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Madchester101

La diversidad y creatividad artísticas son sellos inconfundibles del Reino Unido… No es en vano que diferentes ciudades de la isla han sido cuna de bandas emblemáticas, pero también de movimientos y escenas musicales que han marcado tendencia y que además han trascendido a lo largo de los años.

La ciudad de Manchester vio emerger el Madchester o sonido Baggy, un movimiento musical y cultural que surgió a finales de los ochenta….

El movimiento tomó, por así decirlo, su nombre del EP Madchester Rave On (Hallelujah) de 1989 grabado por Happy Mondays, banda liderada por el vocalista Shaun Ryder (quien está celebrando 56 años de vida) y que junto a The Stone Roses se convirtieron en las bandas emblemáticas de esta escena.

El “Madchester” se trató de una mezcla entre el acid house con el rock alternativo y algo de la psicodelia de los sesenta. Encontró en el club Haçienda, propiedad de Tony Wilson, el escenario emblemático donde a partir de los raves y actividades propias del lugar, le dieron el mote del “Segundo Verano del Amor”…

Bandas como New Order, The Charlatans, Inspiral Carpets, 808 State, James, The Mock Turtles, Northside o A Guy Called Gerald fueron otras de las agrupaciones asociadas a esta escena.

Esta música se acompaña de la moda de sus interpretes y escuchas, quienes vestían jeans holgados, frecuentemente acampanados, con colores brillantes, además de playeras estilo hippie, que incluían todo lo relacionado a la estética de los sesenta, convirtiéndose casi en un uniforme, que se trataba de un atuendo que oscilaba entre lo retro y la juerga. Poco a poco la moda y la música del movimiento Madchester invadiría todo el Reino Unido.

Entre principios y mediados de los noventa, The Stone Roses y Happy Mondays se fracturarían, y el Madchester se fue transformando y adaptando a nuevos sonidos, dando paso a nuevas escenas y con ello a nuevas agrupaciones como Oasis y Blur, quienes darían el paso a lo que luego fue el britpop.

La reconciliación y regreso a los escenarios de The Stone Roses en 2012, supuso el regreso de este sonido al mercado musical. El Fab Café en Portland Street Fifth, Fifth Manchester, Deaf Institute Star y Garterson fueron algunos de los pubs donde actualmente puede sentirse el espíritu siempre vivo y excitante del Madchester.

Banda Sonora 101 – Ian Curtis

Atribulado, sombrío, intenso, depresivo, epiléptico, el vocalista de Joy Division se colgó de un perchero a los 23 años. Ian Curtis dejó en este mundo a esposa, hija, amante y banda, pero también un legado musical que se instaló como referente del post punk británico de finales de los 70.

Su herencia, compacta y poderosa, sigue influyendo en el sonido de incontables bandas en todo el mundo. Y sin duda lo seguirá haciendo. CONTROL, la película biográfica sobre Ian Curtis realizada por el fotógrafo holandés Anton Corbijn, lo lanzó a un nivel superior en la dimensión de los iconos culturales.

MUERTE

Mayo de 1980 / Inglaterra

Martes 20 / Cementerio de Macclesfield, noroeste de Inglaterra, cerca de Manchester.

En la lápida de Ian Curtis reza el siguiente epitafio: “Love Will Tear Us Apart”. Deborah Woodruff, viuda de Curtis, pidió que se inscribiera el nombre de esta canción en la piedra sin importarle que la letra se refiriera a la infidelidad de Ian y a la desintegración de su matrimonio. Ian se suicidó en las primeras horas del domingo 18 de mayo, a la edad de 23 años, precisamente cuando Joy Division estaba a punto de iniciar su primera gira por Estados Unidos y preparaba el lanzamiento de Closer, su segundo álbum de estudio.

Lunes 19 /  Espectro radiofónico, Inglaterra.

John Peel, locutor de Radio 1, informa: “Malas noticias muchachos, Ian Curtis, de Joy Division, ha muerto”. Como homenaje, programa una pieza emblemática del grupo: Atmosphere. En la televisión y los medios impresos, no obstante la popularidad de la banda en la llamada escena Manchester, la muerte de Curtis pasa inadvertida. Un tema domina en la prensa británica: Margaret Tatcher recién cumplió un año de gobernar con mano dura en Inglaterra. Por su parte, los miembros de Joy Division deciden disolver el grupo y cancelar la gira estadounidense.

Domingo 18 / Barton Street número 77, Macclesfield.

El álbum The Idiot, de Iggy Pop, gira en el tocadiscos cuando Deborah entra a su casa y descubre el cuerpo de Ian colgado de un perchero en la cocina. En la mesa descansa una carta de despedida. Minutos después, el baterista del grupo, Stephen Morris, recibe una llamada del bajista Peter Hook: “Ian. Al final lo ha hecho”. “¿No se habrá intentado suicidar de nuevo?”, pregunta Morris. “No”, remata Hook, “de hecho lo ha logrado” (Semanas antes, Ian intentó matarse con una sobredosis de fenobarbital, medicamento que tomaba para la epilepsia).

Sábado 17 / Blackpool, Lancashire, costa noroeste de Inglaterra.

Bernard Sumner, guitarrista de Joy Division, se pregunta por qué diablos Ian decidió no viajar con él a Blackpool para hacer esquí acuático. El viernes por la tarde, cuando el grupo regresaba a Macclesfield, Ian pidió que lo dejaran en el Amigos, un restaurante mexicano que solían frecuentar. “Seguramente está crudo”, piensa Sumner, aunque un mal presentimiento enturbia su optimismo: sabe que Ian atraviesa un mal momento; la relación con su amante, la belga Annik Honoré, le provoca sentimientos de culpa y los ataques epilépticos son cada vez más frecuentes. Hoy, Ian está especialmente angustiado por el deterioro de su salud y deprimido por la crisis conyugal.

Sábado 17 / Barton Street número 77, Macclesfield.

Ian Curtis prende el televisor y se tumba a ver STROSZEK, de Werner Herzog, un drama sobre tres parias berlineses que emigran a EU en busca del sueño americano. Hacia el final de la película, Bruno Strozek, el personaje principal, se suicida. Esta noche, Natalie, hija del matrimonio Curtis, que había cumplido 13 meses de nacida, duerme en casa de sus abuelos maternos, mientras Deborah cumple sus horas de trabajo en un bar. A estas alturas, sabe que Ian le es infiel y quiere el divorcio. De hecho, hace tiempo que Ian no pasa las noches en la casa de Barton Street, por lo que Deborah se muestra sorprendida cuando lo encuentra en casa al regresar del trabajo. Discuten fuerte y ella se va a dormir donde sus padres. Ian saca el disco The Idiot, lo coloca en la tornamesa, sube el volumen y comienza a escribir las últimas letras de su vida.

