hi

El soundtrack de la vida: Rock con muchas madres

Pues si, aunque hay otros temas que me gustaría compartir, viniendo de un extenso matriarcado, me siento inspirado a escribir sobre mis tres madres y sus gustos musicales. ¿Tres madres? se preguntarán, pues si, soy un tipo tan afortunado que puedo presumir tener tres madres.

 

Si alguien me ha enseñado a ser perseverante en la vida es mi mamá Balbina, quien creció en los años 50 en un pueblo de la sierra veracruzana en el que su destino era terminar la primaria y prepárese para el matrimonio, sin embargo a “la güera” no le pareció tan buena idea y tuvo que dejar su natal Tlapacoyan para seguir su educación hasta conseguir una Ingeniería en el IPN y eventualmente una maestría en educación; su canción favorita es ‘Woman’ de John Lennon y coincidentemente, una que menciona todo el agradecimiento que le tengo a mi madre, inspirada en Yoko Ono y publicada después de la muerte de Lennon.

 

Mi madre natural trabajaba por las tardes, así que la hermana de mi papá, mi tía Hilda se encargaba de recoger y cuidar de mis hermanas y de mí después de la escuela. No estoy muy seguro de por cuánto tiempo fue esto, pero de lo que recuerdo es que estrechó los lazos con mis primos y me acercó mucho a mi tía Hilda, una mujer llena de amor a la que le encantaban los Beatles (o los buitres, como los llamaba la Señora que le ayudaba). Recuerdo claramente el sonido de la armónica y las voces de McCartney y George Harrison sonando en el tocadiscos de su departamento en Coyoacán y mi tía Hilda cantando ‘Love Me Do’.

Una curiosidad de esta canción es que fue grabada con tres bateristas distintos, ya que originalmente se grabó con Pete Best, poco antes de que fuera remplazado por Ringo Starr, y aún así, la interpretación de Starr no fue del gusto de George Martin quien decidió que se grabara con Andy White, relegando a Ringo a los paderos.

 

A finales de los años 80 un servidor andaba por el mundo sin un rumbo fijo. Inconforme, incomprendido y sin una molesta guía parental; fue así como llegué a vivir bajo la tutela de mi tía Conchita, una historiadora dedicada a criar a la familia perfecta. Nada más alejado a lo que un chavito punk con problemas con la autoridad quería tener para si. A la distancia, sé muy bien, que la adopción no oficial de mi tía Conchita, salvó mi vida, le dio un poco de perspectiva y allanó el camino que me tiene aquí, contando anécdotas de mi adolescencia y la multi maternidad obligada que me ha hecho lo que soy.

No hay mejor canción para cerrar este episodio del soundtrack de la vida que ‘Jailhouse Rock’ del mismísimo Rey Elvis Presley, un track que sé, hace a mi tía bailar.

 

A veces una madre no es suficiente, se necesitan refuerzos y yo fui lo suficientemente afortunado, para encontrar los necesarios.

Feliz día de la madres y así…

 

También podría interesarte: The Rutles, el mejor tributo es la burla

Cntrl Fest, el polvo de hadas que nos enamora de la oscuridad de los 80

La parte bonita de la vida tiene que ver con breves momentos que cuentan historias. Así sucedió con ese episodio de la línea cronológica del calendario gregoriano situado a finales de los años ochenta cuando definitivamente, había algo así como polvo de hadas desparramado en el aire, perceptible el sábado pasado durante la primera edición del Cntrl Fest.

Fue tan solo un instante de la historia del mundo cuando no había un conflicto bélico declarado, la economía mundial temblaba estable sobre una cuerda floja, y esa somnolencia que provoca el estado de tensa calma tuvo una basta producción cultural aparentemente burda, algunos llamarán vacía o hueca, otros lo llamarán auténtico. Yo prefiero dejarlo en el estatus de enigmático, pues dar el paso del pensamiento análogo al digital no fue solo un asunto de ciencia ficción, sino que en verdad el futuro se estrellaba en nuestra cara sin piedad.

