“Bohemian Rhapsody” podría tener una secuela

Bohemian Rhapsody, película que relata la historia de la carrera musical de la banda Queen, ha desafiado una gran cantidad de críticas desde su lanzamiento. A pesar de ello, la cinta ha obtenido casi $900 millones en la taquilla, así como cuatro premios Oscar, entre ellos, Mejor Mezcla de sonido, Mejor Edición de Película, y una victoria como Mejor actor para Rami Malek, así como la nominación a Mejor Película.

Kashmira Bulsara, hermana de Freddie Mercury, desde el principio ha estado elogiando a la cinta, además de comentar los rumores sobre una posible continuación de la película.

La hermana comenta que siempre supo que Bohemian Rhapsody sería un gran éxito desde el principio: “No me sorprendió demasiado el éxito de la película, porque los sujetos de la película son Freddie Mercury, junto con Queen y su música […] y eso siempre será una fórmula para el éxito.”

Su elogio vino después de que el director de video de Queen, Rudi Dolezal, haya dicho previamente que se está reparando una película de seguimiento. Sin embargo ella declaró: “No he tenido noticias de la gerencia sobre una secuela”, “solo el tiempo lo dirá”.

Por lo tanto, los fanáticos de Queen podrán recibir una nueva dosis de la banda con un próximo documental que saldrá en esta primavera, llevará por título ‘The Show Must Go On: The Queen + Adam Lambert Story’, se mostrará a través de ABC, y seguirá en constante colaboración de la banda con Adam Lambert.

Adam Lambert, quién abrió la ceremonia de los premios Oscar 2019, actuando con Brian May y Roger Taylor, ha realizado giras constantes como cantante principal de la banda desde 2011.

Mientras que Roger Taylor, baterista de la banda, ha lanzado un nuevo sencillo titulado ‘Gangsters Are Running This World’, donde muestra comentarios sobre el estado del mundo.

La canción fue lanzada a través de YouTube en el canal oficial de Queen, que con un sólido sonido de piano, narra la ansiedad causada por asuntos actuales que existen alrededor del mundo.

Puedes escucharla a continuación.

Queen are the champions

Al final del año, como bien reza la rola de Mecano, hacemos el recuento de lo bueno y malo. En mi opinión hay que concentrarnos en lo bueno, en las cosas que nos hicieron sentir bien y hacer el firme propósito de mantenerlas, repetirlas y de ser posible, mejorarlas.

Habrá quien quiera hacer énfasis en que también las malas experiencias son importantes y que nos dan una lección, pero para fines de esta entrega, no me voy a referir a ello, me concentraré en una de las mejores noticias de fin de año (al menos para mí), que fue que Queen lideró las ventas de álbumes en Amazon y que “Bohemian Rhapsody” se convirtió en la canción más escuchada en Spotify durante 2018.

Este extraño fenómeno estuvo impulsado tras el éxito de la película dirigida por Bryan Singer y estelarizada por Rami Malek, Bohemian Rhapsody. Aunque se exhibió a finales de octubre, causó un verdadero impacto en el mundo cinematográfico, pero sobre todo, en el musical. La película en sí dividió opiniones, pero el impacto que causó entre los espectadores fue contundente, todo quien asistió a una sala de cine a ver esa película salió con ganas de más.

Grandes y nuevos fans alrededor del mundo revivieron a una de las bandas más grandes de todos los tiempos, validando entre propios y extraños que la música que sonaba hace más de 40 años es aún vigente y que nos hace vibrar, sentir recordar (para los que aplica) y soñar (para todos).

Por definición, una rapsodia es una pieza musical compuesta por diferentes partes temáticas unidas libremente y sin relación alguna entre ellas. Lanzada en 1975 como el lado B de “I’m in love with my car”, “Bohemian Rhapsody” consiste en seis secciones: introducción, balada, solo de guitarra, segmento operístico, sección de rock y una coda.

El resultado es un track de casi 6 minutos de duración que hizo que los ejecutivos de la disquera se rehusaran a lanzarlo como sencillo y que los miembros de la banda recurrieran al DJ Kenny Everett para que tocara el track “sin permiso” causando sensación entre el público y la desaprobación de los críticos.

El tiempo le dio la razón a la banda, porque generaciones tras generaciones han disfrutado y reconocido el valor artístico y musical del track, que sigue vigente y que estoy seguro nos acompañará durante mucho tiempo más.

En 1978, Queen lanzó su álbum Jazz, pero no fue hasta 1979 que lanzara el sencillo “Don’t stop me now”, como lado B de “In only seven days”. Aunque el track no logró un éxito inmediato, es otro de los tracks de la banda que han superado la prueba del tiempo y fue votada como la tercera mejor canción de la banda por los lectores de la revista Rolling Stone.

El track es un ejemplo del estilo de la banda con una armonía “multipista” y coros vocales. Una curiosidad de esta rola, es que a pesar de que Brian May grabó únicamente el solo durante la producción original, en la versión en vivo se encargaba de la guitarra rítmica de toda la canción.

El tempo alegre de “Don’t stop me now” y la provocativa letra la hace muy llamativa, tanto que ha sido utilizada como jingle para algunos comerciales. Si bien los críticos han manifestado que hace alusión a la promiscuidad de Mercury, no podemos negar que nos hace sentir tan bien que nos dan ganas de volvernos supersónicos.

Finalmente, llegamos a una de las rolas más épicas de Queen, obviamente me referiré al más reconocido himno de cualquier evento deportivo que se respete, el sencillo del álbum de 1977 News of the Word, “We are the champions”. El track fue escrito por Mercury con la firme intención de que se convirtiera en parte de la experiencia interactiva que Queen usaba durante sus presentaciones en directo para enganchar con la audiencia.

Las vocales de este track son muy demandantes y estridentes, es por eso que algunas de las presentaciones en vivo más recordadas es la de Live Aid 1985, en Wembley, y coincidentemente el climax de la película de Synger. Estoy seguro de que mucho de nosotros nos hemos emocionado al escucharla mientras disfrutamos de la victoria de nuestro equipo favorito o simplemente nos transportamos a un mundo en el que superamos todos los obstáculos para triunfar.

El éxito de Queen en este 2018 es para muchos un hecho reconfortante y que nos llena de esperanza al saber que las nuevas generaciones son capaces de reconocer el valor de la música y la oportunidad de encontrar el camino hacia el rock y lejos del reggeaton.

El reto está en que no podemos depender de que salga una peli sobre una banda setentera cada año para mantener esta tendencia, así que está en cada uno de nosotros incluir entre los 12 deseos de fin de año, difundir y defender el rock; sabemos que hay interés, aprovechemos este momento y compartamos las rolas de nuestros grupos favoritos para que el 2019 sea un año Rockcientúnico para todas y todos.

Feliz año nuevo.

@fallen_angelito

“Bohemian Rhapsody” ya es la canción más escuchada en el mundo

Queen ha desplazado del trono a Nirvana y su canción “Bohemian Rhapsody” se convierte en la canción más escuchada vía streaming del siglo XX.

La canción “Bohemian Rhapsody” de la banda británica Queen, se ha convertido en la canción más escuchada vía streaming del siglo XX y también en la canción de rock clásico más escuchada en streaming de todos los tiempos.

Este dato fue revelado por Universal Music Group, que informó que la canción ha generado más de 1.600 millones de reproducciones en todo el mundo. Para calcular esta cifra, se tomaron en cuenta las reproducciones en las plataformas digitales más populares: Spotify, Apple Music, Deezer y YouTube.

Te puede interesar: Imparable, la fiebre de las biopics

Es así como “la Reina” ha quitado del trono a Nirvana, cuya canción “Smells Like Teen Spirit” ocupaba anteriormente el mismo sitio. La noticia nos recuerda aquellos tiempos en los que “Bohemian Rhapsody” se convirtió en el primer Top 10 de Queen en los Estados Unidos, mientras que en el Reino Unido la canción se mantuvo en el primer puesto durante nueve semanas consecutivas.

El anuncio de UMG, llega a tan sólo unas semanas del estreno de la película del mismo nombre, gracias a la cual la canción volvió a tomar un segundo aire (o tercero, si tenemos en cuenta cuando el auge que tuvo en 1992 gracias a la película Wayne’s World, con esa icónica escena donde interpretan dicha canción en el auto de forma peculiar).

Te puede interesar: Queen, el reinado inglés que conquistó al mundo, primera parte

Por su parte, el filme Bohemian Rhapsody resultó ser un éxito mundial. A más de un mes de su estreno, mientras otras películas ya fueron y vinieron, la biopic sobre Freddie Mercury continúa exhibiéndose en varias salas de varios países del mundo y es que, a pesar de las críticas sobre la actuación de Rami Malek como Freddie Mercury, este papel recientemente lo llevó a una nominación como Mejor Actor en Película de Drama, en los Golden Globes.

El éxito de Bohemian Rhapsody, tanto la canción como la película, han traído también una gira de conciertos en Estados Unidos para 2019, con los miembros activos de Queen (Brian May y Roger Taylor), junto al cantante Adam Lambert, en esa colaboración musical con la que han trabajado desde hace varios años, desde que Lambert participó en el programa de televisión American Idol y tuvo la suerte de colaborar con Queen.

Queen, el reinado inglés que conquistó al mundo, segunda parte

Brian May y Tim Staffel echaron raíces en 1984. De la amistad surgida brotaron encuentros en los que continuaron tocando música y, para merecer los frutos, deciden, en la primavera de 1968, formar una banda, que desde el inicio, estuvo pensada como Smile. Con la decisión tomada en armar un grupo, salen en busca de un baterista. Para lo cual, May colocó una tarjeta en un tablón de anuncios del Imperial College Union bar⁹.

Roger Taylor fue notificado del anuncio por un compañero, alistado, Roger llama a Brian, agendan una cita días después en la que May y Staffel visitan a Taylor en su apartamento de Sinclair Gardens, en Shepherd’s Bush. A falta de batería, la audición es ejecutada con un par de bongos. La segunda entrevista, más formal y profesional, se lleva a cabo en la sala de prácticas del Imperial College. Impresionados por los resultados del baterista, le seden el banco vacante. Posteriormente el grupo lo completaría el tecladista Chris Smith.