Legado (y otras sustancias)

La muerte de Ian Curtis marcó el fin de Joy Division. Poco después, Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris formaron el grupo New Order. En el verano de 1980, “Love Will Tear Us Apart” alcanzó el número 13 de las listas británicas. En poco más de tres años de vida (en un principio se llamaron Warsaw), Joy Division grabó dos álbumes de estudio, ambos producidos por Martin “Zero” Hannett y respaldados por el sello Factory Records: Unknown Pleasures (1979) y Closer (1980), lanzado dos meses después de la muerte de Curtis. Su última presentación en vivo ocurrió el viernes 2 de mayo de 1980, en el City Hall de la Universidad de Birmingham.

REGRESO

Mayo de 2007, Cannes, Francia

CONTROL

El viernes 18 de mayo de 2007, en el marco de la sección Directors Fortnight de la Quincena de los Realizadores del festival de Cannes y exactamente 27 años después de la muerte de Curtis, el fotógrafo y director de videos musicales Anton Corbijn presentó CONTROL, filme biográfico sobre Ian Curtis basado en el libro autobiográfico de Deborah Woodruff, Touching From a Distance, y estelarizado por Sam Riley y Samantha Morton.

El estreno de CONTROL fue nota a escala mundial; incluso en Inglaterra se escribió y habló mucho más de ella que de la rumana 4 MESES, 3 SEMANAS Y 2 DÍAS, ganadora de la Palma de Oro. Salvo por contadas excepciones, la crítica especializada aplaudió el filme de Corbijn y le auguró un buen futuro comercial, mientras que el jurado del festival le otorgó el Premio de la juventud.

Blanco y negro

En 1979, Anton Corbijn dejó su natal Holanda para instalarse en Inglaterra. En más de tres décadas, Corbijn ha retratado a cientos de artistas, la mayoría vinculados al mundo de la música, y realizado decenas de videos musicales. Se le considera un maestro del monocroma y el alto contraste en blanco y negro. Una de sus fotografías más famosas es un retrato de Ian Curtis que hizo a principios de 1980.

Horas antes de la premiere en Cannes, en entrevista con un canal de televisión europeo –disponible en YouTube–, Anton Corbijn (se pronuncia Corbain), fanático irredento de Joy Division, recordó el día que retrató a Curtis:

Fue unas semanas antes de su muerte. Legué a Inglaterra a finales de 1979 y al poco tiempo les expresé (a Joy Division) mi deseo de fotografiarlos. Casi no hablamos, yo era muy tímido y no dominaba el inglés, así que ni siquiera estrechamos las manos. La famosa foto de Ian se tomó en un túnel, en el momento en que se da la vuelta. Al principio nadie la quiso, pero dos semanas después de su muerte fue portada de la revista New Musical Express. Así se convirtió en objeto de culto. Es una imagen que muestra a un hombre que avanza hacia lo desconocido”.

En un momento de la entrevista, el reportero pregunta si el hecho de que CONTROL sea una película en blanco y negro representa una limitante comercial. Corbijn responde: “No es una película realizada con fines comerciales. El asunto es que todos mis recuerdos de la época (finales de los setenta), y en particular de Ian Curtis, son en blanco y negro”.

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Biopic

La producción de CONTROL costó alrededor de 9 millones de euros, de los cuales la mitad salieron del bolsillo de Corbijn. El rodaje se realizó en seis semanas, entre el 10 de julio y el 26 de agosto de 2006, en locaciones de Nottingham y Macclesfield, Inglaterra. “Actualmente”, dijo Corbijn al diario The Guardian, “Nottingham se parece más al Manchester de finales de los setentas que el propio Manchester.”

A diferencia de 24 HOUR PARTY PEOPLE (2002), película de ficción de Michael Winterbottom sobre Tony Wilson del sello Factory Records y la escena Manchester, CONTROL es un filme que se centra en Ian Curtis. La historia inicia en 1973 en Macclesfield, con un Curtis de 17 años enamorado de Deborah y fan de David Bowie, y concluye con el suicidio siete años después. En el ínterin, Corbijn repasa los días de juventud de Ian desde una óptica intimista y con la llamada escena Manchester como telón de fondo.

Un dato interesante es que los actores interpretaron las canciones de Joy Division que se escuchan en la pista sonora. “Ensayaron mucho y se volvieron muy buenos”, dijo Corbijn al diario francés Le Monde. “La música de Joy Division no es muy compleja… hubiera sido un problema si se tratara de Pink Floyd, pero no fue el caso”. Además, explicó Corbijn, “en todo momento contamos con el apoyo y respaldo de Peter Hook, Bernard Sumner y Stephen Morris (ex integrantes Joy Division)”. De hecho, agregó el director, “Sam Riley (Ian Curtis) lo hace muy bien como cantante, ya que es vocalista de una banda llamada 10,000 Things.”

Control

Dirección: Anton Corbijn

Guión: Matt Greenhalgh, basado en el libro Touching From a Distance, de Deborah Curtis

Con: Sam Riley (Ian Curtis), Samantha Morton (Deborah Curtis), Joe Anderson (Peter Hook), James A. Pearson (Bernard Summer), Harry Treadaway (Stephen Morris), Craig Parkinson (Tony Wilson), Alexandra Maria Lara (Annik Honoré) y Ben Naylor (Martin Hannett).

Banda Sonora – cine-rock de 2006 a 2010

En los primeros cuatro programas de Banda Sonora 101 hicimos un amplio recorrido por la historia del cine-rock, desde sus inicios en 1955 hasta el 2005. Así que a la fecha llevamos 50 años de historia de rock en el cine y hemos hablado de más de 80 películas del género.

Ahora vamos a revisar el segundo lustro del siglo XXI, es decir, de 2006 a 2010. Ya verán qué buenas películas y qué buenos soundtracks se hicieron en este periodo. Vamos a avanzar de manera cronológica, año por año, y voy a comentar las películas que considero más representativas de este lustro.

Viajemos entonces en el tiempo para ubicarnos a finales de 2005, justo cuando el cine está transitando al formato digital y como resultado hay un aumento importante en el número de películas producidas al año.

