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Banda Sonora – Jim Jarmusch, cine y música

Ha llegado el momento en la vida de @BandaSonora101 de revisar la música en la obra de un grupo de cineastas que, considero, han integrado a la música, y en particular al rock y géneros relacionados, como un elemento fundamental de su propio lenguaje cinematográfico. Me refiero a cineastas como Martin Scorsese, David Lynch, Oliver Stone, Julien Temple, Fatih Akin y el gran Jim Jarmusch, con quien daremos inicio a esta serie de entregas.

Seré franco: Jim Jarmusch es mi cineasta favorito. Arriba de Martin Scorsese, David Lynch, Terry Gilliam, Luis Buñuel, Ingmar Bergman y Andréi Tarkovski. Y sin duda la música tiene mucho que ver en el enorme aprecio que le tengo a su obra.

Desde las aportaciones de John Lurie en sus primeras películas hasta lo que hace hoy en día con su propia banda, SQÜRL.

El punto es que en las películas de Jarmusch la música siempre juega un rol fundamental. Ya sea el jazz experimental de John Lurie en DOWN BY LAW, las guitarras distorsionadas de Neil Young en DEAD MAN, la cavernosa voz de Tom Waits en NIGHT ON EARTH, el Hip hop de Wu-Tang Clan y RZA en GHOST DOG, el Ethio-jazz de Mulatu Astatke en BROKEN FLOWERS, el stoner noise de SQÜRL en ONLY LOVERS LEFT ALIVE o el poderoso punk rock de The Stooges en GIMME DANGER.

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Así de buena y ecléctica es la música que habita en la obra de este gran cineasta.

Jim Jarmusch nació en Akron, Ohio, el 22 de enero de 1953, es decir, hace 65 años. El apellido Jarmusch es checo, como su padre, un hombre de negocios de la entonces enorme clase media estadounidense. Su madre, crítica de cine y teatro para el periódico local, fue quien le inculcó desde niño el amor por el cine, la música y la literatura.

Estudió literatura inglesa en la Universidad de Columbia y el último año de la licenciatura lo cursó en París, ciudad donde se convirtió en un asiduo cinéfilo a la legendaria cinemateca francesa. Ahí, según consta en diversas entrevistas, vio las películas de los maestros del cine japonés, como Imamura, Ozu y Misoguchi, así como del danés Carl Theodor Dreyer y el francés Robert Bresson, entre muchos otros.

A su regreso a Estados Unidos entra a la prestigiada Graduate Film School de la Universidad de Nueva York, donde se formó como cineasta y donde conoció a colegas y colaboradores como Sara Drivers, Tom DiCillo y Spike Lee. Corrían los últimos años de la década de los 70 y los contemporáneos de Jarmusch solían reunirse en el icónico club punk CBGB de Nueva York.

El evidente talento de Jarmusch lo llevó a trabajar como asistente de dirección del cineasta Nicholas Ray, director de REBELDE SIN CAUSA y su maestro en la universidad, quien se convirtió en su mentor y sensei cinematográfico hasta su muerte en junio de 1979.

Sin mucho dinero en los bolsillos y trabajando como músico, Jarmusch levantó su primer largometraje en 1980, PERMANENT VACATION, película con la cual damos inicio a este viaje musical por la filmografía de este gran cineasta llamado James Robert Jarmusch.

A continuación, una selección de canciones emblemáticas de su filmografía ¡Disfruten!

Banda Sonora – El rock en el cine de los 90

Iniciamos un nuevo programa en Rock 101, hemos hecho un recorrido por los primeros años del puro, total y absoluto cine y rock, para estrenar este blog les comparto 20 películas que sintetizan la relación entre los dos elementos fundamentales del espacio sonoro que presentamos esta semana, el cine de los 90.

THE DOORS (1991)
Dirigido por Oliver Stone y protagonizado por Val Kilmer, THE DOORS es un filme biográfico sobre Morrison y The Doors, desde que Morrison estudiaba cine en la UCLA hasta su extraña muerte a los 27 años en 1971 en París. Después de esta película se han hecho varios documentales sobre The Doors que valen mucho la pena.