Mark David Chapman había matado a nuestro John Lennon, y un cáncer extraño mató a nuestro único Bob Marley en el planeta. Madonna y Michael Jackson querían matar al rock, la aparición de la primera PC de IBM mataba la ilusión de los inventores de artilugios análogos; todo esto mientras que Estados Unidos y la Unión Soviética seguían mirándose feo y arrugándose la nariz a la distancia. Alguien quiso matar al Papa carisma, Juan Pablo Segundo, al igual que alguien quiso matar a Ronald Reagan, pero ninguno de ellos murió asesinado en ese momento, más un asesino silencioso sí que estaba matando a la humanidad, y este era el famoso SIDA.

Fue en esos años donde el mundo se daba cuenta que las mujeres no solo eran buenas para hacer hijos y hacer de comer, sino que bien podían tripular naves espaciales como lo hizo Sally Ride o ser miembro de la Corte Suprema de Justicia como Sandra Day O’Connor. Incluso llegar a ser primer ministra como lo fue Indira Gandhi antes de ser asesinada en esa misma década.

México levantaba las rocas de los escombros que dejó el sismo del 19 de septiembre de 1985 mientras Argentina levantaba la copa mundial de Fútbol en el 86. El muro de Berlín caía a la par de los últimos gobiernos autoritarios en Latinoamérica hasta ese momento y sí, el capitalismo como forma de organización económica, política y social llega a su cúspide, pues una porción de la humanidad podía adquirir productos de otros países gracias a los Tratados de Comercio, cosas como discos o revistas, por ejemplo.

Así, la década de los ochenta culmina con una enorme herencia cultural e histórica. Hipotéticamente, los jóvenes ochenteros eran los niños ricos de la historia de la humanidad ya que disfrutaron de todo aquello por lo que muchos humanos trabajaron tanto, el bienestar económico, social y personal. Esta libertad les daba a los jóvenes una conciencia y libertad plena de elegir. Elegir ideologías, elegir qué comprar, elegir preferencias sexuales, elegir ser o no madre, elegir con quien tener relaciones sexuales, elegir religión o una profesión. El mundo entero era un pastel enorme que había que comerse entero, así eran los alocados ochenta; oscuros, brillantes, opulentos, ostentosos, soberbios, desdeñosos, elegantes, como vampiros, como sombras en la noche que sabían disfrutar de la vida.

La última semana de abril precisamente estuvo enmarcada por un poquito de esa brillantina ochentera que aún se levanta si alguien respira fuerte. Primero con la visita del dúo británico, dinámico, emblemático (y demás adjetivos terminados en ico) de Erasure. Tan solo tres días después, se lleva a cabo Cntrl_F en una forma de homenajear también a cierta etapa oscura y gótica que también ocurrió durante la mencionada década de los ochenta

Podría interesarte: Erasure, los 80 aún vigentes

También en el Pepsi Center, también organizado por Euritmia Live y Noiselab, así como lo fue en su momento Erasure y Poptone solo que ahora en formato festival, lo primero que se me ocurre es agradecer porque alguien pensó en hacer un festival fuera del formato de siempre con las bandas de siempre.

Luego, pensar en las áreas de oportunidad para eventos posteriores, pues desde que supe que estaría parada por más de 10 horas supe que algo, aunque fuera poquito, podría salir mal.

Mucha gente de playeras con colores fluorescentes se encargó de la seguridad del evento, se agradece que no sean agentes de seguridad malencarados sino gente normal. Una de estas chicas muy graciosa a la entrada me pide verificar mi bolso al ingresar y así lo hace de manera meticulosa y eficiente. Se da cuenta entonces que porto un desodorante en aerosol, porque la noche es larga y el bailongo denso y bueno, no me gusta embriagar a las personas a mi alrededor con mis dulces humores, pero la chica muy amable me invita a dejar el desodorante en cualquier lugar ya que definitivamente no puede ingresar ese objeto. Cuando la cuestiono sobre esto, ella contesta que “puede ser usado para disparar fuego con ayuda de un encendedor”, y por gloriosa que pudiera verse esa imagen en mi mente no puedo parar de recuestionarla y decirle que no haré eso, a lo que ella responde insistente pero tiernamente: “Ok tú no, pero te pueden arrebatar tu bolsa y otra persona puede hacerlo porque ve, están todos muy raritos”…

Luego de salir y hacer como que dejo mi desodorante en la única tiendita guardarropa callejera me pregunto ¿Cómo es que un lugar tan enorme no tiene guardarropa? ¿Cómo es que un lugar tan magnificente tan solo tiene unos baños para albergar a cientos de personas? ¿Cómo es que un lugar tan reconocido como este no tiene más que un puestito de comida con muy pocas y pésimas opciones para bajonear durante tantas horas? Una vez adentro, olvido mis peros y me dispongo a disfrutar.

