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Banda Sonora 101 – biopics

BOHEMIAN RHAPSODY, película sobre Freddie Mercury y Queen, se estrena en México el próximo viernes 2 de noviembre y por ello en @BansaSonora101 hicimos una selección de 12 filmes biográficos o biopics (entre ficciones y documentales) sobre personajes o bandas vinculados al mundo del rock.

Por supuesto, no son todos ni los mejores biopics que se han realizado, pero sí se trata de una muestra del buen estado de salud que gozan las biopics o biografías fílmicas rocanroleras, que a la fecha nos ha dado varios títulos que se defienden muy bien, como CONTROL, WALK THE LINE, RAY, MI HISTORIA SIN MI, GEORGE HARRISON: LIVING IN THE MATERIAL WORLD…. En fin, aquí las 12 películas biográficas que seleccionamos:

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SID & NANCY (1986)
Dirigida por el cineasta marginal Alex Cox, SID & NANCY se estrenó en mayo de 1986 en la sección Quincena de los Realizadores del festival de Cannes. Protagonizada por Gary Oldman y Chloe Webb, esta película retrata con morbo los últimos y decadentes años de vida de Sid Vicious, bajista de los Sex Pistols, y de su novia Nancy Spungen, quien un día de octubre de 1978 apareció muerta junto a Sid en una habitación del hotel Chelsea de Nueva York.
Sid Vicious fue acusado de su muerte y al poco tiempo, antes de que iniciara el juicio en su contra, murió de una sobredosis de heroína. La banda sonora trae rolas de Joe Strummer, The Pogues, John Cale y del mismo Gary Oldman que se avienta versiones de “My Way” y “I Wanna Be Your Dog”.

 

 

THE DOORS (1991)
Clásico indiscutible del cine-rock, THE DOORS (1991) es un filme biográfico sobre una leyenda de los años 60: Jim Morrison y su banda The Doors. Oliver Stone hace un retrato del carismático y atascado Morrison, quien alcanzó la gloria en la escena psicodélica de finales de los 60 y murió en julio de 1971 a los 27 años. Un filme lisérgico sobre los excesos y la genialidad de Jim Morrison. La banda sonora es una antología soberbia de 12 rolas de The Doors más “Heroin” de The Velvet Underground & Nico.

 

 

CONTROL (2007)
Retrato en blanco y negro de Ian Curtis, líder de la banda post punk Joy Division, CONTROL, dirigida por Anton Corbijn, se estrenó el 18 de mayo de 2007 en la sección Directors Fortnight del festival de Cannes, exactamente 27 años después de la muerte de Curtis.

Abatido por la epilepsia, hundido en la depresión y en plena ruptura matrimonial, Curtis se colgó de un perchero en mayo de 1980. Tenía 23 años y lideraba a una banda con apenas dos álbumes y que estaba a punto de iniciar su primera gira internacional.

Al morir Curtis murió Joy Division. Pero nació New Order. Y también el referente del rockero intenso, depresivo, atribulado, sombrío, el mismo que el holandés Corbijn retrató con sorprendente maestría en esta adaptación de Touching From a Distance, la autobiografía de Deborah Woodruff, viuda de Curtis.

 

 

RAY (2004)
Dirigida por Taylor Hackford, RAY se estrenó el 12 de septiembre de 2004 en el festival canadiense de Toronto y a México llegó en febrero de 2005. En su paso por el circuito principal de festivales obtuvo varios premios, entre ellos el Oscar a mejor actor a Jamie Foxx.

Este filme biográfico sobre Ray Charles hace un repaso por su atribulada y exitosa carrera musical, desde que era un joven desconocido hasta que alcanzó la fama mundial. La banda sonora es tan poderosa como la película y ganó un premio Grammy.

 

 

WALK THE LINE (2005)
Filme biográfico sobre el enorme Johnny Cash y su compañera de vida June Carter Cash, WALK THE LINE tuvo su premier mundial el 13 de septiembre de 2005 en Toronto y en México se estrenó el 3 de febrero de 2006. Dirigida por James Mangold y protagonizada por Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon, este biopic recibió una gran cantidad de premios, entre ellos el Oscar a mejor actriz a Reese Witherspoon. Se trata de uno de los filmes biográficos mejor logrados en la historia del cine rock y cuenta con una banda sonora armada por T-Bone Burnett que es dinamita pura.

 

 

JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN (2007)
Realizado por el británico Julien Temple, JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN se estrenó el 20 de enero de 2007 en el festival de cine independiente Sundance y a partir de ahí inició un largo recorrido por los principales festivales de cine a nivel internacional, donde acumuló varios premios importantes como el de mejor documental en los British Independent Films Awards (BIFA). Este magistral retrato fílmico de quien fuera delantero de The Clash y The Mezcaleros, es sin duda uno de los mejores documentales biográficos de la historia del cine rock. La banda sonora es, por decir lo menos, portentosa.