A principios de 1969, Tim Staffel presenta a sus compañeros de banda a quien era amigo suyo en la universidad, Freddie Bulsara¹⁰, el cual comenzó a asistir a los ensayos y conciertos de Smile. En mayo firman un acuerdo de grabación con la compañía disquera Mercury, grabando tres pistas al mes siguiente en los Trident Studios. En el libro de Mark Hayward, Queen On Camera, Guard Off, se pueden ver fotografías de esta sesión tomadas por Paul Humberstone, amigo de Freddie.

También podría interesarte: Bohemian Rhapsody, la gran hazaña de Rami Malek

• Her Majesty

Durante 1969, Freddie Bulsara ató jubileos con Tim Staffel, Brian May y Roger Taylor. Los cuatro frecuentaban el pub, The Kensington. Después de la primera sesión de grabación de Smile, conocen al grupo Ibex, con quienes comparten el gusto por la música.

Alrededor del jueves 31 de julio de 1969, en The Kensington, el joven Bulsara es presentado con los integrantes de la banda Ibex, en la que detecta una oportunidad para integrarse como vocalista. Como con Smile, asistió a los ensayos de Ibex, de lo aprendido con los primeros, impartió consejos a los segundos sobre cómo presentarse en el escenario; además, sugirió algunos arreglos en la música. Después de observar estas funciones aristocráticas, los integrantes de Ibex le ofrecen las vocales del grupo, que después de una audición, accedió a ellas.

La primera actuación en vivo de Freddie Bulsara, aconteció el sábado 23 de agosto de 1969, en el Octagon Theater, en Bolton. En su segunda presentación, el nuevo vocalista de Ibex sería fotografiado en el Queen’s Park Open Air festival¹¹, teniendo así su primera aparición en la prensa por un periódico local.

Dos semanas después, el 9 de septiembre, Ibex tocó en el Sink Club, abajo del Rumblin´ Tum cafe, sobre Hardman Street, en Liverpool. Entre los acompañantes, se encontraban Brian May y Roger Taylor, los cuales subirían al escenario en la parte final del concierto¹². De esta presencia real, se conserva la grabación de una pieza llamada Green.

El 10 de octubre de 1969, Freddie y los integrantes de Smile, mudan residencia al número cuarenta de Ferry Road, en Barnes. Aquel lugar, en el que surgirían letras, música y grabaciones, fue llamado Carmel¹³.

Mientras los integrantes de Ibex degustaban de algunas bebidas en The Kensington, sin la presencia de su soberano vocalista, se presenta la ocasión para cambiar de título nobiliario, acreditándose como Wreckage¹⁴.

La primera presentación en sociedad de Wreckage, fue el 31 de octubre de 1969, en el Noisy Common Room, del Technicall College, de Ealing¹⁵. Tras ocho conciertos, y la salida del guitarrista Mike Bersin, a finales de noviembre, la banda dimite.

Iniciada la década de los años setenta, Roger Taylor y Freddie Bulsara, en busca de ingresos, deciden rentar un espacio arriba del mercado de Kensington, donde vendían antigüedades y algunas obras que Bulsara había realizado en la universidad. Al no obtener respuesta comercial, cambian el giro del negocio por ropa vintage¹⁶.

Con la cepa vocal ya aflorada, Freddie audiciona para una banda llamada Sour Milk Sea, a dicha presentación, el joven Bulsara, de veintitrés años, asistió enfundando ropa de diseñador y un abrigo de pieles. El 23 de febrero de 1970, consiguió el puesto de vocalista. La unción de Freddie con Sour Milk Sea, sucede el 20 de marzo de 1970, en el concierto llevado a cabo en All Saint´s Church House, en Headington.

Ennoblecido, Bulsara influía en la toma de decisiones y en la dirección musical de Sour Milk Sea, por este motivo, el guitarrista y fundador, Chris Dumett, entró en conflicto que resolvió desintegrando la banda en la primavera de 1970.

• La sonrisa que dejó de serla

A principios del año 1970, Brian May, como resultado de sus estudios de doctorado, realizaba viajes al observatorio del Teide, en Tenerife, España. Para marzo, Tim Staffel decide dejar Smile pues tocaban con poca frecuencia a consecuencia de los constantes viajes de Brian. Además, se encontraba muy desilusionado por no concretar la grabación del disco de su grupo. Por su cuenta, May y Taylor también decidieron dejar la banda, pero antes de ello, se despidieron con un concierto ocupando el lugar programado para el ya disuelto, Sour Milk Sea. Esta presentación en en el PJ´s, fue el 18 de abril de 1970.

• Rito de iniciación

Después de la renuncia de Smile a su título de grupo de rock, Bulsara, May y Taylor, planearon continuar en la industria musical. Para completar sus planes, invitan al que fuera bajista de Smile en sus últimas dos presentaciones, Mike Grose. Completada la banda, solo quedaba nombrarla.

Brian May propuso Build Your Own Boat, mientras que Roger Taylor sugirió Sheer Heart Attack, otros nombres barajados, fueron The Rich Kids y The Great Dance¹⁷.

Finalmente, la coronación del nombre sentó sus reales dispuestos por Freddie: Queen.

• La roja especial de la anciana

Antes de graduarse como astrónomo y consolidarse como guitarrista, Brian May junto con su padre, fabricaron, al mismo estilo que Les Paul, una guitarra, la de los May, la Red Special.

Según el libro, Brian´s May Red Special: The Story of the Home-Made Guitar that Rocked Queen and the World, de Simon Bradley y Brian May, su construcción inició en 1963 y finalizó en octubre de 1964. La demora en el proyecto, fue a causa de los compromisos de cada cual.

El cetro de May, la Red Special, fue creada con los más diversos materiales, inverosímiles algunos. El cuello de la guitarra está hecho de una chimenea de caoba. Según el libro, Queen – An Official Biography, de Larry Pryce, la chimenea, tenía al menos cien años en 1976 y, procedía de una casa cercana a punto de la demolición. Los puntos en el diapasón, originalmente fueron botones de nácar de la caja de costura de la madre de Brian, Ruth May. Las innovaciones, tal vez provistas por Brian padre, ingeniero electrónico de carrera, fueron un puente rodante, que permite a las cuerdas tener libertad, permitiendo que la guitarra se mantenga en sintonía. El sistema de trémolo del filo de la cuchilla usaba dos resortes, que provenían de una válvula del motor de una motocicleta Norton. El brazo del trémolo fue elaborado del soporte de la alforja de una bicicleta, rematado con una parte de una aguja de tejer de Ruth May. Las pastillas estaban conectadas entre sí mediante un sistema de conmutación único diseñado por Brian, y fueron construidas a partir de un prototipo que habían hecho para la guitarra acústica Egmond Toledo.

El nombre Red Special, surge de una respuesta espontánea durante alguna entrevista; también, es nombrada por Brian May como The Old Lady, nombre acuñado por uno de los técnicos de Queen. Con esta guitarra, que es custodiada por un guardia durante las giras, May concibió los sonidos proferidos en cada uno de los discos de La Reina.

Escucha Sonorock, la historia del grupo y toda su discografía

• El mensajero de los dioses

Instaurado Queen, inicia la ascensión al trono. Después de algunos ensayos, Brian May, Roger Taylor, Freddie Bulsara y Mike Grose, con el nombre de Queen aceptado, debutan en una fecha programada con mucha antelación para Smile. Imposibilitados para una cancelación, se presentaron como Smile. La limitación de la suspensión, es de fácil comprensión, la madre de Taylor había conseguido el concierto en ayuda para la Cruz Roja Británica de Cornwall, de modo que, se presentan a cumplir el compromiso materno para tocar en el Truro City Hall, un 27 de junio de 1970.

Antes de la segunda presentación, Freddie se impondría el mote de Mercury¹⁸, nombre del dios de la elocuencia, de los poetas y mensajero de los dioses en la mitología romana.

• Caída de un peón, una torre y un caballo.

El primer concierto investidos con el nombre de Queen, aconteció el 18 de julio de 1970, en el Imperial College Lecture Theatre A. El tercero de ellos, sucedió en el histórico Cavern Club, el 31 de octubre.

Sin estímulo económico y poco impactado por el desempeño de la banda, Mike Grose dice adiós a Queen después de la presentación en PJ´s del 25 de julio de 1970. El reemplazo, Barry Mitchell, llegó a través de un amigo de Roger Taylor; el debut en vivo de Mitchell fue en el Imperial College, el 23 de agosto de 1970. Sin sentirse parte de la banda, el segundo bajista de Queen renuncia después del concierto del 9 de enero de 1971, celebrado en el Ewell Technical College. En esta función, Queen y Genesis fueron bandas de soporte para Kevin Ayers & The Whole World, se dice que en esta presentación, Peter Gabriel buscó a Taylor para ofrecerle el puesto de baterista, quien declinó para conservar el trono ya conquistado, lo que le abrió las puertas a Phil Collins para integrarse a Genesis.

Uno de los flancos que resguardaban Palacio Real, de nueva cuenta se encontraba desprovisto de armas, así que para conseguir bajista, colocan un anuncio en la revista Melody Maker, “Fabulosa nueva banda busca bajista”; el una vez más nuevo integrante, fue Doug Bogie, quien hiciera su estreno en directo el 19 de febrero de 1971. A la noche siguiente, Queen fue banda telonera de Yes y Wishbone Ash, en ambas presentaciones, Bogie estuvo fuera de tiempo, sin embargo, fueron dos grandes experiencias para Doug. Regresando a casa, y mientras compartía la camioneta con sus compañeros, escuchó cuán mal habían sonado, motivo por el cual, Mercury comentó a Doug Bogie que le llamarían. Sin recibir respuesta, el nuevo integrante supuso que la decapitación de Queen había llegado. Tiempo después, sabría que su carrera como bajista, estaba terminada¹⁹.