Pero esperen, quienes hayan llegado alrededor de las seis de la tarde de ese 28 de abril sabrán que no fue una travesía fácil, pues hubo que sobrevivir a la apocalíptica tromba que dejara inundada Reforma y Polanco, con árboles caídos, mucho tráfico y charcos del tamaño de albercas de Oaxtepec.

Gran inicio de @cntrl.f, Nanotak Studio y Tom Furse ya pasaron por el escenario del @pepsicenterwtc, el sábado promete una gran dosis de ruido experimental

A post shared by Rock 101 (@rock101online) on

Fue gracias a que el apocalipsis decidió comenzar el sábado 28 de abril del año 2018 en la zona centro-sur de la Ciudad de México y a la inédita y nunca antes vista puntualidad en horarios de un festival de música, y a la simpática angustia de la muchacha del acceso que juraba moriría ahí entre el fuego producido por una breve multitud enardecida de darketitos, que apenas llegamos a escuchar los últimos sonidos experimentales de Nonotak Studio.

Ya con un buen número de personas reunidas, las imágenes producidas por Noemi Schipfer a la par del ambiente sonoro generado por Takami Nakamoto habían hipnotizado a los presentes a un punto en el que ni la lluvia, ni las largas horas por venir, ni la ausencia de un lugar para fumar fueron capaces de desconcentrarnos.

Luego de una brevísima pausa, casi en punto de las seis llegaría el turno del DJ set de Tom Furse que con algunos sonidos bailables ya nos puso a tono, muy a tono con lo que llegaría después.

Una vez ubicada la zona de fumadores, el alma respira tranquila mientras que las mezclas furiosas de Richard Devine suenan a lo lejos. Y es que este concepto de diseñador de sonidos para algunos puede todavía ser un poco ajeno, más aún cuando lo escuchas en vivo. Una mezcla de mezclas emana de un equipo mientras que otro grupo de sonidos surge de otro. Entre tanto, la voz estruendosa de Richard ensordece a los asistentes quienes permanecen expectantes y atónitos ante lo que escuchan. Entonces el originario de Atlanta aprovecha para tomar una fotografía con su celular de nuestra sorprendida cara.

Llega el turno de The Horrors, son apenas las ocho de la noche y el lugar está casi abarrotado y pasa que los originarios de Southend, Inglaterra se han vuelto algo así como en los consentidos de medio mundo, pero ¿Qué tienen que hacer estos muchachos en medio de tanto veterano? Pues nada, que los chicos fueron bendecidos con los polvos de hada ochentera de los que les hablé al principio. Ninguna banda moderna había logrado atrapar la esencia post punk, enigmática y vampírica de la década como lo han hecho ellos. Por eso los amamos tanto. Suenan a lo mejor del pasado en el presente.

@thehorrors, en plano oscuro y disonante en @cntrl.f

A post shared by Rock 101 (@rock101online) on

‘Hologram’, ‘Machine’, ‘Who Can Say’, fue la bomba con la que The Horrors decidió incendiar el escenario, y sin nada más que un enorme letrero iluminado con el nombre de la banda, se arrojaron como lo han hecho ya en otras ocasiones. ‘In and Out of Sight’, ‘Mirror’s Image’, ‘Sea Within A Sea’, Weighed Down, nos pusieron a bailar, y es que la presencia de Faris Rotter pareciera ser el único elemento escenográfico necesario para la banda. Basta y sobra, su voz de ultra tumba que da miedo y a la vez es súper sensual, sus brincoteos, su esquelética forma. Joshua Third lo acompaña en el delirio junto a Rhys Webb. Ton Cowan y Joseph Spurgeon los observan analíticos y les acompañan en un brindis sonoro.