 

 

MI HISTORIA SIN MI (2007)
Alejado de los cánones de la narrativa convencional, MI HISTORIA SIN MI (I’M NOT THERE), biopic sobre Bob Dylan realizado en 2007 por Todd Haynes, es uno de los filmes biográficos más propositivos y originales del cine rock. El estadounidense Todd Haynes (VELVET GOLDMINE) realizó un retrato multifacético del icono de la revolución cultural a partir de la siguiente premisa: “Todos somos Bob Dylan”. Seis personajes que trazan los diferentes perfiles de uno de los hombres más influyentes de la historia del rock y premio Nobel de Literatura.

Sobresale el Bob Dylan (en su faceta de rock star) interpretado por Cate Blanchett y una banda sonora con covers de rolas de Dylan a cargo de músicos y bandas de primera línea: Eddie Vedder, Sufjan Stevens, Yo la Tengo, Calexico, Sonic Youth, Cat Power, Los Lobos, The Black Keys, entre otros, y la mega banda creada ex profeso para el soundtrack llamada The Million Dollar Bashers.

 

 

GEORGE HARRISON: LIVING IN THE MATERIAL WORLD (2011)
Dirigida por el maestro Martin Scorsese, GEORGE HARRISON: LIVING IN THE MATERIAL WORLD es un documental biográfico que revisa con lupa la vida de uno de los músicos más influyentes y queridos de la historia del rock: el ex Beatle George Harrison.
El filme, que se estrenó el 12 de septiembre de 2011 en el festival de Toronto, incluye material de archivo hasta entonces inédito y testimonios de los amigos más cercanos, colaboradores y familiares de Harrison. La banda sonora es una antología de canciones del ex miembro de The Beatles.

 

 

MARLEY (2012)
Dirigido por el escocés Kevin Macdonald en 2012, MARLEY es un documental biográfico sobre el mayor referente del reggae a nivel planetario: Bob Marley. Ésta es la única película autorizada (a la fecha) por la familia Marley, misma que facilitó el acceso a un montón de objetos personales, así como a material privado y musical nunca antes visto y escuchado. La banda sonora no tiene el mínimo desperdicio.

 

 

THE PUNK SINGER (2013)
Una película biográfica sobre la activista, música e icono cultural Kathleen Hanna, fundadora del grupo punk Bikini Kill, voz inconfundible de la banda electroclash Le Tigre y pionera del movimiento “riot grrrl” de los 90. La banda sonora es tan potente como la película.

 

 

WHAT HAPPENED, MISS SIMONE? (2015)
Realizado por Liz Garbus, WHAT HAPPENED, MISS SIMONE? se exhibió por primera vez el 22 de enero de 2015 en el festival de cine independiente Sundance y después se estrenó en Netflix con gran éxito de crítica. Se trata de un documental biográfico sobre una de las mujeres más influyentes en la historia de la música moderna: Nina Simone. Como diría Joe Strummer: “Let Nina Simone rule the World.”

 

 

BOHEMIAN RHAPSODY (2018)
Realizada por Bryan Singer, BOHEMIAN RHAPSODY (2018) se estrenó el miércoles 24 de octubre en Inglaterra y el próximo viernes 2 de noviembre llega a las salas mexicanas. Se trata de una biopic sobre el inmortal Freddie Mercury (interpretado por Rami Malek), delantero de la banda Queen. Sin duda, BOHEMIAN RHAPSODY es uno de los biopics más esperados del año al igual que su banda sonora.

 

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El soundtrack de la vida – En la friendzone

Si hay algo que Netflix nos ha enseñado es que cualquiera puede ser friendzoneado, ni Luis Mi se ha salvado de caer en esa ambigua zona en la que la única esperanza es la necedad de querer estar con una persona que por una u otra razón no quiere estar con nosotros. No me voy entretener en querer explicar porqué caemos en la friendzone o porqué mantenemos a alguien ahí, al final es un tipo de simbiosis del amor que tarde o temprano termina. Me limitaré a compartir algunas de mis rolas favoritas al respecto.

Un tipo de friendzone es en la que te gusta la persona que está con tu [email protected] Uno de los casos más famosos es el del triángulo amoroso que vivieron Eric Clapton, George Harrison y Pattie Boyd y que diera origen a Layla, en 1970, grabada en el álbum Layla and other assorted love songs del súper grupo Derek and the Dominos. Según cuentan Clapton escribió esta canción inspirado en el amor no correspondido de Boyd quien en ese momento estaba casada con su colega y amigo George Harrison. Eventualmente Clapton y Boyd se casarían, pero por algún tiempo, fue el amor imposible de Eric. La rola consiguió entrar en las listas de popularidad en dos ocasiones, 1972 y 20 años después, en 1992 cuando Clapton lazara su álbum unplugged, que por cierto, es mi versión favorita.

