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OFUNAM Programa 2. Tercera Temporada 2015

Las Danzas Húngaras más famosas son la uno, la tres y la cinco pero hacen un total de veintiuna, en ellas Brahms se nutre del folklore húngaro, que en aquella época resultaba ser algo exótico, proveniente de una Europa lejana, y crea esta serie de danzas que si bien mantienen la esencia de la música gitana, resultan altamente sofisticadas, con una hermosura difícil de resistir, altamente seductoras, parte por la influencia popular pero también por su gran riqueza orquestal y rítmica.

 

Si bien la música de Korngold está plenamente identificada con su época, pleno siglo XX, también tiene grandes reminiscencias de la música romántica y quizá de los grandes maestros rusos; en este Concierto para Violín encontramos la fastuosidad de los grandes conciertos decimonónicos, el primer movimiento es alegre y audaz, el discurso del violín es brillante y de gran exigencia; el segundo movimiento es suave, claro y luminoso, la orquesta se convierte en una referencia sonora, mínima pero significativa, que enfatiza el discurso del solista; el tercer movimiento tiene un lenguaje totalmente cinematográfico, Korngold musicalizó algunas películas y es en este movimiento donde se desarrolla todo este lenguaje, muy expresivo, quizá hasta narrativo, con diferentes moods y con gran poder.

 

Decires de abuelas, el vals y la polca, música escrita seguramente por el demonio, incitaba a las virtuosas doncellas a experimentar pecaminosos arrebatos carnales en los brazos de sus amados, con esos bailes tan, tan, tan… obscenos. Y es que, si bien el vals, contextualizado en nuestra época nos parece algo kitsch debido a muy mediocre costumbre de utilizarlo en fiestas, no deja de tener su gran encanto y es muy fácil encontrar aquello que seguramente sedujo a más de una virtud.

 

En el Hermoso Danubio Azul es quizá el más famoso de los valses, utilizado desde canciones para pedir pastel y hasta por mr. Kubrik en su gran odisea espacial es una obra hermosa, sofisticada, con un encanto difícil de resistir y que, a pesar de todas las significaciones que pueda tener debido al abuso que sea hecho de ella, yo prefiero quedarme con le belleza pura, llena de encanto que aún encuentro en sus notas.

 

Herr Strauss (Richard en este caso y no Johann como en el anterior) experimentó en sus óperas dramáticas con tonalidades y estructuras vanguardistas, propositivas, sin embargo en El Caballero de la Rosa mira un poco a la música de siglos anteriores y desarrolla una ópera cómica, de enredos, muy similar a las mozartianas Bodas de Fígaro. La suite se compone de diversos pasajes, que dan un panorama general del mood de la historia y en mi gusto muy personal es el vals el que más destaca tanto por su belleza como por su anacronismo pues el argumento se sitúa en el siglo xviii; no es un vals brillante y luminoso como los de salón de baile, es más bien arrabalero, decadente, muy propio al talante del barón Ochs. En fin, es una gran obra que se debe apreciar en toda su extensión.

 

Este segundo programa de la temporada ofreció obras que tienen un tenue lazo de unión, ya sea por la temporalidad o la germanidad, como sea, son obras hermosas y altamente disfrutables. El maestro López Reynoso con una conducción más madura cada vez, definitivamente excelente con la suite de R. Strauss y el maestro Kwapisz, concertino de la OFUNAM, con una ejecución estupenda del concierto de Korngold, que es una obra de grandes exigencias técnicas y expresivas y que, como nota al margen, John Williams, gran plagiador y compositor de la música de ‘Star Wars’, arrebata un par de temas de este gran concierto para incubar sus “creaciones”.

 

OFUNAM Programa 2. Tercera Temporada 2015

Iván López Reynoso, Director Asistente

Sebastian Kwapisz, Violín

Danzas Húngaras No. 1 y No. 5

Johannes Brahms (1833–1897)

Concierto para Violín y Orquesta en Re mayor, op. 35

Erich Wolfgang Korngold (1897–1957)

En el Hermoso Danubio Azul

Johann Strauss II (1825–1899)

Suite de El Caballero de la Rosa

Richard Strauss (1864–1949)

OFUNAM El Niño y la Música Tercera Temporada 2015

El concierto de El Niño y la Música representa en esta ocasión a un niño singularísimo, El Niño Revueltas. Nacido en una familia de artistas, Silvestre desarrollo desde pequeño el gran talento musical que, aun con una producción “pequeña”, justamente se perfila en la actualidad como el compositor más importante y trascendente del México del siglo xx.

Este espectáculo recorre, a través de unas pocas piezas, el genio creativo y la gran calidad musical de Revueltas, en una puesta en escena para bailarines, títeres, actores y cantante verdaderamente buena y que acerca de una forma lúdica, esta música que, quizá no sea de fácil escucha en un primer momento y menos para el auditorio infantil y es gracias a esfuerzos como este que este acercamiento es posible.

Suena la entrada de Janitzio para abrir boca, obra que tiene todo el sabor de nuestra música popular pero que destaca por su gran fuerza y brillo, da pie a las Cinco Canciones Infantiles, canciones que recogen versos de García Lorca y Trueba, en ellas Revueltas proyecta la inocencia y la curiosidad propias de la niñez, canciones que sólo tienen sentido cuando todo, absolutamente todo es posible, basta con imaginarlo.

El Renacuajo Paseador, desde su composición fue ideada para representarse con títeres, como toda fábula, tiene al final una enseñanza en el infortunio del protagonista pues el renacuajo al salir a pasear pese a las advertencias de su madre, encuentra un final abrupto, en el pico de un patito que paseaba por ahí, buscando cenar, dejando a mamá Rana muy triste y solitaria.

Sensemayá, inspirada en los versos de Nicolás Guillén, onomatopéyicamente emula el ritmo y la cadencia de estos, Mayombe ombe, Mayombe, repetido como un mantra pierde su sentido literal y despliega una sonoridad fantástica, Sensemayá, canto para matar a una culebra, culebra que tiene los ojos de vidrio, que no puede morir pues en su muerte muere su matador y renace ella misma como mujer. La Coronela es un gran ballet inspirado en los grabados de José Guadalupe Posada y sus calaveras y podríamos entenderlo como una gran mofa hacia la petulancia de las clases sociales privilegiadas, pues en el mismo tenor de los grabados, es la calaca tilica y flaca la gran igualadora de la humanidad, pues rubia o prieta, pobre o rica, todos somos iguales cuando llega la huesuda.