También podría interesarte: Sonic Arsenal – El fandango al estilo Bohemian Rhapsody

• Coronación

En febrero de 1971, en una discoteca de Maria Asumpta Teacher Trainning College, Christine Farnell, amiga de John Deacon, lo presenta con Brian May y Roger Taylor. Complacidos por el encuentro, agendan una prueba. Días después, en el Imperial College, el bajista y estudiante en electrónica, se presentó a la audición con un amplificador casero, que a la postre sería nombrado como el Deacy Amp, pieza fundamental en el sonido que desarrollaría Brian May cuando adoptaría el aparato intervenido por Deacon²⁰. Cuando John se presentó al ensayo de demostración, Brian y Roger lo reconocieron como el bajista del grupo Deacon, que tuvo una única aparición en noviembre de 1970, en el Chelsea College, a esta presentación, el guitarrista y baterista de Queen asistieron como espectadores²¹.

Finalmente, John Richard Deacon, aquel chico serio de Oadby, sería la cuarta y última gema de la corona. De este magistral modo, Queen es investido con las joyas, el cetro, el orbe y el manto Real en los primeros días del mes de marzo de 1971²². Entonces, inician un intenso periodo de ensayos.

La primera vez que el definitivo cortejo Real tocó en directo, fue el 2 de julio de 1971, la sede, el West Surrey College of Art and Design, en Guildford, Inglaterra.

Es entonces que la corona británica, ostentada por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, inicia un reinado sin precedentes.

Dios salve a la Reina… y a Freddie Mercury, lo tenga en su santa gloria.

También podría interesarte: Queen, el reinado inglés que conquistó al mundo, primera parte

⁹ Chapman, Phil. (2018) The Dead Straight Guide to Queen. This Day in Music Books Limited. P 33.

¹⁰ Purvis, Georg. (2018) Queen: Complete Works: (revised and updated). Titan Books. London.

^{11, 12} Chapman, Phil. (2018) The Dead Straight Guide to Queen. This Day in Music Books Limited. P 52.

^{13, 14} Chapman, Phil. (2018) The Dead Straight Guide to Queen. This Day in Music Books Limited. P 54.

^{15,16,17,18,19,20} Chapman, Phil. (2018) The Dead Straight Guide to Queen. This Day in Music Books Limited. Págs. 55, 58, 61, 63, 67,71.

²¹ Purvis, Georg. (2018) Queen: Complete Works: (revised and updated). Titan Books. London.

²² Chapman, Phil. (2018) The Dead Straight Guide to Queen. This Day in Music Books Limited. P 72.

Bohemian Rhapsody, la gran hazaña de Rami Malek

Sin duda alguna, Bohemian Rhapsody es uno de los estrenos más importantes del año. La vida de Freddie Mercury lleva bastante tiempo en la fila de espera hollywoodense.

En 2010 se daba indicios de que el director Stephen Frears (High Fidelity, 2000), el guionista Peter Morgan (The Crown, Rush: Pasión y Gloria) y Sacha Baron Cohen (Borat, 2005) querían traer la historia del cantante, misma que reducían a la polémica de este. Fox abandonó el proyecto para que Sony lo intentara adoptar, sin embargo, las diferencias creativas se presentaron con los integrantes de Queen (sobre todo con el guitarrista, Brian May) porque la historia no iba sobre la banda. De las palabras de Cohen: “Nadie va a ir a ver una película donde el protagonista muere por el SIDA y luego sigues viendo a la banda”.

Si quieres conocer la historia del grupo, te recomendamos leer Queen, el reinado inglés que conquistó al mundo, primera parte

El actor se terminó rindiendo y el proyecto regresó a Fox, en manos de Bryan Singer (la cabeza principal de las innumerables películas que hemos visto de los X-Men), quien fue desechado de inmediato tras rumores de pederastia en su contra. Eso no fue suficiente para Fox para retirarlo de los créditos, dejando al codirector Dexter Fletcher (quien fue la segunda opción para dirigir la película, pero por problemas de agenda con el entonces protagonista, Ben Whishaw, se retiró) fuera de pantalla.

Como quiera que fuera, ‘Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury’ refleja el desastre de producción en pantalla. La trama se centra en el cantante de origen parsi e hindú, su entrada a Queen, hasta la llegada de la banda al concierto Live Aid.

Lo mencionado anteriormente es el problema del guion: peca de utilizar plot points importantes de la historia de Queen. Esto no sería así si entre ellos nos contaran algo, pero lo que se muestra en pantalla son meros adornos estilísticos y fan service. Por ejemplo, minutos se pierden en transiciones bonitas de la figura de Mercury junto a letreros que anuncian por cuales estados pasó su primera gira en Estados Unidos, cuando nos podrían contar qué pasó en esa gira y por qué fue tan relevante para la banda.

Todo se debe a que la historia carece de estructura, ya que carece de un desarrollo de inicio y de intermedio. La primera hora y veinte se gastan en momentos divertidos de los músicos, con diálogos graciosos para aclimatar a la audiencia para lo escabroso, lo cual nunca llega. Todos conocemos a Freddie Mercury, pero esto no es pretexto para no desarrollar al personaje en pantalla, mostrando sus motivaciones para ser cantante, sus problemas familiares o su proceso creativo. En cambio, el guion se encarga de presentarnos al joven Farrokh Bulsara, quien se encontró con su banda favorita después de una tocada, les propuso ser su cantante y llegó al éxito. Ese nivel de superficialidad maneja toda la película.

Dejando eso atrás, hay dos cosas que destacar: la primera de ellas, y la más importante, Rami Malek. El actor muestra realmente lo que es ser comprometido con un papel, más allá de las ordenes expresas de la producción. Se notan las clases intensivas de canto en Abbey Road (aunque al final su voz sea una mezcla de demos de Freddie Mercury y la de Marc Martel, quien tiene una voz similar a la del ex líder de Queen), las sesiones de coreografías y las gesticulaciones que dan personalidad a su interpretación. Malek demuestra que su rango actoral es similar al rango vocal de Mercury, más si lo contrastan con Elliot en Mr. Robot.

Lucy Boynton (Mary Austin, la primera esposa de Mercury), Gwilym Lee (Brian May), Ben Hardy (el baterista Roger Taylor) y Joe Mazzello (el bajista John Deacon) muestran química en pantalla, haciendo que sus personajes se desarrollen con su rango actoral. El resto del cast es una versión caricaturizada de la representación problemática de Freddie, dejando ver la censura por parte de Fox y del resto de la banda.

El segundo elemento destacable es la propuesta visual: la veracidad de la época se deja ver en escenarios, vestimentas y props; resaltando por completo la presentación en Live Aid, de la que se toman 12 de los 20 minutos de duración que tuvo su emblemática participación en el evento, que cuida hasta el más mínimo movimiento de los integrantes en escenario de Wembley. Otros elementos aportan a la narrativa, como el uso de iluminación cenital en personajes clave dentro de la vida de Freddie (padre, productor, amante); y otros más empeoran la situación, como la alta resolución que presentan las transmisiones a través de los televisores de la década de los setenta.

En conclusión, Bohemian Rhapsody no cumple con la expectativa creada por ocho años de espera. Algo que sabrán perdonar personas que apenas están siendo introducidas a la banda o grandes fanáticos de Malek, ya que lo que se presenta en pantalla es una bella ilustración sin la parte documental que requiere una biopic, dejándonos sólo un collage de los mejores momentos de Queen.

Banda Sonora 101 nos recomendó otras biopics que podrían ser de tu interés

Queen, el reinado inglés que conquistó al mundo, primera parte

Hubo una vez una vacante al trono inglés. Nadie en aquellas tierras lejanas, ni cercanas, sabía de la existencia de esa sede. Era desconocida por todos quienes la sucederían. Nada se sabía del linaje ni quien estaba en primera línea sucesoria, mucho menos la segunda o tercera. Te presentamos la historia de Queen, la inesperada realeza británica.

En aquella abandonada casa Real, sin monarquía al mando, circulaban alrededor centenas de plebeyos, algunos con cualidades dignas y sobresalientes, otros, con destellos meritorios, pero ninguno alistado para abordar la carroza oficial con destino a palacio.

PLEBEYOS

La cuna que mecería el brote de una estirpe sin igual, surge en la isla de Unguja, África, en lo que fue el Protectorado Británico de Zanzíbar, hoy Tanzania. En aquella costa, el 5 de septiembre de 1946, nace Farrokh Bulsara, acreditado, según su acta de nacimiento, de nacionalidad indo – británica y de raza Parsi, hindúes de ascendencia Persa. Esta gema de la corona, inicia a ser tallada en un hogar clase mediero del tipo europeo, bajo la filosofía y religión de Zoroastro, es decir, Zarathustra.

A la edad de ocho años, el niño Farrokh, destacaba como boxeador, jugador de cricket, en el atletismo y de igual modo en el tenis de mesa. En este período es llamado, afectuosamente por sus compañeros de escuela, Freddie.

Sin la predisposición monárquica, es instruido durante su educación básica para tocar el piano, en el que aprende a interpretar una variedad de piezas clásicas. De este modo, los jubileos comienzan a principios de los años sesenta, el preadolescente Farrokh Bulsara, forma su primera banda, The Hectis, quienes tocaban versiones de Elvis Presley, Little Richards y Fats Domino. El grupo en el que Freddie tocaba el piano, se presentaba en ocasionales fiestas escolares.

Freddie, desinteresado de sucesiones Reales y, a consecuencia de una revolución, abandona su tierra natal en el año de 1963, cuando es establecida la República de Tanganica, que deja de formar parte de la Mancomunidad Británica de Naciones, la Commonweallth. Asimismo, la familia Bulsara toma solo algunas de sus pertenencias para volar a Inglaterra, estableciéndose en Feltham, Londres… estábamos cada vez más cerca de Queen.

Infante de rulos

El resto de la prosapia que ocuparía la sede Real, brotó en tierras inglesas. Brian Harold May, nació un 19 de julio de 1947, en Hampton, Londres. Aquel infante de rulos por llegar, tuvo a la música como institutriz desde los cinco años, edad a la que inició a tomar clases de piano con un tutor. Desde un principio destacó en esta asignatura musical. Su interés por el teclado clásico ya no fue nunca el mismo cuando descubrió un banjo ukulele, en el que inició tocando piezas de George Formby.