 

Una de las más frustrantes versiones de la friendzone es cuando te tienen en la banca, o sea, cuando el objeto de nuestro deseo, cual malagueña salerosa nos dice que si, pero no nos dice cuándo. Y aunque sabemos que la espera es inútil, por alguna razón no podemos escapar al hechizo y continuamos, en contra de toda lógica, firmes en el empeño de que nuestra fidelidad (muchas veces no correspondida) sea recompensada.

Sin embargo hay veces en que en un ataque de dignidad nos da por enfrentar a esa persona y le advertimos que no le vamos a esperar por siempre, como en Wating in vain, rola original de Bob Marley, del álbum Exodus de 1977, que yo conocí en 1995 en la versión de Annie Lennox. Sin embargo amenazas aparte, normalmente permanecemos en la banca, como un joven futbolista que espera con ilusión debutar con el equipo en primera división como la estrella que el público esperaba. Cosa que raramente sucede.

 

 

Finalmente, escribiré de una de las opciones más frustrantes de la friendzoneada y es cuando por unos días creemos haber conocido, al fin, a la persona perfecta, a esa pareja ideal que comparte nuestra forma de pensar, que entiende nuestros chistes y que parece ser la comparsa perfecta para nuestros solitarios corazones. Nos vemos navegando ente las calles lluviosas de la ciudad bajo la protección de un impermeable para dos, paseando de la mano en la noche fría con la esperanza de encontrar luciérnagas o simplemente escribir una historia mientras ella pinta, o tal vez valer verga, pero juntos. Esos días en que la vida es perfecta hasta que nos enteramos que nuestra potencial media naranja tiene una relación con alguien más. Un bañito de realidad como en Great Expectations, la novela de Charles Dickens y la muy adecuada rola Like a friend de Pulp incluída en la versión cinematográfica de 1998 de Alfonso Cuarón.

Sea cuál sea nuestro historia en la Friendzone, es un momento que aunque alegamos sufrir, la verdad es que nos mantenemos ahí por gusto y no hay excusas para no disfrutar del amor no correspondido cuando es nuestra elección seguirlo cultivado.

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Banda Sonora 101 – Martin Scorsese, melómano (segunda parte)

La semana pasada publicamos en este mismo espacio la primera parte de un viaje mágico musical por la extensa filmografía de Martin Scorsese, cineasta que ha integrado a la música como parte fundamental de su propio lenguaje cinematográfico. En esa primera entrega, abarcamos las décadas de los 70 y 80 del siglo pasado, periodo que cubre de las películas MEAN STREETS (1973) a GOODFELLAS (1990).

Ahora toca el turno a la segunda mitad de la filmografía de Scorsese, es decir, revisaremos las películas (y sus bandas sonoras) realizadas por Scorsese de 1990 a la fecha, incluidos los documentales que hizo para la televisión pública hasta la serie VINYL (2016) que realizó para el canal HBO.

Iniciamos el viaje con un brinco en el tiempo al año 1990:

GOODFELLAS (1990)
Se estrenó el 9 de septiembre de 1990 en la Mostra de Venecia, donde inició un exitoso recorrido por festivales internacionales de cine. Junto con la trilogía de EL PADRINO (Francis Ford Coppola) y ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA (Sergio Leone), se le considera una de las mejores películas de mafiosos en la historia del cine. La protagonizan Robert De Niro, Ray Liotta, Elizabeth McGovern y Joe Pesci. En la banda sonora: Muddy Waters, Derek & The Dominos, Bobby Darrin, Tonny Bennett, Cream…

 

 

CAPE FEAR (1991)
Es una revenge movie potentísima que se estrenó en el festival de Berlín de 1991. La protagonizan Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange y Juliette Lewis. Un violador sale de prisión luego de catorce años de condena y asedia a la familia del abogado que lo defendió, mismo que cometió un grave error al ocultar un documento clave durante el juicio. La música original es de Bernard Herrmann (PSICOSIS).

 

 

CASINO (1995)
Es una película de mafiosos protagonizada por Robert De Niro, Joe Pesci y Sharon Stone. Retrato de la decadente vida de dos gángsters en Las Vegas con una banda sonora de antología que define los gustos musicales de Scorsese: Rolling Stones, Ottis Reading, Muddy Waters, Roxie Music…

 

 

KUNDUN (1997)
La siguiente película de Scorsese llegó a México vía la Muestra Internacional de Cine de 1998. Se llama KUNDUN, se realizó en 1997, y se trata de un filme biográfico sobre el Dalai Lama con música original de Phillip Glass.