 

1991: THE YEAR PUNK BROKE (1992)
Dirigida por David Markey, esta película sigue la gira europea de Sonic Youth de 1991, en la cual los acompañó Nirvana como teloneros, justo en el boom del grunge en Seattle y a unos meses del lanzamiento del álbum de ruptura Nevermind de Nirvana.

 

PERROS DE RESERVA (1992)
Se estrenó el 21 de enero de 1992 en el festival Sundance. Luego se exhibió en los festivales de Cannes, Toronto, Nueva York, Sitges, Chicago… y acumuló un montón de premios. Y fue con el éxito de esta película hiperviolenta y con una banda sonora espectacular que el nombre de Quentin Tarantino se escuchó por todo el mundo.

 

SINGLES (1992)
Dirigida por Cameron Crowe en 1992, SINGLES cuenta la historia de unos veinteañeros que se mueven en la escena grunge de Seattle de principios de los 90s. Un retrato inmediato desde la ficción de un movimiento musical bien poderoso liderado por bandas como Alice in Chains, Pearl Jam, Soundgarden, Mudhoney…

 

DAZED AND CONFUSED (1993)
Obsesionado con la juventud, Richard Linklater hizo DAZED AND CONFUSED en 1993. La historia de la película se ubica en 1976 y narra las aventuras de un grupo de jóvenes en su último día de clases. La banda sonora tiene puros cañonazos de bandas de la época: Black Sabbath, Alice Cooper, Deep Purple, Lynyrd Skynrd, Ted Nugent, ZZ Top

 

PULP FICTION (1994)
Se estrenó en el festival de Cannes el 12 de mayo de 1994, donde se llevó la codiciada Palma de Oro. De ahí en adelante fue tan grande el impacto de esta película tanto en taquilla como en crítica que se convirtió en un clásico instantáneo. Muchos salimos corriendo del cine a comprar el soundtrack de inmediato.

 

ASESINOS POR NATURALEZA (1994)
En el festival de Venecia de 1994 se estrenó ASESINOS POR NATURALEZA, de Oliver Stone. Película hiperviolenta, con personajes traumatizados que asesinan sin piedad y cuyo soundtrack fue producido por Trent Reznor. En la banda sonora: L. Cohen, Cowboy Junkies, Nine Inch Nails, Jane’s Addiction, Patti Smith, Bob Dylan…

 

DEAD MAN (1995)
DEAD MAN es un peliculón de Jim Jarmusch. La protagoniza Johnny Depp y la música original es de Neil Young, quién durante el rodaje veía los avances e improvisaba contra las imágenes proyectadas, tal como lo hizo Miles Davis en ASCENSOR PARA EL CADALSO de Louis Malle en 1958.

 

CASINO (1995)
De Martin Scorsese, es una película de mafiosos en Las Vegas protagonizada por Robert De Niro, Joe Pesci y Sharon Stone, y que tiene una banda sonora de antología. Una selección de rolas que define los gustos musicales de Scorsese: Rolling Stones, Ottis Reading, Muddy Waters, Roxie Music…

 

TRAINSPOTTING (1996)
Además de ser una gran adaptación de la novela de Irvine Welsh, es cinematográficamente tan poderosa que marcó a toda una generación. Así de importante es. Y la banda sonora es sin duda uno de los mejores maridajes que se han dado entre cine y rock.

