no fue recibido por nadie, así que me sentí lista para eso. No tenía que ver con la religión. Era una cierta cantidad de sacrificio, y la dificultad era cómo debía ser. Robert, por otro lado, no le encontró nada romántico a la pobreza. Él quería ganar dinero y era muy ambicioso. Robert no tenía la constitución para tener un trabajo estable y ser creativo. Le drenó mucho, pero tenía una constitución muy fuerte. No fue un sacrificio para mí trabajar en una librería“.

Estaba feliz de ser la que trabaja, la práctica, de Mapplethorpe. Se reconocieron como almas gemelas. Inmediatamente encontraron empatía y un vínculo que nunca habían conocido, pero ¿era tan apasionado como conmovedor? Una pausa.

“Nos conocimos cuando teníamos 20. Los dos estábamos muy informados. Robert no tenía tanta experiencia. Tuvimos una hermosa relación física. Estábamos muy centrados en el trabajo. No teníamos dinero para ir a ninguna parte. Caminábamos hasta Washington Square Park. Nos entreteníamos. Llevábamos una vida simple. No teníamos teléfono, TV, ni radio. Tuvimos un tocadiscos. Le cantaba pequeñas canciones o le escribía pequeños poemas. Hacíamos el amor y él se levantaba y dibujaba. Amé nuestra vida. Cuando teníamos 23 años, nos mudamos al Hotel Chelsea, pero a los 24 había pasado por su… No sé cómo llamarlo… autoevolución”.

Con esto, ella quiere decir que había descubierto que se identificaba como un hombre homosexual. Podría ser fácil ahora decir que Mapplethorpe, que se hizo famoso por su hermoso y torturado arte homoerótico, era homosexual, “pero en aquel entonces, cuando crecí en la década de 1950 y principios de los 60, la gente ocultaba su homosexualidad porque sus familias institucionalizarían sus hijos, especialmente los hijos, por lo que los únicos homosexuales que conoció fueron drag queens o personas muy afectadas. Esa fue mi única ventana. Y la suya.”

¿Ella piensa que él no tenía idea? “No lo hizo y luego lo hizo”. Y cuando lo hizo, estoy segura de que sintió esta naturaleza floreciendo dentro de él. No olvides que provenía de una estricta familia católica. Él fue preparado para estar en el ejército o ser sacerdote, por lo que hubo mucha presión. Cuando vivimos juntos él derramó todas sus expectativas, pero al arrojarlos siguió derramando y encontró su verdadera naturaleza. Creo que estar juntos fue probablemente útil porque él podía ser él mismo, pero no tenía idea … Fue difícil para Robert dejar que nuestra relación se fuera. Robert derramó tantas lágrimas como yo. Tuve muchas dificultades para comprender y aceptar. Él siempre estuvo ahí para mí. En mi romanticismo pensé que tal vez era diferente, pero fue muy, muy cuidadoso en decirme constantemente que esto no tenía nada que ver conmigo porque no era una novia lo suficientemente buena “.

Debido a su apariencia andrógina, a menudo se acusaba a Smith de ser una lesbiana que había establecido una relación de conveniencia con Mapplethorpe. “Esto no era cierto, si algo era inconveniente”, dice ella. “Éramos dos personas que realmente se preocupaban por el otro y estaban destinadas a separarse, pero que realmente lloraron la separación. Nos quedamos juntos probablemente más de lo que deberíamos, no por conveniencia, sino porque era

doloroso para ir por caminos separados. Y cuando finalmente lo hicimos, fue solo por unas pocas cuadras “.

Debe haberse sentido torturado. ¿Ella piensa que todas esas piezas de S & M que hizo fueron su expresión de ser separado? “Nunca lo leí en eso. Robert no era una persona verbal. No tuvimos que hablar sobre el significado”.

Mapplethorpe sí encontró fama y fortuna. Su trabajo fue abierto. Su trabajo representó un tiempo de espíritu libre gay. Una celebración de salir de la oscuridad, y luego volvió la oscuridad con el inicio de la epidemia del SIDA. Se volvió aún más anacrónico cuando contrajo la enfermedad. No estoy seguro de que su trabajo hubiera florecido en este siglo.