 

 

BRING DOWN THE DEAD (1999)
Esta película cuenta la historia de un paramédico asediado por la culpa que busca redimir un hecho del pasado que lo atormenta. Nuevamente el tema de la culpa presente en el guión de Paul Shrader y en la filmografía de Scorsese. El soundtrack trae rolas de The Clash, R.E.M. Johnny Thunders, The Who…

 

 

GANGS OF NEW YORK (2002)
Protagonizada por Leonardo Di Caprio, Daniel Day-Lewis y Cameron Diaz, se trata de una revenge movie ubicada en Nueva York a mediados del Siglo XIX, cuando la ciudad era un campo de batalla infernal entre inmigrantes Irlandeses e ingleses que llegaron antes y se consideraban nativos. U2 compuso el tema principal de la película: “The Hands that Built America.”

 

 

THE BLUES (2003)
En 2003 viene la serie THE BLUES, o MARTIN SCORSESE PRESENTS THE BLUES, un proyecto de siete capítulos, coordinado por Scorsese, sobre la historia del blues para la televisión pública estadunidense, en el cual también participaron personajes como Clint Eastwood y Wim Wenders. Un proyecto a todas luces ambicioso en términos de difusión de la cultura musical.

 

 

THE AVIATOR (2004)
Ahora vamos al 14 de diciembre de 2004, día del estreno mundial en Nueva York de El AVIADOR, segunda colaboración de Di Caprio con Scorsese. Esta película cuenta la vida del legendario Howard Hughes con una selección maravillosa de canciones en cada etapa de su vida. Hasta Django Reinhart suena en esta banda sonora…

 

 

NO DIRECTION HOME: BOB DYLAN (2005)
En 2005 Martin Scorsese se involucró en un proyecto de televisión pública cultural y realizó un portentoso rockumental de casi 6 horas llamado NO DIRECTION HOME: BOB DYLAN, una investigación exhaustiva sobre el icono cultural y premio Nobel de literatura.

 

 

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THE DEPARTED (2006)
Vamos a 2006 con THE DEPARTED, nuevamente con Leonardo Di Caprio, y película que finalmente (se lo debían desde los años 70) le valió el Oscar a Mejor película y Mejor Director a Martin Scorsese. El soundtrack, para no perder la costumbre, cuenta con una selección de rolas de altos vuelos.

 

 

SHINE A LIGHT (2008)
Pasamos a 2008 con una película padrísima que se llama SHINE A LIGHT, un registro documental de un concierto en Nueva York de los Rolling Stones, viejos amigos de Martin Scorsese, quien nuevamente (como en THE LAST WALTZ, 1978) da lecciones de cómo se debe filmar un concierto en vivo.

 

 

SHUTTER ISLAND (2010)
Luego en 2010 viene SHUTTER ISLAND, otra colaboración con Leonadro Di Caprio. Cuando se estrenó a finales de 2010 tuve la oportunidad de viajar a Nueva York para entrevistar a Scorsese. Sin duda uno de los mejores días de mi vida. Pero, bueno, lo importante es que la película es un portentoso thriller psicológico con realidades paralelas. Muy loca pero buenísima. En este caso, para la banda sonora Scorsese acude a la música de cámara.

 

 

GEORGE HARRISON: LIVING IN A MATERIAL WORLD (2011)
En 2011 Scorsese regresa al genero documental con GEORGE HARRISON: LIVING IN A MATERIAL WORLD, sin duda la mejor película que se ha hecho sobre el músico y ex miembro de los Beatles. Una joya del cine-rock.

 

 

HUGO (2011)
En el 2011 también se estrenó una película entrañable de Scorsese que se llama HUGO, un homenaje al cine del gran Georges Melies y primera película se Scorsese en 3D y para toda la familia. La música original es del canadiense Howard Shore.

 

 

THE WOLF OF WALL STREET (2013)
Es la quinta colaboración de Leonardo Di Caprio con Martin Scorsese, quien en este filme lleva a la ficción la vida real de un pillo de cuello blanco llamado Jordan Belfort. La banda sonora es un catalogo impresionante de rolas, sin duda se trata de uno de los mejores soundtracks en la filmografía de Scorsese.

 

 

VINYL (2016)
Cerramos el viaje por la filmografía de Scorsese en 2016, año en el que n 2016 Martin produjo (y dirigió un capítulo de) la serie VINYL del canal televisivo HBO. Tanto la serie como el soundtrack vuelan por lo alto. Chequen el sountrack.

 

Banda Sonora 101: Martin Scorsese, melómano (primera parte)

Hace poco Martin Scorsese fue reconocido con el premio Princesa de Asturias de las Artes 2018. Este hecho es un buen pretexto para revisar la música en la filmografía de Martín Scorsese, un maestro de maestros en el medio cinematográfico y un melómano de muy buen gusto.

