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Banda Sonora 101 – Julien Temple: Do It Yourself

El británico Julien Temple ha dirigido algunos de los documentales musicales más relevantes de la historia del cine. Conoció a los Sex Pistols antes de la irrupción del punk en Londres, cuando eran unos desconocidos y furiosos inadaptados sociales que ensayaban en un almacén abandonado.

Desde entonces, Temple ha documentado la historia del punk y lo ha hecho con la disciplina y el rigor de un historiador social, pero sin renunciar jamás al espíritu anarquista que lo distingue como persona y cineasta. En su filmografía destacan títulos como THE FILTH AND THE FURY, el documental más completo sobre los Sex Pistols, y JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN, un portentoso retrato biográfico del vocalista y líder de The Clash y The Mescaleros. En la última década ha realizado documentales sobre Wilko Johnson (de Dr. Feelgood), la banda The Strypes y Suggs, el líder de Madness. Ahora trae un proyecto sobre la música en Tijuana, ciudad a la que califica como “la próxima capital de California”.

A continuación, una charla que sostuvimos durante su más reciente visita a México.

¿Cómo fue que comenzaste a filmar a los Sex Pistols?

Bueno, es una historia extraña. Primero tengo que recordar cuando era pequeño en los sesenta, una época en la que se hacía una música asombrosa en Londres. Estaban los Rolling Stones, The Kinks, Small Faces y The Who, y de algún modo me sentía involucrado en la creación de esa música, me identificaba con sus canciones, igual que muchos jóvenes londinenses de la época, porque sabíamos que estaban escritas para nosotros. De hecho esas bandas tenían mucha más influencia en nuestras vidas que nuestros padres y maestros.

La música era nuestro principal referente. Eso ocurrió entre 1963 y 1967, más o menos. Pero después todos se fueron a Estados Unidos, se mudaron a Los Ángeles, y se perdió ese contacto directo con la juventud en Londres. Se volvieron rockstars y se alejaron de la gente. Ese esquema se mantuvo hasta que apareció el punk de los setenta. Lo mejor del punk fue que surgió desde abajo, justo cuando Inglaterra vivía momentos de convulsión social y desempleo.

En Londres había zonas industriales que cerraron y estaban completamente desoladas. Podías ir un domingo en la mañana y no había nadie, como pueblo fantasma, mientras que por otra parte estaba esta idea del gran imperio británico, de la gran potencia industrial. Yo solía ir a estas zonas deshabitadas, me gustaba caminar por ahí. Un día escuché una canción a lo lejos, así que me acerqué a un almacén de donde venía esta música extraña, subí las escaleras y me encontré con una banda que estaba ensayando a un volumen muy alto. Recuerdo que cantaban “quiero que sepas que te odio” (cambiando el sentido a la versión original, que dice “quiero que sepas que te amo”), y estaban dándole durísimo a esa canción, la estaban destrozando. Me pareció genial, nunca había escuchado algo similar en mi vida.

Desde donde estaba parado los veía como una especie de insectos de otro mundo, como mutantes, mitad insectos mitad humanos. Era muy raro porque estaba acostumbrado a ver a músicos de cabello largo y ellos tenían esas piernas largas y delgadas y el cabello puntiagudo estilo mohawk; fue como si hubiera tenido una visión futurista, pero era sólo esta banda ensayando, una banda que aún no había tocado en público. Yo estaba asombrado.

En ese entonces estaba haciendo una película sobre Small Faces para la escuela de cine y les pregunté si querían hacer música para mi proyecto. Me contestaron: “fuck off”. Pero me dijeron que iban a dar un concierto en un mes. Estaba muy entusiasmado y les dije a todos mis amigos que acababa de ver a una banda increíble, como venida del futuro. Me preguntaron cómo se llaman y caí en cuenta de que ni siquiera les había preguntado su nombre. Fue hasta un mes después cuando supe que eran los Sex Pistols.

Desafortunadamente me perdí su primer concierto pero fui al segundo; había como 15 personas, no más, pero fue algo extraordinario: entre el público estaban Sid Vicious, Siouxie y Billy Idol que de algún modo replicaban lo que hacía la banda en el escenario. En ese momento fue cuando mandé a la mierda todo lo que estaba haciendo y decidí filmar a los Sex Pistols.

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¿Cómo recuerdas a Sid Vicious?