“Robert me dijo al final de su vida en 1989 que estaba contento de haber tomado sus fotos cuando lo hizo porque ‘nunca podría tomarlas ahora’. Debido al clima, porque Robert se estaba muriendo de SIDA, muchos de sus amigos, muchos de sus modelos, muchas personas que sabíamos que habían muerto o estaban muriendo de SIDA y él era muy consciente de que no sería el clima para hacer estas fotografías, por lo que se sintió muy privilegiado y agradecido de que las tomara cuando lo hizo. “

Hay una pausa, una triste. Ella está mirando a la distancia, como lo hace a menudo. “Siempre siento que Robert está conmigo”, dice ella. “Escucho su voz. Lo siento. Cuando estaba trabajando en el libro, podía sentir su aliento y su impaciencia”.

El teléfono suena. Es Jesse. Smith le dice a su hija que la llamará y me dice que es una chica increíble. Y de repente ella está de vuelta en modo familiar.

“No tenía expectativas o conocimiento de lo que me esperaba, pero sabía que quería estar con Fred y Fred quería tener hijos, así que los teníamos. Nunca imaginé tener hijos. Yo quise ser un artista toda mi infancia, estaba tan enferma que nunca pensé que viviría mucho tiempo. Estuve tosiendo toda mi vida. No estaba en mi radar, pero estoy tan contenta de haberlo hecho porque amo a mis hijos. Son grandes personas y grandes amigos, y magnifican a su padre. Incluso tienen sus rasgos molestos, que veo y amo. Fred tardaba horas en elegir una corbata y mi hija también tarda horas en elegir algo que ponerse. Yo me pongo cualquier cosa. Lamento no vestirme para ti, llevo puesta la camisa en la que dormí. Quiero decir, estaba exhausta”.

Ella lleva un anillo de rubí rosa alrededor de su cuello. “Es un rubí indio”. Es un talismán. He sido viuda desde 1994, así que me compro bisutería de vez en cuando. Cuando termine un trabajo importante, compraré un regalo para mí. No es que me importe el dinero. Si tengo que vivir simplemente lo haré, pero, por otro lado, si alguien me reserva un hotel de cinco estrellas con sábanas italianas y porcelana de Francia, lo disfrutaré. Pero también, si no hace frío ni llueve, puedo dormir en la banca de un parque. Y así es como trabajo, puedo ir frente a 100 personas y hacer poesía o 100,000 y rock’n’roll. Cualquiera de los dos.”

Cuando venga a Brighton el sábado, será el último. Jackson estará con ella en el escenario. “Mis hijos ni siquiera sabían que actuaba, pero tenía que volver. Para empezar, vivíamos en zonas rurales de Detroit y no conduzco. No puedo manejar legalmente ya que tengo un problema neurológico en el que no puedo distinguir desde la izquierda”.

¿Estaba lista para volver al rock’n’roll? “Estaba lista para volver a familiarizarme con la gente. Realmente escribir Just Kids me ayudó. Es la cosa más exitosa que he hecho, lo cual me parece muy divertido. Robert siempre quiso tener éxito. A mí no me importaba. Yo quería ser genial. Hubiera preferido no tener éxito y ser pobre, pero ser excelente. Robert me pidió que escribiera el libro el día antes de morir y le prometí que lo haría”.

En el libro también revela que cuando tenía 19 años y vivía en el lavadero de la casa de sus padres en Jersey porque no había suficientes dormitorios, quedó embarazada y decidió tener el bebé y dar a su hijo en adopción.

“Sí, fue muy difícil. Pero tenía mi objetivo y estaba decidida. Todavía vivía en una situación de pobreza. El padre era más joven y más pobre que yo y quería que criaran al niño en un ambiente donde pudiera tener una buena educación“.

Tendría que dejar la facultad de bellas artes y un trabajo de fábrica de medio tiempo que tomó para mantenerse en la universidad. “A los 19 años fue la mejor decisión que podía hacer. Estaba en mi camino a ser una artista. Ni siquiera pude encontrar un trabajo en esta área. El niño siempre estuvo en mis pensamientos y dije una oración por el niño todos los días y continúo haciéndolo”.

Es como si tuviera que hacer que el sufrimiento valga la pena. Después de haber dejado a su hijo, tenía que ser una gran artista, y cuando se trata de la oración, todavía es una gran parte de su vida.

“La forma en que oramos es casi como decir gracias. Si tenemos una pequeña cena con la gente, Jesse podría decir: “¿Dirás una oración?” Y yo diré: “Por supuesto.” Como un testigo de Jehová, no vamos a la iglesia [servicios], pero Jesse y yo solemos ir a las iglesias a encender velas para nuestros seres queridos. Nos sentamos y contemplamos. Lo bello de las iglesias es que estas son cosas donde la gente se desnuda. Puede haber oraciones de gratitud o tristeza, de perdón o de enfermedad, pero vibran con la energía de las personas en oración. A menudo me siento allí y pienso”.