 

HYPE! (1996)
Dirigido por Doug Pray, HYPE! es un rockumental clásico de los 90s que retrata la escena grunge de Seattle. Un filme portentoso con una banda sonora de altísimo calibre. Música de Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Alice in Chains y bandas más oscuras como Fastbacks, the Gits, Some Velvet Sidewalk y Love Battery

 

SUBURBIA (1996)
Dirigida por Richard Linklater, este director obsesionado con la juventud y el tiempo, retrata a un grupo de adolescentes en los suburbios de EU que viven las tribulaciones típicas de esta etapa de la vida. No es la mejor película de Richard Linklater (BOYHOOD es mi favorita) pero sin duda cuenta con una banda sonora de altísimo calibre: Elastica, Sonic Youth, Beck, UNKLE, Flaming Lips, Butthole Surfers…

 

BREAKING THE WAVES (1996)
El danés Lars von Trier es un personaje: genio del lenguaje cinematográfico, torturador de Björk, integrante del movimiento Dogma 95 y provocador profesional. Todo eso es Lars von Trier y la verdad es que su filmografía es muy impresionante. En mayo de 1996 llevó a Cannes BREAKING THE WAVES, una película que desde entonces dejaba a ver el poder de las imágenes y las retorcidas historias de este cineasta de ruptura. A diferencia de la mayoría de sus películas, donde la música incidental pasa casi inadvertida, para Breaking the Waves Von Trier armó un soundtrack bien roquero, con rolas de Deep Purple, Elton John, T. Rex, Roxy Music y Jehtro Tull…

 

YEAR OF THE HORSE (1997)
Realizada por Jim Jarmusch, YEAR OF THE HORSE documenta la gira de 1996 de Neil Young & Crazy Horse. Hay concierto filmado, entrevistas con miembros de la banda y material de archivo. Una película olvidada pero de gran relevancia para el cine-rock.

 

FEAR AND LOATHING IN LAS VEGAS (1998)
Adaptación de Terry Gilliam del libro de viajes (en el sentido literal y figurado) de Hunter S. Thompson, con Jonny Depp y Benicio del Toro como protagonistas. La banda sonora: puro rocanrol bien seleccionado con diálogos y monólogos incluidos.

 

VELVET GOLDMINE (1998)
Un poderoso retrato del glam rock en Inglaterra con evidentes referencias a David Bowie. El director Todd Haynes armó dos supergrupos para este soundtrack y en 2007 hizo I’M NOT THERE sobre Bob Dylan.

 

THE BIG LEBOWSKI (1998)
Los hermanos Coen hacen películas geniales. Échenle un vistazo a su filmografía y verán que se encuentran por lo menos 5 peliculones. En el 98 estrenaron THE BIG LEBOWSKI, con la inmortalizaron a ese personaje apodado The Dude, magistralmente encarnado por Jeff Bridges.

 

SLC PUNK! (1998)
Se filmó en 1998 pero se estrenó oficialmente en el festival Sundance de 1999. Me refiero a SLC PUNK!, película que lleva a la comedia la vida de los dos únicos punks en una ciudad dominada por mormones. Es muy divertida y la banda sonora es genial.

 

MEETING PEOPLE IS EASY (1998)
Dirigido por Grant Gee, MEETING PEOPLE IS EASY (1998) es un retrato de Radiohead en sus procesos creativos y tocadas en vivo en tiempos del Ok Computer. Una joya de rockumental que se mantiene sin una sola arruga después de 20 años.

 

GHOST DOG (1999)
Me gustan las películas de artes marciales y samuráis pero GHOST DOG (1999) de Jim Jarmusch me es tan importante que tengo un poster colgado en la pared. Forest Whitaker encarna a un asesino a sueldo que se rige por el Hagakure, código de los samuráis, y se comunica con palomas mensajeras. Todo al ritmo hiphopero de The RZA.

#SonicArsenal – Dejar para existir: la música de Charles Manson

 

“Mi música no es música. Es un rap, una plática. Nada de lo que hago termina. Lo hago de una sola vez desde el alma en trance. No es entretenimiento. No soy un payaso o un actor” – Charles Manson

 

Dicen que es un genio y que se hubiera tenido la oportunidad habría alcanzado a los Beatles, pero es mejor conocido por el otro camino, el de la infamia que refleja demasiados sueños ácidos y chicas hippies colgados a una secta que arrojó horrores para zonas todavía inexplicables. Su música es una metamorfosis que va de un cantante de folk, hasta una especie de icono contra lo establecido que observa desde un póster.