Aquí empieza el recorrido:

NO TUVO TIEMPO: LA HURBANISTORIA DE ROCKDRIGO (2005)
A finales de 2005 y principios de 2006 llegó a un puñado de salas en la CDMX. Retrato fílmico de Rockdrigo González, el Profeta del nopal, y del movimiento rupestre, esta película pasó casi inadvertida salvo por su exhibición en la Cineteca Nacional. Hoy, a la luz de la historia, se muestra como un documento fundamental del cine-rock mexicano.

 

GLASTONBURY (2006)
En 10 de febrero de 2006 se estrenó en el festival de Berlín el documental GLASTONBURY, de Julien Temple, filme celebratorio del 30 aniversario del festival musical más importante de Inglaterra. No se editó soundtrack pero Temple registró para la historia las actuaciones de Björk, Morrissey, Primal Scream, David Bowie, Coldplay, Nick Cave, Blur y Pulp.

 

loudQUIETloud: A FILM ABOUT THE PIXIES (2006)
El 2 de mayo de 2006 se estrenó en el festival de Tribeca un documental que me vuela: loudQUIETloud: A FILM ABOUT THE PIXIES. Esta película registra el tenso y triunfal reencuentro de Pixies pero visto desde adentro, en el día a día, ya en ensayos y conciertos o hasta en el autobús de giras y a la hora de la comida. El registro audiovisual es histórico.

 

MARIE ANTONIETTE (2006)
De Tribeca vamos al festival de Cannes donde el 24 de mayo de 2006 se estrenó MARIE ANTONIETTE, de Sofía Coppola. Un retrato pop de la opulencia y frivolidad que imperaban en el palacio de Versalles justo antes de la Revolución Francesa de 1789. Lo increíble es que es una película de época, ambientada en el siglo XVIII, pero musicalizada con rolas de The Strokes, New Order, The Cure, Bow Wow Wow, Siouxie & The Banshees, Gang of Four…

 

AMERICAN HARDCORE (2006)
Vamos ahora con un documental bien poderoso que se estrenó en marzo de 2006 en el festival de Tesalónica, Grecia. Me refiero a AMERICAN HARDCORE. Dirigido por Paul Rachman, esta película cuenta la historia del punk rock gringo de 1980 a 1986. La banda sonora trae un montón de rolas porque todas duran máximo un minuto.

 

ROCK THE BELLS (2006)
Regresamos al festival de Tribeca de 2006, donde el 28 de abril se estrenó una película muy importante para el mundo del Hip Hop: ROCK THE BELLS, de Denis Hennelly, documental sobre la organización y realización de la última tocada de Wu-Tan Clan en el Rock The Bells Hip Hop Festival.

 

JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN (2007)
El 20 de enero de 2007, en el festival de cine independiente Sundance, se estrenó uno de los mejores rockumentales de la historia: JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN, de Julien Temple. Nuevamente Julien Temple, un crack del cine-rock, ahora con un magistral retrato fílmico de quien fuera delantero de The Clash y The Mezcaleros. Peliculón con una banda sonora inmortal.

 

JOY DIVISION (2007)
Se exhibió en México en el ciclo Rock en el Cine de la Cineteca y en la gira de documentales Ambulante de 2008. Dirigido por el británico Grant Gee, sin duda JOY DIVISION es el mejor documental sobre la banda titular que se ha hecho.

 

CONTROL (2007)
CONTROL se estrenó el 17 de mayo de 2007 en Cannes. Es una adaptación fílmica de la autobiografía de Deborah Curtis, viuda de Ian Curtis, vocalista de la banda post punk Joy Division. La dirige el legendario fotógrafo Anton Corbijn. Un retrato en blanco y negro de la corta vida de Curtis y su banda Joy Divison, después New Order.

 

PUNK’S NOT DEAD (2007)
¿Sigue vivo el espíritu contestatario del punk de los 70s o el punk actual es sólo moda? PUNK’S NOT DEAD (2007) responde a ésta y otras preguntas sobre el género a treinta años de su irrupción. La banda sonora está repleta de cañonazos del género.

 

I’M NOT THERE (2007)
Y para cerrar el 2007 con una joya vamos al festival italiano de Venecia donde se estrenó uno de los filmes biográficos más originales de la historia: I’M NOT THERE, de Todd Haynes, un retrato multifacético de Bob Dylan, con interpretaciones de Cate Blanchette, Christian Bale, Richard Gere, Ben Wishaw y Heath Ledger. Para el soundtrack Todd Haynes armó un supergrupo llamado The Million Dollar Bashers y encargó covers a puro big shot.

 

ANVIL!: THE STORY OF ANVIL (2008)
Empezamos el 2008 en el festival de cine independiente Sundance, donde el 18 de enero se estrenó THE STORY OF ANVIL, película que, como su nombre lo indica, cuenta la historia de la banda metalera canadiense Anvil, fundada en 1978 por dos personajazos: Rob Reiner y Lips. Tras una gira por Europa, Anvil decide sacar disco nuevo… Una película llena de humor involuntario sobre una banda influyente pero que nunca tuvo éxito comercial.

 

IT MIGHT GET LOUD (2008)
Vamos al festival de Toronto de 2008, donde se estrenó el 5 de septiembre una película que ya puede ser considerada un clásico del cine-rock: IT MIGHT GET LOUD. Dirigido por Davis Guggenheim, este es un documental sobre el sonido de la guitarra eléctrica con Jimmy Page, The Edge y Jack White como protagonistas. Enormes momentos musicales en la banda sonora, sobre todo cuando tocan juntos los tres.

 

ROLLING STONES: SHINE A LIGHT (2008)
Otra película fundamental del año 2008, estrenada en el festival de Berlín, es ROLLING STONES: SHINE A LIGHT, del gran Martin Scorsese, quien es el maestro de maestros cuando de filmar un concierto en vivo se trata.

 

WHITE STRIPES: UNDER GREAT WHITE NORTHEN LIGHTS (2009)
La siguiente película es de 2009 y se llama WHITE STRIPES: UNDER GREAT WHITE NORTHEN LIGHTS. Resulta que en 2007 The White Stripes (Jack White y Megg White) se fueron de gira por Canadá y los siguió el director de videos Emmet Malloy, quien armó una película bien interesante sobre la banda, las personalidades opuestas del dúo, un Jack White genial y extrovertido y una Meg White silenciosa y tímida. Esta película se estrenó con mucho éxito el 18 de septiembre de 2009 en el festival de Toronto.

 

IRON MAIDEN: FLIGHT 666 (2009)
La siguiente película se estrenó en el BAFICI 2009, el festival de cine independiente de Buenos Aires, Argentina. IRON MAIDEN: FLIGHT 666 es un documental que sigue la gira mundial de Iron Maiden de 2008 por India, Australia, Japón, Estados Unidos, México, Sudamérica… y el viaje es a bordo del Boing 757 de la banda… ¿Y quién creen que pilotea el avión? ¡Bruce Dikinson, el vocalista de Iron Maiden!