En el cumpleaños siete, el pequeño de los May recibe de regalo, su primera guitarra, una Egmond Toledo, que posteriormente, sería modificada por el padre de Brian y por él mismo. En seguida, el instrumento deja su natal sonido para convertirse en una guitarra electroacústica, pues era conectada al radio a través de un circuito, de ese modo, se hicieron a la vez de un amplificador casero. Entre la música que escuchaba el párvulo May, destacaba Little Richards, quien sería una muy temprana influencia. Intrigado por los sonidos que emergían de esas guitarras, Brian inicia a practicar sus primeros solos.

También podría interesarte: Sonic Arsenal – El fandango al estilo Bohemian Rhapsody

Ukulele

La tercera cuarta parte de la dinastía, llegó a este mundo, un 26 de julio de 1949, bajo el nombre de Roger Meddows Taylor, quien nació en King´s Lynn, Norfolk, Inglaterra.

Desde pequeño, a la edad de ocho o nueve años, mostró su afición por la música exponiendo sus habilidades tocando el ukulele, de esta manera, sin aprendizajes tutelados, ejerce su primer papel como músico.

A los diez años, guardando escrupulosas formas educativas, se integra al coro de la catedral de Truro, en Londres. Un año, después, en 1960, compra su primera guitarra. Aleccionado básicamente, toca por cuenta propia algunas canciones que escucha en la radio, las registra en una grabadora de carrete y, pasa horas trabajando en sus melodías.

A pesar de desarrollar ciertas habilidades en la guitarra, descubre que sus dotes señoriales son para la batería. En la navidad del primer año de los años sesenta, sus padres le obsequian un bombo, que suma a una tarola y a un hi hat con los que ya practicaba. Posteriormente, ahorraría para comprar un platillo Zildjian y un bombo adicional.

Mancebo

El más joven de los advenedizos, John Richard Deacon, nació el 19 de agosto de 1951, en Oadby, Leicester.

A la edad de siete años recibió su primera guitarra, una de juguete con cuatro cuerdas de nailon, estampada con el nombre y la imagen de Tommy Steele, la primer gran figura del rock and roll inglés¹.

También podría interesarte: Sonorock – Queen

LA REINA VASALLA

Skiffle

El camino, sinuoso, hacía Palacio Real, tuvo senderos de las más diversas reservas. Al paso, quedaron entresijos. Incluso sortearon las más diversas calamidades.

Entre los años de 1958 y 1959, el aún niño Roger Taylor, funda su primera banda, The Bubbling Over Boys, quienes ensayaban en la casa de los Taylor, en Vivian Terrace, en Falmouth Road. La cochera, aislada del ruido con cajas de huevo sobre las paredes, era el nido de los incipientes sonidos de esa banda de skiffle. The Bubbling Over Boys, tendrían su debut público en Bosvigo School.

En 1963, a la edad de catorce años, forma con su amigo Dave Dowding, The Cousin Jacks, nombre que llegó después de Cornish tin miners. Taylor, guitarrista en ciernes, ya tocaba la batería en esta época.

Los viernes por las tardes, como buen aspirante al esplendor, eran dedicados a las clases de baile de salón, donde conoce a Mike Dudley, un aspirante a guitarrista con quien uniría fuerzas para formar, en la primavera de 1964, el grupo Beat Unlimited², nombre que fue estampado en el bombo de la batería de Roger. La banda de preadolescentes se hizo de cierto renombre tocando en las fiestas de los suyos, sobre todo cuando interpretaban su versión de Wipe Out, de los Surfaris. Su popularidad era tal, que hasta su concierto del 18 de diciembre de 1964, fue reportado por un periódico local. Esta presentación se llevó a cabo en el anexo del City Hall, en Truro, al que asistieron un par de adolescentes que a la postre invitarían a Taylor, para formar, en enero de 1965, al grupo The Reactions, quienes únicamente tocaban covers. Mientras el vocalista de The Reactions cantaba feliz las canciones de otros artistas, el resto de los integrantes querían interpretar piezas propias, la solución, crear una banda alterna que tocara canciones originales, de esta manera es que surge en la primavera de ese mismo año, Johnny Quale and The Reactions. Esta dualidad musical incluso pudo grabar en octubre, un E.P., en una cara del disco estaban las pistas de Johnny Quale and The Reactions, en la otra, los reinterpretaciones de The Reactions³.

1984

El único heredero de los May, lo primero que obtuvo de su padre, fue el nombre, Brian Harold. Algunas otras de las dotes que obtendría a edad muy temprana, a los cinco años, fueron las muy refinadas clases de piano que dejó al descubrir un banjo ukulele del progenitor.

En la escuela Hampton Grammar School, a la que asistió Brian gracias a la obtención de una beca académica, conoció a Dave Dilloway, quien la primera vez que vio a Brian, estaba sentado en un taburete, rodeado de sus compañeros de clase, tocando y cantando I Never Felt More Like Singing In The Blues, de Guy Mitchell⁴. Tiempo después, Dilloway y May se harían amigos y compartirían autodidactas sesiones de guitarra que se propinaban en la hora del recreo o en casas de ambos. A principios del año 1964, inician a grabar estas improvisaciones. En los meses siguientes se encargaron de alistar una banda, que integrada, iniciaron a ensayar en el Whitton Beat Club⁵.

El grupo obtendría su nombre del título de la novela de George Orwell, 1984, quienes hicieron su debut público, cobrando diez libras esterlinas, un 28 de octubre de 1964, en un salón de la iglesia de Saint Mary, en Twickenham. Uno de los pilares en 1984, fue el vocalista Tim Staffel, que tendría peso e influencia determinantes en la historia de la reina por venir.

De inmediato, la banda, se integró a la vida social tocando en fiestas, para después, en diciembre, conseguir una semi residencia en el Thames Boat Club, en Putney.

Los intereses de Brian Harold hijo, también estaban, y con mucha dedicación, en la escuela. A los diecisiete años, May obtuvo las máximas calificaciones en matemáticas puras, matemáticas aplicadas, matemáticas adicionales y física, temas elegidos para incorporarse en la carrera de astronomía. Aquel infante de rulos por venir, obtendría una vez más una beca, esta ocasión, para estudiar en el Imperial College of Science and Technollogy, de Londres, donde iniciaría cursos, en el otoño de 1965, en la licenciatura en física y astronomía infrarroja.

Alterno a 1984, disyuntivo a la escuela, Brian, junto con Bill Richards, compañero de años, crean un efímero proyecto que rendiría frutos, The Left Handed Marriage, grupo que graba en los Abbey Road Studios, el 28 de junio de 1967⁶.

En 1968, el graduado Brian May, deja la banda 1984, pues sus estudios astronómicos lo llevaron a Suiza donde estudiaría un doctorado en el movimiento del polvo estelar en el sistema solar. Por su cuenta, Tim Staffel dejaría al grupo en octubre.

Oposición

John Deacon, quien tocaba la guitarra desde los doce años, forma con sus compañeros de la Beauchamp Grammar School, de Leicester, en la primavera de 1965, con poco menos de catorce años de edad, el grupo The Opposition, quienes tuvieron su primer concierto en casa de Clive Castledine, uno de los integrantes que a su salida, en la primavera de 1966, dejaría libre la vacante de bajista, tomada por John “Deacks” Deacon⁷; este cambio más otros en la alineación provocaría un renombramiento, el ingeniosísimo The New Opposition, aludidos así por un corto tiempo, pues, por otro reemplazo en la banda, se hacen llamar, a partir de los primeros meses de 1968, The Art. Cuando “Deacks” se hizo de su nueva posición, compró un bajo Eko, al que halaba de las cuerdas hacia arriba con los dedos en lugar de golpear con una plumilla.

En agosto de 1969, tras ser sometido a las fuertes presiones de su madre, pues cómo un Deacon se va a dedicar a eso del rock, John abdica a The Art para concentrarse en los estudios de electrónica que le sobrevendrían en la University of London Chelsea College of Technology.

Durante su primer año de universidad, John Deacon no se alejó del todo de la música, asistía con regularidad a presentaciones de diversas bandas, una de ellas, la cual no le causó gran impacto, se presentó en octubre de 1970 en el College of State Management, en Kensington, el nombre de aquel grupo, Queen⁸.

CONTINÚA EN LA PARTE DOS

^{1, 2} Chapman, Phil. (2018) The Dead Straight Guide to Queen. This Day in Music Books Limited. Págs. 34, 23

³ Purvis, Georg. (2018) Queen: Complete Works: (revised and updated). Titan Books. London.

⁴ Jackson, Laura. (2007) Brian May: The definitive biography. Hachette Digital. London

^{5, 6, 7} Chapman, Phil. (2018) The Dead Straight Guide to Queen. This Day in Music Books Limited. Págs. 16, 18, 39

⁸ Purvis, Georg. (2018) Queen: Complete Works: (revised and updated). Titan Books. London.

Banda Sonora 101 – biopics

BOHEMIAN RHAPSODY, película sobre Freddie Mercury y Queen, se estrena en México el próximo viernes 2 de noviembre y por ello en @BansaSonora101 hicimos una selección de 12 filmes biográficos o biopics (entre ficciones y documentales) sobre personajes o bandas vinculados al mundo del rock.

Por supuesto, no son todos ni los mejores biopics que se han realizado, pero sí se trata de una muestra del buen estado de salud que gozan las biopics o biografías fílmicas rocanroleras, que a la fecha nos ha dado varios títulos que se defienden muy bien, como CONTROL, WALK THE LINE, RAY, MI HISTORIA SIN MI, GEORGE HARRISON: LIVING IN THE MATERIAL WORLD…. En fin, aquí las 12 películas biográficas que seleccionamos:

También podría interesarte: Imparable, la fiebre de las biopics

SID & NANCY (1986)
Dirigida por el cineasta marginal Alex Cox, SID & NANCY se estrenó en mayo de 1986 en la sección Quincena de los Realizadores del festival de Cannes. Protagonizada por Gary Oldman y Chloe Webb, esta película retrata con morbo los últimos y decadentes años de vida de Sid Vicious, bajista de los Sex Pistols, y de su novia Nancy Spungen, quien un día de octubre de 1978 apareció muerta junto a Sid en una habitación del hotel Chelsea de Nueva York.
Sid Vicious fue acusado de su muerte y al poco tiempo, antes de que iniciara el juicio en su contra, murió de una sobredosis de heroína. La banda sonora trae rolas de Joe Strummer, The Pogues, John Cale y del mismo Gary Oldman que se avienta versiones de “My Way” y “I Wanna Be Your Dog”.

