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Banda Sonora 101: Las alas de Wenders

Desde hace varias semanas, en @BandaSonora101 nos hemos dedicado a revisar la música en las filmografías de diversos cineastas. Iniciamos con Jim Jarmusch y nos seguimos de frente con Martin Scorsese, el británico Danny Boyle y luego Quentin Tarantino. En esta ocasión toca el turno a una leyenda viva del cine: el alemán Wim Wenders.

Me gusta mucho la primera etapa de la obra de Wim Wenders. Recuerdo esas películas, algunas en blanco y negro, sobre personajes solitarios que viajan o deambulan sin rumbo fijo, desolados, sin ningún tipo de arraigo. Pienso en VERANO EN LA CIUDAD (1971), ALICIA EN LAS CIUDADES (1974), EL AMIGO AMERICANO (1977) y PARIS, TEXAS (1984). Durante este periodo Wenders formó parte del llamado Nuevo cine alemán, junto con Rainer Werner Fassbinder, Volker Schlöndorff y Werner Herzog.

Después vino una etapa controvertida, para algunos brillante y para otros de hueva y pretenciosa, con películas sobre ángeles en Berlín y máquinas que graban los sueños. Soy del bando que piensa que LAS ALAS DEL DESEO (1987) es una excelente película de autor y que tiene grabadas en la memoria escenas completas de HISTORIA DE LISBOA (1994). Pero a partir de ésta última, no hay película de ficción dirigida por Wenders que me haya sorprendido. Sin embargo, en su etapa madura Wim Wenders demostró ser un documentalista de primer nivel con portentos como BUENA VISTA SOCIAL CLUB (1999), retrato de la gozosa colaboración entre Ry Cooder y músicos cubanos; THE SOUL OF A MAN (2003), fantástica inmersión en el mundo del blues; PINA (2011), homenaje a la coreógrafa alemana Pina Bausch; y LA SAL DE LA TIERRA (2014), protagonizada por el célebre fotógrafo brasileño Sebastião Salgado.

Pienso que Wenders empezó como un gran cineasta de ficción, luego tuvo un bache creativo de varios años, y ahora se muestra como uno de los grandes documentalistas del mundo. El común denominador en su filmografía es la buena música, en particular el rock, dada su melomanía y amistad de vida con gente como Nick Cave, Lou Reed, Ry Cooder y Bono, o los cubanos Ibrahim Ferrer y Compay Segundo.

A continuación, una selección de 14 películas fundamentales de Wim Wenders con sus respectivas bandas sonoras o con momentos musicales memorables.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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“Escribir es perturbar a los cómodos y consolar a los perturbados”

Cuando Helen McClory sacó su última novela, usó una capa vintage. En el Festival Internacional del Libro de Edimburgo, tenía un tatuaje de una serpiente en su mano derecha. Si incomoda a su audiencia, piensa, no es algo malo. Ella es, como habrías adivinado, cualquier cosa menos convencional. Al mismo tiempo, ella es, en palabras de un crítico, “claramente una de las mejores escritoras nuevas que surgieron en Escocia en los últimos años”, y con una nueva colección de cuentos, Mayhem & Death, ella está más allá de esa descripción.

Criada en Skye, a Helen McClory le gusta inquietar a sus lectores pero también consolar. Esta es una charla con ella que publicó The Times, un buen pretexto para iniciarnos en el mundo de una autora poco conocida en América Latina.

No es que su progreso haya sido fácil. Durante cuatro años luchó para encontrar un editor y fue rechazada por agentes y editores por igual —no solo rechazada, sino que le enviaron comentarios negativos, como que no sabía cómo estructurar una historia.

Ella ganó el premio de la Sociedad Saltire al mejor libro debut, pero casi inmediatamente después su editor se enfermó y tuvo que cerrar. El siguiente libro también enfrentó un desastre cuando Freight Books colapsó en liquidación y McClory supo un día antes de la publicación  de su libro que estaba sola. Tuvo que comprar sus propios libros. Ella permanece indomable. “Empecé a escribir sabiendo que sería una batalla cuesta arriba, y también se volvió muy cansado después de cuatro años”, admite. “Pero continué y nada me detuvo”.