Hablamos sobre política y el estado de América. Resulta que Smith tiene “exactamente la misma edad que Donald Trump”. Mi generación tenía tantos sueños y esperanzas, cosas que queríamos hacer… Donald Trump y yo estábamos viviendo en Nueva York y lo conocí en una cena cuando tenía alrededor de 30 años. Era una de las personas más horrendas que jamás había conocido. Alcista, engreído, lleno de sí mismo. Fui invitada como artista y él estuvo allí como inversor. Estaba desarrollando Trump Tower entonces. Él estaba allí con su entonces esposa Ivana. No me caía bien entonces y no me cae bien ahora. Al mismo tiempo, los jóvenes me han dado tanta esperanza“.

Smith siempre ha insistido en que prefiere tratar los problemas humanos en lugar de los problemas de las mujeres. En #MeToo, ella dice: “No tengo ninguna historia que ofrecer”. ¿Cree que las mujeres se han vuelto más vulnerables? “Estoy en un momento diferente de mi vida, así que no estoy preocupada por eso. Nunca he estado en terapia. No soy autoanalítica. Soy una persona basada en el trabajo. Mis problemas no eran cuestiones de género, eran cuestiones de control creativo, decisiones que acababan con la carrera, como hacer una canción llamada Rock N Roll Roll o tener el vello de las axilas en la portada del álbum Easter. No tenía idea de que era controversial. No me afeito las axilas Nunca pensé en ello. Se niegan a mostrarlo en muchos estados de América. En la portada de Horses querían limpiarme el pelo con aerógrafo porque estaba desordenado. Querían que me pusiera maquillaje y fue algo simple para mí. No lo quería y si hubieron repercusiones, no me importó”.

Ella no estaba haciendo esto como feminista, “sino como artista, como persona”. A las mujeres nunca se les ha entregado nada. Si era el derecho a votar, el derecho a tener abortos. Las mujeres tienen que luchar por todo. Sé que tenemos muchos movimientos feministas. Todos estos movimientos son necesarios para el cambio. Nunca he sido una persona para alinearse con ningún movimiento. Me encuentro confinada“.

Ella todavía es de voz suave, pero su pasión brilla a través. ¿Echa de menos no tener un hombre para hacer rey? “Sí. Aún lo extraño. Extraño a Robert. Extraño a Sam Shepard [el actor y dramaturgo, que murió el año pasado], un hombre que ha sido mi amigo toda mi vida. Tengo hombres amigos, los disfruto. Me gustan las amigas y me gustan mis hijos. Todos los hombres con los que he tenido relaciones más fuertes murieron, pero aún tengo una vida gratificante. Tengo mi banda, mis amigos, siempre juego con Brighton porque amo a Brighton. Estoy escribiendo otro libro, un libro hermano de Just Kids, que está más centrado en mí y no en Robert. Fred será el rey de este libro. La gente pregunta: “¿Fue Robert el amor de tu vida?” Era el artista de mi vida y Fred era el amor de mi vida. Todavía siento a los dos, pero los siento de manera diferente. Mi esposo en mi vida diaria porque era mi vida y mis hijos. Ni siquiera puedo ver los shows que miramos. Solíamos adorar ver el British Open juntos. Lo intenté, pero no puedo. Sólo me hace echarlo de menos. Siempre lo he mantenido con nosotros. Mis hijos y yo hablamos de él. Nos reímos, vamos juntos a su tumba”.

¿Ella piensa que va a morir?

“No, pero si vivo hasta los 90 años, todavía tengo una cierta cantidad de tiempo y mucho trabajo por hacer”.

¿Cómo no podría estarlo después de tantas muertes? ¿Ella piensa en la muerte misma?

“He leído varias filosofías sobre lo que sucede después de la muerte, pero estoy centrada en vivir el mayor tiempo posible para poder estar aquí para mis hijos y mis proyectos”.

Hemos pasado varias horas juntas y siento que es hora de irnos. Ella me señala en dirección a un taxi en la parte alta de la ciudad, pero luego me llama, preocupada de que sea un mal momento para tomar un taxi, y ¿estoy de nuevo a salvo? Todavía por ahí, todavía nerviosa, todavía desafiante, todavía afectuosa, todavía rockera y sin dejar de decir sus oraciones.

Traducción libre de Lilith T. Masso. Texto tomado de The Sunday Times.

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¿Por qué le temen tanto al reggaeton?