La música es un elemento fundamental en la obra de Scorsese. Sus gustos se inclinan por el blues, el rock clásico y el jazz. En las bandas sonoras de sus películas cohabitan Tonny Bennett, Ella Fitzgerald, Count Basie y Bobby Darrin con Robbie Robertson, The Rolling Stones, Eric Clapton, B. B. King, Talking Heads, Bob Dylan, Cream, T. Rex, George Harrison, Mark Knopfler y un largo etcétera.

Dada la gran cantidad de títulos que conforman la obra de Scorsese, en esta primera entrega revisaremos los soundtracks de la mitad de su filmografía, que va desde MEAN STREETS (1973) hasta GOODFELLAS (1990), y el próximo miércoles abordaremos el resto de sus películas.

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Empezamos con el recorrido:

Se estrenó el 2 de octubre de 1973 en el Festival de Cine de Nueva York y fue el trampolín que catapultó la carrera de Martin Scorsese a las grandes ligas del cine. Primera colaboración con Robert De Niro y el primer retrato de la vida en La pequeña Italia, en Nueva York. El cine de mafiosos alza la mano en la obra de Martin Scorsese. La banda sonora de esta película es una joya que incluye rolas de Rolling Stones, Eric Clapton, The Charts, The Paragons, Cream…

Es la primera película de Martin Scorsese que se estrenó en el festival de Cannes, el 12 de mayo de 1975. Este filme cuenta la historia de una mujer que, tras la muerte de su esposo, hace un viaje con su hijo de 11 años de Nuevo México a Monterrey, California, con el sueño de convertirse en cantante profesional. Es protagonizada por la gran Ellen Burstyn, que canta bastante bien, y quien se llevó el Oscar a mejor actriz por este papel. Nuevamente Scorsese arma una gran banda sonora con rolas de Mott the Hoople, Elton John, T.Rex, Kris Kristofferson…

Es para muchos la mejor película de Martin Scorsese. Se estrenó en mayo de 1976 en Cannes, donde ganó la codiciada Palma de Oro. Robert De Niro encarna a Travis Brikle, un excombatiente de Vietnam que se gana la vida como taxista nocturno en la convulsa Nueva York de los años 70. Los temas de la redención cristiana y la justicia en propia mano se asoman como recurrentes en la temprana obra de Scorsese. TAXI DRIVER es un peliculón. El guión es de Paul Shrader y el score original es obra de Bernard Herrmann, compositor de la música de clásicos como EL CIUDADANO KANE y PSICOSIS.

Resulta que después de 16 años de rocanrolear, en noviembre de 1976, The Band organizó una tocada de despedida en el teatro Winterland de San Francisco. Durante ese legendario festín musical, celebrado en el Día de Acción de Gracias, Martin Scorsese filmó THE LAST WALTZ, sin duda, el mejor testimonio audiovisual del fin de una era en la historia del rock. Aquel memorable concierto, en el que participaron como invitados Muddy Waters, Dr. John, Neil Young, Bob Dylan, Van Morrison, Neil Diamond y Joni Mitchell, fue la última gran fiesta de la primera generación de rockeros emanados de la revolución cultural de los sesenta.

Un clásico del cine de boxeadores. La estelariza Robert De Niro en uno de sus mejores momentos, que encarna a un peleador llamado Jake LaMotta, un toro dentro del ring pero fuera de él es un personaje complejo y atribulado que se hunde en una espiral de violencia y autodestrucción. Robert De Niro se llevó el Oscar a mejor actor por este papel. La banda sonora incluye piezas de Tonny Bennett, Ella Fitzgerald y Count Basie, entre otros.

En mayo de 1982 se estrenó en Cannes THE KING OF COMEDY, película en la que Robert De Niro interpreta al comediante Rupert Pupkin. La banda sonora es de antología, con rolas de The Pretenders, B.B. King, Talking Heads, Van Morrison, Robbie Robertson…

El 11 de septiembre de 1985 fue la premier mundial de AFTER HOURS en Nueva York. Meses después, en mayo de 1986 compitió en Cannes y Martin Scorsese ganó la Palma a mejor director. Esta comedia de humor negro narra la aventura de un empleado de una empresa de informática que, durante una cita en Nueva York, le ocurren una serie de extrañas circunstancias que le hacen vivir una alocada e interminable noche. El score original es del canadiense Howard Shore y la banda sonora incluye una selección bastante ecléctica de piezas, que va desde Mozart y Bach hasta The Monkees, Joni Mitchell y The Bad Brains.

Protagonizada por Paul Newman y Tom Cruise, cuenta la historia de un veterano jugador de billar que encuentra a su pupilo, un joven con mucho talento a quien después tendrá que enfrentar. En la banda sonora, puros cañonazos: Don Henley, Eric Clapton, Robert Palmer, Willie Dixon, Marc Knopfler, B.B. King, Warren Zevon…

Adaptación de la polémica novela homónima de Nikos Kazantzakis, se estrenó en la Mostra de Venecia de 1988 y cuenta la vida de un Jesús más humano que divino. Willem Dafoe en uno de sus mejores papeles. La música original es de Peter Gabriel, misma que fue publicada en el álbum Passion.