Otra pequeña e innovadora editorial escocesa, 404 Ink, está presentando historias cortas y republicando su primera colección, On the Edges of Vision.

Parte de la resistencia de los editores masivos puede deberse al hecho de que sus libros son difíciles de catalogar. A ella le gusta un tipo de capítulo o historia conocida como “ficción instantánea” —a veces menos de mil palabras, a veces incluso más cortas.

McClory intentó usar el enfoque estándar de la escritura de novelas, pero eventualmente se dio por vencida. “Lo abandoné después de las 20 mil palabras”, dice. “Sólo me estaba deprimiendo. No tengo la inclinación ni el conjunto de habilidades para escribir una novela dentro de esos límites, también se siente incómodo “.

En lugar, Mayhem & Death lidia con lo que son casi fotos instantáneas de eventos extraños en la vida de personajes surrealistas: dos mujeres saludan a tres caminantes en una cabaña de montaña y posiblemente los matan, antes de alimentar sus cuerpos con lobos; una niña se enfrenta a un oso polar en una franja desierta de hielo y lo desvía alimentándolo con flores; una comunidad de personas, aisladas del mundo exterior por un deslizamiento de tierra, hacen modelos de aves porque son las últimas criaturas vivientes que vieron.

¿De dónde vino todo esto? Ahora con 34 años, McClory se crió en la isla de Skye, donde su padre era el procurador fiscal. Desde entonces, ha pasado la mayor parte de su vida viajando — ha asistido a cursos de escritura en Canadá y Australia, y hace unas semanas regresó de una residencia en Brasil, donde visitó una tribu indígena.

Sus propias experiencias han sido casi tan surrealistas como sus historias: en Nueva York, consiguió un trabajo como la paseadora del perro del cantante Lou Reed. Él era “callado, malhumorado, pero obviamente amaba mucho a su perro Lolabelle”.

“Lou Reed me entrevistó para el trabajo, vio que tenía paciencia y que me alegraba recoger la popó de sus perros”, dice McClory. “Lolabelle era una especie de Jack Russell, muy anciana y no caminaba muy lejos. La recogía, la bajaba, me miraba como si la hubiera molestado, luego la levantaba y la subía de nuevo“.

También pasa mucho tiempo en Internet, haciendo conexiones con personas inusuales.

“Las personas comparten enlaces, por lo que obtienes un suministro constante de fuentes interesantes”, dice ella. “Ayer estuve en contacto con un poeta persa, hablando sobre las dificultades de ser traducido a danés —¿de qué otra manera podría haberme puesto en contacto?”

“Fui a Estados Unidos y comencé una gira por la costa este con mi primer libro, y dormí en los sofás de las personas que conocí en Twitter. Todos eran maravillosos”.

Conoció a su marido, un abogado, en St Andrews, donde ambos estudiaban. “Parece que St Andrews tiene la tasa más alta de matrimonios de alumnos en el mundo”, comenta. (El duque y la duquesa de Cambridge también se conocieron en St Andrews).

Al crecer en Skye sin acceso a la televisión o las computadoras, se sumergió en la lectura.

“No había tradición de escribir en la familia, sino una fuerte tradición de lectura, mi padre era un gran lector”, dijo. “Siempre escribí historias cuando era niña. En clase tuvieron que quitarme la pluma. Hacía pequeños libros con historias. Me volví seria en St Andrews e hice mis primeros cursos de escritura creativa allí, con maestros como John Burnside y Kathleen Jamie.

“Luego fui a Australia para ver si podía hacerlo sola. Fue un curso innovador, no de escritura tradicional. El hombre que lo dirigió, Paul Dawson, hizo tantos cursos, solía llamarlo la Universidad de Paul Dawson. Fue un momento donde obtuve permiso para hacer cosas raras y extrañas”.

Aunque desafía las convenciones que se aplican a la mayoría de los escritores escoceses, cree que su antecedente en Escocia ha sido una influencia crítica.