Yo quería mucho a Sid. Era un tipo comprometido y muy carismático. Cuando aparecía en un lugar no había manera de que pasara inadvertido, todos volteaban a verlo. Tenía una energía extraordinaria. Esto, por supuesto, antes de que se convirtiera en un junkie, porque cuando se hizo adicto fue una persona diferente. Pero antes de eso Sid era un individuo lleno de energía. En el segundo concierto de los Sex Pistols, Sid estaba entre el público y la gente lo volteaba a ver más que a la banda, tenía un magnetismo impresionante.

¿Crees que Nancy Spungen fue de algún modo la responsable de su muerte?

Te puedo decir que Nancy fue la responsable de que Sid se convirtiera en un junkie. Ella lo enganchó en las drogas duras y, como todos sabemos, Sid murió de una sobredosis. Había algo horrible respecto a Nancy, un lado destructivo y oscuro en su personalidad que terminó por hundir a Sid y… no lo sé… Primero anduvo tras Johnny (Rotten) pero acabó siendo la novia de Sid. Y todos sabíamos que tenían una relación destructiva, se lo advertimos a Sid, pero al mismo tiempo había un amor extraño entre ellos, un amor que era real.

¿Cuál es la historia detrás de THE GREAT ROCK ‘N’ ROLL SWINDLE?

(Risas) La historia detrás de la película es que creíamos que el punk podía destruir el sistema creado por las grandes compañías discográficas, las mismas que gastan millones de dólares anualmente y crean rockstars inalcanzables para la gente, una suerte de ídolos creados con muchísimo dinero, que luego se les tiene como dioses en posters en los cuartos de los jóvenes, quienes les rezan y los idolatran.

Nuestra intención, más que destruir esos posters, era destruir las habitaciones completas. Y lo queríamos hacer a partir de una idea: “hazlo tú mismo”. Los Sex Pistols fueron víctimas de ese sistema. En 18 meses se convirtieron en un fenómeno, tuvieron fama mundial, y los jóvenes tenían posters de los Sex Pistols en sus cuartos y se inclinaban frente a ellos, sus nuevos ídolos punk. Así que la idea de la película era provocar a esos fans con la furia y el enojo del punk. Era una provocación para que pensaran sobre esa realidad.

En esos tiempos, ¿cómo era tu relación con Malcolm McLaren (manager de Sex Pistols)?

Tenía una buena relación con él, en particular en ese periodo. Al principio no le gustaba que filmara a la banda pero terminamos trabajando juntos en la película (THE GREAT ROCK ‘N’ ROLL SWINDLE) durante 6 meses. Y también aprendí mucho de él. Era un tipo con muy buena suerte y de algún modo al trabajar con él te contagiaba de esa buena suerte. Pero también te puedo decir que era una persona complicada y bastante difícil de tratar.

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Hay quienes consideran que el punk nació en Nueva York y hay quienes aseguran que nació en Londres ¿Qué opinas?

Me parece una discusión un tanto innecesaria porque viene de ambos lugares y de más atrás en el tiempo. Si revisas la historia del punk tienes que remontarte al blues negro de los Estados Unidos. Y en Inglaterra, a principios de los sesenta, teníamos bandas como The Kinks y The Rolling Stones, mientras que en Estados Unidos apareció gente como Iggy Pop y The Ramones. Pero la génesis del punk real viene de The Kinks. Luego tenemos a los (Sex) Pistols y al punk de Nueva York surgiendo al mismo tiempo, producto de una influencia bilateral. Así que es innecesario preguntarse en dónde fue primero, si en Estados Unidos o en Inglaterra, porque fue en ambos lugares al mismo tiempo.

¿Hay alguna banda hoy en día que tenga el espíritu punk de aquellos años?

Es una pregunta difícil. Son momentos muy diferentes y definitivamente no podemos hablar de que se pueda hacer lo mismo que en aquellos años. No me gusta nada la música ruidosa e inconexa que pretende ser punk, pero te puedo decir que Massive Attack tiene un concepto muy poderoso tanto en lo musical como en lo visual, aunque, repito, es muy diferente porque son contextos distintos. Pero en este caso (Massive Attack) el espíritu me parece similar. Hay algunas bandas que retoman bien la actitud y el sonido punk pero que les falta el espíritu subversivo del punk real.

Has hecho muchas películas, la mayoría relacionadas con la música, los músicos y la cultura juvenil ¿Por qué la recurrencia en estos temas?

