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On Record. Lanzamientos esenciales de la semana

ÁLBUM DE LA SEMANA: PAUL WELLER

True Meanings

Parlophone

A diez años desde que comenzó su segundo aire, Weller no muestra señales de cerrar la tienda. Grabado en solo tres semanas, “True Meanings” lo lleva de vuelta a los principios básicos pastorales de Wild Wood. Muchas de las 14 pistas están enraizadas en la escasez de voces y guitarras acústicas, embellecidas por texturas pop-talismánicas de cuerdas relucientes, órgano, metal, viento de madera y armonías fantasmales. Esto permite que aparezcan algunos de los mejores y más vulnerables cantos de Weller en años, agudizando el sentido de que, a sus 60, está en modo reflexivo.

Varias canciones tienen letras escritas por otros artistas para las melodías de Weller. Para darte una idea de cuán íntimas eran las sesiones, estas se alían temáticamente con las preocupaciones que expresa en otros lugares. The Soul Searchers (palabras de Conor O’Brien de Villagers, sinuoso Hammond de Rod Argent); la belleza despojada de Mayfly y el Wishing Well de Neil Young; los libros de sitar-spiked (con Lucy Rose), la toma de inventario en su mayoría sin reservas: esta es la composición de una profundidad extraordinaria, incandescente con la emoción, cruda con candor. Hay una sensación de búsqueda de la verdad, lidiar con defectos que han quedado enterrados bajo el polvo y la negación. Emocionantemente, Weller ha recuperado su don innato para la pureza melódica: para elegir un ejemplo, la melodía de Movin On, a la vez sin esfuerzo y elaborada intrincadamente, es un rompecorazones. Uno de los mejores discos de Weller. Puede reinar por mucho tiempo.

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MULL HISTORICAL SOCIETY
Wakelines

Xtra Mile

El octavo álbum de estudio de Colin MacIntyre, y el sexto de Mull Historical Society, considera que el regalo del escocés para las letras imbuidas de nostalgia y las melodías conmovedoras encuentra su habilitador perfecto. Producido por Bernard Butler y tachonado de interjecciones transformativas, Wakelines es otro recordatorio de las credenciales de la cámara pop de MacIntyre. En canciones como “14 Year Old Boy”, “Child Inside of Me” y la canción que da título al album, su oído para los detalles a pequeña escala y el expresionismo amplio crean momentos llenos de belleza y verdad emocional.

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PALE WAVES
My Mind Makes Noises

Dirty Hit

No se deje engañar por la configuración de la banda de rock o por la vestimenta gótica de la cantante Heather Baron-Gracie. Pale Waves puede empapar sus guitarras en reverberación, pero son los sintetizadores brillantes que dominan un debut en deuda con el pop de los 80. Los cuentos de angustia adolescente del cuarteto de Manchester podrían sonar como una cursi película para adolescentes, y hay algo más que un toque de Taylor Swift en la forma en que Baron-Gracie analiza las relaciones. Last year’s Television Romance sigue siendo su canción más fuerte, pero Robyn-esque Came in Close es solo finalista.

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SAY LOU LOU
Immortelle

A Deux/Cosmos

Cuatro años después de un debut de exquisitez electro-noir, los gemelos sueco-australianos regresan. Una versión de Under the Milky Way (1988) – que sus padres, Karin Jansson y Steve Gilbey, escribieron para la banda de Gilbey, Church – es una de las únicas siete canciones, pero los arreglos son tan detallados, las voces y letras que son soñadoras pero precisas, desvanecen cualquier sensación de ser una estafa. Golden Child combina una marcha disco con un contragolpe contra la explotación de la industria, mientras que el track que da nombre al álbum podría ser la canción del James Bond que se escapó.

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MACY GRAY
Ruby

Artistry

Últimamente, Gray ha confiado en las fundas para recordarle al mundo el escándalo que la convirtió en una megaestrella hace casi dos décadas. Su décimo álbum la devuelve a originales de alma retro y embebe su personaje burbujeante – “No he bebido nada desde la última vez que lo hice”, rememora el descarado Over You. Los surcos son geniales, pero no tiene ganchos. Buda presenta un coro, cuerdas, un solo de guitarra de Gary Clark Jr y letras inteligentes, pero aún no puedes cantarlo, mientras el sencillo escrito por Meghan Trainor, Sugar Daddy es enfermizo.