“A veces me pregunto si, si no estuviese en Escocia y mi idioma no estuviera influenciado por el personaje escocés, sería más fácil para el público inglés”, dice. “Hay algo en mi escritura que puede que tenga un sabor escocés”.

En Skye sintió que necesitaba escapar de las colinas que la rodeaban. A veces, ella cree que ser un escritor escocés puede ser restrictivo.

“Escribí una novela que no fue publicada que estaba situada en Escocia, y definitivamente tenía la sensación de que no era lo suficientemente emocionante”, dijo. “Puedes tener emoción o puedes tener accesibilidad, y creo que no era ninguna, debido a su ubicación. Te sales de tus límites, pero llevas tus límites contigo. Como una isla flotante, o lugares extraños, como el fondo del mar “.

Ella ha comenzado a escribir poesía, pero su próximo libro, dice, será una novela, y sin duda se verá influenciada por su predilección por los elementos más oscuros de la vida: le gustan las películas de terror y “programas de televisión con tintes macabros”. Ella acepta que su escritura puede inquietar a sus lectores, pero insiste en que le gustaría consolarlos también.

“Dicen que internet puede ser un poco raro, pero creo que escribir es aún más extraño”, dijo. “La escritura tiene el potencial inquietar. Alguien dijo que escribir es perturbar a los cómodos y consolar a los perturbados. Debería haber algo reconfortante en el trabajo al igual que te aleje del pensamiento convencional o de tu estado inmediato”.

 

Q & A

–¿Cuál es el libro en tu buró?

–I Have Blinded Myself Writing This de Jess Stoner. Es un libro sobre la memoria y pérdida.

–¿Qué música llevarías a tu isla desierta?

–Canticles of Ecstasy de Hildegarde von Bingen.

–¿A quién llevarías en un viaje de ida a Marte?

–A Jeff Goldblum —tendría una actitud optimista.

–¿Cuál fue el mejor consejo que te han dado?

–Al escribir, siempre haz que los personajes toquen cosas, porque es un sentido que se olvida fácilmente.

–Tu ropa: ¿M & S o Dolce & Gabbana?

–La tienda de caridad.

–Una semana libre: ¿ver unbox-set o caminar por las colinas?

–Para caminar. Soy floja pero me gusta salir.

–Cuéntanos un secreto…

–Tengo un gusto terrible en muchas cosas. Si pudiera comer hotcakes de plátano todos los días, probablemente lo haría. Tengo aquella cosa escocesa, donde las frutas y verduras son algo difíciles.

Mayhem & Death y On the Edge of Vision de Helen McClory son publicados por 404 Ink

 

 

 

Traducción libre de Lilith T. Masso

El soundtrack de la vida: 1974

Sé que está mal auto promover los suceso personales en este tipo de espacios pero lo voy a hacer de todos modos, ya que estando próximo el día de mi cumpleaños me di a la tarea de investigar algunos lanzamientos discográficos del año de mi nacimiento, 1974, y encontré algunas cosas interesantes que me dispongo a compartir en esta entrega.

Iniciaré con una de las bandas que recuerdo de mi infancia y que desafiaban los estándares del rock presentándose con las caras maquilladas, un hecho que casi les cuesta el arreglo con Casablanca Records, quienes se escandalizaron en la primera actuación en vivo de la banda durante la presentación de la disquera ante los medios.

Por supuesto que yo no conocí a la banda hasta mucho años después, y recuerdo jugar con mis primos en casa de mi abuela “a ser Kiss”, disfrazados con ropa negra y papel aluminio pegados a la ropa a ritmo de ‘I Was Made For Loving You’ y por supuesto con las caras pintadas con crayones.

 

 

Otro lanzamiento notable de ese ya lejano 1974 fue el álbum en vivo de Lou Reed, ‘Rock ‘n’ roll Animal’. Personalmente nunca he sido un gran fan de las producciones en directo, sin embargo, esta en particular incluye solo cinco temas (lo que lo hace muy digerible), cuatro de ellos son canciones de The Velvet Underground. Lo que más me gusta sobre esta grabación es que fue una de las primeras presentaciones de Reed sin Velvet y en la que de acuerdo a Paul Nelson de la revista Rolling Stone fue una espectacular y casi majestuosa actuación.