Creo que si no conoces y comprendes bien el pasado no puedes transformar el futuro, así que, en parte, la razón por la que he hecho este tipo de películas como un historiador social y como un anarquista es porque creo que podemos hacer el cambio; creo que podemos provocar que los niños del futuro puedan hacer las cosas por ellos mismos. Y para lograrlo necesitan de una arma de entendimiento, una que les muestre su pasado para que puedan hacer los cambios en el futuro. Me parece importante que los niños vean THE FILTH AND THE FURY y sepan quiénes fueron los Sex Pistols y qué pasó con Sid Vicious; y también que comprendan el contexto histórico, social y político en el que surgió el punk. Me gusta hacer películas sobre música, pero la verdad es que utilizo la música como un elemento que te permite viajar en el tiempo para comprender nuestra historia reciente.

Cambiando de tema, ¿qué opinas sobre la legalización de las drogas en México?

La mejor solución sería que Estados Unidos dejara de consumir tanta droga y frenara el envío de armas a México, pero eso es una fantasía, así que la legalización me parece una buena propuesta porque una vez que el negocio es legal los carteles de la droga y su violencia no tienen razón de existir.

¿En qué andas?

Tengo muchos planes (risas), de hecho estoy trabajando en una película sobre Tijuana y su música, que es la futura capital de California. Es donde choca el primer mundo con el tercer mundo. En esa frontera confluyen todo tipo de expresiones culturales y artísticas, además de que socialmente es un lugar muy interesante.

Banda Sonora – Jim Jarmusch, cine y música

Ha llegado el momento en la vida de @BandaSonora101 de revisar la música en la obra de un grupo de cineastas que, considero, han integrado a la música, y en particular al rock y géneros relacionados, como un elemento fundamental de su propio lenguaje cinematográfico. Me refiero a cineastas como Martin Scorsese, David Lynch, Oliver Stone, Julien Temple, Fatih Akin y el gran Jim Jarmusch, con quien daremos inicio a esta serie de entregas.

Seré franco: Jim Jarmusch es mi cineasta favorito. Arriba de Martin Scorsese, David Lynch, Terry Gilliam, Luis Buñuel, Ingmar Bergman y Andréi Tarkovski. Y sin duda la música tiene mucho que ver en el enorme aprecio que le tengo a su obra.

Desde las aportaciones de John Lurie en sus primeras películas hasta lo que hace hoy en día con su propia banda, SQÜRL.

El punto es que en las películas de Jarmusch la música siempre juega un rol fundamental. Ya sea el jazz experimental de John Lurie en DOWN BY LAW, las guitarras distorsionadas de Neil Young en DEAD MAN, la cavernosa voz de Tom Waits en NIGHT ON EARTH, el Hip hop de Wu-Tang Clan y RZA en GHOST DOG, el Ethio-jazz de Mulatu Astatke en BROKEN FLOWERS, el stoner noise de SQÜRL en ONLY LOVERS LEFT ALIVE o el poderoso punk rock de The Stooges en GIMME DANGER.

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Así de buena y ecléctica es la música que habita en la obra de este gran cineasta.

Jim Jarmusch nació en Akron, Ohio, el 22 de enero de 1953, es decir, hace 65 años. El apellido Jarmusch es checo, como su padre, un hombre de negocios de la entonces enorme clase media estadounidense. Su madre, crítica de cine y teatro para el periódico local, fue quien le inculcó desde niño el amor por el cine, la música y la literatura.

Estudió literatura inglesa en la Universidad de Columbia y el último año de la licenciatura lo cursó en París, ciudad donde se convirtió en un asiduo cinéfilo a la legendaria cinemateca francesa. Ahí, según consta en diversas entrevistas, vio las películas de los maestros del cine japonés, como Imamura, Ozu y Misoguchi, así como del danés Carl Theodor Dreyer y el francés Robert Bresson, entre muchos otros.

A su regreso a Estados Unidos entra a la prestigiada Graduate Film School de la Universidad de Nueva York, donde se formó como cineasta y donde conoció a colegas y colaboradores como Sara Drivers, Tom DiCillo y Spike Lee. Corrían los últimos años de la década de los 70 y los contemporáneos de Jarmusch solían reunirse en el icónico club punk CBGB de Nueva York.

El evidente talento de Jarmusch lo llevó a trabajar como asistente de dirección del cineasta Nicholas Ray, director de REBELDE SIN CAUSA y su maestro en la universidad, quien se convirtió en su mentor y sensei cinematográfico hasta su muerte en junio de 1979.