Por: ALEX CASTRO

Mientras una parte de la industria musical latinoamericana abraza con fervor estos ritmos, otra les da la espalda por prejuicios de toda índole. Para nadie es noticia que los ritmos urbanos como el reggaeton y el trap latino están sonando en los teléfonos celulares y las pantallas de la mayoría de los jóvenes de Latinoamérica, entre otras regiones del globo.

Desde la década pasada, cuando la llamada vieja escuela del reggaeton llegó para quedarse –para bien o para mal, eso es decídanlo ustedes– en la corriente principal, de la mano de artistas como Daddy Yankee, Don Omar y Calle 13, el ascenso de estos ritmos fue lento, pero sostenido.

Sin embargo, no todos los sectores de la industria en esta región han recibido con la misma apertura esos estilos musicales.

 

Por una parte, las discográficas trasnacionales están encantadas –y cómo no– con el éxito de estos artistas en las plataformas de streaming, ya que les están generando las ganancias económicas que perdieron cuando fueron incapaces de acoplarse a los nuevos tiempos.

Hace unos meses, un empleado de Universal Music me confesó que odiaba la canción ‘Despacito’, de Luis Fonsi, pero que al mismo tiempo la amaba porque gracias a ella toda la compañía comió en 2017. Así de simple.

 

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Como era de esperarse, ese éxito comercial se ha visto reflejado también en las premiaciones de la propia industria, como sucedió en la pasada edición de los Latin Grammy, que si bien no fue la primera vez en que figuraron por ahí varios artistas de reggaeton, sí fue la primera en que su presencia fue mucho más contundente, reflejándose incluso en diferentes categorías musicales.

 

Es interesante ver cómo la mayoría de los artistas de la llamada corriente principal que no pertenecen al reggaeton tampoco pueden ignorar su preponderancia. Los que lo aman, no dudan en incorporar algunos o varios de sus elementos en su música, como Shakira, Luis Fonsi o Chayanne, que ya tenían una carrera basada en otros géneros, pero lo adoptaron para tratar de mantenerse vigentes en el gusto del público.

Y los que lo odian, como Aleks Syntek o Bunbury, no dudan en criticarlo públicamente con el sobado argumento de que no tiene calidad o de que sus letras explícitas no son positivas para la juventud, como han asegurado también Juanes y Carlos Vives.

 

Hay otra parte de la corriente principal que tampoco le termina de abrir la puerta a estas músicas: la de los festivales masivos, que a pesar de que en todo el mundo se están abriendo hacia horizontes cada vez más comerciales, tampoco terminan de darle mucho espacio a estos artistas.

Al respecto, Nico González, del sello argentino Solo Le Pido a Dior, me comenta no sin cierta ironía: “Me pregunto si los grandes festivales se animarán a incluir artistas de reggaeton y sobre todo artistas semi under de reggaeton dentro de su line up… antes del 2030”.

En México, por ejemplo, son pocos los festivales de música para jóvenes en los que tienen cabida los artistas de reggaeton, y menos aún los de trap, que es un estilo más nuevo en la región.

La cadena EXA lo hizo con un festival llamado Urbánica, en el que reunió a artistas como Wisin, Prince Royce, Maluma, Farruko y Reykon El Líder. Coca-Cola y OCESA también lo han estado haciendo con festivales como Flow Fest y Ceremonia, respectivamente, al incorporar varios estilos de estos géneros en sus carteles.

Mientras tanto, en carteles festivales que se autodenominan “de cultura iberoamericana” como el Vive Latino, hay que hurgar con esmero para encontrar apenas algunos nombres, como el del productor Bruno OG o en ediciones anteriores Toy Selectah y Calle 13.

 

Hay quienes consideran que el reggaeton entró por la puerta incorrecta al mainstream, como Ingrid Suárez, comunicóloga y manager de Ali Masare y Frank PTM, quien me dice que al tomar elementos del reggae y el rap, y hacer algo bailable y candente, los artistas del género perdieron el respeto de seguidores de otros géneros, como el rock y sus variantes, por que considera que fue algo muy fuerte para los puristas… “y al ver como se hacían millonarios, pues más…”

 

No son pocas las voces que señalan las similitudes, no solo en cuanto a cómo han sido recibidos ambos géneros en sus inicios, sino también en cuanto al ascenso estrepitoso en las listas de éxitos, al contenido explicito de sus canciones y sus bailes, y a la polémica que estos provocan entre los sectores más conservadores de la sociedad.