 

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Este disco captura tus oídos desde los primeros acordes de la introducción con Dick Wagner y Steve Hunter que da pie a ‘Sweet Jane’ en la que emerge ese Lou Reed opulente que años después cautivaría mi corazón musical.

 

Finalmente quiero mencionar uno de mis discos favoritos en la historia, ‘Crime of the Century’ de Supertramp, que sería uno de los álbumes más exitosos de la banda, de la que yo no escucharia hasta 1980 con el lanzamiento de su álbum en vivo en París, y que abre con ‘School’, una rola que me cautivó desde el primer momento en que escuché esa armónica cruzando el espacio del Pavillion de París, con el Arco del triunfo de fondo y, a través de la cual, conocería el rock progresivo.

 

 

Les invito a que le echen un ojo y un oído a la música que fue lanzada en el año de su nacimiento, les aseguro que se van a encontrar con muchas sorpresas y algunas coincidencias de bandas que muchos años después llegan hasta ustedes como si estuvieran marcadas en su destino.

#GreatAgain101

 

El 26 de enero de 2010 iniciamos esta aventura. Exactamente este 26 de enero a las 14:36 horas sera el cumplimiento de 7 años en Internet. Tomando en cuenta que estuvimos 9 años 8 meses en FM, y 16 años en el imaginario colectivo, son un numero importante de años en nuestra biografia. Claro, en medio de esos 16 años tuvimos propuestas: 100.Nueva Era en el NRM.

 

Una propuesta que se presento originalmente como ‘Era 101’, un nombre delicioso por el doble sentido de la palabra ‘Era’ con relacion a la frecuencia 100.9 mhz. Un nombre y concepto que apuntaba hacia algo ya en el entorno de lo que despues fue el proyecto W Radical, pero que la nueva directiva de entonces del NRM no se entendio, y es que su papel no era entender como hacer radio trascendental como se habia hecho en el NRM desde 1942, sino administrar un negocio, solamente administrarlo, sin la vision creativa, propositiva y la responsabilidad social inherente a ser generadores de ideas.

 

El resultado de discusiones internas contra una pared fue 100.Nueva Era que fue un proyecto malogrado. Entre 1998 y 1999 produjimos para CNI Canal 40 los programas Entreversiones, Aullido y Todos Hablan. Programas propositivos en forma y en contenidos. En Aullido fuimos el primer medio en entrevistar, sin censura, a Molotov, a Plastilina Mosh. Los primeros en hacer un programa sobre los Raves y la cultura de la musica electronica.

 

En ese mismo 1999 lanzamos el proyecto W Radical en la frecuencia de lo que fue WFM. Una especie de efemeride que en otro momento hubiera tenido el sabor a conquista: llegar a WFM a proponer nuestras ideas de radio, las ideas que dieron vida a Rock 101, pero que en el contexto del cambio de siglo, solo significo un respetuoso y consecuente cambio del paradigma de la W en FM hacia la musica electronica.

 

El proyecto, que tenia los principios que habia desarrollado para ‘Era 101’, ejecutado con la libertad de creacion, construccion y produccion totales, tal y como habia sido concebido, fue un exito arrollador. Logramos, en un nuevo momento de la historia de la Ciudad de Mexico, un golpe de atencion y propuesta de nuevas referencias alrededor de una nueva cultura musical, que definio el sentido de la musica electronica en Mexico en el siglo XXI. W Radical abrio esa puerta con su progrmacion de alta calidad curada por mi y por el inmortal Roberto Escobar y la colaboracion de un nuevo equipo generacional que aporto frescura y nuevos conceptos y formas de entender la comunicacion y la musica.