Sin mucho dinero en los bolsillos y trabajando como músico, Jarmusch levantó su primer largometraje en 1980, PERMANENT VACATION, película con la cual damos inicio a este viaje musical por la filmografía de este gran cineasta llamado James Robert Jarmusch.

A continuación, una selección de canciones emblemáticas de su filmografía ¡Disfruten!

Sonic Arsenal – el saco blanco de los renegados

En algún momento el código mod indicó que un saco blanco era la más pura evidencia de ese culto obsesionado con el hedonismo y la moda hyper-cool y, aunque no existen evidencias científicas, incluso la más barata de sus versiones atraía la atención femenina. Tal vez es algo trivial, moda y pose, nada más, sin embargo viendo dos películas y una serie, descubrí que el saco blanco y sus renegados usuarios tienen una relación musical de características que hipnotizan.

Viendo esa serie de rockumentales que se han vuelto una obsesión en los últimos años me encontré con tres potentes figuras enfundadas en ese lienzo fresco y atractivo que ha adquirido una manera un poco repulsiva, un traje blanco que se ha vuelto gris de muchos espectáculos llenos de sudor y rodadas por el suelo.

Lo que resume todo para mí es ver a Lee Brilleaux en el escenario con un traje blanco que parece como si hubiera dormido en el piso de un basurero. Es un aura pura de sordidez, que afrenta aún más con la imagen del traje ensangrentado de Wayne Coyne y la historia de Miles Davis.

En algún lado leí que para el personaje de Gene Hunt en ‘Life on Mars’ (la versión original por favor) se basó en el líder de Dr. Feelgood, Lee Brilleaux, por su ira reprimida, patillas de bandolero y un traje de color hueso que había sido, obviamente, un traje blanco en una vida anterior.

Brilleaux miraba cada centímetro como si fuera una extensión del tono acre que iba adquiriendo su traje, el vocalista amenazaba a la audiencia y se limpiaba constantemente el sudor en la manga de su traje blanco para agregarle más capas de suciedad.

Inmediatamente te preguntas quién estuvo tomando nota de ese acto, pero todo nos hace suponer que Johnny Rotten, Paul Weller y Joe Strummer ciertamente estaban observando. El fragmento dedicado al vestuario de Brilleaux en ‘Oil City Confidential’ confirma el legado de esa prenda malévolamente cruda, sucia y de anécdotas acumuladas en capas grisaseas y amarillentas.

Unos meses antes de ver el filme realizado por Julien Temple, encontré a través del documental ‘The Fearless Freaks’ otras razones para poner atención. En la película, mientras Wayne Coyne muestra su pulida técnica para lavar su traje blanco y percudido después de cada concierto de Flaming Lips, explica cómo una fotografía de Miles Davis lo inspiró.

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“Es una imagen extraña. Hay algo acerca de la dignidad de ser civilizados y el uso de este traje, y el contraste de la brutalidad y la sangre”. Wayne Coyne habla de una imagen muy famosa del trompetista de jazz Miles Davis después de resistirse a la detención policial.

Davis vestía un traje blanco tirándole a amarillo, que curiosamente es la única razón por la que se puede notar que el músico estaba sangrando. “Debido a su cabello negro y su tez oscura, no se puede decir que tiene sangre en él, excepto que él usa un traje de color claro que está salpicado con la sangre”, comenta Coyne.

Mientras lava su traje, el cantante de Flaming Lips explica que de ninguna manera ha tratado de imitar a Miles Davis, pero ciertamente parece fascinado por esa imagen y fue suficiente para que usara un traje blanco y se cubriera a sí mismo en sangre regularmente durante sus actuaciones.

La imagen es una leyenda, pero Miles Davis se volvió famoso por ese tipo de acciones y posturas en las que se le veía extravagantemente extraño y, como su traje ensangrentado, con un aura estilizada constriñéndose fuertemente contra su propio marco.

Lee Brilleaux, Wayne Coyne y Miles Davis tiene algo atrayente en sus respectivos trajes percudidos. El verdadero hombre dentro del traje no es físicamente demostrado, es observado y sentido en su forma de vestir en general y su actitud ante la música, su comportamiento en el escenario y afuera de él parecen extrañas ideas que no concuerdan.