THE DOORS (1991)
Clásico indiscutible del cine-rock, THE DOORS (1991) es un filme biográfico sobre una leyenda de los años 60: Jim Morrison y su banda The Doors. Oliver Stone hace un retrato del carismático y atascado Morrison, quien alcanzó la gloria en la escena psicodélica de finales de los 60 y murió en julio de 1971 a los 27 años. Un filme lisérgico sobre los excesos y la genialidad de Jim Morrison. La banda sonora es una antología soberbia de 12 rolas de The Doors más “Heroin” de The Velvet Underground & Nico.

CONTROL (2007)
Retrato en blanco y negro de Ian Curtis, líder de la banda post punk Joy Division, CONTROL, dirigida por Anton Corbijn, se estrenó el 18 de mayo de 2007 en la sección Directors Fortnight del festival de Cannes, exactamente 27 años después de la muerte de Curtis.

Abatido por la epilepsia, hundido en la depresión y en plena ruptura matrimonial, Curtis se colgó de un perchero en mayo de 1980. Tenía 23 años y lideraba a una banda con apenas dos álbumes y que estaba a punto de iniciar su primera gira internacional.

Al morir Curtis murió Joy Division. Pero nació New Order. Y también el referente del rockero intenso, depresivo, atribulado, sombrío, el mismo que el holandés Corbijn retrató con sorprendente maestría en esta adaptación de Touching From a Distance, la autobiografía de Deborah Woodruff, viuda de Curtis.

RAY (2004)
Dirigida por Taylor Hackford, RAY se estrenó el 12 de septiembre de 2004 en el festival canadiense de Toronto y a México llegó en febrero de 2005. En su paso por el circuito principal de festivales obtuvo varios premios, entre ellos el Oscar a mejor actor a Jamie Foxx.

Este filme biográfico sobre Ray Charles hace un repaso por su atribulada y exitosa carrera musical, desde que era un joven desconocido hasta que alcanzó la fama mundial. La banda sonora es tan poderosa como la película y ganó un premio Grammy.

WALK THE LINE (2005)
Filme biográfico sobre el enorme Johnny Cash y su compañera de vida June Carter Cash, WALK THE LINE tuvo su premier mundial el 13 de septiembre de 2005 en Toronto y en México se estrenó el 3 de febrero de 2006. Dirigida por James Mangold y protagonizada por Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon, este biopic recibió una gran cantidad de premios, entre ellos el Oscar a mejor actriz a Reese Witherspoon. Se trata de uno de los filmes biográficos mejor logrados en la historia del cine rock y cuenta con una banda sonora armada por T-Bone Burnett que es dinamita pura.

JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN (2007)
Realizado por el británico Julien Temple, JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN se estrenó el 20 de enero de 2007 en el festival de cine independiente Sundance y a partir de ahí inició un largo recorrido por los principales festivales de cine a nivel internacional, donde acumuló varios premios importantes como el de mejor documental en los British Independent Films Awards (BIFA). Este magistral retrato fílmico de quien fuera delantero de The Clash y The Mezcaleros, es sin duda uno de los mejores documentales biográficos de la historia del cine rock. La banda sonora es, por decir lo menos, portentosa.

MI HISTORIA SIN MI (2007)
Alejado de los cánones de la narrativa convencional, MI HISTORIA SIN MI (I’M NOT THERE), biopic sobre Bob Dylan realizado en 2007 por Todd Haynes, es uno de los filmes biográficos más propositivos y originales del cine rock. El estadounidense Todd Haynes (VELVET GOLDMINE) realizó un retrato multifacético del icono de la revolución cultural a partir de la siguiente premisa: “Todos somos Bob Dylan”. Seis personajes que trazan los diferentes perfiles de uno de los hombres más influyentes de la historia del rock y premio Nobel de Literatura.

Sobresale el Bob Dylan (en su faceta de rock star) interpretado por Cate Blanchett y una banda sonora con covers de rolas de Dylan a cargo de músicos y bandas de primera línea: Eddie Vedder, Sufjan Stevens, Yo la Tengo, Calexico, Sonic Youth, Cat Power, Los Lobos, The Black Keys, entre otros, y la mega banda creada ex profeso para el soundtrack llamada The Million Dollar Bashers.

GEORGE HARRISON: LIVING IN THE MATERIAL WORLD (2011)
Dirigida por el maestro Martin Scorsese, GEORGE HARRISON: LIVING IN THE MATERIAL WORLD es un documental biográfico que revisa con lupa la vida de uno de los músicos más influyentes y queridos de la historia del rock: el ex Beatle George Harrison.
El filme, que se estrenó el 12 de septiembre de 2011 en el festival de Toronto, incluye material de archivo hasta entonces inédito y testimonios de los amigos más cercanos, colaboradores y familiares de Harrison. La banda sonora es una antología de canciones del ex miembro de The Beatles.

MARLEY (2012)
Dirigido por el escocés Kevin Macdonald en 2012, MARLEY es un documental biográfico sobre el mayor referente del reggae a nivel planetario: Bob Marley. Ésta es la única película autorizada (a la fecha) por la familia Marley, misma que facilitó el acceso a un montón de objetos personales, así como a material privado y musical nunca antes visto y escuchado. La banda sonora no tiene el mínimo desperdicio.

THE PUNK SINGER (2013)
Una película biográfica sobre la activista, música e icono cultural Kathleen Hanna, fundadora del grupo punk Bikini Kill, voz inconfundible de la banda electroclash Le Tigre y pionera del movimiento “riot grrrl” de los 90. La banda sonora es tan potente como la película.

WHAT HAPPENED, MISS SIMONE? (2015)
Realizado por Liz Garbus, WHAT HAPPENED, MISS SIMONE? se exhibió por primera vez el 22 de enero de 2015 en el festival de cine independiente Sundance y después se estrenó en Netflix con gran éxito de crítica. Se trata de un documental biográfico sobre una de las mujeres más influyentes en la historia de la música moderna: Nina Simone. Como diría Joe Strummer: “Let Nina Simone rule the World.”

BOHEMIAN RHAPSODY (2018)
Realizada por Bryan Singer, BOHEMIAN RHAPSODY (2018) se estrenó el miércoles 24 de octubre en Inglaterra y el próximo viernes 2 de noviembre llega a las salas mexicanas. Se trata de una biopic sobre el inmortal Freddie Mercury (interpretado por Rami Malek), delantero de la banda Queen. Sin duda, BOHEMIAN RHAPSODY es uno de los biopics más esperados del año al igual que su banda sonora.

También podría interesarte: El rockumental como obsesión

El soundtrack de la vida – It takes two, grandes duetos del rock

Sonic Arsenal – El fandango al estilo Bohemian Rhapsody

“Porque llego fácil, me voy fácil, un poco alto, un poco bajo. De cualquier manera el viento sopla, nada me importa” – Bohemian Rhapsody

Para 1975, Queen apenas tenía cinco años de trayectoria, pero ya era considerado el mejor grupo británico (al menos ese resultado tuvo una encuesta realizada ese año). Sus primeras tres producciones ‘Queen’, ‘Queen II’ y ‘Sheer Heart Attack’ habían logrado colocarlos como los precursores de un nuevo sonido, que militaba entre el rock progresivo, el heavy metal y el glam. Sin embargo el cuarteto todavía no había mostrado su genialidad.

En el mes de mayo de 1975 el grupo inició la búsqueda de un sonido estremecedor, capaz de brindarles suficientes retos para consolidarse. Ese proceso los llevó a seis diferentes estudios de grabación, todavía no sabían lo que iban a lograr, solo seguían su instinto y el coro de un corte que Mercury escribió para Ibex, su primera banda. Ese pequeño trozo de canción se convertiría en la extraordinaria ‘Bohemian Rhapsody’.

A lo largo de 30 años se ha especulado el significado de la canción, se ha dicho que la letra se basa en una novela titulada ‘Scaramouche’, que también podría referirse a una ópera italiana donde una madre asesina a su hijo, que tiene partes de la novela ‘El Señor de las Moscas’ (sobre todo cuando menciona a Belcebú) y hasta se ha dicho que es un lamento del propio Freddie Mercury después de saberse infectado con SIDA. Cualquier especulación fue desmentida por el propio vocalista: ‘Bohemian Rhapsody’ no significa nada.

La canción es una serie de frases salidas de la ópera italiana mezcladas sin ningún sentido, el único objetivo era que rimaran las palabras. Mercury no buscaba un significado profundo, más bien buscaba reunir una serie de canciones que traía en la cabeza desde antes de Queen y que no había logrado concretar por separado. Su frustración se volvió un sólo corte, que aún después de tantos años es bastante bizarro, épico y misterioso.

La mayoría de la canción es indescifrable, pero aún así se han descubierto algunas de las raíces de las palabras más impactantes en ‘Bohemian Rhapsody’. Los ejemplos más claros son “Bismillah”, palabra que en el Corán literalmente significa “En el nombre de Alá”, y “Galileo”, quien aparece en la canción como un recuerdo a Brian May, que siempre manifestó su pasión por la astronomía y por el hombre que descubrió que la tierra se movía.

Una vez que Freddie Mercury concretó la enmarañada letra de ‘Bohemian Rhapsody’, la música surgió sin ningún problema. Los integrantes de Queen lograron múltiples variaciones de estilo, primero crearon una introducción a cappella a cargo de cuatro voces algo fantasmagóricas y con tintes de balada pop y después agregaron un piano que poco a poco deja entrar a la batería. El resto de la banda entra lentamente y apoya fuertemente con sus voces.