 

Abrimos la puerta a estabilizar y profesionalizar los Raves con las producciones que hicimos en el Rimmel para presentar, entre 1999 y 2001 a BT, Oakenfold, Sasha, Digweed, Morales, Carl Cox, Deep Dish, Trevor Reilly, Paul Van Dyk, y un largo etcetera, teniendo su punto culminante en el Aca World Sound Festival en el año 2000. Asi como habiamos abierto la era de los conciertos masivos de rock en Mexico con las presentaciones de Miguel Rios, Lou Reed, Caifanes, Jethro Tull, Jon Anderson, et al, abrimos la era de los festivales de musica electronica con el festival que realizamos en Acapulco el fin de semana de muertos del año 2000. Tres noches fenomenales en la playa con Moby como figura estelar el sabado en la noche. Tres noches hasta sus amaneceres con la participacion de mas de 40,000 personas que participaron en la celebracion cada noche hasta el amanecer, sin un solo, UNO SOLO, incidente negativo. La costera, en aquellos años preCalderonistas de paz, era un espectaculo similar a Ibiza o a SXSW con jovenes por todos lados ataviados al estilo raver avidos de exposiciones musicales en los bares y restaurantes de Acapulco, preparando el terreno para la ceremonia de cada noche.

 

En el año 2007 comenzamos a fraguar la idea de una estacion de radio por internet al ver el avance que estaba teniendo al conectividad con el desarrollo del wifi y la portabilidad limitada. En 2009 iniciamos el trabajo serio con el objetivo de salir al aire, y por fin en 2010, hace exactamente 7 años comenzamos esta ‘Segunda Odisea’.

 

 

De entonces a ahora, como todo buen proyecto, hemos navegado por todo tipo de mares. Conflictos internos que modificaron la sociedad inicial, el fallecimiento de uno de nuestros mas importantes colaboradores, la lucha desde un inicio contra los ladrones de ideas y conceptos, mudanzas de instalaciones, reorganizar el negocio una, dos y tres veces, retomar el proyecto inicial y aterrizarlo en los terminos en que fue diseñado, y asi llegamos al año 2015 en donde, con la cabeza en orden y las ideas claras, pudimos colocarnos en la situacion de negocios a la que hubieramos aspirado tres años antes y que los contratiempos humanos nos retrasaron.

 

Pero, como hemos aprendido de la historia recurrente, con la mirada fija en el objetivo, los acontecimientos siempre tienen una razon, al final del dia, para acomodarse de la forma en que son necesarias para el exito del negocio. Y asi sucedio. Toda la historia de navegacion del proyecto llego a su mejor puerto cuando en mayo de 2015 inciamos esta fase de consolidacion con la incorporacion de un socio inversionista que dio la certeza, vision y direccion financiera para convertirnos en una autentica corporacion en desarrollo. Desde ese 2015 hemos dado pasos solidos en esta nueva fase del negocio hasta consolidar nuestro modelo y convertirnos en la estacion lider de Mexico por Internet.

 

Hoy, con base en la idea primaria de esta nueva aventura y que fue desarrollar pioneramente este nuevo canal de comunicacion con la vision clara de estar en el lugar adecuado en el momento adecuado de la transformacion de los paradigmas de comunicacion, sentimos la fortaleza de estar contribuyendo en el nuevo dialogo horizontal que se ha gestado con las herramietas que nuestro nuevo terreno de juego nos ha dado a todos. Con esta vision complementaria y contribuyente a las propuestas de un nuevo entorno mediatico desafiante, nos vemos avanzando en la construccion de una nueva forma de entendernos, a nosotros, a nuestra comunidad, a nuestra nueva realidad, proponiendo siempre el futuro como unica alternativa de cambio. Como siempre ha sido Rock 101.

 

Estrenamos pagina, evolucionamos nuestras apps, nuestros servicios, la calidad de nuestro stream, la calidad y variedad de nuestros contenidos. Y entramos de lleno en la pelea mediatica de Mexico en 2017 reforzando nuestra creencia en la comunicacion humana como factor indispensable para crear una y otra vez el fenomeno de la soledad compartida, el dialogo permanente que se da entre cancion y cancion, el intercambio permanente y enriquecedor de ideas con la comunidad con quien compartimos este exito todos los dias.

 

Gracias por 7 años de esta aventura, de esta odisea, y bienvenidos juntos a este viaje al gran futuro de la comunicacion alternativa, transformando el mainstream para siempre.