 

TAKING WOODSTOCK (2009)
Continuamos el viaje y nos ubicamos el 16 de mayo de 2009 en el festival de Cannes, día del estreno mundial de TAKING WOODSTOCK, película dirigida por Ang Lee y que recrea en tono de comedia la organización del icónico festival sesentero. Una película menospreciada por la crítica pero que guarda sin duda un valor sentimental sobre la nostalgia de una época donde la consigna eran paz, amor… y mucho rocanrol.

 

OIL CITY CONFIDENTIAL (2009)
Y para terminar el 2009, vamos al London Film Festival, donde el 20 de octubre se estrenó otro peliculón de Julien Temple: OIL CITY CONFIDENTIAL, un documental sobre Dr. Feelgood, banda británica de principios de los 70s que rockeaba durísimo.

 

SCOTT PILGRIM VS. THE WORLD (2010)
Empezamos el 2010 en el Fantasia International Film Festival de Canadá. Ahí se estrenó SCOTT PILGRIM VS. THE WORLD, del británico Edgar Wright, una película que rinde culto a los videojuegos pero con toda la actitud del cine-rock. El soundtrack es una bomba: Sex Bob-Omb, Frank Black, Beck, T. Rex, Metric, The Bluetones, The Rolling Stones… uff

 

TRON LEGACY (2010)
Dirigida por Joseph Kosinski, esta película tiene música original (y escena inmortal) de Daft Punk. Pienso que la música de esta película, como la historia que cuenta, es de otro mundo (soy fan desde la original).

 

SEGUIR SIENDO (2010)
Los cineastas Ernesto Contreras y José Manuel Craviotto convivieron unos 700 días con los integrantes de Café Tacvba para realizar SEGUIR SIENDO (2010), un rockumental que resume los primeros 20 años de la banda. La música de esta película es una gran antología de Café Tacvba.

 

NACO ES CHIDO (2010)
Dirigida por Sergio Arau, NACO ES CHIDO es un autorretrato de Botellita de Jerez como sólo ellos lo saben hacer. Una película muy divertida con grandes momentos musicales. Para el soundtrack invitaron a un montón de artistas que hicieron covers de sus rolas.

La cantante de Everything but the Girl regresa

Tiempo después de desintegrar Everything but the Girl, Tracey Thorn regresa como una madre atenta y política – con un fabuloso álbum pop, nos cuenta Dan Cairns en el Sunday Times.

La risa de Tracey Thorn es una cosa maravillosa. Comienza profundo en su garganta, un gorgoteo tenue que va creciendo hasta que explota en una gran carcajada de alegría. Es tan infeccioso que puedes encontrarte a ti mismo intentando buscar maneras para provocártelo, en lugar de, digamos, hacerle cualquier pregunta convincente. Muy similar a sus tuits, que están llenos de calidez, sabiduría y entusiasmo, la carcajada de 55 años prueba ser una guía atinada a la persona que la produce.

En su nuevo álbum, Record, Thorn balancea su innato sentido del humor con algunas intervenciones políticas quirúrgicas guiadas por láser  –sexuales, personales, generacionales– esa prueba tan instructiva como su risa. “Nueve petardos feministas”, es la descripción de Thorn del álbum.

Cuatro canciones después de su extensa y polémica pieza central, Sister, en la que entona  “No one ever loved someone they were afraid of”, ella está calentando para el inminente estatus de nido-vacío, cantando: “Where I’d like to be is on a dancefloor with some drinks inside of me/Someone whispering, ‘It’s quarter after three”.

¿Entonces, cuál es el mensaje principal de Record?

“Que la vida es ambas de estas cosas”, dice al Sunday Times. Letalmente seria y profundamente, entrañablemente absurda. “Siento recientemente que la ambivalencia es un estado del ser subestimado”, continúa. “No creo que reconozcamos lo suficiente que estar ambivalente es una respuesta increíblemente normal. Se espera que tengamos opiniones realmente polarizadas sobre casi cualquier cosa, y también sentimientos polarizados”.

Ha sido quemada por Twitter, como muchos de nosotros lo han sido, y ha aprendido a evitar el despotricamiento y la rabia, de la sección de clickbait de la comunidad en línea. Su esposo y antiguo miembro de la banda Everything but the Girl, Ben Watt, aporta una torcedura de ojos al respecto, admite ella. “Pero de todas maneras, seguido estoy sentada con mi laptop, entonces él está ahí de fondo, Me gusta platicar con las personas. Ben no se acerca ni un poco a tener mi apetito por ello, y sí lo remarca en algunas ocasiones. Y yo le respondo con “Pero a ti no te gusta hablarle a la gente, cariño, esa es la razón”. Una gran carcajada. “ Y a mi sí. Me gusta una buena charla”.

Ese disco contiene cantos que alguna vez fueron distantes y apasionados, desolados y eufóricos, y letras cuya economía mortal es compatible por su agudeza e ingenio, no vendrán como sorpresa para los fans de Thorn. Desde que emergió, como una estudiante de la Universidad de Hull, con las Marine Girls y después, EBTG, ha atraído audiencias con canciones que balancean lo personal y lo político, y por supuesto, con esa voz. Lo que ella no ha hecho antes es meterse plenamente en las profundidades de los comienzos del dance-pop de 1980.

“He trabajado con Ewan (Pearson) ya unas cuantas veces, pero las últimas cosas que hicimos eran más acústicas. Esta vez, dije “Trae todos tus sintetizadores, piensa en Pet Shop Boys, New Order, Sly y Robbie, Jam and Lewis, Tom Tom Club”.

Encaja perfectamente, te preguntas por qué le ha tomado tanto tiempo evitarlo. “Yo sé”, dijo. “He hecho música de baile antes, pero era más en la dirección del house, o de down-tempo, el lado Massive Attack. No es particularmente nuevo como un sonido, pero es nuevo para mí, la combinación de mi voz y estos sonidos. Y la música pop es un vehículo brillante para decir cosas realmente serias e importantes.”

Una razón por la que Thorn la dejó por tanto tiempo fue su decisión a finales de 1990 de poner EBTG en pausa. Ella estaba haciendo malabares con la gira, las grabaciones, sus bebés gemelas, y estaba, ella dice, buscando una escapatoria.