Mientras tanto, en las plataformas de streaming es donde se puede medir el verdadero pulso de estos sonidos a lo largo y ancho del Continente, desde México, con Alan Rosales, Rosa Pistola, Alemán, Yoga Fire, Manelyk o Frank PTM; Colombia, con Juan Por Dios o Farina; Argentina, con Coral Casino, Lngchps o Chocolate Remix, o el punto más caliente de la región, que es Puerto Rico, con gente como Bad Bunny, Ivy Queen, Brytiago o Bryant Myers.

Lo mismo sucede en las fiestas y festivales de cada urbe latinoamericana, donde se puede palpar la evolución –o involución, según se quiera– de cada escena, como sucede en la Ciudad de México, sólo por citar un caso, a través de bacanales como los de Traición, Por Detroit, Mami Slut, SUDA, Perreo Millennial, Perreo Pesado, Perreo Católico y todos los demás que empiecen con “Perreo”.

El reggaeton y el latin trap seguirán enfrentando miedos y prejuicios de todo tipo durante un buen tiempo. Lo más curioso será cuando, dentro de algunos años, nos demos cuenta de que quizá no era para tanto, y que al final resultaba que era sólo música que no le hacía daño a nadie… Exactamente como le sucedió al rock and roll.

El rock llega al Micro Teatro México

Amo las primeras veces de lo que sea: el primer amor, el primer desamor, el primer viaje solo, el primer auto, y todas esas cosas que están ahí tan solo para sorprendernos y hacernos sentir vivos una vez más. ¿Quién no recuerda acaso su primer concierto o la primera vez en el ballet o la primera vez que escucharon una orquesta en vivo? Ahora también recuerdo mi primera vez en Micro Teatro México.

Ahora tan solo imagínense un instante en los pies de aquellas personas que tuvieron la oportunidad de descubrir el mundo cuando este era casi nuevo. Aprender a relacionarse con el entorno, con cada sonido, con tu cuerpo o con otras personas. Y es que tan solo imaginen cómo diablos fue que los primeros hombres lograron comunicarse entre sí. Por supuesto no fue en un culto castellano incluyente ni en un puro inglés británico, sino a través de movimientos y mímica que representaban objetos, personas y situaciones.

Algunos rituales de tipo religioso comenzaron siendo precisamente expresiones dramáticas de algunas creencias como para obtener favores de los poderes sobrenaturales que reinaban sobre la humanidad. Ya luego en Grecia, esa cuna bendita de todos los grandes vicios, digo, cuna de la cultura y la civilización, encontramos que a Don Dionisio le encantaba la party y armaba tremendos fiestones alrededor, de la comida, la bebida, el sexo, la bohemia y sí, el teatro.

Y es justamente a partir de este momento que conocemos al teatro como uno de les géneros literarios que más ha aportado a la sociedad gracias a la forma íntima y clara de transmitir un mensaje que generalmente cumple un objetivo ya sea didáctico, moralizante, difusor de valores, cultura y tradición de forma oral a los espectadores. A lo largo de la historia, este género ha ido evolucionando y enriqueciéndose con temáticas, personajes y escenarios que a su vez formaron subgéneros los cuales tendrán reacciones y públicos distintos según la temática de las obras.

Pese que al formato corto de teatro existe desde que existe el teatro, resulta que hace apenas algunos años que se ha puesto en boga, al menos en nuestro país. El teatro corto que generalmente se desarrolla en un espacio de 15 metros, con una obra cuya estructura y guión no rebasan los 15 minutos que se representará ante un público no mayor a las 15 personas. En este formato desde hace un rato ya contamos con una compañía experta que ha sembrado semillas en diversos estados desde hace ya casi cinco años.

Micro Teatro es un concepto que surge en Madrid en el año 2009, y a partir de este momento la fórmula se ha ido diseminando a lo largo de todo el mundo con éxito rotundo. En la Ciudad de México, Micro Teatro se encuentra ubicado en la calle de Roble número 3 en la colonia Santa María la Ribera, donde lo que antes era conocido como una casa donde se realizaban actividades sospechosas con muchachas de vida galante e intensa, hoy se realizan actividades, además de sospechosas, divertidas, conmovedoras y únicas.

Como pionero del formato “micro” este lugar no solo es semillero de nuevos talentos tanto para actores, directores, productores y guionistas, sino que además es el escaparate perfecto para dar a conocer toda clase de talentos. Es accesible y amigable con el bolsillo, de tal forma que no debería existir ningún pretexto para perderse de una buena obra de teatro.