Por ahí del minuto 3 la línea de la canción cambia completamente, surge la ópera y varias capas de coros interpretando las crípticas frases de “Scaramouche, Scaramouche, will you do the Fandango”, “(Galileo.) Galileo. (Galileo.) Galileo, Galileo, Figaro” y “Bismillah! No, we will not let you go”. A partir de ahí surgen otros dos cambios, uno explosivo con toda la banda dando su máximo esfuerzo (incluido un solo de Brian May) y el segundo con Freddie Mercury retomando el ritmo del principio. En el cierre todo vuelve a la tranquilidad y el sonido de un gong remata suavemente toda la explosión surgida en ‘Bohemian Rhapsody’.

Queen tardó varios días en concretar las diversas capas de voces utilizando una grabadora de 24 tracks. Al final habían logrado unir de forma majestuosa 120 juegos de voces sin utilizar ningún tipo de sintetizador, algo de lo que estaban sumamente orgullosos. Cuando escucharon el resultado de su trabajo, supieron inmediatamente que tenían una de las mejores canciones de todos los tiempos. Muchos aún siguen creyendo que ‘Bohemian Rhapsody’ es insuperable.

La compañía disquera realmente no tenía fe en ‘Bohemian Rhapsody’, sin embargo no quedó ninguna duda de su éxito, después de que el locutor Kenny Everett la tocó 18 veces seguidas en Radio 1 de la BBC. La canción fue acompañada por el primer video promocional que se haya hecho en la historia. Se grabó en sólo cuatro horas y tuvo un costo de £4500 libras. Fue producido para ser presentado en el programa Top Of The Pops porque el grupo encontraba casi imposible interpretar la canción en vivo.

También podría interesarte: Ian Schrager derrama los secretos de Studio 54 (y por qué terminó en prisión)

El soundtrack de la vida – LGBTTTIQ and roll

El soundtrack de la vida – Martin Luther King 50

No voy a ser hipócrita y escribir que siempre he comulgado con las ideas de Martin Luther King, pero como se dice por ahí, el fascismo se cura leyendo y el racismo se cura viajando. A lo largo de este viaje que es la vida, aprendí a ver más allá de mis propias preconcepciones y entender el verdadero significado de mensajes ante los que hacía oídos sordos.

Podría interesarte: 50 años después

El mejor ejemplo de esta auto transformación ha sido mi actitud hacia ‘Pride (In The Name of Love)’ de U2 de 1984, pero que yo no escucharía hasta 1988 en el ‘Rattle and Hum’. Hace 30 años lo único que me importaba sobre esa canción era el error de Bono en las letras donde dice que el asesinato de MLK sucedió en la mañana cuando en realidad fue en la tarde. Tuvieron que pasar muchos años para que yo entendiera el Movimiento por los Derechos Civiles y el verdadero alcance que, si bien tenía origen en la segregación racial, en la mente del Dr. King, buscaba el bienestar de toda una sociedad, no era un llamado a la igualdad racial, sino a la social. Concepto que con el tiempo fui de comprender a valorar.

Martin Luther King se oponía a la radicalización y sus esfuerzos estaban basados en acabar con injusticias sociales que afectaban a toda la sociedad, no solo a la minoría de color. Constantemente hizo llamados a la no violencia y optó por la desobediencia civil contraviniendo las ideas del “Black Power” que cada vez tomaban más fuerza. En 2006 “El Jefe” Bruce Springsteen lanzó ‘We Shall Overcome: The Seeger Sessions’; el primer álbum que no contenía material compuesto por él, y el segundo en el que no incluyó a músicos de la E Street Band.

De este álbum se desprende una canción de protesta que lleva el mismo nombre del álbum, ‘We Shall Overcome’, una pieza que transmite nostalgia y en la que casi como un mantra, recuerda al Dr. King, habla de un ideal en el que existe la paz y en lo que, desde lo más profundo de su corazón, cree firmemente.

Finalmente, y en una licencia poética, les comparto ‘One Vision’ del ‘A Kind of Magic’ de Queen, rola que según cuentan fue inspirada tras la participación del grupo en el Live Aid y que durante el Magic Tour de 1986 fue utilizada para abrir sus conciertos.

En mi opinión, el verso “I had a dream. When I was young” está relacionado con el famoso discurso de MLK del 28 de agosto de 1963 en las escalinatas del monumento a Lincoln y que es sin duda la mayor referencia hacia la filosofía de un hombre que sin importar las consecuencias salió a luchar por la igualdad y la justicia para todos.

A 50 años de su muerte el mensaje del Dr. King sigue vigente y está en todos nosotros hacer que ese sueño se convierta en realidad.

¡Gracias Radio! (Parte 1)

Hace pocos días, exactamente el 13 de febrero, se celebró un año más del Día Mundial de la Radio. Este medio lleno de magia, nostalgia, información (buena  o mala, verdadera o falsa), pero sobre todo de mucha imaginación y que ha sido pilar de noticias, debates e historias que al prescindir de imágenes logra que el receptor construya y disfrute de viajes sonoros a través de las emisiones transmitidas por las ondas radiales y actualmente por la red.

Gracias a la radio en cualquiera de sus extensiones, llámese comercial, informativa, colegial o privada, la mayoría de las personas hemos sido testigos de grandes eventos a nivel mundial. Principalmente de la generación de ideas, sentimientos y particularmente de expresiones musicales, nace el lenguaje de la locución y nos da una innumerable cantidad de figuras públicas especializadas en múltiples categorías y temas. Desde la segunda mitad del siglo XIX que se generó la primera teoría de ondas electromagnéticas, junto con los acontecimientos de Tesla y Marconi unos años después, poco a poco la radio se convirtió en un medio de comunicación global e indispensable.

Ahora que ha pasado más de un siglo de su existencia y en tiempos de tecnología avanzada, al igual que los medios escritos, la radio convencional es amenazada por ser sustituida por la era digital, en concreto por la radio por internet.  Hace apenas unos días Noruega decidió apagar su señal de Frecuencia Modulada y de acuerdo a la lógica poco a poco más países se sumaran a esta decisión. Para muchos de nosotros no deja de ser algo nostálgico y en gran parte triste que cada vez el impacto de las ondas radiales disminuya. Aunque en nuestro país parece que eso tardará demasiado tiempo pues aun existe una gran cantidad de grupos y emisoras que nutren de información y música a la población. Además de que en el terreno digital, han nacido muy buenas opciones y espacios que ofrecen interesantes contenidos. No está demás mencionar que gracias a la era moderna Rock 101 regresó y mantiene ese espíritu auténtico que hace más de 30 años le dio identidad al rock en México y que por cuestiones privadas y de cultura, se ha tratado de apagar de varias maneras.

Fue gracias a espacios como éste y muchos otros más que vale la pena mencionar como WFM, la Pantera, Estéreo Joven, Orbita, Radioactivo, Reactor e Ibero 90.9, entre otras, que el rock internacional y nacional han tenido no solo muy buenos exponentes, sino voces importantes que han impulsado y luchado ante diversas situaciones e intereses por mantener el espíritu del rock a un nivel muy alto.

Obviamente hay demasiados artistas que dedican o mencionan a la radio en canciones, de las más famosas están las de R.E.M. con Radio ‘Free Europe’ o ‘Radio Song’, Queen con su ‘Radio GaGa’, ‘Radiohead’ de los Talking Heads, ‘This is Radio Clash’ de The Clash o el clásico de los Buggles ‘Video Kill the Radio Star’, que sirvió más como el detonante de la industria de los videos musicales, que como impulso del medio en sí. Y así un interminable etcétera con rolas que mencionan a la radio.

De esta manera, este mes lo festejaremos con un homenaje a la radio y al rock en tres partes, con canciones y grupos que en sus creaciones incluyan a este inigualable y mágico medio. En esta primera parte les dejamos una serie de proyectos enfocados al rock y el punk con temas que incluyen a la radio como eje principal.

1.- Autograph – Turn Up The Radio

En su debut de 1984 Sign In Please, esta banda de Hard Rock y Glam es de las primeras en el estado de California en concretar un hit radial.

2.- Rancid – Radio

Cuando la radio se vuelve la principal atracción y una forma de encontrar esa identidad que muchas veces en el núcleo familiar cuesta mucho de obtener. La música nos dota de ideas y nos muestra un camino a seguir. Gran rola de Tim Armstrong y compañía que por cierto, ya falta muy poco para tenerlos por primera vez en nuestro país.

3.- NOFX – Please Play This Song On The Radio

Al igual que Rancid, sus compas de NOFX nos cuentan que han armado una rola que debería de ser tocada en las estaciones de radio, ya que contiene lo suficiente para ser tomada en cuenta, solo que a la mera hora existe algo que lo impide.

4.- Ramones – Do You Remember Rock ´n Roll Radio

Una de las clásicas es esta de los Ramones, que bien se adecua a estos tiempos donde parece que el rock tiende a desparecer de las estaciones radiofónicas.

5.- Rage Against The Machine – Guerrilla Radio

Como una forma de protesta en la que RATM se baso para provocar y despertar de cierta manera hacia la situación política en los noventa. Zach De la Rocha toma a la radio como arma fundamental para contrarrestar el régimen autoritario.

6.- Volbeat – Radio Girl

Con una decepción sentimental Michael Poulsen y Volbeat desean que esa relación pueda renacer gracias a una dedicación en la radio. Porque en Dinamarca también tienen corazón.

7.- Rush – Spirit Of Radio

Otro clásico dedicado al placer de comenzar un día encendiendo la radio y escuchar tu música favorita. Donde la libertad que nos transmiten los acordes de una canción es el verdadero espíritu de la radio.

8.- WILT – Radio Disco

Formada por el gran Cormac Battle a partir de la desintegración de los increíbles Kerbdog. Wilt debuta en el 2000 con Bastinado y ahí encontramos esta oda a la fascinación encender el Radio y poder bailar sin que nadie nos mire. Una de las mejores bandas irlandesas de los últimos tiempos.