Brilleaux lo usaba para afrentar, Coyne para distraer a la audiencia de lo terrible que era la música de Flaming Lips al principio y Davis lo utilizaba para desaparecer. Cuando Davis tocaba, sus seguidores se quejaban de que no era visible por más de 15 minutos en el escenario. Tal vez no era visto en las sombras, incluso podías pensar que él no estaba, pero cuando lo veías no hablaba, sólo veías su traje blanco.

Banda Sonora 101: Rápidas y furiosas, el cine-punk

En los primeros siete programas de @BandaSonora101 hicimos un recorrido por la historia del cine-rock, desde su génesis en 1955 hasta las producciones más recientes de 2017 y 2018. Así que hemos viajado a lo largo de más de seis décadas por la historia del cine-rock y hemos hablado de unas 150 películas del género. Una vez realizado este repaso histórico, en @BandaSonora101 haremos programas temáticos y en esta ocasión toca el turno al cine-punk, subgénero del cual hemos seleccionado 16 películas emblemáticas, divididas en dos grupos: 8 documentales y 8 ficciones.

A esta curaduría de 16 películas punketas le hemos llamado “Rápidas y furiosas: punk en el cine.”

 

DOCUMENTALES

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

FICCIÓN

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Banda Sonora – cine-rock de 2006 a 2010

En los primeros cuatro programas de Banda Sonora 101 hicimos un amplio recorrido por la historia del cine-rock, desde sus inicios en 1955 hasta el 2005. Así que a la fecha llevamos 50 años de historia de rock en el cine y hemos hablado de más de 80 películas del género.

Ahora vamos a revisar el segundo lustro del siglo XXI, es decir, de 2006 a 2010. Ya verán qué buenas películas y qué buenos soundtracks se hicieron en este periodo. Vamos a avanzar de manera cronológica, año por año, y voy a comentar las películas que considero más representativas de este lustro.

Viajemos entonces en el tiempo para ubicarnos a finales de 2005, justo cuando el cine está transitando al formato digital y como resultado hay un aumento importante en el número de películas producidas al año.

Aquí empieza el recorrido:

NO TUVO TIEMPO: LA HURBANISTORIA DE ROCKDRIGO (2005)
A finales de 2005 y principios de 2006 llegó a un puñado de salas en la CDMX. Retrato fílmico de Rockdrigo González, el Profeta del nopal, y del movimiento rupestre, esta película pasó casi inadvertida salvo por su exhibición en la Cineteca Nacional. Hoy, a la luz de la historia, se muestra como un documento fundamental del cine-rock mexicano.

 

GLASTONBURY (2006)
En 10 de febrero de 2006 se estrenó en el festival de Berlín el documental GLASTONBURY, de Julien Temple, filme celebratorio del 30 aniversario del festival musical más importante de Inglaterra. No se editó soundtrack pero Temple registró para la historia las actuaciones de Björk, Morrissey, Primal Scream, David Bowie, Coldplay, Nick Cave, Blur y Pulp.

 

loudQUIETloud: A FILM ABOUT THE PIXIES (2006)
El 2 de mayo de 2006 se estrenó en el festival de Tribeca un documental que me vuela: loudQUIETloud: A FILM ABOUT THE PIXIES. Esta película registra el tenso y triunfal reencuentro de Pixies pero visto desde adentro, en el día a día, ya en ensayos y conciertos o hasta en el autobús de giras y a la hora de la comida. El registro audiovisual es histórico.

 

MARIE ANTONIETTE (2006)
De Tribeca vamos al festival de Cannes donde el 24 de mayo de 2006 se estrenó MARIE ANTONIETTE, de Sofía Coppola. Un retrato pop de la opulencia y frivolidad que imperaban en el palacio de Versalles justo antes de la Revolución Francesa de 1789. Lo increíble es que es una película de época, ambientada en el siglo XVIII, pero musicalizada con rolas de The Strokes, New Order, The Cure, Bow Wow Wow, Siouxie & The Banshees, Gang of Four…

 

AMERICAN HARDCORE (2006)
Vamos ahora con un documental bien poderoso que se estrenó en marzo de 2006 en el festival de Tesalónica, Grecia. Me refiero a AMERICAN HARDCORE. Dirigido por Paul Rachman, esta película cuenta la historia del punk rock gringo de 1980 a 1986. La banda sonora trae un montón de rolas porque todas duran máximo un minuto.