El pasado miércoles 14 de marzo, se inauguró la temporada número 32 de Micro Teatro México la cual lleva por nombre: Por Rock. Y no sé si fue por ser mi primera vez o si es porque simplemente así es el teatro, en la casa de Roble no se puede sentir más que un ambiente acogedor como si te recibieran tus parientes de provincia. Entre sonrisas, abrazos y cervezas no paré nunca de sentirme como en casa.

Por ahí de las siete de la noche, comenzaron a presentarse una a una cada sala con su respectivo equipo de producción y su respectivo padrino o madrina que generalmente era alguien muy conocido dentro del medio teatral o del rock, de tal forma que pudimos ver circular a Armando Vega Gil, a Pascual de San Pascualito Rey, al Zar Mondragón, a María Daniela sin su Sonido Láser entre otros personajes de la farándula del rock.

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Ya algo más tarde, hizo su aparición triunfal el padrino de la noche, el mismísimo Alex Lora tan solo para regalarnos ese asunto muy suyo que dice algo así como: “¡Qué Viva el Rocanroool!” Unos cuantos empujones por parte de la prensa en estado bruto después, una dulce campanita anunciaba la primera llamada y a partir de ese momento, sucedió la magia. Todo mundo corriendo a sus puestos como si de un cuento de hadas para sorprender a alguien se tratara.

Afuera de cada uno de los trece cuartitos que conforman la casa de Micro Teatro, amontonaditos un grupo pequeño de personas expectantes aguardando el momento de entrar y dejarse secuestrar por un momento. Algo así como entrar al ropero de tu abuela a escuchar un cuento. Algo así como entrar a Narnia y descubrir otro mundo diminuto tan a la mano como cruzar una puerta.

Escrita por Elizabeth Llanos y dirigida por Christian Magaloni

Es un monólogo donde logramos ver a Rockdrigo González o bien, a un imitador suyo interpretado en ese momento por el actor Rodrigo Ostap, quien transmite de manera genuina algunos de los pensamientos de nuestro querido y anhelado Profeta del Nopal. Sentimientos que no caben en el cuerpo compacto de un mexicano originario de Tampico, el apoyo de sus padres, Amanda, injusticias, represión, pobreza, hambre, historias, miles de historias que se quedaron en la punta de una pluma y una plumilla gracias a una sola y terrible de ellas: la del 19 de septiembre de 1985. Ese momento solitario que nos dejó, en palabras de Chava Rock, padrino de esta obra, sin el único rockero que ha dado México. Suscribo.

Escrita por Armando Vega Gil y Waldo Facco y dirigida por Waldo Facco

Monólogo o bien, solo para baterista. Bien es sabido que los bateristas son el patito feo de las bandas de rock, no sé porque así lo quiso Dios, pero así es. DeRamones retrata en breves instantes el drama intenso por el que pasa un baterista, amado y odiado a la vez, y no solo de un baterista sino de cualquiera que se dedique a eso del rock. Enfrentarse a la fama, traiciones grupales, traiciones de pareja, fans enardecidos… pero ¿cómo? ¿por todo eso pasan nuestros rockstars favoritos? Temo que sí y hasta un poquito más.

Me tocó la excelente interpretación de Alex Gesso, quien llora, ríe, canta, se emociona y esperen, ya estoy spoileando. Si quieres pisar los zapatos de un rockstar y saber a qué sabe el Pinol, no dejen de ver DeRamones que además de haber sido escrita por Armando Vega Gil, contó con el padrinazgo de Pascual Reyes.

Escrita y dirigida por José Bosch

Imaginen un poco convivir un ratito y echar desmadre con el club de los 27. Ahora imaginen que el priísmo llegó al infierno y la pobreza y la represión reinan en el infierno donde coexisten estos únicos e inigualables personajes. Fresca e intrépida, el Club de los 27 es una micro puesta en escena de José Bosch que nos deja ver por la mirilla de la puerta de infierno la nada esperada llegada de Amy Winehouse, quien descontenta porque le arrebatan su pomo, decide poner cartas en el asunto. Y no es para menos oigan.

Bueno, pues esta es tan solo una probadita, aún faltan catorce obras más por ver y probar. En el menú se encuentran:

 

En el menú infantil están El Sueño musical y Tamara al rescate del rock y en el menú introductorio tenemos La soledad del rock y Confesiones de un camerino. Yo ya tengo agenda llena por el resto del mes.

Vale todo la pena darse la vuelta por este lugar mágico lleno de miradas esperanzadoras que nos hablan y nos dicen que una forma de hacer trabajo colectivo, agradable, equitativo, justo, responsable y con calidad es un sueño posible. Dionisio estaría orgulloso de nosotros.