“Definitivamente usé a mis hijos como una excusa para parar. Hubo una extraña conversación en sitios de fans por un tiempo que iba algo así como ‘Pobre Tracey, está siendo mantenida como rehén en su casa’, o como ‘Ben la hace cuidar a los niños mientras que él está fuera como DJ’. Obviamente, nada podría estar más lejos de la realidad, Pero tienes que decirles algo a las personas. Yo sí reconocí que estaba llevando a la banda al fin, y eso era difícil para Ben. Jalar el tapete debajo de eso, e irse, ‘Ese tour que nos han ofrecido, apoyando a U2, no va a suceder’, es una cosa difícil de decirle a alguien.

Thorn primero escribió sobre ese periodo, y sobre los comienzos de EBTG, el gran éxito que vino con el remix de su single Missing y la enfermedad que casi le cuesta a Watt la vida, en la memoria Bedsit Disco Queen (2013). Dos años después vino Naked and the Albert Hall, su estudio de cantantes y cantos, y su paralizante pánico escénico; ella también escribe una columna para New Statesman. Esta es una vida que funciona para ella, dice, y en otros términos. Ella intentó la alternativa, el saltar por los aros de otras personas, y no tiene intenciones de hacerlo de nuevo.

“Tengo el ligero sentimiento de que nadie realmente puede poner presión en mi, porque no tienen ningún poder. Lo he hecho, he tenido la parte del éxito, la parte de estrella del pop, hasta cierto grado. He estado ahí. Eso fue suficiente para satisfacer mi ambición, que en primer lugar, nunca fue enorme. Ahora estoy demasiado contenta para ser maleable. Si la gente dijera ‘Si no haces esto, no obtendrás aquello’, mi pensamiento es, bueno, entonces no lo tendré”.

La desolación sobre el Brexit y Trump la inspiraron a escribir Record. Ahora se siente menos pesimista, con #MeToo y Time’s Up motivando una nueva generación, y una conversación real aparentemente finalmente tomando lugar. “He escuchado a muchas mujeres diciendo cosas que he escuchado a mujeres decir durante años. No se siente como que alguien esté diciendo algo particularmente nuevo, pero por alguna razón la gente ha decidido escuchar. Esa es la parte de ello que se siente como progreso”.

“Puedes sermonear a tus hijos todo lo que quieras, y tratar de inculcarles tus valores, pero cada vez que hablo con mi hijo, dice, de todos modos ya lo entendió, porque está afuera ahora, en la mesa. Y si lo están discutiendo a esa edad, están creciendo ya pensando sobre ello. Así es como el progreso sucede.”

Las gemelas de Thorn ahora tienen 20 y su hijo está a punto de cumplir 17. Ella canta, hermosamente, sobre el embarazo, anticonceptivos, maternidad, sobre vaciar el nido en Go y Babies, una canción siguiendo la otra: una decisión deliberada. “Estoy diciendo,’Definitivamente esto, pero de hecho también aquello”.

La elección de poner una carrera primero o de dedicarse a los hijos termina en lo mismo: empoderamiento.

Lo mismo va para sus hijos, ella dice, mientras que se mueven hacia la adultez, aunque admite tener sentimientos encontrados. “Recuerdo haber ido al terapeuta cuando eran menores y decir, ‘Se siente como si ya estuviera vaciando el nido, y ni siquiera se han ido. Aún así me siento como en duelo.’ Pero el hecho de que tengan confianza y quieran caminar por esa puerta y seguir con sus vidas, significa que funcionó, lo hiciste bien. Pero es horrible”.

Una gran risa. Gigante.

 

Inside the Smiths

Los años ochenta del siglo pasado musicalmente hablando, están marcados por algunas historias singulares en los parámetros de lo alternativo y lo independiente, para no enlistar infinidad de géneros que invadían los oídos de aquellos jóvenes de esa década. Justamente desde esos dos amplios conceptos y albergada en una de las ciudades más proveedoras de maravillas musicales nace en Manchester en 1982 The Smiths.

A diez años de su aparición como el primer documental oficial de esta banda, la memoria nos obliga a citar ‘Inside the Smiths’ de Stephen Petricco y Mark Standley de 2007, el cual nos permite el escrutinio de una de las historias que dejaron un gran hueco en la música de finales de los años ochenta, el cual jamás fue recuperado.

Esta pieza le da voz a Andy Rourke (bajista) y Mike Joyce (beterista) miembros de esta banda inglesa que con tan solo cuatro álbumes (‘The Smiths’, ‘Meat is Murder’, ‘The Queen is Dead’ y ‘Strangeways, Here We Come’) logró impactar contundentemente los caminos de la música, es cierto que hay un antes y un después de The Smiths.

El testimonio de esta dupla rítmica, nos deja conocer detalles de la formación de la banda, el contexto histórico inglés de aquel momento, los detalles de su proceso creativo y la relación de ambos,Johnny Marr (guitarrista) y Morrissey, (vocalista y letrista), quienes tomaron el liderazgo de la banda y que al anuncio de la salida del guitarrista, el proyecto se desquebrajaría, para finalmente sucumbir y terminar con su breve historia.

Reforzando la información sobre aquel contexto musical en Inglaterra, es importante resaltar los comentarios de miembros de bandas como los Buzzcocks, The Fall, New Order, Suede y Kaiser Chiefs, quienes redondean el valor lírico y musical que The Smiths ha significado hasta aquel 2007, fecha en la que se estrenó este documental para televisión.

A una década del documento audiovisual ‘Inside The Smiths’, éste debe ser considerado como parte sustancial de nuestro escrutinio en la historia de esta emblemática banda, la cual frecuentemente es citada como referente para un número importante de músicos y bandas que desde los noventa o de reciente actividad se han incorporado a la historia de la música indie rock.

Sobre The Smiths se han realizado diversos documentos, el primero de ellos de la BBC: ‘Young Gun for go It’ y posteriormente ‘The Culture Show, not Like any other Love’, y algunos otros como ‘The Smiths (Rough Trade Documentary)’, ‘The Rise and the Fall The Smiths’ y ‘These Things Take Time. The Story of Smths’, los cuales  desde distintas perspectivas nos permiten leer nuevamente un mismo suceso, a estos le sumamos que el pasado agosto se estreno ‘London Is Mine’, la primer biopic acerca de la vida de Morrissey en los años antes de que formará junto con Marr, Joyce y Rourke a dicho referente musical, el cual esperamos ver pronto para poder comentarlo.