Un viaje fantástico a través de la música de este verdadero genio, el maestro Góhmer en la batuta, la señorita De la Mora como mamá del Niño Revueltas y cantando las Cinco Canciones Infantiles y un gran espectáculo a cargo de bailarines, actores, titiriteros y narrador, el maestro César Piña en la dirección de escena y mucha mucha gente en la producción de este gran espectáculo. A pesar de que mi favorita es Sensemayá, disfruté mucho muchísimo de la representación de La Coronela pues fue como ver las calaveras de Posada cobrar vida y de la manera más divertida posible.

OFUNAM El Niño y la Música Tercera Temporada 2015

Christian Góhmer, Director Huésped

Anabel de la Mora, Soprano

César Piña, Director de Escena

El Niño Revueltas, Estampas Mexicanas contadas con Música

Janitzio

Cinco Canciones Infantiles

El Renacuajo Paseador

Sensemayá

La Coronela

Silvestre Revueltas (1899–1940)

OFUNAM Concierto Mexicano 2015

Hoy, un poco por las fechas, un poco por lo que he venido pensando y estudiado en los últimos meses, me punza nuevamente la pregunta, exactamente ¿Qué es ser mexicano? Y sé que esta pregunta, más allá del nacionalismo programado que nos enseñaron en la escuela y que a través de los medios se mantiene vigente como un modelo a seguir y que, paradójicamente, carece de modelo, la respuesta a esta pregunta aún me parece casi incontestable y es que es bien diferente la realidad social, cultural, económica y aun la académica de cada mexicano.

Son temas en los que no podría ahondar aquí y sólo señalaré un elemento que sí logra unificar algunos criterios y darnos algunos lugares comunes para lo que podríamos entender como identidad nacional; este elemento unificador es la música; ya sea académica, tradicional o popular, cada mexicano se sentirá parte del grupo de mexicanos que prefieren tal o cual música mexicana.

Y a pesar de ser un sitio común, con todo lo desgastante que puede ser para una obra de arte, a muchos aún nos hace vibrar el Huapango de Moncayo, quizá el himno nacional mexicano sin título oficial. La OFUNAM nos regala en este precioso concierto, una selección exquisita de obras de autores mexicanos.

Collage para Orquesta es una colección armónica de trozos sonoros, algunos propios, algunos prestados, donde se puede apreciar el afán compilatorio en búsqueda de una identidad, creada de muchos fragmentos, de retazos, propios y heredados, pero finalmente nuestros; el Collage por momentos describe, de algún modo que más me hace intuir que asegurar, diversos pasajes de mi entorno urbano, mi ciudad ruidosa descrita en escenas que se superponen sin ningún sentido y que aun así consiguen describirla, el paseo por esta ciudad termina de algún modo, en el bullicio de las puertas de un congal en Eje Central, parafraseando al gran maestro Arturo Márquez, buscando la pasión según San Juan… de Letrán.

 

Antes, diría mi má, cuando los compositores sí eran músicos y cuando los artistas en verdad lo eran, hubo algunas generaciones de músicos mexicanos que se desarrollaron en el mejor de los escenarios posibles, una vanguardia que cambiaba la forma de entender la música a nivel mundial, una pujante industria cinematográfica y una industria musical igualmente fuerte. Gonzalo Curiel, compositor de canciones como Vereda Tropical, también incursionó en la música académica y compuso tres conciertos para piano y orquesta.

Su Concierto No. 2 es una verdadera joya en la cual encontramos elementos de la música popular de la época tal como lo hizo Gershwin en Estados Unidos; temas suaves y delicados, con una gran influencia del mundo cinematográfico, temas que por momento nos llevan de la mano por esas calles de la Ciudad de México, cosmopolita y moderna pero aún en blanco y negro. Aunque aprecio gran influencia de Liszt, el complejo discurso del piano, romántico por momentos, evoluciona hacia un lenguaje más moderno y sofisticado y de cierto modo, mucho más personal.

Zapotlán es una suite sinfónica que bien puede ser considerada la primera obra importante del Nacionalismo Mexicano. El maestro Rolón regresa al país desde Europa, trayendo las vanguardias sonoras e incorporando el sentido de mexicanidad a su música; una excelente orquestación dota a la obra de gran brillo y desde un primer momento apreciamos elementos rítmicos y melódicos de sones jaliscienses y hasta tarascos, la voz de la guitarra aparece recreando el ideal cinematográfico de la vida rural de ese México de las películas de los años 40s; la suite culmina con una estupenda Fiesta de pueblo, con el clásico sonido estridente del México nacionalista desbordado de metales.

Sensemayá es una cadencia interminable que se define a sí misma, ahondando en los sentimientos más primitivos de mi ser, la fuerza, el empuje, el poder del andar de la culebra, si bien es llamarlo andar; es similar a mi andar, taimado, en guardia, buscando ser el cazador y no la presa, mi peso sobre la hojarasca, la tierra negra que guarda el molde de mi pie desnudo, el fuego, detrás de mi supervivencia, purificador, protector. La espesura, la culebra andando, escapando y yo siguiéndola, dándome cuenta de que no sólo es una culebra, de que es la vida en sí misma, la hija de la tierra desbordada por los caminos que le traza el agua, que me guía y que me enseña que, al final, somos lo mismo, dos expresiones de una misma vida.

Sensemayá es también la pulsión del eros, la noche iluminada por el fuego, el escarceo de las bocas, que se buscan y se encuentran, que se saben, se reconocen y se entregan, las manos que le siguen, las manos en las caderas, inmensas, inmersas, de placer y de vida, de deseo, deseo de devorarse y ser devorado, de ser uno en el cuerpo del otro, de someterse y aun así ganar, de sentirse más vivo que nunca, más vivo que siempre, tan sólo en ese momento perfecto de la consustancialidad.