Leyendas de intramuros (La unión del rap y el rock)

 

Para que no se nos olvide y dejemos pasar tiempo, decidimos realizar de una vez el anunciado post dedicado a la famosa mezcla de riffs y potencia del rock con las rimas y bases solidas del rap, que también tiene sus derivados y su evolución durante dos décadas, en donde nacen un sinfín de proyectos que a su vez dan pie a más subgéneros.

Si bien el rap-metal y todas sus variantes no han sido del todo reconocidos ni por los más heavy-metal-trues por un lado, y por el otro los más brotha-flow-guys. La broma que empezó con RUN DMC y ‘Walk This Way’ se convirtió en todo un movimiento urbano y un motivo de experimentación y gozo para gente como los Beastie Boys y Rick Rubin.

Más tarde llegarían las colaboraciones de Anthrax y Public Enemy, la explosión de temas como ‘Epic’ de Faith No More y el surgimiento de la que podríamos mencionar la banda más significativa del género, Rage Against The Machine. Parte importante fue el lanzamiento de ese gran soundtrack de la película Judgment Night (A este disco podríamos dedicarle un post completo) que tenia colaboraciones de rappers y bandas rockers resultando toda una pieza clásica del género. Hasta la formación de Korn después de experimentar con L.A.P.D. y crear lo que conocemos como nü-metal.

En nuestro texto anterior Nada es para siempre (la música tal vez sí) comentamos sobre un resurgimiento de este sonido precisamente por el semi-regreso de los RATM con el invento de Prophets Of Rage, pues la falta de Zack de la Rocha siempre será fundamental y creemos que es más nostalgia que propuesta, aun así, hay grupos que han retornado de la pausa y otros se han reformado desde hace unos años con muy buenos trabajos. Para este año se forma Powerflo, super grupo (odio ese término, pero bueno) integrado por miembros de leyendas noventeras del hip hop y el metal debutando con un muy decente álbum.

No podemos esconder que así como hay bandas de alto calibre, el sonido estuvo dominado por cosas muy aberrantes y toneladas de intentos queriéndose colgar de la moda, acabando por saturar los medios con obras obsoletas, simples y olvidables. Por eso cosas como el mismo nü-metal son considerados de los peores géneros del rock. Aun así, hay algunos combos que valen mucho la pena y que no obstante el tiempo, merecen una escuchada. Ahí les van a ver que les parece.

1- Urban Dance Squad

Formados en Holanda en 1986, es la primer banda de rock que integra un MC y una influencia clave en el sonido gracias a su primer disco ‘Mental Floss for the Globe’ en 1989. Combinando el funk, rock y el hip hop, Urban Dance Squad es pionero del rap-rock.

2- Clawfinger

Considerados la contraparte europea de los Rage Against The Machine, los suecos de Clawfinger ganaron muchos fans con su debut ‘Deaf Dumb Blind’ en el 93, vendiendo cerca de 600 mil copias en solo unos meses. Por cierto, su sencillo ‘Catch Me’ fue parte de la programación de Rock 101 en ese entonces. Un discazo.

3- Biohazard

Con raíces del más crudo hardcore de la escena de Brooklyn en Nueva York, se forman en 1988 y recrean el sonido al combinar elementos de hip hop y riffs más pesados, consolidándose como una de las agrupaciones emblemáticas de los noventa del rap y el metal. Su guitarrista Billy es parte de Powerflo actualmente.

4- Dog Eat Dog

Otra de las primeras bandas en fusionar el hip-hop y el rock del movimiento del este en Estados Unidos que se crea en 1990 cuando Dan Nastasi (guitarra) abandona Mucky Pup y se junta con John Connor para darle un toque más divertido al rock y punk, agregando un sax y toques más funk y ska a su estilo.

5- Body Count

El caso de Ice-T es especial en cuanto al estilo de su proyecto de hardcore, pues en sí los tintes de hip-hop son mínimos. Con la misma actitud de sus discos como rapero pero con más poder en los riffs, Body Count no deja de pertenecer al estilo del rap y el rock. Haciéndose ultra famosos por su primer disco y su censurada canción ‘Cop Killer’. Incluso el video oficial no está ni en las redes sociales. Sus conciertos aquí en México en La Viuda, son memorables.

6- Stuck Mojo

Otro de los que sigue vigente después de tantos años son los originarios de Atlanta, GA. Han tenido cambios de alineación pero no dejan de hacer cosas muy recomendables dentro del género. Su guitarrista y fundador Rich Ward es la mente creativa del proyecto y ha sabido mantener la identidad de Stuck Mojo que destaca en sus coros y pegajosos riffs.