9.- Daloco – Radio (English versión)

Nacido en Austria y refugiado en Alemania después de ser asaltado aquí en México en la avenida Revolución por ahí de 1999. Decide llamarse Daloco gracias a la mala experiencia donde fue despojado de su lira, lana y pertenencias. Acompañado de Bina un músico nacional que lo ayuda a regresar a Europa y producir su debut en 2006. Radio también tiene una versión en inglés que se puede escuchar por acá.

10.- System of a Down – Radio Video

Sin nada más que agradecer a Danny y Lisa por sacarlos de los lugares más extraños, del Mesmerize se extrae este corte donde presumen que han logrado estar en la Radio y en los videos.

Por ahora estas son las canciones que les dejamos para rendir homenaje a la radio. En el siguiente post continuaremos con más temas dedicados a este maravilloso mundo. Si tienen temas que recomendar ya saben que estamos para retroalimentarnos. Hasta la próxima.

Road Trip

Ser un melómano es un trabajo de tiempo completo, ya sea en el trabajo, la casa o en el auto hay formas de disfrutar este vicio/pasión/hobby, es en este último lugar donde nos atañe hoy, siempre he pensado que cuando haces una inversión fuerte como es la de un auto debes poner especial atención a que en el pasaras muy buena parte de tiempo.

El auto es un lugar donde pasamos largos ratos, ya sea si tu recorrido es citadino o en carretera, los viajes serán de trabajo, familiares, vacaciones, mero transporte y dependiendo el tipo de usuario que seas y el tipo de auto que tengas, hay algo que como melómano no debes dejar desapercibido, tener un buen equipo de sonido, lo mejor que tu presupuesto pueda alcanzar, es una inversión que disfrutaras mientras tengas ese auto.

Ese lugar es como una pequeña sala de conciertos personal, donde habrá momentos que podrás cantar ‘Bohemian Rapsody’ con las diferentes voces y coros o te salga lo agropecuario y acompañes a grito pelado a Julion, es tu espacio y si no te importa que en el semáforo los vecinos de otros coches te vean como animalito raro, pues atáscate cantando las de Timbiriche que con tus amigos darks no lo haces, se que lo haces, no lo niegues.

También es crucial que tu música sea de buena calidad, y con esto no me refiero a que escuches música clásica u opera, me refiero a que la grabación sea de alta calidad, lógico el medio original es el mejor. Si no traes CDs y optas por una tarjeta de memoria, que tus grabaciones sean de preferencia de máxima calidad, lossless o HD, ocupan más espacio de memoria pero el placer es mayor cuando puedes apreciar todas las capas de sonidos, efectos y producción sobre todo a altos niveles de volumen.

En un viaje con acompañantes el copiloto además de ser el navegante que te da las instrucciones de cómo perderte también se convierte en el DJ designado, es una gran responsabilidad, tiene que ponerle el ambiente al viaje, dar continuidad así como hasta un leve contexto de la rola a seguir, no dormir al conductor lo cual es vital lógicamente, su chamba es continua ya que mientras la rola en turno es disfrutada por los viajeros él o ella está en una frenética búsqueda de la siguiente rola, con habilidad tiene que ver entre la sonoteca portátil disponible y vigilar la continuidad del ambiente, que tenga la sensibilidad de monitorear que tan bien son recibidas las rolas, este “In Car DJ” con un poco de experiencia puede hacer de trayecto un viaje aún más largo en los recuerdos y paradójicamente hacerlo percibir como más corto.

Hace poco hice un viaje por carretera largo, o medianamente largo, ocho horas manejando desde Toluca a Real de Catorce junto con mi buen amigo Sinuhé a una carrera de bicis, siempre he pensado que parte de la emoción de un viaje es también la travesía, desde que sales de casa ya estás en esta aventura, así lo tomamos nosotros, él y yo compartimos gustos más o menos similares de música, así que mientras yo manejaba él era el DJ, la amena platica y comentar la música nos hizo el camino mucho más ligero.

Para un viaje con amigos recomendaría traer música que te ponga de buenas, algo más clásico que todos se sepan y algo más que si se puede compartan historias juntos, así les arme este playlist, con música animada para prevenir que se aburra el piloto como ‘Huarache Lights’, también rolitas clásicas como ‘Don’t Stop Belivin’’ la cual siempre es buena para gritar al unísono, estas son unas de mis recomendaciones como para un viaje corto de una hora y cuarto como del CDMX a las pirámides, Cuernavaca o a Toluca.

Como decía antes, el viaje comienza al salir de casa, hay que disfrutarlo como tal, ya sea el destino una soleada playa con muchos bikinis o una de nuestras hermosas ciudades coloniales, aprovechemos este país antes de que nos suban de nuevo la gasolina.

Así, mientras el sol se esconde en el horizonte con tonos dorados, los cactus decoran el camino a los lados con sus escurridas sombras largas y el sonido del motor murmura como un leve ronroneo lejano, todo construye ese viaje en particular y construirá tu recuerdo en un futuro, que mejor que ponerle música de acorde al momento que cada que la vuelvas a oír te recuerde ese momento, ese lugar, esa aventura o esa persona…

Pónle la cereza en el pastel con la rola exacta.

Freddie Mercury, buscando el asteroide 17473

Pretenciosa, rimbombante, pomposa, pero sobre todo Queen era una banda de pop, al menos se convirtió rápidamente en eso, pero como un caso excepcional que mezcla un fenómeno musical y lo extraordinario a partir de elementos bastante inusuales, responsables de la búsqueda de técnicas que igualara los excesos, las aspiraciones a la genialidad, la tragedia y la innovación.

Para mostrar ese gran choque de ideas y estilos distantes, el filme traza correctamente sus altas y bajas sin convertirse únicamente en la historia de Freddie Mercury, sino la de un conjunto, aunque al tomar como referencia el 5 de septiembre, todo se trata de Mercury y el 70 aniversario de su nacimiento.

En el documental ‘Days Of Our Lives’ vemos los cambiantes estilos del vocalista y cada músico, las canciones que no recordamos por evidentes razones, los excesos con fiestas con drogas en charolas que ni ellos recuerdan, las continuas separaciones de ideas, el abuso de las disqueras, las inflexibles críticas musicales y revela sin dudar la parte mercenaria, que se evidencia con mucha franqueza cuando Freddie Mercury contesta que la canción más importante para él es “la que vende más”.

Un grupo que nace con la reunión de un posible dentista, un estudiante de doctorado de astronomía, un niño inmigrante de Zanzíbar y un coleccionista de recortes de periódicos que actualmente se ha recluido en el silencio, la suma de varias partes que conformaron finalmente Queen.

Las individualidades por si solas brillan, pero esa historia que celebramos el día de hoy es acompañada por los logros, los fracasos y los errores cometidos en conjunto, no deja afuera la capacidad para ir hasta diferentes estudios para grabar una sola canción e impresionarnos con la creación de sus eufonías vocales, no podemos olvidar los tracks ni los proyectos solistas que quisiéramos no haber escuchado, la realización de los primeros conciertos masivos de gran escala en Argentina (durante la dictadura) y Brasil, ni pasa por alto el conflicto provocado por su presentación en Sun City en Sudáfrica durante el sistema de segregación racial del apartheid, que termina entendiéndose como una cuestión libre de política sino llena de dinero.

La fama de Queen está llena de imágenes espectaculares, pero no descarta los momentos sobre un final trágico conocido por todos, que debido a la naturaleza delicada de la muerte de Freddie Mercury podría haberse convertido en un producto sensacionalista, sin embargo la historia de Queen a partir del diagnostico de SIDA del vocalista se convierte en días de una evasión creativa, indudablemente conmovedora. Por eso algunos silencios no son del todo inapropiados, siempre se encuentran motivos para escarbar en emociones más profundas con canciones como ‘The Show Must Go On’ y The Miracle’.

El vocalista se sabía estrella, asì se presentó ante el resto de Queen, sin embargo Brian May decidió llevarnos más allá al anunciar el domingo que el asteroide 17473, descubierto en el mismo año en que murió a sus 45 años, se llamará desde este momento Freddie Mercury. No es localizble a simple vista, pero si tienen los medios, observen entre Júpiter y Marte.

El hombre invisible

…No puedo seguir tu bandera de la misma forma que tú no puedes seguir la mía.

Pero el mundo es ancho y hay espacio para que ambos estemos equivocados.*

H. G. Wells.

Para iniciar este escrito sobre H.G. Wells, comenzaré con una de sus novelas, ‘El hombre invisible’; no haré una crítica de esta obra literaria, tampoco recomendaré ninguno de sus títulos y no denostaré otros, para escribir sobre Herbert George Wells con rigor y autoridad, ¿tendría que ser un especialista en literatura de ciencia ficción, habría que estar estudiando alguno de sus títulos, o acaso viendo la película El hombre invisible, la dirigida por  James Whale, o al menos se supondría que debería escuchar ‘Invisible man’, escrita por el baterista The Queen, Roger Taylor**.

Si bien ahora solo menciono esta obra de 1897, los puristas de Wells dirán que por este solo hecho no soy un experto en la materia, lo cual es cierto; fiel y parroquiano, o valdría la pena decir, fantasioso y  agudo lector de H. G. Wells, tienen razón, no soy un versado en la obra, solo ando por acá escribiendo símiles y haciendo referencias de los escritos de este autor inglés, que bien pueden estar tan lejanos de la realidad como los mismos temas sobre los que escribió Herbert George.

• El hombre invisible contra sí mismo

Según la novela escrita por Wells, un 9 de febrero aparece en Iping, Sussex, Inglaterra, “aquel extraño personaje”, “envuelto en su sombrero, abrigo, guantes y en una especie de capa”, en parte de su equipaje “había una caja llena de libros, de grandes libros, algunos con una escritura ininteligible”; casi un siglo después, también el noveno día del segundo mes del año, pero en 1995 el hombre invisible mexicano es despojado del anonimato, es develado que el Sub Comandante Insurgente Marcos, es en realidad Rafael Sebastián Guillén Vicente; por mí cuenta, me enteré también un nueve de febrero, en este caso de 2010, que el hombre invisible por antonomasia había revivido, según leí ese día en el diario digital*** que Rock 101 había resucitado en la world wide web; en fin que ‘El hombre invisible’ nos ensombrece con sus apariciones en febrero, nos delata como autómatas seres humanos y nos devela salir de nosotros mismos, es decir, transferir visibilidad a ese monstruo creativo que llevamos dentro.