#SonicArsenal – One Model Nation

 

En un instante en que el panorama parecía secuestrado por bandas juveniles y rap, antes por supuesto que Roger Daltrey declarara que ese género en el 2016 es el único que dice algo importante, en un hoyo indie en Portland se empezó a gestar una banda ficticia que se ligaría con el movimiento industrial, Kraftwerk y el surgimiento en la cultura popular de la Red Army Faction (RAF), mejor conocida como la pandilla Baader-Meinhof, que sembró el terror en Alemania durante tres décadas y que después de anunciar su disolución en 1988, de la nada volvió aparecer a principios de este año con una especie de eco krautrock de 1971.

 

Aquello que inspiró en algún momento la canción ‘Baader-Meinhof’ de Cabaret Voltaire atrapó a Courtney Taylor-Taylor y a Donovan Leitch antes de que tres integrantes de RAF realizarán un asalto a principios de este año, provocando las sospechas de que una cuarta generación de la guerrilla urbana está activa. Su atracción no fue precisamente por una ideología, sino por un instante en particular y el contexto en el que se generó gran parte de la música que más apreciaban.

 

Tomando como base la década de los 70, el vocalista de Dandy Warhols empezó a trabajar en el proyecto, lo terminó, lo borró y volvió a empezar, tardó 10 años en concretarlo como una novela gráfica impregnada por las entrevistas que realizó durante sus visitas a Berlín, recopiló memorias (entre ellas las del robot Karl Bartos) y creó junto con Leitch una ficción histórica que involucra una banda ficticia.

 

En 2009 apareció ‘One Model Nation’, la novela gráfica que muestra ese momento en la historia a través de una banda de art noise que en realidad no es musicalmente importante, sin embargo el destino de sus integrantes si lo es en el contexto de la pandilla Baader-Meinhof, sus tácticas de guerrilla y sus políticas violentas en general, las mismas que inspiraron ‘The Invisibles’ de Grant Morrison.

 

 

La Red Army Faction complicó la evolución de Alemania después de la Segunda Guerra Mundial, pero en ‘One Model Nation’ se notan las razones por las que emergió el krautrock a través de una vibrante escena de rock progresivo, jazz experimental, música clásica y programación robótica, la cual generó el ambient, la electrónica y muchas otras expresiones en ambos lados del muro de Berlín.

 

Tomando como referencia a ‘Heavy Metal’, el proyecto de Courtney Taylor-Taylor obviamente nos recuerda a Kraftwerk, Can y Neu!, sin olvidar a Nina Hagen y Klaus Nomi, además de Iggy Pop, Lou Reed, Brian Eno y David Bowie; pero parten de ‘El héroe de las mil caras’ que tan buenas repeticiones nos ha brindado en literatura y cine, una estructura que plenamente nos permite ver la condición humana.

 

‘One Model Nation’ se sumó hace algunos años al arsenal de bandas ficticias favoritas, no la incluí en aquel especial que realicé en el programa hace más de un año, pero a un día de encontrarnos con Godzilla y la necesidad de un héroe, me pareció oportuno compartirles la historia de una banda industrial alemana que es blanco de su gobierno, se trata de agitación política como una ficción histórica y una fantasía de rock and roll que inicia en un concierto.

 

 

Planeta Zorn

Siempre es difícil entregar nuestros oídos a nuevos instrumentos, acordes que rompen con la tónica-dominante, experimentación sonora a partir de los sonidos que ofrece la industria o una urbe cosmopolita. Así se va por el mundo, influenciado por un contexto sonoro reducido a lo familiar y social, mientras estamos rodeados por un universo musical.

 

Permitir que el oído salga de una zona de confort que está reducida a listas de reproducción monotemáticas, una radio conservadora, canciones repetidas ad nauseam, el gusto por un “único género” musical, es un ejercicio lúdico, intenso pero sobre todo liberador, cómo al descubrir por primera vez la discografía familiar.

 

John Zorn no es un músico que viene a dar un concierto, da la gracias y se marcha en una gira eterna. Da una especie de clase maestra con terapia de choque para desbloquear los canales auditivos y cerebrales. Busca que zonas silentes en la mente del escucha se prendan ante una exposición prolongada a la interacción mente-oído.