‘Press Enter to Exit’, ‘Endless Blue’, ‘Still Life’, ‘Ghost’ y ‘Something to Remember me By’, son las piezas con las que terminan su intervención en medio de una euforia total. Faris Rotten, agitado, se despide con un letal “Goodbye forever” que nos deja a todos pensando.

En el Instagram oficial de la banda, pueden encontrarse un par de posts dedicados a su estancia en México e incluso mencionan que sus visitas siempre han estado enmarcadas por la catástrofe, ya sea sismos o trombas, más todos esperamos que ese goodbye forever no haya sido nada más que un desafortunado decir.

Continua @cntrl.f, Decada 2 y Black Line llevándonos por diversos tonos de la música electrónica, de lo intensamente bailable a la oscuridad de recuerdo industrial

A post shared by Rock 101 (@rock101online) on

Década 2 ahora bajo la tutela de Mateo Lafontaine, el Publicista, profesor de música y DJ en sus ratos libres. Hoy es el único sobreviviente de este proyecto noventero y muy digno precursor de la música electrónica en México, nos entrega temas como El triunfo de Federico, Los decretos del poder y Música Electrónica. Cosa bonita fue su mini discurso político donde nos invita a hacer juntos historia y cambiar el rumbo del país. Ojalá algún dios, griego, cristiano o maya, lo haya escuchado.

Pasaditas las 10 de la noche, ya se siente un ligero dolor de pies. Nada que no hayamos experimentado antes. Entonces llega el momento de escuchar a Black Line, el nuevo proyecto de Douglas J. McCarthy, quien fuera líder de una de las más memorables bandas de música industrial, me refiero a Nitzer Ebb. Black Line se definen en algo así como una cooperativa musical, ya que todos sus miembros han sido colaboradores de bandas como Depeche Mode, han sonorizado películas como ‘Star Wars’ o simplemente se han dedicado durante toda su vida a la creación y el diseño de música para cosas importantes.

Black Line, introduciéndonos a nuevas texturas bailables en @CntrlFest pic.twitter.com/vZC1RUg6sr

— Rock101 (@r101ck) 29 de abril de 2018

Y así lo demuestran en el escenario, nada de improvisación, atrás han quedado los años de furia pero se quedan la elegancia y la delicadeza en los sonidos, que no dejan de sonar a EBM y a una fábrica de sonidos metalúrgicos. Una delicia con evidente reminiscencia de los años ochenta, sonaron: ‘Keep Digging’, ‘Losing You’, ‘Layers, Sedition’, ‘Can’t Breathe’, ‘Snap’, ‘Shut it Down’, ‘Big City’, ‘No Crime’ y ‘Changed’. Todo esto enmarcado en imágenes montañosas HD que provocan sentirse un poquito out of this fucking world.

Algún día espero entender por qué los headliners de los festivales, se presentan al final y no al principio de éste, cuando ya todo el mundo está muriendo de borracho, de drogado, de cansancio, de sueño o simplemente muriendo.

Once treinta de la noche, apenas con diez minutos de retraso, llega el momento esperado por muchos. Mágicamente algo sucede con el público que ha mutado de joven a trasnochado y de lo multicolor a lo oscuro. Es el turno de Gary Numan que emerge como dios egipcio de entre un enorme y brillante sol que enceguece al público. Su semblante vampírico contrasta con el blanco de su túnica y las obvias referencias orientales se proyectan en los paisajes desérticos de la pantalla.

Lo que más esperábamos esta noche, Gary Numan en @cntrl.f

A post shared by Rock 101 (@rock101online) on

Un set corto pero preciso acompañado de músicos que hicieron de la experiencia comúnmente electrónica, en algo simplemente inolvidable. Numan es de esos seres por los que los años no pasan. Se regodea sobre el escenario como deidad recorriéndolo de un lado a otro, retorciéndose, hincándose y parándose de nuevo para enseguida dirigirse al sintetizador y seguir cantando. ‘Ghost Nation’, ‘Halo’, ‘Metal’, ‘The Fall’, ‘Bed Thorns’, ‘Pray For the Pain You Serve’, ‘Cars’, ‘Here in the Black’, ‘Haunted’, ‘Mercy’, ‘Love Hurt Bleed’, ‘My Name is Ruin’, ‘When The World Comes Apart’, ‘A Prayer For the Unborn’ fueron una a una las piezas entregadas por este príncipe pionero del synth-pop. Tan solo un breve recorrido por su legado, que no ha dejado de ser vigente, vertiginoso e innovador.