Aunque esta es una historia vieja, por distintas razones sigue acompañando a las jóvenes generaciones; el interés por mirar con lupa a este cuarteto que marcó no solo un lapso temporal sino también lo que ha ido sucediendo en nuestro presente continua siendo pretexto para eventos y discos tributo, textos, programas especiales de radio, documentales y sobre todo sigue conservando frescura en un momento donde la música fluye en tales cantidades, que sería muy probable que esta historia se perdiera, sin embargo se ha instaurado indeleble y fortalecida por su calidad ante el transcurrir de las décadas.

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Corona Capital: 2012, esperando el fin del mundo

Así fue que llegamos al 2012. Y nuestros ancestros mayas profetizaron el fin de una era, que además marcaba el fin de su calendario, rasgos que muchos interpretaron como catastrófico y hasta apocalíptico. Muchas personas alrededor del mundo dejándose llevar por estos rumores sobre el fin del mundo, crearon búnkers y comunidades alejadas en la selva en caso de una hecatombe mundial. Lo cierto es que no pasó absolutamente nada fuera de lo normal, al menos en el resto del mundo porque a México sí que nos llegó el fin de una era, la panista, para dar paso al priísmo recargado. Teman terrícolas mexicanos ¿Cómo fue que no hicimos caso a nuestros Mayas si esas pistas eran para nosotros? En fin.

 

Movimientos de indignación surgen en América Latina, Grecia y España haciendo que miles de personas vuelquen a las calles en contra del capitalismo salvaje y las economías injustas. En México surge el movimiento estudiantil #YoSoy132 cuando el todavía candidato a la presidencia, Enrique Peña Nieto hace una visita de campaña a la Universidad Iberoamericana en donde el estudiantado se pronuncia en un franco rechazo hacia lo que nombran el telegobierno. De ahí, 132 estudiantes videograban y viralizan un vídeo en donde exponen los motivos esenciales por los cuales Enqique Peña Nieto no debería ser presidente.

 

A ese movimiento se unen estudiantes de diferentes instituciones tanto públicas como privadas, sobre todo en la Ciudad de México, aunque las reacciones son replicadas en universidades de todo México. El objetivo último de sus peticiones es garantizar que los medios de comunicación se independicen completamente de los vicios, negocios y relaciones mantenidas por años con los gobiernos en turno, situación que a nublado y opacado la democracia en nuestro país y en el caso específico de las elecciones presidenciales de 2012 es evitar que Televisa ayude al candidato Enrique Peña Nieto arribe al poder. Finalmente el movimiento es desmantelado poco a poco cuando varios de sus líderes comienzan a formar parte de los medios de comunicación que pretendían cambiar.

 

En al mundo atentados en países europeos y de medio oriente son el desayuno de cada día, algunos temen el inicio de la Tercera Guerra Mundial y con esto certificar a los Mayas como los pronosticadores oficiales de los fines del mundo.

 

Tienen lugar los Juegos Olímpicos de Londres, y mientras en Venezuela gana las elecciones presidenciales Hugo Chávez, en México se inaugura la Línea 12 del metro que va de Mixcoac a Tláhuac, y con este acto se abre el maratón de limpiar la tierrita, llenar las bolsitas para dar paso al gobierno de Enrique Peña Nieto, quien quedara electo el 2 de julio en un ambiente de absoluta controversia.

 

 

La tercera edición del festival Corona Capital, por ende, se vio ligeramente afectado por toda esta agitación mundial. El mundo entero gritaba un fuerte ¡Basta ya de Capitalismo! Basta de precios injustos, de consumo irresponsable, de publicidad indiferente. Un grito en voz aguda que fue un primer llamado de atención a la humanidad pues nos estamos yendo al carajo y a nadie parece importarle.

 

Mucha gente decidió boicotear la asistencia al festival Corona y con ello generar algún tipo de llamado de atención a los monopolios de refresqueras, cerveceras, telefónicas y promotoras de espectáculos que llevan a cabo eventos como este. Fueron pocos los que hicieron caso al llamado del boicot, ya que el Festival Corona Capital para este, su tercer año, sería su consolidación como uno de los festivales masivos más importantes de México y Latinoamérica.

 

Fueron los Black Keys, New Order, Franz Ferdinand, Suede, The Hives, My Morning Jacket y Florence and the Machine los líderes del cartel de esta edición y también fue el último año en el que se incluyeron números de bandas nacionales de entre los que destacaron León Lárregui, Hello Seahorse!, Bufi y Vicente Gayo.

 

 

También fue este año cuando el formato del festival cambió a dos días, permitiendo una mejor distribución entre las bandas y escenarios. Aunque la verdad es que en ambas fechas hay más bandas y el anhelo anterior es prácticamente imposible.

 

Fueron los Black Keys y The Hives quienes se coronaron como reyes del festival, dejando claro como es que se debe tocar en un evento como estos: fuerte, contundente, estridente, llegando a un límite que roza la euforia.

 

Florence and the Machine y My Morning Jacket en cambio, entonaron esas canciones preciosas llenas de melancolía mezclada con felicidad que se quedan en los cofres de buenos recuerdos, esos en los que se esta rodeado de amigos una tarde de octubre homenajeando a los buenos momentos.

 

Como buenos capitalinos haters, nada nos acaba de acomodar nunca, ¿acaso un espíritu perfeccionista? ¿acaso esas ganas siempre abundantes de estar criticando al otro? Lo cierto es que este (como otros festivales) han sido criticados por expertos y no tan expertos por estar plagado de música mainstream para chicos hipsters que no saben suficientemente de música. También están quienes lo tipifican como el festival para fresitas, para princesas con coronas de flores en la cabeza, para princesos que se gastan el dinero que les dan sus papás en paletas de mezcal saborizado.

 

Personalmente creo que cualquier escaparate que difunda proyectos culturales cuya propuesta provoque un beneficio que exalte valores y principios humanos como la convivencia armónica y la trascendencia a través de la música, es un evento que vale la pena.

 

Peter Hook & The Light

La última vez que vimos a Peter Hook fue en el Plaza Condesa hace un año, con un lleno total, cuando anunciaron una nueva visita de su espectáculo este 2016 muchos pensamos que era demasiado pronto y nos equivocamos, para las 20:55 el Pepsi Center se veía mas vacío que lleno pero a las 21:15 cuando comenzó el evento otra era la atmósfera.

En su Twitter, Hook seguía desde el jueves 29 cada uno de los pasos que el público mexicano comentaba respecto a este show, asegurando que comenzaría a las 9 pm en punto y que no habría telonero, pero la lluvia atrasó todo, haciendo que la llegada al lugar fuera para todos más comoda.