Reinterpretando el esplendor cultural del México antiguo a través de la música sinfónica, la Sinfonía India es un afortunado recorrido por muchas de las sonoridades propias de nuestra identidad cultural que incluye elementos de la música prehispánica, colonial, barroca y la inevitable influencia de los sones, músicas destiladas a través de un riguroso preciosismo musical, moderno y sofisticado que también busca proyectar la grandiosidad y el heroísmo del pueblo mexicano; es sin duda uno de los más grandes y perfectos ejemplos de la música nacionalista.

El maestro López Reynoso en la batuta que junto a la OFUNAM nos regalaron un concierto excepcionalmente hermoso, tanto por la selección de obras como por la ejecución, el Sensemayá me puso los pelitos de punta y bueno, ni que decir del Huapango que nos regalaron como encore. El maestro Ritter en el piano haciendo gala de su gran talento y ejecutando una obra que él mismo ha colaborado para rescatar y revivir, excelentísima labor. Este concierto estuvo dedicado a la Escuela Nacional Preparatoria No. 2 «Iniciación Universitaria, donde la UNAM comienza, 80 aniversario» circunstancia que me llena de orgullo al ser mi Reginita parte de estos muy jóvenes universitarios a partir de este año.

OFUNAM Concierto Mexicano 2015

Iván López Reynoso, Director Asistente

Rodolfo Ritter, Piano

Collage para Orquesta

Armando Luna (1964–2015)

Concierto para Piano y Orquesta No. 2 en Re Menor

Gonzalo Curiel (1904–1958)

Zapotlán

José Rolón (1876–1945)

Sensemayá

Silvestre Revueltas (1899–1940)

Sinfonía No. 2 India

Carlos Chávez (1899–1978)

OFUNAM Programa 1 Tercera Temporada 2015

Como pocos, Wagner logra retratar el amor y la desesperanza a través de la música y es este pasaje de Tristán e Isolda uno de los mejores ejemplos. La pasión de amor y la tristeza se entretejen magistralmente en esta pieza, creando una atmósfera muy emotiva, apasionada y desbordante, donde estos dos sentimientos se alternan, a veces de forma sombría, pero en la que finalmente aparece la luz de la esperanza incierta.

 

La Sonata para Clarinete y Piano a través de la inspirada (por Brahms) mano del signore Berio, se convierte en un exquisito concierto para Clarinete. Si bien es cierto que el tono de la obra es muy solemne, quizá un poco sombrío, la calidez y vivacidad de la voz del clarinete en contraposición con el tono grave y profundo del contrafagot, hace crecer a la obra de forma que, en cada uno de sus movimientos, transita hacia moods más suaves, cálidos y hasta alegres y bailables, para terminar en un tono altamente festivo. Esta versión, orquestada por don Luchito, dota a la Sonata de una gran profundidad, muy de acuerdo al sello orquestal del propio Brahms. Una excelente reelaboración.

 

Berceuse Heroïque es una de las últimas obras de don Claudio, aquejado ya por la enfermedad que habría de matarlo y esto se puede percibir a través de la música; muy lejos está de la música diáfana y luminosa que le caracterizó, en esta obra podemos percibir el tono sombrío y gris del fin que se acerca. Inspirada en la gran resistencia belga ante la invasión de las tropas alemanas en 1914, el discurso es solemne y triste, se percibe un aire de derrota pero conservando la dignidad de la gloria y la resistencia de sus héroes abatidos.

 

La música de sir Edward es triunfal, emotiva y sobre todo, hermosa. Inspirada también por la invasión de Bélgica, esta obra sin embargo, es el lado opuesto a la de Debussy, Carrillón evoca un aire marcial que sin embargo festeja la vida, ¿el triunfo? ¿La gloria? No lo sé, pero definitivamente hay alegría, aprecio por la belleza, consciencia de estar vivo y disfrutarlo; de la misma forma, las marchas militares Pompa y Circunstancia son obras que definitivamente exaltan los ánimos, nos hablan de gloria y tradición, de solemnidad y poder, pero sobre todo del orgullo de un pueblo que ha sabido mantenerse fiel a sí mismo y a su vez, conquistar el mundo en más de un sentido y sin embargo, Suspiros es una obra bellísima que retrata la gloria pasada de una época que dejó de existir mucho tiempo antes; un retrato preciso del romanticismo que, en la época de su creación, en medio de los horrores de las guerras europeas, resultaba doloroso, hiriente y hasta ofensivo evocar el esplendor intelectual y artístico del romanticismo y que por otro lado, a la par de los conflictos armados, las vanguardias artísticas tomaban caminos que redefinirían el sentido del arte, un arte muy lejano del romanticismo en su forma de ver la vida.

 

Ancla Fue un verdadero placer asistir a este primer concierto con el que inicia la tercera temporada del 2015, el maestro Latham–König en la dirección de Wagner y Elgar, como siempre, emotivo e impecable; el maestro Sobrino en una excelentísima ejecución de la sonata de Brahms, bella en verdad y que al término, nos obsequió con un pequeño fragmento de El Rito de la Primavera, de Stravinsky (hablando del diablo).

 

OFUNAM Programa 1 Tercera Temporada 2015

Jan Latham–König, Director Artístico

Giampiero Sobrino, Piano

Preludio y Muerte de Amor de Tristán e Isolda

Richard Wagner (1813–1883)

Sonata para Clarinete y Piano, op. 120, No. 1

Transcripción para Orquesta y Clarinete de Luciano Berio

Johannes Brahms (1833–1897)

Berceuse Heroïque

Claude Debussy (1862–1918)

Carrillón
Suspiros
Marchas Militares Pompa y Circunstancia
en Do Menor, op. 39 No. 3 y
en Sol Mayor, op. 39 No. 4

Edward Elgar (1875–1934)

OFUNAM Programa 9 Segunda Temporada 2015

Este 2015 es un año de acercamiento entre México e Inglaterra en muchos ámbitos, uno de ellos el cultural y es con este motivo que la OFUNAM visitará este país en el próximo verano; en el concierto de esta noche escuchamos el programa que presentará la orquesta en aquel país y es un programa exquisito definitivamente, donde escuchamos obras que son clásicos de la actualidad orquestal del país y también música de otros países.