 

Zorn no concede nada y cada momento es una sorpresa sonora, indescifrable, impredecible en su forma y estructura al sacar sonido atacando todo instrumento ortodoxo o improvisado y jugar con ello hasta sus límites. Su capacidad de hombre orquesta moderno permite adentrarnos en su planeta que suele ser devastador y maravilloso.

 

Al estar continuamente expuestos al ruido, al menos quienes viven en el caos de una ciudad, se pierde la capacidad de escucha y se entra en un trance dónde solo oímos lo que buscamos. El ruido para Zorn es pieza fundamental en su dogma sonoro. A través de la saturación, el estruendo, la desafinación y la repetición involucra al escucha a confrontarse ante un panorama sonoro, caótico y agresivo, de manera consciente, trasgrediendo lo sonoramente establecido.

 

La cultura sonora contenida en el Planeta Zorn es capaz de transportarnos a través de un viaje por ritmos y sonidos del mundo y traducirlos en una interpretación perfecta al mundo occidental. Sin prejuicios es capaz de mezclar Klezmer (fusión entre jazz y música tradicional judía) con punk, ambos géneros totalmente disímbolos pero que buscan la liberación del ser.

 

Su manejo de la orquestación y el contrapunto, elementos claves en la teoría musical, le permite divagar, mezclar, deconstruir, en un libre albedrio, estructuras musicales establecidas. Da otra vuelta de tuerca y ello le ha permitido crear obras para las artes visuales con un discurso propio que se integra naturalmente con el discurso visual.

 

De obras microtonales para órgano salta al free jazz donde la locura improvisada es la médula, colaboraciones con Lou Reed y Laurie Anderson (las tres personas más bellas del planeta), musicalizar películas de culto, inventar un lenguaje musical perfectamente entendido y expresado por sus amigos intérpretes.

 

La obra musical de Zorn es conceptual, cada una con personalidad propia, elementos históricos culturales, con referencias literarias que la llevan desde jugar con elementos neogóticos, metallic funk, la herencia judía, a re intervenir clásicos como Debussy, Messiaen o Shöenberg. Discursos complejos pero sin pretensiones dónde la honestidad y la sabiduría musical buscan el espacio sonoro para ser replicadas.

 

Su claustro musical es elegido por su talento y apertura sonora buscando la interacción de diferentes raíces y voces. Siempre rodeado de músicos sin límites creativos, sin preocuparse por el “gusto”, libres de las cadenas que ponen los géneros musicales, lo que John Zorn ofrece es invaluable: Cultura Sonora.

 

El Planeta Zorn llegará a México, encargado de curar el Bestia Festival, traerá sus proyectos personales y colectivos para sacudir oídos dormidos y despertar una nueva forma de escuchar y vivir los sonidos de un universo paralelo. Imperdible para enriquecer nuestro mundo sonoro y dejarse llevar por la turbulencia sin miedo al mareo o a la caída, pues ahí estará Zorn para levantarnos.

Lou Reed, Björk, Fugazi y Siouxsie and the Banshees en la serie 33 1/3

 

A la vanguardia antes de que los vinilos fueran tan mencionados, el formato de 33 1/3 se convirtió en una referencia de lectura obligada para los que entienden la música a través de sus ojos. A los más de 50 libros pronto se sumarán el análisis de discos de Lou Reed, Björk, ODB, Fugazi, Bob Mould, la serie ‘Twin Peaks’ (que por supuesto también tiene la esencia de la música en cada cuadro), Jawbreaker, Modern Lovers, Young Marble Giants, Siouxsie and the Banshees y Pharcyde.

 

Como en otras ediciones de la serie, la idea sigue siendo la misma, cada libro de la colección estudia y contextualiza un disco concreto, muy parecido a nuestro Sonorock 9, pero en un pequeño formato que no recorre toda una discografía, se limita a algo más pequeño que un bolsillo y sin superar nunca las 200 páginas, la colección no quiere ser una serie de biografías extensas, sino una llave para entender mejor los discos.

 

 

La nueva serie de 33 1/3 tendrá 16 nuevos títulos, checa la lista:

 

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