Pero vale, mas allá de la hora de inicio y después de su gira anterior, Hook se dio cuenta que debería de ordenar mejor el espectáculo y entregarlo en un paquete mas agradable, el pretexto perfecto fueron las recopilaciones de New Order y Joy División editadas en 1987 y 1988 respectivamente, que en su momento y hasta el día de hoy son un objeto de culto, sobre todo las que vienen en formato vinilo, hubo una reedición de la de Joy División el año pasado y aun sigue en tiendas, pero la de New Order no se reedita aún, haciendo que sea casi imposible de conseguir en el país y cuando eso sucede ronda entre los 2500 y 3 mil pesos, historia diferente con las ediciones en CD, que se pueden conseguir en las rebajas de tiendas departamentales o tianguis entre los 100 y 150 pesos ¿por qué aun no se reedita la de New Order en vinil? Suponemos que es por los mismos pleitos en los cuales el resto de New Order anda de gira por un lado y Hook por el otro, pero ese desenlace ya nos tocará comentarlo y aplaudirlo o no con el paso del tiempo.

Arrancó el set en la historia de New Order y la gente no dudó en comenzar a bailar, sonido envolvente pero bajo al inicio, pero para la tercer canción ya estaba en nivel mas que disfrutable ‘Procession’, ‘Ceremony’, ‘Temptation’ evocaban un momento histórico en la banda sonora de la película de mucha gente, sin quedar a deber le siguieron ‘Confusión’, ‘Thieves Like Us’, ‘Blue Monday’, ‘Subculture’ y la idea musical ‘Bizarre Love Triangle’, que coreaban varias generaciones, mas allá de X, Y o Z la cantaban todos, a los que les tocó y a los que no, dos canciones más y el receso llegaba.

Receso que fue acompañado en el sonido local de un remix de la canción de Mike Garry & Joe Dudddell a Tony Wilson, Saint Anthony, una oda a quien apoyó el sonido y la escena de Manchester durante mas de 30 años y al que muchos le deben seguir estando de gira en 2016, en especial Hook y New Order.

Arrancó el set en la historia de Joy Division con ‘No Love Lost’, piel chinita y el lugar mas lleno aun por gente que llegaba despues de la lluvia, para disfrutar el resto del show ‘Disorder’, ‘Failures’, ‘Warsaw’, ‘Leaders of Men’ y muchos tratando de imitar el paso de Ian Curtis el cual ni Hook se atreve a hacer, al final el amor nos separó otra vez y la pregunta ¿regresará en 2017?

Peter Saville: Arte y gráfica a nivel de tela

 

Colección urbana y radical, así se definen las 100 piezas que unen a Peter Saville con Paco Rabanne en el 2016, una empatía de cultura popular que permite al diseñador gráfico más impuntual de Manchester encontrarse con Julien Dossena, el actual director artístico de la etiqueta Paco Rabanne, para generar una línea donde el arte y las gráficas parecen libros pictóricos plasmados en telas.

 

Como gran parte del trabajo anterior del diseñador, la inspiración proviene de un libro, en este caso las 100 piezas de edición limitada parten de ‘Nues’ (1969) de Jean Clemmer, un material que es absorbido por Peter Saville, quien al ser conocido por su impuntualidad (razón por la que no se le pidió el diseño de portada del libro de Tony Wilson), esta vez encontró el tiempo justo para cumplir con las expectativas de la marca Paco Rabanne, con la que colabora desde el 2013.

 

Saville ya es todo un diseñador profesional, lejos de las flexibles reglas de La Hacienda o Factory Records, han quedado lejos los días en que la solución a su impuntualidad era regalar carteles y boletos como recuerdos, también ya está en otra liga donde el enamoramiento con un floppy disc (que terminó en ‘Blue Monday’ de New Order) ya no sería una limitante económica.

 

No había muchos diseños minimalistas y modernistas en el Reino Unido antes de Saville. Su interés en el arte constructivista ruso fue transferido a Factory Records y a su búsqueda por tener un impacto duradero en la escena post-punk. Fue visualmente llamativo en el contexto que emergió, en un periodo donde el punk se inclinaba por lo burdo y de bajo presupuesto, el estilo impuesto por Jamie Reid, sin embargo el trabajo de Saville para Factory logró sobresalir y manifestó enteramente la aversión de su director Tony Wilson de utilizar imágenes de los integrantes de la banda en las fundas de los discos.

 

 

Ningún grupo le dio una dirección creativa y Saville realmente no escuchó los álbumes de las bandas para las que trabajó, pero aún así como Director de Arte de Factory logró establecer una cercanía entre diseño/música que más tarde fue evidente en las producciones de 4AD (con el trabajo de Vaughan Oliver y Chris Bigg como 23 Envelope), Warp (que otorgó libertad creativa a Designers Republic) e incluso en la relación de Björk con Me Company.

 

Famoso por las 100 pulsaciones sucesivas de “Unknown Pleasures”, debut de Joy Division, y el diseño del disco “Blue Monday” de New Order, que casi mató a Factory y que a la larga ocasionó pérdidas al sello por la venta de cada copia, Saville se ha mantenido como unos de los diseñadores más venerados por su capacidad para llevar la calidad de una funda a un extremo inconcebible antes de él y por tomar como fuente de inspiración el mundo fuera de la cultura pop, utilizando fotografías de Bernard Pierre Wolff y Trevor Key, dibujos, pinturas de Henri Fantin-Latour y Giorgio de Chirico, esculturas y elementos gráficos puros para crear nuevos iconos para la cultura popular.

 

Durante los 80, y todavía principios de los 90, Saville no encontró límite a sus ideas minimalistas y aún así visualmente interesantes, que a la larga probaron ser tan eternas e influyentes como la música que envolvieron, sin embargo cuando entró en sus cuarentas se empezó a sentir incómodo con el diseño de productos orientados a los jóvenes, cómo álbumes y sencillos, que creativamente lo frustraban con el limitado espacio que ofrecía el disco compacto.

 

Los proyectos de identidad ya no eran un reto creativo para él, la solución llegó cuando una nueva generación de músicos visualmente sofisticados, que descubrieron sus trabajos en la adolescencia, lo cortejó como clientes. Bandas como Pulp y Suede tenían ideas específicas de lo que ellos – y sus fans – querían ver, para alivio de Saville le pidieron realizar su propio concepto visual y le permitieron crear el arte de una generación que él ya no parecía entender. Su aparente retiro de las portadas, que le permitió adentrarse en el diseño y las fotografías publicitarias, no se ha completado todavía, porque insiste en trabajar con New Order y todavía realiza unos pocos trabajos de diseño para la música.