Las dos de la madrugada, algunos valientes soldados claudican, y no es para menos. El baile ya ha mermado en la espalda y los pies de la mayoría. Otros astutos hemos encontrado la paz en algún pedacito de pared donde podemos recargarnos o sentarnos para recargar energía y no morir en el intento. Muchos caídos, vencidos por el sueño y el exceso de alcohol, pero nada de eso nos detiene porque llega el momento de escuchar a la última bomba de la noche: Front 242.

De origen belga, surgidos al inicio de esa década mágica de la que les he estado hablando, Front 242 son uno de los principales referentes mundiales de la música electrónica. Un quinteto de señores en toda la extensión de la palabra que literalmente arrebatan el escenario violentamente para hacer uso de él a su antojo. Sin duda el momento apoteósico de la noche. La gente no para de bailar y eso me recuerda a esa escena de Blade el caza vampiros donde de los detectores de humo en lugar de agua comienza a llover sangre y aquello se convierte en un festín orgiástico. ¿Lo tienen? Pues justo así fue escuchar por primera vez en México a los de Front 242.

‘Happiness (More Angels)’, ‘Take One’, ‘Body to Body’, ‘Quite Unusual’, ‘Moldavia’, ‘Funkahdafi’, ‘U-Men’, ‘Commando Mix’, ‘Until Death (Us Do Part)’, ‘Headhunter’, ‘In Rythmus Bleiben’, ‘Welcome to Paradise’ fueron el set con el que complacieron a quienes los escuchábamos por primera vez en vivo y también por primera vez en toda la noche sonó unánime y eufórico el famoso “otra, otra” porque nos sentimos como a la mitad de algo importante que no podía acabar así. Entonces llegaron ‘Operating Tracks’ y ‘W.Y.H.I.W.Y.G/Masterhit’.

Casi como un aterrizaje forzado, ha terminado la fiesta por hoy. Son casi las tres y aún falta por escuchar a Luke Vibert. Pero es inútil, el noventa por ciento de los asistentes se han ido. Ahora puedo saber por qué los headliners tocan siempre hasta el final y es que el reconocido DJ inglés se ha quedado solo casi por completo ¿Por qué somos así?

Tan solo escucho un par de tracks del set de Luke, cuya discografía es tan prolífica que pudo haber tocado durante las casi doce horas de este microfestival que llegó hasta el final con saldo oscuro, sin ningún contratiempo y con ansiedad de que vuelva a repetirse por muchos años más.

Doce horas después y con una uña enterrada a mi favor, concluye Cntrl_F postulándose como uno de los festivales más prometedores en lo porvenir.

La fuerza política de la música

 

La visión de pesadilla de Anthony Burgess de una élite usando la alta cultura como castigo de los jóvenes se hizo realidad. En la novela distópica de 1962 de Burgess ‘A Clockwork Orange’ el joven rebelde Alex es sometido a la “técnica Ludovico” de las autoridades locales, su personalidad es modificada y remoldeada a través de la música combinada con imágenes, tal como lo hizo muchos años después el ejercito estadounidense con una mezcla de Metallica-El Nene Consentido-Anthrax y en centro de detención escolar en Inglaterra, donde Mozart es el elemento disuasorio contra el mal comportamiento futuro.

 

Así funciona el mundo en la actualidad, el arte puede torturar, sin embargo cuando encontramos graves dificultades, la fuerza política de la música simplemente no se puede resistir. Cuando las cosas serias empiezan a funcionar mal (la economía, los derechos civiles), muchos músicos sienten suficientes golpes como para expresar su insatisfacción. En los 60 estaba la Guerra de Vietnam, la represión gubernamental, social y racial, razones suficientes para quitarle lo dulce a la música y progresivamente volver cada palabra en sustancia política. Pero cuando los tiempos son relativamente buenos, la música parece guardar un increíble silencio.