Iniciando con una obra preciosa en extremo, una joya del barroco alemán, la Chacona para Órgano es sin duda una de las piezas hermosísima, de tal suerte que el maestro Carlos Chávez se dio a la tarea de reelaborarla, emulando con todas las texturas de la orquesta la profunda sonoridad del órgano y también, dotando a esta obra de un carácter moderno, sin perder la riqueza y exuberancia del original barroco, un verdadera belleza.

La música mexicana, como todo, tiene sus grandes clásicos y uno de los más nuevos es sin duda el Danzón No. 2, obra que por mérito propio se ha ganado un lugar preponderante en el repertorio orquestal del país en los últimos tiempos y es que su gran cadencia, elegancia y sabor transmite todo el espíritu del danzón de una forma que es casi imposible sustraerse a su encanto, combina la gracia y la belleza con un gran poder, lo que la hace altamente seductora.

De la misma forma, el maestro Márquez ha explorado otros ritmos con gran éxito, como la Conga del Fuego Nuevo, una pieza singular con una propuesta rítmica y percusiva formidable, que nos remite a otro de los grandes ritmos afroantillanos y que le da un toque majestuoso con el marco de un impecable trabajo orquestal y que, por otro lado, retoma la idea de los ciclos del mundo del pensamiento prehispánico, ciclos en los que el mundo se renovaba con la pureza del fuego nuevo.

 

La suite de El Sombrero de Tres Picos recoge algunos momentos brillantes de este ballet, inspirado en la obra literaria de Pedro Antonio de Alarcón y compuesto a petición del empresario ruso Serge Diaghilev. La música de De Falla tiene siempre ese matiz fresco de la música de la vanguardia del siglo xx permeada con airecitos españolados sin llegar a caer en el folklore, reminiscencias del espíritu español con influencias que van desde el norte navarro hasta un muy soleado sur andalusí, que muy bien supo proyectar el compositor. Su estreno contó con la colaboración de grandes bailarines de la época y don Pablo Picasso en los decorados.

 

Da Blues es sin duda uno de los más grandes semilleros de la música contemporánea norteamericana, su trascendencia por más de cien años, es inigualable y de la misma forma que nos legó el rock, también nos dio el jazz, una música en la que las nuevas ideas y el virtuosismo son requisito sine qua non para triunfar. Mr. Gershwin fue un poquito más allá, tomando como base los estupendos ritmos del jazz,

 

En Rhapsody in Blue crea un retrato de la gran urbe, sus ambientes musicales y sonoros y retrata también la gran sofisticación y buen gusto de la época y de este ambiente. Concebida en un inicio para piano y banda de jazz, la versión que escuchamos actualmente tiene todas las características para ser un gran concierto para piano, enmarcado magistralmente por la orquesta y sin embargo son encantadores los elementos jazzísticos que aparecen a lo largo de toda la obra, la elegancia y brillo de los temas, el virtuosismo del piano que raya casi en la improvisación y sobre todo la gran personalidad de la obra hacen que sea una de las verdaderamente imprescindibles.

 

Adiós, Nonino, bien puede ser un la máxima obra de Piazzolla, como el mismo la consideraba y es que, en mi opinión, un hombre descubre y proyecta todo su talento cuando se mira de frente con la muerte, en este caso, Piazzolla la compone a la muerte de su padre. En sus muchas versiones, esta obra sigue una línea melódica obviamente piazzolleana, esa forma tan particular de reinventar el tango y expresarlo con su bandoneón es única, pero también aparecen diversos ritmos a lo largo de la misma, el tango, las percusiones casi de bolero y ciertos coqueteos con el jazz, en el que también incursionó largamente; en esta obra se condensan los elementos más representativos de este hombre que verdaderamente revolucionó la música de su país y del mundo, sin Piazzolla, hoy el tango sería solamente otra pieza de museo.

 

Retomando el tema de los clásicos mexicanos aparece su majestad El Huapango, obra que proyecta la esencia de la música tradicional del mexicano, creando un sentido de identidad que muy pocas piezas musicales han logrado; y es que en nuestro país, tan culturalmente diverso, es tan difícil que un yucateco vibre con una polka o un regio se conmueva hasta las lágrimas con Dios Nunca Muere que parece que musicalmente muchas cosas nos son ajenas y sin embargo, esta obra se ha colocado como una de las más trascendentes y representativas de todo aquello que nos define como mexicanos.

 

Poco hay que decir de esta obra, o quizá también pudiéramos decir mucho, aunque lo verdaderamente importante es sólo sentirla, vivirla, vibrar en cada oportunidad en que la escuchamos y reencontrarnos ahí, en esa alegría, en ese sentido de mexicanidad, tan intangible pero que, de alguna forma, sentimos dentro del corazón.

 

Así pues, este último concierto de la segunda temporada 2015 fue verdaderamente espectacular, con un lleno total de la Sala Nezahualcóyotl, la OFUNAM, bajo la batuta del maestro Latham–König, ejecutó estas obras de forma espléndida, el maestro Osorio en el piano regalándonos con una de las mejores interpretaciones que he escuchado de Rhapsody in Blue, magnífica sin duda alguna y que tuvo a bien obsequiarnos como encore con la Mazurka No. 6 del maestro Ponce, el maestro Garibay interpretando el Adiós, Nonino en una muy curiosa adaptación para saxofón que fue verdaderamente hermosa y sobre todo, la orquesta magnífica que nos obsequió con un riquísimo valsesito de Ricardo Castro. Estupenda noche y les deseo la mejor de las suertes en su estancia en Inglaterra.

 

Y sé que después de dos copas de champagne, sólo quiero perderme en el blues de tus ojos cafés. Impresionante idea musical: Rhapsody in Blue, George Gershwin.