Chromatics lanza EP en descarga gratuita

 

A lo largo del 2015 Johnny Jewel nos acercó al nuevo trabajo de Chromatics, un álbum que evolucionó a través de descargas gratuitas a través de Soundcloud, que ahora se extiende con un EP que se ofrece una vez más en la cuenta de Jewel y en la página de Italians Do It Better.

 

El synthpop sigue siendo la base de Chromatics, como gran parte de lo que aparece en el sello fundado por Johnny Jewel, a través de 9 tracks expanden los sonidos hacia el pop y el noise de características etéreas.

 

En 32 minutos, Chromatics nos presenta canciones que ya conocemos como “Cherry” y una versión de “Ceremony” de New Order en la que colaborá Ida No, vocalista de Glass Candy (otro de los proyectos de Johnny Jewel).

 

Del under al mainstream y la extinción

La música alternativa no inició con Nirvana y su ‘Smells Like Teen Spirit’, mucho antes de ‘Nevermind’ existió toda una cultura underground que era considerada alternativa para la música convencional. Mucho antes de convertirse en una sección en las tiendas de discos, que sólo indica que lo que no sepas definir puede acomodarse ahí, existieron una serie de grupos que eran lo opuesto a la corriente principal, básicamente podemos decir que han existido desde el nacimiento del rock.

 

Elvis Presley era la alternativa al pop meloso de los 50, los Rolling Stones eran la alternativa malosa a los Beatles, Bob Dylan era la respuesta aguerrida al folk tradicional y los Ramones fueron la oposición a las largas canciones del rock progresivo. Bajo esos simples términos, todo grupo ha pasado por una fase alternativa hasta que se los traga el mainstream. Aunque desde hace varios años el mismo término ya es una herramienta de la corriente principal, la palabra en algún momento tuvo una connotación que exigía respeto y marcaba una independencia ideológica, que muchos grupos pertenecientes a las grandes disqueras no podían presumir.

 

LA CULTURA IGNORADA

El término alternativo fue manoseado constantemente durante la década de los noventas, sin embargo la palabra fue acuñada desde los 70 y 80 para describir la tendencia post-punk que se iba extendiendo y que era asociada con otras formas de cultura que iban en contra de lo que dictaban los medios de comunicación o cualquier estilo de vida más popular. Simplemente, en esa época se empezó a utilizar el término para definir ese estilo que era ignorado por las grandes compañías y que se mantenía orgullosamente al margen de esa línea.

 

A la par de ese movimiento surgieron formas de expresión en los medios de comunicación, unas pocas publicaciones (la mayoría fanzines) y estaciones de radio (predominantemente colegiales o que trasmitían de forma ilegal, piratas para terminar pronto) dedicaban grandes espacios a la música alternativa, que en esos momentos todavía no alcanzaba gran popularidad, pero estaba a punto de convertirse en uno de los géneros más perseguidos por su naturaleza vanguardista.

 

El rock alternativo se volvió más popular a mediados de los 80’s, en gran parte gracias a la insistencia del locutor de la BBC John Peel, que tuvo uno de los pocos espacios alternativos antes de que existiera la palabra, y las estaciones de radio colegiales, la cuales trataron de alejarse del término alternativo y acuñaron la etiqueta college rock para albergar a todos esos grupos eran escuchados exclusivamente por adolescentes y universitarios. Dentro de esa línea los favoritos de la escena alternativa y las estaciones de radio estudiantiles eran R.E.M., Husker Dü, Pixies, XTC, New Order, The Smiths, U2 y Sonic Youth, que posteriormente superaron la no-existencia relacionada con lo alternativo y encontraron el éxito comercial o al menos el reconocimiento masivo.

 

Próxima semana: la deuda con el punk en este blog.

New Order – Music Complete

Después de un silencio de 10 años tras la publicación de ‘Wating For The Siren’s Call’ en 2005, el grupo británico New Order regresa con una nueva producción titulada ‘Music Complete’, con la que recurren al sonido electrónico que lo caracteriza.

A puerta cerrada, en algún lugar de la Colonia Roma en la Ciudad de México, Rock 101 fue invitado a escuchar la nueva placa de New Order, que además marca el regreso de Gillian Gilbert, tecladista original, quien decidió abandonar el grupo en 2001.

Con ‘Music Complete’ la banda integrada por Bernard Sumner, Stephen Morris, Gillian Gilbert, Phil Cunningham y Tom Chapman nos demuestra que después de 35 años de carrera, a pesar de la ausencia de Peter Hook, la calidad se mantiene intacta.

La tendencia general del disco se caracteriza por la tradicional mezcla de guitarras y secuencias electropop produciendo un efecto altamente bailable. El álbum cuenta con las colaboraciones de Brandon Flowers (The Killers), Iggy Pop y Elly Jackson (La Roux) a quien podemos escuchar en los estribillos de ‘Plastic’, canción que hace pocos días fue anunciada oficialmente como el primer sencillo que marca el regreso del grupo.  Destaca también la participación de Tom Rowlands (The Chemical Brothers) quien colaboró con la producción de ‘Singularity’ y ‘Unlearn This Hatred’.

Canciones como ‘The Game’, ‘Superheated’, ‘Tutti Frutti’ y ‘Academic’ superan las expectativas gracias a algunos momentos en donde resalta más el sonido orgánico de las guitarras y el bajo, cobijados con ritmos tecno. En general, ‘Music Complete’ obsequia un New Order fresco que nos revela que a pesar de los años la banda sigue vigente y ha colocado muy en alto la vara de su historia.

El lanzamiento del disco está programado para el próximo 25 de septiembre de este año.

 

“Music Complete”, el nuevo disco de New Order

Mientras una parte de lo que esra New Order sigue de gira recordándonos lo que era Joy Division, el grupo que aún cuenta con Bernard Sumner, Stephen Morris y Gillian Gilbert termina una nueva producción con el título “Music Complete”.

El material, el primero desde “Lost Sirens” (el último en el que colaboró el bajista Peter Hook) será lanzado en diversos formatos el 25 de septiembre. El material también es el regreso de la tecladista Gillian Gilbert, quien vuelve tras 10 años de separación. Su última participación fue en “Get Ready” (2001).

El álbum fue producido por la banda, excepto por los cortes “Singularity” y “Unlearn This Hatred”, donde participó Tom Rowlands de The Chemical Brothers. También Stuart Price se hizo cargo de la canción “Superheated”. En los próximos días, el grupo dará a conocer las fechas de su próxima gira.

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