 

Desde las canciones electorales inventadas en el siglo XVIII hasta las protestas punk de los 80, los lazos políticos de la música no pueden contenerse en una sola categoría, su existencia va mucho más allá de lo obvio. Desde los 60 puedes encontrar esas raíces, con un Bob Dylan capaz de decirle a John Lennon que el tipo de música que hacía era muy fácil, principalmente porque no decía nada importante. Después de ese encuentro los Beatles no pudieron seguir la misma línea, cambiando también la historia de muchos de sus seguidores. Como sea, los mensajes políticos están contenidos en mucha de nuestra música, más de lo que queremos admitir o notar. Resistencia contra lo que no funciona correctamente.

Lengua de ángel

A finales del siglo XX la revista Rolling Stone convocó a varios críticos para determinar, a fuerza de votos razonados (y otros no tanto), los mejores 100 discos que hasta entonces se habían lanzado. Los Beatles obtuvieron varios escaños dentro de esa lista, otros tantos en los diez primeros y, nada más y nada menos, que el primer lugar.

 

Según los críticos, el primer sitio lo ocupa el acetato que fue grabado y lanzado en el turbulento año de 1966: ‘Revolver’, pero de por sí ese 1966 había sido marcado por la consumación de la fama. ‘Revolver’ implementaba el estudio de grabación como instrumento musical, explotaba claramente la influencia del LSD en Lennon y se abría a la psicodelia, emulando el movimiento en boga de entonces de San Francisco, California.

 

Fue en febrero del mismo 1966 cuando Maureen Cleave, periodista del diario inglés London Evening Standard, publicó una entrevista con John Lennon. Dijo el cantante: “…ya somos más populares que Jesús. No sé qué morirá primero, el rock and roll o la cristiandad”.

 

En Estados Unidos esto fue reimpreso por la revista Datebook. En Longview, Texas, una radiodifusora organizó un boicot contra los Beatles por tan audaces declaraciones: juntaron, entre sus escuchas, pilas y pilas de discos para quemarlos y exorcizar a los blasfemos. Así pues, el cuarteto inglés estaba en la lista negra de los diabólicos, los que habían caído en la gracia de alguien importante que, además, cree poseer la verdad absoluta. Bien dice Gabriel García Márquez que el puritanismo es un vicio que se alimenta de su propia mierda.

 

 

 

Esos mismos ofendidos por las declaraciones de Lennon pensaron que un castigo divino caería sobre éste: dependiendo del sapo sería la pedrada, pero hacia finales de 1966 una feroz tormenta cayó del cielo de Longview, Texas, es decir, la ciudad aquella donde la radiodifusora organizó la quema de los discos y en general el boicot contra el cuarteto. Y sucedió que un rayo destruyó la antena de transmisión de esa estación. Alguien tuvo lengua de ángel.

 

Posteriormente, en el año 2004, en el marco de la puesta en celuloide de su vida, el futbolista brasileño Edson Arantes Do Nascimento -Pelé- se atrevió a decir que él es más famoso que los Beatles. Hasta este 2017 nada raro le ha caído del cielo al gran crack.

 

Hace 35, fracasó el plan de cinco años de The Germs

8 de diciembre.

Podríamos empezar cómo se ha hecho en los últimos 35 años: En la mañana de… Mark David Chapman partió del Sheraton Hotel, dejando sus artículos personales en el cuarto, compró una copia de ‘The Catcher in the Rye’, a las 17:00 horas John Lennon autografió su copia del disco ‘Double Fantasy’ y segundos después asesinó al cantante.

También podríamos trasladarnos al mismo día pero del 2004, cuando en un concierto de Damage Plan Nathan Gale asesinó a Dimebag Darrell… sin embargo estoy pensando en un día antes, el 7 de diciembre de 1980, cuando un vocalista intentó inmortalizarse y la ironía de su decisión fue opacada al día siguiente por Mark David Chapman.

En 1975, inspirado por la canción ‘Five Years’ de David Bowie, Jan Paul Beahm, que después se convirtió en Bobby Pyn y finalmente Darby Crash, visualizó un plan a cinco años en el que alcanzaría sus sueños de grandeza a través de una banda. Eventualmente formaría Sophistifuck & The Revlon Spam Queens, que cambiaría su nombre a The Germs debido a la falta de dinero para pagar más letras en sus camisetas.