• El hombre (y la mujer) invisible en la actualidad

¿Quién mejor que un conductor de radio encarna al hombre invisible, acaso hay algún oficio al que mejor le acomode este apelativo? A los articulistas sonoros,  creemos conocerlos, asumimos que sus gustos son tales y cuales,  les delegamos mostrarnos el camino, les escuchamos tan a menudo y hablando sobre aquello que nos apasiona, en este caso, el rock, que suponemos conocerlos, nada más falso, pues sus volutas auditivas no descubren qué hay en el interior de esos timbres de voz, no muestran si en el fondo son como Griffin, (para quien no haya leído el libro, el de ‘El Hombre invisible’, este último encarna… ¿en serio el hombre invisible puede ser encarnado?… bueno… mejor digamos personifica al protagonista y es por quien se le otorga el título a la novela) confiemos que no sean como este, pues comete delitos mortales.

Para 1938, el hombre invisible vuelve a hacer de las suyas, no hablo de Griffin ni de la novela escrita a finales del siglo XIX, me refiero otra vez al hombre detrás del micrófono, pues el 30 de octubre a través de las radiofrecuencias de la CBS, Orson Welles revitaliza con su voz  otro de los títulos de H. G. Wells, ‘La guerra de los mundos cobra vida’, y también pánico y terror y miedo y angustia en un acontecimiento por todos sabido; cabe mencionar que la adaptación al radio fue hecha con guion de Howard E. Koch, otro más que engrosa las filas de la invisibilidad,  años más tarde coescribiría el libreto de Casablanca. Sesenta años después de la invasión marciana narrada por Orson; en México, Andrés Eloy Martínez produjo y adaptó ‘La guerra de los mundos’, fue transmitida en la radio de Jojutla, Morelos; las caóticas consecuencias reportadas, al parecer solo hicieron mella en el gobierno mexicano que dispuso su vasta inteligencia al buscar el meteorito mencionado durante la transmisión.****

• La invisibilidad de Ann Veronica

Ann Veronica es el título de otra novela de H.G. Wells publicada en 1909, socialmente esta obra tendría que llevar a cuestas  más fama y gloria que las ya mencionadas, pues lleva como escolta  y al mismo tiempo como guía la libre elección amorosa de la mujer, derecho al voto femenino, la siempre vigente crítica social e igualdad de derechos que el hombre; este personaje, libre, independiente, insubordinado, surge de una relación extramarital que Wells mantuvo con  Amber Reeves, mujer libre, independiente e insubordinada; de este lazo humano el propio H. G.  declaraba que era una gran tormenta de intensa pasión sexual y deseo, leída esta revelación puede resultar fácil descubrir porqué escribirle a esa musa finlandesa un libro que solo tuvo buena recepción entre mujeres, por razones más que obvias y nada justas.

• Muerte del hombre invisible

El 13 de agosto de 1946 muere H. G. Wells,  veintitrés días después de su deceso nace Freddie Mercury quien daría voz a la canción compuesta por Roger Taylor, y que llevaría el mismo nombre de la novela de 1897.

En este 2016, el 13 de agosto, reverenciemos a Herbert George, ¿cómo hacerlo?… bueno, podríamos leer algo de su obra, y para terminar  demos rienda suelta a nuestros oídos y disfrutemos Invisible man mientras bailamos con Amber Reeves… hagamos el amor, no la guerra.

* Fragmento de carta que H. G. Wells escribió a James Joyce el 23 de noviembre de 1928.

**H. G. Wells, 1897, El hombre invisible, Capítulo III, Las mil y una botellas.

***http://foros.eluniversal.com.mx/blogs/wweblogs_detalle.php?p_fecha=2010-02-9&p_id_blog=118&p_id_tema=9939

****Santiago Camacho, 20 Grandes fraudes de la historia, EDAF, México, página 39.

La insoportable brevedad del 14 de febrero

Ya casi es tiempo de esa maldita fecha que yo no sé cómo logro sobrevivir cada año (además de la Navidad que odio profundamente), esa fecha que llena la TV, radio, Internet y cualquier medio masivo de comunicación con colores rosas, corazones, cupidos y osos de peluche gigantes en las tiendas, como pueden darse cuenta hablo del día del amor y la amistad, fecha implantada en el subconsciente para hacernos correr al Sangrons más cercano por un regalito al vapor, normalmente un oso chafa chino de peluche, unos chocolatitos horribles con centro envinado y una cajita de condones para ir a ver a la susodicha, fecha ñoña que solo es un pretexto de las corporaciones para subirse al tren del mame inculcando compras inútiles o videítos insulsos de la amistad del Facebook.

Bueno, no seamos contreras y ya que estamos en esa maquinaria imparable como la de la película de Denzel Washington, pues veamos que nos deja estas fechas, les escribo esto escuchando una rolita que es muy característica de esta temporada, aunque en nuestro rancho es más conocida la versión de Yuri que Siempre En Lo Mismo se encargó de imprimir en nuestra psique, la versión original de Rossana Fratello “Se t’amo t’amo” es de donde surgió, esta rola es hasta buena, muy característica del pop italiano que acá de este lado del charco en la nefasta Televisa les dio por copiar cuanto pudieron, Rosanna en caso de que no la conozcan es una cantante con una muy bella voz mezzo-soprano y belleza física que la pondría directamente en la clasificación de MILF en esos días de los 80, hoy ya esta mucho mas grandecita, si bien ella le entró al pop y disco de la época, su mero mole era la música regional folclórica de por allá.

El pop italiano y el francés da mucha tela de donde cortar en cuanto a baladas de amor, ya que estamos freseando,¿por qué no darle a nuestros oídos el chance de probar a la francesa Mylène Farmer?, ella es una especie de Madonna francesa muy recomendable que tiene un videíto cachondo que se llama “L’Amour N’Est Rien” donde nos deleita con un strip tease, ya ven que de aquel lado del mundo no tienen tanto recato como acá.

Pero estamos en un site de rock y antes de que los pierda de esta columna regresemos a este género, que mejor forma de hacerlo pasando por la melancólica voz de la chiqui sexy Hope Sandoval en el grupo Mazzy Star, como imaginaran estoy hablando de la rola “Fade In To You”, que con los sonidos etéreos y un vídeo polvoso filmado en sepia junto a las vías del tren y a un clásico Citroen DS nos hace desear tomar el coche e irnos sin rumbo fijo con nuestra peor-es-nada a recorrer nuestro bello país, otra canción en el mismo tono y hasta parece continuación es “Flowers In December”, dream pop de calidad.

Ahora, si por ahí hay algún masoquista con un amor a control remoto mas allá del horizonte, ya sea en otro estado o en otro país les puedo recomendar a una banda que se colgó del look locochon y rockero de las bandas de los 80, pero en realidad era un grupo para llenar un nicho vacío entre el metal y el pop que junto como muchos otros grupos vieron sus bolsillos llenos de billetes verdes gracias a la visión de algún creativo productor, hablo de Winger, de entre su repertorio fresón-roquero esta “Miles Away”, nostalgia en blanco y negro de ese alguien que está lejos, que hace el reclamo “justo cuando más te necesitaba, tu estabas a millas de distancia” hay dolor ya me volviste a pegar, esta se la dedico a una ex jajaja.

Muchas canciones románticas se las dedicamos a ese alguien, ya sea abiertamente o solo cuando las oímos nos recuerda su nombre y momentos, son canciones que llevan el estigma de un nombre, ese alguien que imprimió para siempre en esa canción un significado un momento o sentimiento especial, como no ligar “Avalon” de Roxy Music, con ese encuentro furtivo con alguien en el after de una fiesta o un concierto, el vídeo lo muestra tal cual, después de una fiesta fufurufa de la alta socialité ya que todos se fueron, ahí esta ella, escondida esperando pacientemente el momento del ultimo baile, mascaras fuera, seamos nosotros mismos lejos de la vista de todos.

Desamor, cuando ya estamos hartos de esa persona que ya nos llenó de piedritas el zapato y la queremos lo más lejos posible de nosotros, que nos drena la energía o simplemente no nos presenta con sus papás, mandarlo a la chingada, si, hasta allá o más lejos si se puede, “You can go your own way” como dice Fleetwood Mac, canción que describe tal y como era la relación de los integrantes de esta épica banda en ese momento, cuando intercambiaban parejas entre ellos mismos como intercambiaban de escenarios, la historia real y descarnada de sus sentimientos que cuando vemos un concierto de esta época vemos claramente como se lo cantaban el uno al otro con total convicción.

Sin embargo hay otro grupo de personas que por voluntad propia o no, son forever alone, que en esos días solo hay opción de comprarle algo al gato o unas llantas a la bici, a estas personas nunca se les considera en este día del amor, hasta creemos que como dice Björk, “All is full of love”, en su video de un enamoramiento entre robots con sugestivos mecanismos y apareamiento mecánico, no hay que hacernos mensos y negar que en esta época tan material y artificial, hay quien desarrolla lazos afectivos con objetos inanimados, no quiero ahondar en que tan patológico sea o no esto pero quién no ha dicho “amo mi casa” o entre fashionistas “amo esos zapatos” e incluso entre la bola de amigos declarar el amor irracional a un auto, como nos lo dice Queen en su rola “I’m in love with my car” que describe qué tanto su auto ha formado parte de su amor y sus emociones.

Con todo esto no quiero desanimarlos a que vayan a festejar a su ser u objeto querido, vayan, sumérjanse en ese consumismo y lleven rosas, chocolates y cariño, cumplan con la sociedad y la expectativa general de comprar un oso de peluche inútil que solo vivirá para estorbar en la cama o repisa junto con los otros peluches acumulando ácaros, festejen, pero con cuidado, no quiero saber que luego esperan una personita en Noviembre…