Se estrenó el 9 de septiembre de 1990 en la Mostra de Venecia, donde inició un exitoso recorrido por festivales internacionales de cine. Junto con la trilogía de EL PADRINO (Francis Ford Coppola) y ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA (Sergio Leone), se le considera una de las mejores películas de mafiosos en la historia del cine. La protagonizan Robert De Niro, Ray Liotta, Elizabeth McGovern y Joe Pesci. En la banda sonora: Muddy Waters, Derek & The Dominos, Bobby Darrin, Tonny Bennett, Cream, bandota de la cual vamos a escuchar…

Continuará…

Sonic Arsenal – El rockumental como obsesión

George Harrison, Foo Fighters, Pearl Jam y U2, los documentales sobre ellos en algún momento se convirtieron en una necesidad obligada de cualquier festival, se habló mucho de ellos y su aparición, que parecía acentuar la idea de que el 2011 fue el año del documental sobre música, forzando a diversos canales a crear ciclos y a múltiples festivales a agregar un apartado exclusivo para el tipo de filmes que logran unir el sonido con la historia y la música. Verdaderamente fue un buen año, pero he de decirles algo, en mi casa desde hace varios años vivimos comiendo y soñando rockumentales, por la misma razón cada vez que me preguntan a qué me dedico me la vivo explicando las diferencias entre un rockumental y el cine musical y porque no todo es sobre grandes iconos.

Para brindar pruebas, es necesario buscar más allá de lo informal y saltarse las listas, es necesario sentirlo como un experimento de laboratorio para demostrar la amplitud y profundidad, de otra forma podríamos encontrar ejemplos dispares que tal vez te lleven solamente a los dos títulos más aclamados que parecen ser la marca entre todas las posibilidades, en mi caso en la superficie sigo dividiendo entre las intenciones de ser ‘This Is Spinal Tap’ o ‘Some Kind Of Monster’, pero claro está que entre el documental falso que aborda todos los clichés de la música (rock, pop, jazz, estrella del ukulele) y el documento que desnuda al extremo a punta de terapia psicológica, hay cosas como los perfiles épicos de músicos o grupos desconocidos, exploraciones sesudas de instrumentos y géneros, apasionadas disertaciones sobre el poder de la rima, rápidos y completos documentos de DIY sobre fanáticos, experimentos truncados, tiendas de discos en diminutos pueblos británicos, feudos del rap, rockeros ex integrantes de la iglesia de Pentecostés, severas experiencias cercanas a la muerte y pruebas convincentes de que los grandes personajes hacen grandes documentos.

Es verdad que los documentales de música y las ficciones basadas en ella son una forma de sermones cinemáticos, una extensión a veces del presskit o un escalón más para sobar un ego, pero en muchos casos te ofrecen revelaciones. Son filmes que te llevan al interior de un género o la psique de un músico, son películas construidas sobre la información privilegiada que sólo unos pocos poseen y es entonces, cuando aún sin conocer, saber o haber escuchado mucho de un acto recibes tus primeras razones para adorar tanto el documental y la ficción que surgen de la música.

Porque no se trata sobre una tonta canción o un grupo en ascenso perdido en sus propias frustraciones, sino de una historia que rompe las capas entre los grupos y la cámara, del tiempo y la intimidad que logra que una cámara sea invisible y sin embargo logre capturar lo que el escenario, el juego de luces y la bruma impiden que alcances. Prácticamente es como volver a encontrarte con un disco por primera vez, se trata de ti y la música pasando con la intervención únicamente de los audífonos.

Se trata de un suministro ilimitado de personajes hiperbólicos, situaciones extrañas e imágenes en vivo, el mundo del rock (y de la música en general) es un regalo para el realizador de documentales. Pero yo no dirijo ni produzco, así que me dedico a hacer recorridos personales a través de un catálogo extenso de rockumentales, recordando algunas de las escenas más icónicas que han capturado y que han cumplido con mis parámetros sensoriales: estómago encogido, plena carcajada e inevitable movimiento de pie, que a pesar de ser instintos primitivos, para mi son las características de un buen rockumental, son las evidencias de una historia increíblemente contada.

Muchas de las imágenes más perdurable de la época dorada del rock se han extraído de rockumentales: Jimi Hendrix prendiendo fuego a su guitarra en Monterey Pop, The Beatles conquistando con una gira Estados Unidos, los Rolling Stones en su malogrado concierto en Altamont (donde un miembro del público fue asesinado) en ‘Gimme Shelter’, Sid Vicious disparando al público, Pete Townshend destrozando la misma guitarra que es reconstruida noche tras noche o la magia en vivo o en el estudio que ha provocado que todo grupo, llegado a un momento de su carrera, necesite hacer un vídeo promocional con esas dos energías mezcladas para evidenciar su éxito con las musas y con la gente.