 

ROCK THE BELLS (2006)
Regresamos al festival de Tribeca de 2006, donde el 28 de abril se estrenó una película muy importante para el mundo del Hip Hop: ROCK THE BELLS, de Denis Hennelly, documental sobre la organización y realización de la última tocada de Wu-Tan Clan en el Rock The Bells Hip Hop Festival.

 

JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN (2007)
El 20 de enero de 2007, en el festival de cine independiente Sundance, se estrenó uno de los mejores rockumentales de la historia: JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN, de Julien Temple. Nuevamente Julien Temple, un crack del cine-rock, ahora con un magistral retrato fílmico de quien fuera delantero de The Clash y The Mezcaleros. Peliculón con una banda sonora inmortal.

 

JOY DIVISION (2007)
Se exhibió en México en el ciclo Rock en el Cine de la Cineteca y en la gira de documentales Ambulante de 2008. Dirigido por el británico Grant Gee, sin duda JOY DIVISION es el mejor documental sobre la banda titular que se ha hecho.

 

CONTROL (2007)
CONTROL se estrenó el 17 de mayo de 2007 en Cannes. Es una adaptación fílmica de la autobiografía de Deborah Curtis, viuda de Ian Curtis, vocalista de la banda post punk Joy Division. La dirige el legendario fotógrafo Anton Corbijn. Un retrato en blanco y negro de la corta vida de Curtis y su banda Joy Divison, después New Order.

 

PUNK’S NOT DEAD (2007)
¿Sigue vivo el espíritu contestatario del punk de los 70s o el punk actual es sólo moda? PUNK’S NOT DEAD (2007) responde a ésta y otras preguntas sobre el género a treinta años de su irrupción. La banda sonora está repleta de cañonazos del género.

 

I’M NOT THERE (2007)
Y para cerrar el 2007 con una joya vamos al festival italiano de Venecia donde se estrenó uno de los filmes biográficos más originales de la historia: I’M NOT THERE, de Todd Haynes, un retrato multifacético de Bob Dylan, con interpretaciones de Cate Blanchette, Christian Bale, Richard Gere, Ben Wishaw y Heath Ledger. Para el soundtrack Todd Haynes armó un supergrupo llamado The Million Dollar Bashers y encargó covers a puro big shot.

 

ANVIL!: THE STORY OF ANVIL (2008)
Empezamos el 2008 en el festival de cine independiente Sundance, donde el 18 de enero se estrenó THE STORY OF ANVIL, película que, como su nombre lo indica, cuenta la historia de la banda metalera canadiense Anvil, fundada en 1978 por dos personajazos: Rob Reiner y Lips. Tras una gira por Europa, Anvil decide sacar disco nuevo… Una película llena de humor involuntario sobre una banda influyente pero que nunca tuvo éxito comercial.

 

IT MIGHT GET LOUD (2008)
Vamos al festival de Toronto de 2008, donde se estrenó el 5 de septiembre una película que ya puede ser considerada un clásico del cine-rock: IT MIGHT GET LOUD. Dirigido por Davis Guggenheim, este es un documental sobre el sonido de la guitarra eléctrica con Jimmy Page, The Edge y Jack White como protagonistas. Enormes momentos musicales en la banda sonora, sobre todo cuando tocan juntos los tres.

 

ROLLING STONES: SHINE A LIGHT (2008)
Otra película fundamental del año 2008, estrenada en el festival de Berlín, es ROLLING STONES: SHINE A LIGHT, del gran Martin Scorsese, quien es el maestro de maestros cuando de filmar un concierto en vivo se trata.

 

WHITE STRIPES: UNDER GREAT WHITE NORTHEN LIGHTS (2009)
La siguiente película es de 2009 y se llama WHITE STRIPES: UNDER GREAT WHITE NORTHEN LIGHTS. Resulta que en 2007 The White Stripes (Jack White y Megg White) se fueron de gira por Canadá y los siguió el director de videos Emmet Malloy, quien armó una película bien interesante sobre la banda, las personalidades opuestas del dúo, un Jack White genial y extrovertido y una Meg White silenciosa y tímida. Esta película se estrenó con mucho éxito el 18 de septiembre de 2009 en el festival de Toronto.

 

IRON MAIDEN: FLIGHT 666 (2009)
La siguiente película se estrenó en el BAFICI 2009, el festival de cine independiente de Buenos Aires, Argentina. IRON MAIDEN: FLIGHT 666 es un documental que sigue la gira mundial de Iron Maiden de 2008 por India, Australia, Japón, Estados Unidos, México, Sudamérica… y el viaje es a bordo del Boing 757 de la banda… ¿Y quién creen que pilotea el avión? ¡Bruce Dikinson, el vocalista de Iron Maiden!