7- Downset

Igual que Body Count, del famoso y temido barrio de South Central en Los Angeles surge Downset con sangre latina en algunos de sus integrantes, tal es el caso de Rey Oropeza su vocalista, quien decide expresar las frustraciones y peligros del barrio bajo junto al fuerte hardcore de Chirs y Ares en las seis cuerdas.

8- Mutha´s Day Out

Uno de los secretos mejor guardados en los noventa, formado en el pueblo de Batesville en Arkansas. Adolescentes que intentaron hacer una banda y a pesar de que no tuvieron la suerte merecida, dejan un increíble álbum de rock alternativo con elementos de rap y guitarras de alto nivel. Después de lanzar su debut y salir de gira, se separan por diferencias y falta de apoyo de las disqueras. Otra cosa increible.

9- Senser

Con una atmosfera más electrónica, los oriundos de Londres realizan un potente giro al rap metal incorporando tornamesas y samplers. Sus letras cargadas de contenido político y su sonido agresivo logran llegar a los charts ingleses a mediados de los noventa. Sus dos primeros discos ‘Stacked Up’ y ‘Asylum’ son algo que debes de escuchar.

10- Proper Grounds

Otro de los proyectos que pasaron desapercibidos fueron los Proper Grounds, que catalogaban a su estilo como anguish rap metal, reflejando esa angustia primitiva en las letras de su frontman autonombrado como ‘The Sandman’. Una versión menos agresiva que Body Count, pero más oscura y depresiva. Su único disco ‘Downtown Circus Gang’ salió en 1993.

La memoria fragmentada de ‘Rock en tu idioma sinfónico’

Al borde del ejercicio de nostalgia, nos encontramos una noche en un cine viendo la película que acompañará el disco ´Rock en tu idioma sinfónico’, un material que tal como esperábamos reunirá a algunos de los participantes en una larga gira por México (y países que tengan un público sumergido en la retromanía) a principios del 2016.

Como documental, ‘Rock en tu idioma sinfónico’ ofrece muchos abrazos entre los músicos, alabanzas de propios y extraños, poca información respecto al proyecto y aún menos detalles sobre la manera en que se trató de dar una nueva perspectiva a aquel movimiento que desde el nicho disquero en la década de los 80, desarrolló a diversas bandas y nos hizo pensar que había grandes posibilidades de fortalecer una escena que había abandonado el rock en inglés y verdaderamente apostaba por ideas en “ñ”. Para algunos los años dorados del rock en español, pero al mismo tiempo una época que con esa necia nostalgia roba espacios al impulso de nuevos proyectos.

La mezcla de la música académica con la música popular claramente ha encontrado sus grandes momentos, pero ´Rock en tu idioma sinfónico’ no es uno de ellos. El problema no son los arreglos, canciones como ‘Marielito’ de Ritmo Peligroso y ‘Juego de Amor’ de Neón logran evocar esa emoción que se busca al trasladar el espíritu de una canción a otro entorno, pero a lo largo de la película persiste la sombra de que los viejos rockeros nunca mueren y por esa razón sus tiempos eran mejores.

La ausencia del relevo entre generaciones, a pesar de que aparezca Paco Familiar de DLD para interpretar ‘Kumbala’, provoca que ´Rock en tu idioma sinfónico’ alborote a la polilla sin lograr vender completamente la idea de un revival, incluso falla al usar constantemente cassettes y etiquetas de la era del mixtape que podrían llegar tanto a la generación de los 80 como a los nativos digitales que empiezan a observar a la música como algo tangible y no acumulable en discos duros.

“Eramos jóvenes y bellos, ahora solo somos bellos”, alcanza a decir uno de los participantes en el documental, la frase nos deja pensando en esa necesidad de perpetuar una era, pero no a través del homenaje o darle su debida importancia a través del análisis, ´Rock en tu idioma sinfónico’ se queda en la reinterpretación fastuosa de canciones que están enganchadas en nuestra memoria, pero no por eso atina a movernos hacia la nostalgia que podría llevarnos a llenar recintos para acariciar la propuesta en vivo. Con bandas ausentes pero presentes por una canción (Maldita Vecindad y Soda Stereo) y uno que otro integrante de Caifanes, Los Amantes de Lola y Fobia, en realidad nos quedamos con la idea de fragmentos que muestran una memoria incompleta de lo que fue y nos brindan recuerdos selectivos que no hablan de toda una época.

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