OFUNAM Programa 9 Segunda Temporada 2015

Jan Latham–König, Director Artístico

Jorge Federico Osorio, Piano

Rodrigo Garibay, Saxofón

Chacona para Órgano en Mi Menor, BuxWV 160

Dietrich Buxtehude (1637–1707)

con Orquestación de Carlos Chávez (1899–1978)

Danzón No. 2

Conga del Fuego Nuevo

Arturo Márquez (1950)

Suite de El Sombrero de Tres Picos

Manuel de Falla (1876–1937)

Rhapsody in Blue

George Gershwin (1898–1937)

Adiós, Nonino

Astor Piazzolla (1921–1992)

con Arreglo de Ryszard Siwy

Huapango

José Pablo Moncayo (1912–1958)

OFUNAM Carmina Burana Segunda Temporada 2015

El espíritu humano, más afecto a seguir las pasiones que a la pasiva contemplación, históricamente 

se rebela, por ciclos, cuando la represión del instinto ha llegado a demasiado. Los clérigos de la

Edad Media, hartos quizá del excesivo control monacal y eclesiástico, se rebelan en contra de la

represión, hacen escarnio de la sociedad, su estructura y sus gobernantes, laicos y religiosos y

salen a la vida mundana, celebran las pasiones de la carne, el vino y el juego, el amor por la

naturaleza, los placeres y los vicios y las plasman en sus cantos y en su poesía.

 

Los textos escogidos por Carl Orff para su obra son una pequeña parte del legado de estos clérigos, escritos de los

siglos XI y XII y que fueron encontrados en la abadía de Benediktbeuern a principios del siglo XIX. En ellos

se ensalza el amor profano, es decir, no el amor a dios sino a la carne, el mero placer carnal, «si

puer cum puellula moratetur in celula, felix coniunctio! si un muchacho y una muchacha moran en

una alcoba, qué feliz conjunción!» El vino y sus placeres son otra de las constantes, In Taberna

relata las aventuras, narradas al calor de las copas, por amantes, por clérigos y amigos, «Ego sum

abbas Cucaniensis et concilium meum est cum bibulis, et in secta Decii voluntas mea est, Soy el

abad de Cucaña y mi corte es la de los borrachos, y somos parte de la orden de Decio –pretendido

santo patrono de los juegos de dados–» y sobre todo, se canta a la Fortuna, diosa caprichosa que

raramente les bendice y frecuentemente les olvida y les hunde en la más penosa de las

mendicidades, la de vivir recordando los ya idos tiempos mejores.

En cuanto a la música, es quizá una de las obras más poderosas de toda la vida, características

como su simplicidad, sus melodías tan fáciles de recordar, la gran riqueza percusiva y rítmica

hacen que la obra, en sus partes o en su conjunto, sea verdaderamente grandiosa, siempre

espectacular.

 

Podemos apreciar influencias de música decimonónica así como también de

Stravinsky pero Herr Orff prefirió trabajar un estilo ecléctico, buscando la simplicidad y el poder de

la música más primitiva, canciones enmarcadas con un gran trabajo orquestal, donde las

diferentes texturas de voces y grupos orquestales le dan la vivacidad, la dulzura o el poder

adecuado para cada pieza, acentuadas brillantemente en primer lugar por el trabajo

excepcionalmente hermoso de las percusiones y en un segundo lugar en la profundidad y fuerza

de los metales y maderas como el contrafagot; el uso de dos pianos le brinda gran una riqueza

tonal en algunas piezas y las texturas creadas por los diferentes tonos de voces de los coros hacen

que esta obra sea verdaderamente hermosa, profunda y emotiva, sin comparación.

Ama me fideliter!

Fidem meam nota:

De corde totaliter 

et ex mente tota, 

sum presentialiter

absens in remota.

Quisquis amat taliter, 

volvitur in rota.

Ámame fielmente!

Mira cómo soy fiel

con todo mi corazón

y toda mi mente,

Y estoy presente

aún en la ausencia remota.

Quien ama de esta forma

da la vuelta como rueda. 

 

CARMINA BURANA 

BENEDIKTBEUERN LIEDER

Weltliche Gesänge für Soli und Chor mit Begleitung von Instrumenten und mit Bildern

Cantos Profanos para Solistas y Coro acompañados de Instrumentos e Imágenes Mágicas

Carl Orff (1895–1982)

 

Jan Latham–König, Director Artístico 

Anabel de la Mora, Soprano

Iván López Reynoso, Contratenor

Ricardo López, Barítono

Coro Filarmonía

Jorge Cózatl, Director Coral

Niños y Jóvenes Cantores de la Facultad de Música

Patricia Morales, Directora Coral

OFUNAM Programa 8 Segunda Temporada 2015

Suite Los Inesperados Caminos de Espíritu

Eduardo Diazmuñoz (1953)

Como lo he comentado en otras oportunidades, tener el privilegio de escuchar una obra en la ejecución de su autor es una experiencia muy enriquecedora, pues no quedan al aire las verdaderas intenciones del autor respecto a lo que quiere comunicar. Los Inesperados Caminos de Espíritu es una suite que el maestro Díazmuñoz compiló de un encargo del maestro Miguel Rico Tavera para musicalizar una película en el 2009.

Es indiscutible el gran oficio del maestro Diazmuñoz, cada pieza de la suite transmite diferentes emociones, habla de los distintos momentos de una narración pero conserva, y esto es algo bien difícil, la gran virtud de ser música con personalidad propia, sin depender de la proyección de imágenes para tener vida. Bajo la diestra batuta del autor, esta ejecución fue verdaderamente fenomenal, una música muy interesante, equilibrada, muy intensa y bella, además de que el privilegio fue doble pues aparte de escucharla de manos del autor, el de esta noche fue su absoluto estreno mundial. ¡Gracias en verdad!

Concierto para Trompeta en La Bemol Mayor

Alexander Arutiunian (1920–2012)

Curiosamente llegué a este Concierto para Trompeta de la mano de un músico excepcional, definitivamente uno de mis favoritos y para rematar, cubano, don Arturo Sandoval y hago hincapié en lo cubano pues parece que esta gente tiene un gen de más cuando se trata de música. Este concierto, un tanto atípico aunque es ya un básico del repertorio del instrumento, resulta excepcionalmente hermoso pues conjuga de una forma muy equilibrada la libertad propia de la trompeta pues creo que es en este instrumento donde más se puede apreciar el sello del intérprete y tiene también una parte académica y técnica muy compleja que requiere de un gran talento para interpretarse adecuadamente, aparecen suntuosos los temas de la Europa Oriental, con un gran sabor gitano en voz de la trompeta, enmarcado por un brillante trabajo orquestal. ¡Buenísimo!