Tampoco se puede olvidar que muchos son sobre rock and roll, drogadicción, recuperación, un final feliz, sentido del humor, una gran cantidad de documentales tratan de tener todo, pero unos pocos en realidad tienen éxito al unir todas las partes. También basta tomar el cuento habitual de un talento destruido por las drogas y decir que ese no es el único final posible, la prueba es que estás viendo un tributo en imágenes a su legado.

Momentos como esos ayudan a responder la pregunta central de cualquier documental: ¿la película debe llegar al fondo de su tema? ¿Hay suficiente acceso y comprensión para el espectador para entender quién es la persona y cómo llegaron a ese estado? La respuesta es un sí sin reservas, casi, incluso si su enfoque no es crítico, puede sentirse la objetividad que se vuelve subjetiva y te hace salir tarareando de una sala, directito a comprar un disco o redescubrir todas las canciones que has olvidado escuchar.

En retrospectiva, ha habido una gran cantidad de documentales este año, que fue refrescante ver toda clase de proyectos raros, de grupos oscuros de los que no sabes nada, pero con el retrato de la música y los contrastes entre el mundo real y lo hiperreal todo tiene un sorprendentemente movimiento. Dicen que urge repasar la actualidad del rockumental, porque resultaba prometedor años atrás y es decepcionante en la actualidad. Algunos dicen que es por la necedad de los directores en obsesionarse con reconstruir el pasado sin la necesidad de contar las grandes (y las pequeñas) historias, combinando imágenes, declaraciones y canciones, abarcando todo con poca pasión.

También dicen que se debe analizar las razones porque han nacido festivales específicamente para acoger rockumentales, que han surgido para mostrar películas reveladoras que son productos domesticados. Y es cierto, ese mercado existe y acapara todo, sin embargo con un disco duro lleno de rockumentales, una lista de más de 300 películas por ver (y aumentando) puedo decir que no es una generalidad, siempre existe la mirada independiente, la que prohíbe los promocionales y no necesita la aprobación de artistas, mánagers y discográficas para ver la luz.

Ya hemos visto esos documentales (‘Seguir Siendo’, ‘Foo Fighters: Back and Forth’) y se sienten inmediatamente falsos, no porque sus protagonistas no sean reales o finjan, sino porque se notan editados bajo una lupa estricta que debe responder a una imagen y de eso no tratan los rockumentales, su espíritu no es ofrecer una mirada extensiva de una carrera, no debe servir para alimentar las urgencias de los seguidores de un género o ser sobre los grandes triunfos, porque uno empieza a dudar cuando la banda se muestra siempre feliz y creativa o insiste que su mejor momento fue llegar a arrasar con los Grammy como en ‘From a Mess to the Masses’.

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El espíritu no puede ser mejor retratado que en el trabajo que aparentemente inició todo, ‘Don’t Look Back’ (1967) de D.A. Pennebaker, para examinar con honestidad la evolución de este subgénero documental, es una decisión indiscutiblemente lógica empezar por ahí, con Bob Dylan empezando a ser eléctrico, estableciendo la forma contemplativa, reveladora y que encara directamente a la cámara (la audiencia en uno sólo) a través de la entrevista, todos los rockumentales parten de ahí, la mayoría entendieron el concepto y lograron con eso que el personaje central sea tan humano y enigmático como su música.

La distinción exacta de un rockumental puede ser difícil de trazar. Un show en vivo en toda regla no contaría, a menos que contenga una parte documental real (observaciones, entrevistas, historia), el backstage es necesario, la intimidad es ineludible, incluso el reclamo al camarógrafo y el hartazgo por tenerlo al lado todo el tiempo desde hace meses mejoran la situación, pero la realidad es que la edición es crucial, más aún que los efectos creativos de la filmación, porque como en todo documental, la historia surge al momento de yuxtaponer las imágenes y las palabras. Editar es todo, de ahí surgen los músicos que se vuelven dioses, las canciones que se vuelven aún más épicas, los grupos perdidos en interminables pasillos se vuelven más graciosos y el volumen que va más allá de la marca del 10 se vuelve tan necesario.

#SonicArsenal – The Rutles, el mejor tributo es la burla

En los días en que los rockumentales eran inusuales o eran un pastiche de algo original, The Rutles fue uno de los primeros. Años antes de que cualquiera hubiera visto o escuchado ‘This Is Spinal Tap’, estuvo ‘The Rutles: All You Need Is Cash’, el proyecto de Eric Idle con cierta ayuda de los integrantes de Monty Python y Saturday Night Live basado de alguna manera en la carrera de The Beatles.