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WILLIE NELSON
My Way

Legacy

No tiene sentido tratar de fanfarronear a Sinatra, por lo que este homenaje funciona mejor de lo esperado. Nelson tiene experiencia con los estándares y, si algunos de los arreglos de cuerno y cuerdas tienen una pizca de karaoke, hay un encanto nostálgico en el tintineo latino It Was a Very Good Year. Norah Jones tiene un camafeo decidido en What Is This Thing Called Love  y, a la edad de 85 años, Nelson trae patetismo a la pista de auto-engrandecimiento que da nombre al álbum.
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TONY BENNETT AND DIANA KRALL
Love Is Here to Stay

Verve

Lady Gaga pisaba con tanta fuerza los dedos de sus pies en los dúos que probrablemente el gran anciano necesitó botas con puntas de acero. Krall hace una pareja más matizada en esta celebración de los Gershwins (aunque deja los deberes del piano a un Bill Belap siempre elegante). Bennett, de 92 años, suena ridículamente saludable y abundante. La canción más destacada, sin embargo, es la versión en solitario de Krall de But Not for Me, una de las mejores cosas que ha hecho en años.

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DEMONIOS DE LA SEMANA

ORBITAL
Monsters Exist

ACP

Atraídos por un segundo intento de jubilación por un mundo caótico que necesita más baile, los hermanos Hartnoll están en fabulosa forma con su primer álbum en seis años. Las divisiones del Brexit se capturan en PHUK (Please Help UK, al parecer), que cambia sonoramente lados a mitad de camino. El apocalíptico The Raid plantea preguntas morales a través de una voz en off, la majestuosa Vision OnE grita “futura favorita del festival” y, en There Will Come a Time, un sereno y aterrado Brian Cox describe la desaparición de la Tierra.

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DEBE SER REEDITADO

BOBBIE GENTRY
The Girl from Chickasaw County

UMC

Muy por delante de su tiempo, la cantante nacida como Roberta Streeter hace 74 años en Mississippi abrió camino para la música independiente. Los siete álbumes que Gentry hizo en Capitolio desde 1967 están reunidos aquí, junto con rarezas y actuaciones de su serie de la BBC. La inquietante canción de country-blues Ode to Billie Joe sigue siendo su mayor éxito, pero, musical y líricamente, su talento para la composición de canciones ricamente detalladas vagaba por todas partes, como lo muestra este fascinante set de caja. Ella desapareció de la vista pública en 1981.

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ACTO DE RUPTURA 
MIINK 

¿Quién es él? Un cantante, productor y director de video del oeste de Londres, cuyo verdadero nombre es incierto. Con solo tres pistas hasta la fecha, está generando una gran cantidad de calor, que solo debería aumentar cuando lanza su mix tape de debut, Small Clan. Una absorbente mezcla de exuberante electro soul como Scritti, el reeditado glitch popd de FKA Twigs, el falseto agudo y una corona de trémulo chicle, con una afición de James Blake por subvertir las canciones justo cuando estás comenzando a asentarte en su ritmo, las 10 pistas del mix tape son a la vez envolventes y perturbadoras. Nunca se sabe qué esperar, que es lo que hace a Miink una perspectiva tan emocionante. Sus videos son bastante extraños y maravillosos también.

¿Cuándo está disponible la música? Small Clan se lanza el miércoles; miink.co.uk . 

PISTAS MÁS CALIENTES

L Devine: Peer Pressure 
El diálogo de muestreo de Heathers, y con Charli XCX en coros, el último de Northumbrian es la perfección minimalista y sintetizada de earworm synth-pop.

Billie Marten: Mice
Letras de absoluta desolación y resignación, y una melodía de belleza luctuosa y lúgubre.
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Marissa Nadler feat Sharon Van Etten: I Can’t Listen to Gene Clark Anymore
Título excelente, canción maravillosa. Esta joya de melancolía y pesar anticipa el nuevo álbum del cantante de Boston. corriente continua
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Texto tomado de The Sunday Times

Sonic Arsenal – el saco blanco de los renegados

En algún momento el código mod indicó que un saco blanco era la más pura evidencia de ese culto obsesionado con el hedonismo y la moda hyper-cool y, aunque no existen evidencias científicas, incluso la más barata de sus versiones atraía la atención femenina. Tal vez es algo trivial, moda y pose, nada más, sin embargo viendo dos películas y una serie, descubrí que el saco blanco y sus renegados usuarios tienen una relación musical de características que hipnotizan.