El Mar

Claude Debussy (1862–1918)

El mar, es un trabajo que si bien podríamos llamar sinfónico, tiene otras características que le hacen muy distinto al género. El trabajo orquestal es grandioso, las voces de los instrumentos aparecen claras, relevantes en su individualidad pero el rasgo principal de la obra radica en la profunda impresión que proyecta, los diferentes ambientes marinos son captados y proyectados de manera formidable, a veces basta cerrar los ojos e imaginar la estampa para trasladarse al paisaje que propone, desde el plácido paseo en un velero hasta el desasosiego y el miedo a la fuerza del viento y las aguas, que con su poder infinito no hacen sino refrendar la pequeñez de la vida humana.

Bacanal, de Sansón y Dalila

Camille Saint–Saëns (1835–1921)

Aire y Danza de Bacanal; la primera vez que leí esta frase no me decía mucho, recuerdo haber preguntado a mi má qué era una bacanal a lo que contestó lacónicamente que era una fiesta, era suficiente información para un chamaco de 8 años y sin embargo, desde aquella época, esta pieza me ha causado una emoción tremenda. Hoy la puedo describir así: una pieza que expresa toda la fastuosidad y misterio del Medio Oriente, propuesto por melodías bellísimas en voz de las maderas, con un trabajo espectacular de las percusiones que son quizá el detonante mayor del frenesí que proyecta toda la pieza, conjugado con el gran refinamiento de la música francesa del siglo xix y que, a través del ritmo más sensual que pueda escucharse en una sala de concierto, nos lleva a la culminación orgiástica de la bacanal.

La ópera se basa en el relato de la mitología hebrea de Sansón y Dalila y esta pieza corresponde al momento en el que Sansón ha caído subyugado por los encantos de Dalila, los filisteos, en agradecimiento a Dagón, festejan hasta el exceso por haber capturado a su más temible enemigo.

Expresando el más delicioso deseo con ritmos y melodías subyugantes, no puedo dejar de mirarte a los ojos al convertirnos, por un momento, en una sola alma y un solo cuerpo. Extraordinariamente erótica idea musical: Camille Saint–Saëns, Música para Engendrar.

Eduardo Diazmuñoz, Director Huésped

Rafael Ancheta, Trompeta

OFUNAM Programa 7 Segunda Temporada 2015

Selecciones de la Serenata No. 9 en Re Mayor, K 320, Posthorn 

La música de Wolfie tiene una característica, es perfecta; la forma, la idea musical, el buen gusto, la complejidad pero al mismo tiempo la sencillez, lo deslumbrante, en fin, tantas cosas… Además, estoy convencido de que en la obra del artista, sin importar la disciplina artística, más allá del concepto estético está el mensaje personalísimo de su creador y queda impresa una gran parte de su personalidad y también de sus circunstancias al momento de ser creadas.

En las tres piezas de la Serenata No. 9 podemos encontrar que en el ánimo de Wolfie pesaba en ese momento la opresión de su mecenas en turno, el arzobispo Colledo de Salzburgo; en la primer pieza encontramos la declaración del artista, para quien lo sepa escuchar, en la que hace gala de sus grandes dotes, su virtuosismo, su gran arte, contrapuesta a la voluntad pesada y torpe que lo oprime, por lo que en algún momento percibo algo de ira contenida en ello, en la segunda encontramos un mood más melancólico, triste, de autocompasión y hasta en un solo de fagot se siente quejumbroso; la tercera pieza es la declaración del hombre que ha alcanzado la libertad, dejado atrás las ataduras que le sofocaban para convertirse en un discurso espléndido y lleno de energía.

Concierto para Violín y Orquesta No. 5 en La Mayor, K 219 

El Concierto No. 5 para Violín es el último de la serie y en él se aprecia una gran evolución, en el primero la forma es apegada a los cánones de la época, con una estructura más sencilla y fácil de escuchar; en este último el solista tiene una interacción más profunda con la orquesta de la misma manera que el discurso es más maduro y personal, el violín aparece altísimo, suave y delicado como un rayo de sol, se desenvuelve como el canto de pajarillos sobre un trabajo orquestal precioso que acentúa el fraseo, complejo y hermoso del violín; por momentos ese fraseo es provocativo y audaz, casi sensual y que apoyado en la voz grave del corno, cobra una gran profundidad; un concierto exquisito para disfrutarse en más de una ocasión.

Sinfonía No. 40 en Sol Menor, K 550 

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)

Si bien la Sinfonía No. 40 es la más conocida de Wolfie –en lo personal, puedo seguir cada nota de su primer movimiento y lo acabo de comprobar con mucho gusto–, también es cierto que se toma como una obra fácil cuando no lo es y me refiero a que, más allá de la sofisticación del primer movimiento, apreciándola en su conjunto es posible percibir una gran profundidad, fuerza y sobriedad pero también creo que la permea un sentimiento constante de tristeza, un pesar anclado al alma, de esos que no se van; sabemos que si bien Wolfie fue bendito con uno de los talentos más grandes que ha tenido la humanidad, por otro lado tuvo que pasar por demasiadas penurias económicas que seguramente fueron la causa que lo llevó a la muerte a una edad tan temprana.

Como sea, reafirmo que la música de Wolfie es simplemente perfecta, para cualquier estado de ánimo y para cualquier ocasión siempre hay una obra adecuada. Coincidentemente tengo un par de meses escuchando un poco más de cerca su música, dos comentarios, La Flauta Mágica y Don Giovanni son dos obras monumentales, deliciosas y que no me canso de escuchar; por otro lado, el maestro Granados Chapa q.e.p.d. puso alguna vez un disco llamado Mozart in Egypt, donde se mezcla la música de Wolfie con un ensamble increíblemente bueno de música árabe, el resultado es magnífico, la música del Wolfie se lleva sospechosamente bien con la música de Medio Oriente, comentado esto he de decir que me siento feliz de haber disfrutado de este concierto, lo disfruté muchísimo, pues fue un acercamiento más personal al concierto para violín, con una ejecución impecable del maestro Manuel Ramos, concertino de la OFUNAM, bajo la estupenda dirección del maestro Jorge Mester, quien considero que logró transmitir la complejidad de la Sinfonía 40 de una forma muy emotiva y profunda.