 

Su música definitivamente refleja la historia de su vida, que en su mayoría transcurrió en una prisión, muestra el rock que ‘Helter Skelter’ le impregnó y el punk que surgió todavía muchos años después de ser sentenciado a permanecer encerrado de por vida en una cárcel en California.

 

Mucho antes de convertirse en el personaje infame que hipnotiza con su mirada y un poco después de cumplir varias condenas por robo y fraude con cheques, Charles Milles Manson tenía la firme ilusión de convertirse en una voz de la contracultura y un compositor que impregnara a todos con sus pensamientos apocalípticos. Desde que llegó a Los Angeles persiguió un contrato discográfico y se unió a varios personajes para poder difundir su música, sin embargo sólo unos cuantos lograron escucharlo antes de convertirse en el autor intelectual de los asesinatos en la casa del director Roman Polanski.

 

LSD = VENERACIÓN

Antes de que los Beatles le confirmaran a través de ‘Helter Skelter’ que sus teorías sobre el fin del mundo eran reales (al menos así lo entendió), Charles Manson mostró su música, hizo varios demos y causó el caos en los estudios de grabación al querer incorporar a sus seguidores de La Familia en una sola toma, tan conflictivo fue el asunto que ningún sello quiso darle otra oportunidad cuando todavía era libre. Como muchas personas que lo rodeaban, Dennis Wilson y Neil Young lo veneraban y apreciaban su música, tal vez había demasiado LSD a su alrededor provocando algunas impresiones exageradas.

 

Wilson logró que los Beach Boys grabaran la canción ‘Cease to Exist’, que apareció en el disco ‘20/20’ bajo el título de ‘Never Learn Not to Love. La ayuda de Neil Young llegó mucho después, el músico le consiguió un contrato discográfico para financiar su defensa en el caso Tate-LaBianca y no se cansó de repetir que Manson “hizo un tipo de música que nadie había hecho antes. Podría sentarse con una guitarra, empezar a tocar y crear algo diferente cada vez. Solo salía y salía. Musicalmente pienso que es único. Tiene algo de locura, algo de grandeza. Era como un poeta viviente”.

 

Precisamente esa fama de pacheco, poeta y loco es la que lo convirtió en un icono desde el encierro, desde su celda creó a una estrella de rock que ha influenciado a mucho músicos, que recibe cerca de 60,000 cartas al año y que ha quedado plasmado en miles de camisetas desde 1969. Charles Manson decía que él y La Familia sobrevivirían al holocausto racial en el desierto y que así lograrían trascender en la historia, la verdad es que sólo Manson alcanzó su objetivo: volverse una figura que mueve masas a través de su música. El resto sólo fue encerrado y olvidado.

 

MÚSICA DE CHARLES MANSON 

 

INSPIRADOS POR CHARLES MANSON

 

  • ‘Look At Your Game Girl’- Guns N’ Roses incluyó como track oculto de ‘The Spaghetti Incident’ ésta canción original de Charles Manson.

  • ‘Piggy’ y ‘March Of The Pigs’ – Nine Inch Nails incluyó estas canciones en el disco ‘The Downward Spiral’, grabado parcialmente en la casa de Roman Polanski y que fue acreditado en el álbum como Le Pig of Beverly Hills Studio. Ambos tracks son referencia directa a la palabra escrita en la escena de los asesinatos con sangre: “PIG”.
  • ‘My Monkey’ – Canción incluida en ‘Portrait of an American Family’ de Marilyn Manson y que cuenta con cuatro líneas extraídas del corte ‘Mechanical Man’ de Charles Manson.
  • ‘ATWA’ – Corte inspirado por el movimiento ecologista “Air, Trees, Water, Animals” (conocido también como ATWAR) que impulsó Manson. Fue incluido en el disco ‘Toxicity’ de System Of A Down, en el booklet del álbum el grupo también le agradece su gran aportación a su música.
  • ‘Bloodbath in Paradise’ – Ozzy Osbourne se inspiró en Manson y La Familia para escribir ésta canción del disco ‘No Rest for the Wicked’.
  • ‘Tin Omen’ y ‘Worlock’ – Skinny Puppy incluyó en la primera sampleos de la voz de Manson. La segunda fue incluida en el álbum ‘Rabies’, en el punto medular de la canción puedes escuchar a Charles Manson cantando ‘Helter Skelter’ con Al Jourgensen (Ministry) haciéndose cargo de la guitarra.
  • ‘Death Valley 69’ – Sonic Youth grabó ésta canción para su disco ‘Bad Moon Rising’. El corte fue inspirado por la zona en la que La Familia se escondería y muestra a grades rasgos como fue la noche del 9 de agosto de 1969.