 

TAKING WOODSTOCK (2009)
Continuamos el viaje y nos ubicamos el 16 de mayo de 2009 en el festival de Cannes, día del estreno mundial de TAKING WOODSTOCK, película dirigida por Ang Lee y que recrea en tono de comedia la organización del icónico festival sesentero. Una película menospreciada por la crítica pero que guarda sin duda un valor sentimental sobre la nostalgia de una época donde la consigna eran paz, amor… y mucho rocanrol.

 

OIL CITY CONFIDENTIAL (2009)
Y para terminar el 2009, vamos al London Film Festival, donde el 20 de octubre se estrenó otro peliculón de Julien Temple: OIL CITY CONFIDENTIAL, un documental sobre Dr. Feelgood, banda británica de principios de los 70s que rockeaba durísimo.

 

SCOTT PILGRIM VS. THE WORLD (2010)
Empezamos el 2010 en el Fantasia International Film Festival de Canadá. Ahí se estrenó SCOTT PILGRIM VS. THE WORLD, del británico Edgar Wright, una película que rinde culto a los videojuegos pero con toda la actitud del cine-rock. El soundtrack es una bomba: Sex Bob-Omb, Frank Black, Beck, T. Rex, Metric, The Bluetones, The Rolling Stones… uff

 

TRON LEGACY (2010)
Dirigida por Joseph Kosinski, esta película tiene música original (y escena inmortal) de Daft Punk. Pienso que la música de esta película, como la historia que cuenta, es de otro mundo (soy fan desde la original).

 

SEGUIR SIENDO (2010)
Los cineastas Ernesto Contreras y José Manuel Craviotto convivieron unos 700 días con los integrantes de Café Tacvba para realizar SEGUIR SIENDO (2010), un rockumental que resume los primeros 20 años de la banda. La música de esta película es una gran antología de Café Tacvba.

 

NACO ES CHIDO (2010)
Dirigida por Sergio Arau, NACO ES CHIDO es un autorretrato de Botellita de Jerez como sólo ellos lo saben hacer. Una película muy divertida con grandes momentos musicales. Para el soundtrack invitaron a un montón de artistas que hicieron covers de sus rolas.

Julien Temple invitado especial de DocsDF

 

Le gustamos y nos gusta, Julien Temple regresa nuevamente a México como Invitado de honor en la décima edición del Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsDF), que se llevará a cabo del 15 al 24 de octubre de 2015.

 

En conferencia de prensa se reveló que el documentalista Julien Temple presentará tres de sus películas más emblemáticas. “Estoy muy emocionado por volver a la Ciudad de México y compartir con DocsDF, uno de los festivales más importantes del mundo, una muestra de mi trabajo con los mexicanos. Confío en que quienes acudan a las proyecciones, mías o de otros directores seleccionados este año, se llevarán una gran experiencia”, aseguró Temple, quien también ofrecerá una clase magistral el 20 de octubre en la Universidad de la Comunicación como parte de las actividades de la octava edición de Docs Forum, el componente formativo de DocsDF y será homenajeado ese mismo día por DocsDF por su larga trayectoria.

 

Las películas de su autoría que se exhibirán son ‘Oil City Confidencial sobre el grupo Dr. Feelgood , su debut como director el falso documental ‘The Great Rock’n Roll Swindle” y el estreno en nuestro país de la película ‘The ecstasy of Wilko Johnson’ sobre la vida del guitarrista de Dr. Feelgood, quien a pesar de que le diagnosticaron cáncer pancreático terminal enfrentó la vida con gran positividad.

 

Esta última película integra la sección Proyecciones Especiales, se mostrarán en la décima edición de DocsDF de manera gratuita y en espacios al aire libre emblemáticos de la capital como Las Islas en Ciudad Universitaria, el Foro Lindbergh en la colonia Condesa y la Plaza San Jerónimo en el Centro Histórico.

 

En total, DocsDF organizará este año 257 proyecciones de 116 documentales de 31 países y para que más público pueda conocer la oferta fílmica el 87 por ciento de esas funciones serán gratuitas. Para conocer más detalles de la programación, fechas, horas y sedes del festival, consulta www.docsdf.org

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