Jorge Mester, Director Huésped 

Manuel Ramos, Violín

OFUNAM Programa 2 Segunda Temporada 2015

Glazunov es el gran heredero del Grupo de los Cinco (Balakirev, Borodin, Cui, Mussorgsky y Rimsky–Korsavov) y en su música se condensa el último gran nacionalismo ruso, Glazunov mantiene una postura oficialista hacia este grupo y si bien su música es interesante, está anclada a la generación anterior, lo que, de algún modo, hace que nazca en la obsolescencia.

La Obertura Solemne es espectacular, los temas son simples aunque adornados con una orquestación muy brillante y crea complejas texturas sonoras que desarrollan desde la más suave melodía hasta momentos francamente militares.

Como ya lo he comentado, la voz del corno me es particularmente grata, podría definir su voz como suave y firme, noble, no sé, me es muy atractiva. Dentro de la más bien escasa producción de conciertos para el instrumento en los últimos tiempos destaca este gran Concierto para Corno de Glière, absolutamente romántico, vigoroso y brillante, las muy amplias posibilidades tonales del instrumento son magistralmente aprovechadas en los solos creando complejas construcciones tonales que son hábilmente integradas al conjunto orquestal que de algún modo las acentúa. El concierto es profundo, dinámico, impresionantemente conmovedor y hermoso.

Cuando un verdadero artista enfrenta el compromiso de reelaborar una obra de arte tiene ante sí uno de los retos más grandes, si bien no se trata de superar la obra original es muy importante hacer algo de calidad similar. Il signore Maderna reelabora una obra bellísima de la época renacentista, In Ecclesiis de Giovanni Gabrieli, obra hermosa como pocas, compuesta originalmente para coros, solistas, órgano y metales.

La reelaboración, ahora para una orquesta moderna, tiene como eje central la disposición de dos cuartetos de cuerdas que cumplen las funciones de los coros, tejiendo divinamente texturas tonales diferentes, apropiándose de los temas que son repetidos por el otro cuarteto, los metales continúan teniendo un papel principalísimo; es notable también que los temas son planteados en un lenguaje moderno, más propio al siglo xx que al Renacimiento, lo que hace que la obra tenga vigencia aun en nuestro tiempo.

Los Pinos de Roma describe muy afortunadamente diversos paisajes de aquella ciudad, lo mismo que los otros dos componentes del tríptico, Las Fuentes de Roma y Festivales Romanos. Influenciado por la obra de Mussorgsky, Cuadros en una Exhibición, como si de pintura se tratase, Respighi se dedica a retratar musicalmente particularidades inherentes a la ciudad de Roma y aquí encontramos los jardines y pinares de la Villa Borghese, soleados y alegres, espectacularmente hermosos y propicios para el juego y la diversión.

Los Pinos Cerca de las Catacumbas tienen un aire sombrío, misterioso, propicio para la reflexión sobre el momento de la muerte o la aflicción por la misma; Los Pinos de Gianicolo tienen también un toque de nocturnidad, placida y fría, una vista espléndida hacia el centro de la ciudad; tiene la particularidad de que al interpretarse se usa la grabación de cantos de pajarillos reales y por último tenemos los Pinos de la Vía Apia, que es la más épica, como un viaje en el tiempo, se presenta, gloriosa, la Roma imperial, aquella ciudad que fue dueña de la mayor parte del mundo conocido y que recibía a sus héroes de regreso a través de esta noble vía, cubiertos de gloria y riquezas.

Esta pieza posee un poder verdaderamente avasallador; el toque marcial de los timbales describe una gran procesión militar, una trompeta resuena lejana –literalmente fuera del escenario–, como anunciando la llegada de las legiones, el volumen se incrementa hasta lograr un verdadero frenesí, que tiene un efecto espectacular, aunado a que resuenan desde atrás de nosotros dos cornos y dos trombones, lo que crea una profundidad sonora verdaderamente impresionante y que es imposible de apreciar en una grabación, una de las mayores y mejores razones por las que hay que vivir la experiencia de la música en vivo.

Todas las obras de este programa, increíbles ideas musicales del siglo xx, me resultaron muy gratas, sobre todo Los Pinos de Roma pues la experiencia de escucharlos en vivo es realmente impresionante, el Concierto para Corno, bellísimo, sobre todo en su tercer movimiento, absolutamente moderno y en una ejecución impecable del maestrísimo Baborák, que es considerado el mejor corno del mundo actualmente y deja muy claro el porqué; es muy grato tener la oportunidad de escuchar solistas de este nivel y afortunadamente es la segunda vez que le escucho en vivo, gracias a la OFUNAM; el maestro Mazzoleni en la batuta con una dirección fresca y precisa y a mi gusto excepcional en la obra de Maderna y Respighi. Una noche encantadora.

OFUNAM Primera Temporada 2015 El Niño y la Música

Polka de Circo Igor Stravinski (1882�1971)  Este concierto de El Niño y la Música fue gratamente sorprendente. Tres hermosas piezas alrededor de los animales; la primera, Polca de Circo, fue compuesta por Stravinski por pedido expreso de un empresario circense para montar un ballet con elefantes reales, Modoc fue la prima ballerina del estreno de la obra, junto con un gran grupo de elefantes y bailarinas, misma que fue un gran éxito, como lo reseña la prensa de la época, época en la que aún no era mal vista la explotación animal en los circos.

La Historia de Babar el Elefantito Francis Poulenc (1899�1963) Babar el Elefantito nace para musicalizar un cuento del que gustaba mucho la sobrina de Poulenc; Babar vive en la selva y un cazador hijuepu� mata a su mamá, Babar huye hacia la ciudad y es adoptado por una mujer que le procura en todo, desde vestido hasta educación; un buen día llegan dos elefantes a la ciudad y Babar reconoce en ellos a sus primos. Al convivir con ellos se da cuenta de que su verdadero lugar está entre sus semejantes y dándole las gracias a la mujer se despide de ella para partir de regreso a la selva, su llegada coincide con la muerte del rey elefante y la manada decide nombrar rey a Babar pues suponen que al haber convivido con los hombres ha aprendido muchas cosas; la música en un principio fue compuesta para piano y orquestada posteriormente, es una obra muy divertida.