Girando el plato, es momento de #Vinil101

“Probablemente la más grande catástrofe que ha sucedido en la grabación de la música en los últimos diez años”, eso fue lo que dijo Neil Young cuando los acetatos fueron superados en ventas por los discos compactos en 1988. No sabemos si siguió pensando lo mismo cuando trató de comercializar su reproductor en forma de Toblerone, pero si recordamos que siguió nostálgico y por esa razón fue a la cabina de Third Man Records y grabó todo un disco en ese formato.

Volviendo a 1988. Era el momento del cambio del sonido análogo al digital, extrañábamos la textura del surco pero nos hicimos a la idea de que nuestra colección sería más compacta. Sin embargo ninguno esperábamos, menos Neil Young, que nuestra forma de escuchar música cambiaría radicalmente en menos de una década.

Con el nuevo formato y las nuevas maneras de compartir música no presenciamos la muerte de la industria, sino la evolución y convergencia de lo viejo y lo nuevo, el CD en estado moribundo y la unión de LP+MP3 como último formato, pero sobre todo fuimos espectadores de nuevas estrategias para lograr que la música se libere de intermediarios y la unión de grupos con fanáticos se fortalezca para crear, los vídeos se volvieron interactivos, los sencillos, los materiales en vivo y los samplers se volvieron caramelos gratuitos para endulzarnos el oído antes de comprar un álbum completo.

Lo que antes era parte del ciclo de 24 horas de descubrimiento de una canción, empezó a obedecer reglas de redes sociales, campañas virales o la opción de paga lo que creas justo. El track gratuito empezó a acaparar lanzamientos, convirtiéndose en una práctica común, con recopilación de datos y la ardua campaña de atraernos con canciones acompañadas por esa palabra: GRATIS.

El 21 de junio de 1948, se presentó en el hotel Waldorf Astoria de Nueva York, el primer disco de larga duración (LP) fabricado en resina de polivinilo. Peter Golmark, ingeniero de la CBS, dio con el vinilo tal y como lo conocemos, en formato 12″ y 33 1/3 rpm, como resultado de la gran aceptación de los gramófonos. Como proyecto, el LP estuvo archivado durante mucho tiempo debido a la Gran Depresión y las Segunda Guerra Mudial, pero cuando Columbia superó los conflictos geopolíticos y logró resolver las dificultades técnicas para concretar el LP — agujas que eran demasiado pesadas, surcos muy amplios, grabaciones excesivamente cortas y una fidelidad de audio que era más siseo que otra cosa — todo cambió.

Celebrando ese cambio, su evolución, aparente desaparición y su caliente regreso, nos reuniremos como cada año alrededor del plato con #Vinil101, ese momento en que el público rockcientoúnico desempolva sus colecciones y programa gran parte de la estación en un especial. Esta vez abandonamos la cabina, nos reuniremos en Música en Vinyl (@MusicaEnVinyl) para una larga sesión de siseos y problables errores (majestuosos errores) de revoluciones. Los esperamos en Jalapa #164 en la colonia Roma Norte de 10:00 am a 6:00 pm con sus vinilos.

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