Viendo esa serie de rockumentales que se han vuelto una obsesión en los últimos años me encontré con tres potentes figuras enfundadas en ese lienzo fresco y atractivo que ha adquirido una manera un poco repulsiva, un traje blanco que se ha vuelto gris de muchos espectáculos llenos de sudor y rodadas por el suelo.

Lo que resume todo para mí es ver a Lee Brilleaux en el escenario con un traje blanco que parece como si hubiera dormido en el piso de un basurero. Es un aura pura de sordidez, que afrenta aún más con la imagen del traje ensangrentado de Wayne Coyne y la historia de Miles Davis.

En algún lado leí que para el personaje de Gene Hunt en ‘Life on Mars’ (la versión original por favor) se basó en el líder de Dr. Feelgood, Lee Brilleaux, por su ira reprimida, patillas de bandolero y un traje de color hueso que había sido, obviamente, un traje blanco en una vida anterior.

Brilleaux miraba cada centímetro como si fuera una extensión del tono acre que iba adquiriendo su traje, el vocalista amenazaba a la audiencia y se limpiaba constantemente el sudor en la manga de su traje blanco para agregarle más capas de suciedad.

Inmediatamente te preguntas quién estuvo tomando nota de ese acto, pero todo nos hace suponer que Johnny Rotten, Paul Weller y Joe Strummer ciertamente estaban observando. El fragmento dedicado al vestuario de Brilleaux en ‘Oil City Confidential’ confirma el legado de esa prenda malévolamente cruda, sucia y de anécdotas acumuladas en capas grisaseas y amarillentas.

Unos meses antes de ver el filme realizado por Julien Temple, encontré a través del documental ‘The Fearless Freaks’ otras razones para poner atención. En la película, mientras Wayne Coyne muestra su pulida técnica para lavar su traje blanco y percudido después de cada concierto de Flaming Lips, explica cómo una fotografía de Miles Davis lo inspiró.

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“Es una imagen extraña. Hay algo acerca de la dignidad de ser civilizados y el uso de este traje, y el contraste de la brutalidad y la sangre”. Wayne Coyne habla de una imagen muy famosa del trompetista de jazz Miles Davis después de resistirse a la detención policial.

Davis vestía un traje blanco tirándole a amarillo, que curiosamente es la única razón por la que se puede notar que el músico estaba sangrando. “Debido a su cabello negro y su tez oscura, no se puede decir que tiene sangre en él, excepto que él usa un traje de color claro que está salpicado con la sangre”, comenta Coyne.

Mientras lava su traje, el cantante de Flaming Lips explica que de ninguna manera ha tratado de imitar a Miles Davis, pero ciertamente parece fascinado por esa imagen y fue suficiente para que usara un traje blanco y se cubriera a sí mismo en sangre regularmente durante sus actuaciones.

La imagen es una leyenda, pero Miles Davis se volvió famoso por ese tipo de acciones y posturas en las que se le veía extravagantemente extraño y, como su traje ensangrentado, con un aura estilizada constriñéndose fuertemente contra su propio marco.

Lee Brilleaux, Wayne Coyne y Miles Davis tiene algo atrayente en sus respectivos trajes percudidos. El verdadero hombre dentro del traje no es físicamente demostrado, es observado y sentido en su forma de vestir en general y su actitud ante la música, su comportamiento en el escenario y afuera de él parecen extrañas ideas que no concuerdan.

Brilleaux lo usaba para afrentar, Coyne para distraer a la audiencia de lo terrible que era la música de Flaming Lips al principio y Davis lo utilizaba para desaparecer. Cuando Davis tocaba, sus seguidores se quejaban de que no era visible por más de 15 minutos en el escenario. Tal vez no era visto en las sombras, incluso podías pensar que él no estaba, pero cuando lo veías no hablaba, sólo veías su traje blanco.

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