Pedro y el Lobo Sergei Prokofiev (1891�1953) Pedro y el Lobo es quizá la obra más maravillosa que se haya hecho para niños; Prokofiev da vida a cada uno de los personajes a través de la voz particular de cada instrumento como el clarinete, oboe, flauta o cornos o de una familia entera de ellos como el caso de las cuerdas que dan voz a Pedro, quien es un niño travieso que sale a jugar junto al lago con su amigo pato, acompañados de un travieso pajarillo que juega con ellos, un gato acecha a este, queriendo comerlo y sale burlado en más de una vez aunque se queda por ahí, merodeando. El abuelo de Pedro se da cuenta de que anda fuera de casa, jugando por lo que lo reprende y hace que entre de nuevo a casa, diciéndole lo peligroso que es estar afuera en caso de que aparezca el lobo, a los pocos minutos este aparece y se perjudica al pato, el pájaro y el gato, trepados en un árbol evitando ser comidos y Pedro viendo desde la ventana todo lo que pasa, sale de nuevo de la casa pero ahora trepa por el árbol con la intención de lazar al lobo, para ello se hace ayudar del pajarillo que mientras entretiene al lobo. Pedro lo laza por la cola y lo iza, atrapándolo; algunos cazadores andan por ahí en busca del lobo y Pedro les advierte que ya no necesitan disparar, él lo ha logrado atrapar con la ayuda del pajarillo, el cuento termina con el lobo siendo llevado a la ciudad en calidad de prisionero. En un ejercicio increíble de imaginación y buenas ideas, la OFUNAM presentó estas tres obras, ejecutadas de forma estupenda y narradas de igual forma por Luis Miguel Lombana y lo verdaderamente espectacular fue el trabajo de Arturo López �Pío�, quien dibujó ahí merito, en vivo, cada escena que nos era narrada y era proyectada a una pantalla por lo que aquello se convirtió en una suerte de cinito, precioso concepto, excelente idea y sobre todo, logro impresionar muy favorablemente a los chamacos. �Buenísimo en verdad!   OFUNAM Primera Temporada 2015 El Niño y la Música
Iván López Reynoso, Director Asistente Luis Miguel Lombana, Narrador Arturo López �Pío�, Artista Plástico, Proyección Animada en Tiempo Real Marco Barragán, Iluminación 

OFUNAM Programa 1 Segunda Temporada 2015

Jan Latham�K�nig, Director Artístico Luká� Vondrá ek, Soprano 
Obertura Festiva, op. 96 Dmitri Shostakovich (1906�1975) El concierto de esta noche fue un grandioso inicio de temporada con un programa de compositores rusos �curiosamente mis tres favoritos�. La Obertura Festiva la compuso Dmitri con motivo del 30 aniversario de la Revolución de Octubre, peeero resulta harto chocante que la opinión de un régimen político �creo que el pensamiento político es diametralmente opuesto al artístico� defina las directrices que deba seguir la creación artística, es un pensamiento estúpido y sin embargo más común de lo deseable, es por ello que esta obra, estupenda, verdaderamente festiva, no fue estrenada en 1947, como era la intención original, sino hasta la muerte de Stalin. Concierto para Piano y Orquesta No. 1 en Si Bemol Menor, op. 23 Piotr Ilyich Tchaikovsky (1840�1893) El Concierto para Piano No. 1 en mi opinión personal, de entre todos los conciertos, es EL CONCIERTO y ello por más de una razón; vuelvo a citar la etapa de mi niñez en la que pasaba tardes completas escuchando esta música con mi mamita y este concierto en particular era de nuestros favoritos, por otro lado, al crecer, siempre hubo el momento adecuado para escuchar esta obra que de algún modo ha sido omnipresente en mi vida y siempre es muy grato escucharla. Esta noche ha sido la primera vez que tuve oportunidad de escucharla en vivo y la disfruté muchísimo; las emociones son muy intensas y fluyen como el enamoramiento, la música fluye de manera maravillosa entre el piano y la orquesta, armónica y perfecta, dando su espacio a cada uno, la orquesta volviendo a la vida como una exhalación después de un solo magnífico del piano; la orquestación es brillante, es una obra estupenda, grande como pocas, verdaderamente genial. Selecciones de Romeo y Julieta Sergei Prokofiev (1891�1953) El ballet Romeo y Julieta es una de las obras más trascendentes del ballet ruso y del propio Prokofiev que al igual que Shostakovich sufrió la censura del régimen soviético, lo que en muchas ocasiones motivó que los artistas modificaran sus obras para dar gusto a los censores del régimen; aún así esta es una obra excelsa, muy sofisticada y elegante, dramática y poderosa, que narra magistralmente el relato inmortal de Shakespeare, la música es profunda, brillante y en muchos momentos con tintes fúnebres, el lenguaje musical corresponde totalmente a la vanguardia sonora del siglo xx, lo que motivó que fuera vista con suspicacia por la censura soviética. En fin, a pesar de todas las vicisitudes que tuvo en el origen, esta obra es actualmente un referente absoluto de la música rusa del siglo xx. OFUNAM 132 Luká� Vondrá?ek 18 abril 2015 Este concierto fue verdaderamente estupendo, la selección de obras me complació y hay dos puntos a destacar, en primer lugar la estupenda ejecución del concierto para piano a cargo del maestro Vondrá ek, quien ejecutó el concierto de memoria, tremendo! también pude apreciar matices orquestales que nunca antes había percibido, el uso magistral de los tonos más agudos de la orquesta aunado a la voz del piano, fue realmente espectacular; por otro lado, la selección de piezas de Romeo y Julieta que hizo el maestro Latham�K�nig tiene una coherencia narrativa que no aparece en las otras suites de la obra. Una excelente noche para dar inicio a una temporada que promete mucho!

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