Sus primeras presentaciones fueron un desastre, incluso para los estándares amateurs del punk. Pero con el liderazgo de Darby y sus brillantes letras, The Germs se convirtió en la banda más importante de la escena punk de L.A. y en la influencia para muchas otras agrupaciones hasta la fecha. Grabaron un sólo disco en 1979 y literalmente se convirtieron en el acto más incendiario de la ciudad, lo que los excluyó de todos los clubes debido a recurrentes peleas y daños materiales.

Cuando los inflamados conciertos y audaces actos en el escenario fallaron, Darby Crash optó por la última opción de su plan a cinco años. Así que, la noche del 7 de diciembre, Darby Crash se inyectó una sobredosis de heroína y murió. Su extinción pudo alcanzar los titulares, sin embargo lo eclipsó la gran cobertura del asesinato de Lennon. Y, hasta la fecha, esa es una de las razones por las que recordamos a Darby Crash, porqué no nos acordamos de él.

Mejor digamos: ¡Feliz cumpleaños John Lennon!

¿Se puede hablar cosas generales de John Lennon? ¿Cómo debió estar en los zapatos del líder de la banda más importante que ha existido? Seguro que son conversaciones universales: ¿Rolling Stones o The Beatles? ¿John o Paul? ¿Yoko…?.

 

Imaginar… que existen personas que no saben ninguno de esos nombres, pero es retomada la canción Imagine como una especie de vals para despedir a una generación que ha terminado la primaria en una escuela rural.

 

Pensar que bailan con el mismo entusiasmo fans de The Beatles que tienen 60 años de distancia entre sus edades (tal vez no con la misma energía).

 

Eran los años 60, sinónimo de rompimiento de reglas. La rebeldía que profesaba el cuarteto de Liverpool comenzó con flequillo y movimientos alocados, el resto, una interminable historia que ha sido repetida como memorabilia, documentales, películas, programas de televisión y hasta un musical que está de forma permanente en Las Vegas.

 

La insurrección que caracterizaba a Lennon, fue como las bombas de su nacimiento. El día que él nació, no florecía nada. Sobre el puerto de Liverpool, los nazis atacaban. Un total de 8 bombas. Entre las muertes causadas, el nacimiento de quien cimbraría no sólo a los gobiernos oligarcas, sino a hordas fanáticas.

 

La revolución que presentaba en su música fue tal, que no deja de ser influencia para nuevos músicos. También fue visionario ante las nuevas formas de amar y le cantó al amor. Del amor físico pueril, al amor por el mundo.

 

Se ha hablado de su gran ego, de la violencia que ejerció sobre sus parejas y del fuerte enganchamiento hacia Yoko. La odiada Yoko presentada como una tercera en discordia de una relación desgastada.

 

La continua obsesión de los medios de comunicación a cada movimiento de John, prevalece junto al consumo de las audiencias. Pareciera que hay agenda para que de vez en cuando se suelte un dato inédito, un objeto invaluable por ser subastado, cualquier detalle que sigue generando curiosidad.

 

Cual icono de movimientos sociales y contraculturales, nos dejó la herencia de hacer activismo bed-in, de hacer pública la intimidad, de retratarse en todos lados, incluida la cama o el baño. Representó la rebelión de los espíritus libres en busca de paz, que sigue creando especulaciones sobre su asesinato. La certeza es que no era amado de la misma forma por todos.

 

Si el comentario de decir que The Beatles eran más famosos que Jesús alejó a muchos de sus seguidores religiosos, haber sido asesinado no sólo lo convirtió en mártir, sino que devolvió a las masas a un hombre que había deseado alejarse de ellas.

 

John Lennon soñaba con algo diferente al mundo que lo absorbía, que lo llenó de paranoias y sufrimientos. Lo que nos quedará, más allá de toda la comercialización son los ecos de sus canciones y de su rebeldía.  Lo del eco es literal, ya que son de las más resguardadas en cuanto a derechos, con reglas y cuotas incomprensibles…

 

Ahora que Internet permite las particularidades, no sabemos si se vuelva a repetir un fenómeno como lo fue The Beatles, paradójico a nuestro tiempo, tan global. Mantengamos su recuerdo vivo en su aniversario, cierra los ojos, pide un deseo y dinos cuál es tu canción favorita hecha por John Lennon.

-->