El filme inició como una serie de canciones para la comedia de televisión de la BBC, Rutland Weekend Television en 1976, originalmente ideado por Eric Idle para celebrar todo Rutland en un momento en que el gobierno británico había decidido descartar el condado. El proyecto fue apoyado por el productor Lorne Michael, quien logró en gran medida que se concretara la idea sobre un documental, parte sátira y parte tributo a The Beatles a través del ascenso y declive de “Pre-Fab Four”, conocidos por sus seguidores como The Rutles, una película que apareció por primera vez en televisión el 22 de marzo de 1978.

 

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Provenientes del famoso Cavern, Rutland, The Rutles fue una de las bandas que definieron el ritmo de los 70, y tuvo una influencia inconmensurable en esa década. ‘All You Need Is Cash’ es su historia, es un documental para sus aficionados y aquellos que son menos conscientes de su influencia, pero que pronto apreciaran más su música y su lugar en la historia del rock and roll.

‘All You Need Is Cash’ sigue a los falsos Beatles Dirk McQuickly (Idle), Barry Wom (John Halsey), Stig O’Hara (Rikki Fataar) y Ron Nasty (Beil Innes) desde sus inicios en que tocaban en pequeños clubes en Liverpool y en el infame Rat-Keller en Hamburgo, hasta su éxito internacional, su inolvidable actuación en el Che Stadium y su amarga separación, trazando su paso por cada tendencia social y moda musical de la década de los 60, desde el pop alegre de sus primeros años hasta la evidente adicción al té de The Rutles que generó cortes psicodélicos.

Cada aspecto de la carrera de The Rutles es cubierto y, siendo un tributo, el grupo imaginario es una copia al carbón sumamente ácida de la historia de los Beatles. Cada elemento es llevado a un nuevo nivel de lo absurdo, pero a menos que conozcas un poco de la historia de los Beatles, muchos de las bromas pueden perderse, sobre todo cuando se trata de la protesta de Nasty “a shower-in for peace” y los clips musicales, que requieren que no sólo conozcas las canciones, sino que también hayas visto al menos una escena de películas como ‘A Hard Day’s Night’, ‘Help!’, ‘Magical Mystery Tour’ y ‘Yellow Submarine’.

En los Beatles, Idle y compañía encuentran una fuente inagotable para la parodia, satirizando escandalosamente todos los rincones del legado de la banda, desde la fama hasta la desilusión de su separación. Aunque ‘All You Need Is Cash’ no fue el primer mockumental, hizo un gran uso de las convenciones del documental como pocos filmes lo hicieron antes y después, generando enormes risas de asuntos tan mundanos como la colocación de cámara, edición, y la cómica intrusión del narrador que intenta darle una coherencia e importancia al documento.

Desde el misterioso quinto Rutle a los secretos del frenesí que desembocó en la Rutlemania, ningún detalle es olvidado. Lo que es evidente al ver ‘All You Need Is Cash’ es la extraordinaria atención a los detalles, cualquier fanático Beatle o Rutle puede reconocerlos gracias a la participación de George Harrison, quien no sólo aparece en la película, también le brindó a los directores Eric Idle y Gary Weis el material visual necesario para acercarse a la realidad y recrear el material de archivo falso que alimenta ‘All You Need Is Cash’.

 

 

Sin embargo, lo mejor de la película son las canciones creadas por Neil Innes, compositor y músico regular de Monty Python. Con títulos como Hold My Hand, Piggy In The Middle, Doubleback Alley, Cheese and Onions, Let’s Be Natural y Ouch!, cada corte es una parodia y una aproximación casi perfecta de las canciones de los Beatles, tan perfecta que tienen la misma esencia que los caracterizó. Sólo existe un pequeño giro en letras y melodías, pero no hay forma de que no sepas a que canción se refiere cada invento de The Rutles. Su inventiva funciona en el área de la parodia, pero sus letras y coros son infecciosos por derecho propio.

Así como las canciones son asombrosamente buenas, es evidente una meticulosa atención a cada detalle del vestuario de la banda, portadas de discos y aspectos de la película. Muchas secuencias siguen muy de cerca las imágenes de las noticias de los eventos clave en la muy documentada carrera de los Beatles, el efecto global es tan cercano a la realidad que es francamente inquietante. Por esa razón, algunos de los puntos que se mezclan con la realidad son aquellos en que Mick Jagger y Paul Simon hablan de The Rutles como si realmente existiera.

Dirk, Nasty, Stig y Barry prácticamente se han convertido en parte de la historia de The Beatles, aunque sólo uno de los Beatles aprobó el producto final, sin embargo a la distancia comprendemos que si la imitación es uno de los más grandes halagos que existen, entonces ninguna película ha sido tan sincera sobre su pasión hacia un grupo.

Un toque celestial en el rock

Recordando una escena de la serie de televisión ‘The Get Down’, en donde el personaje de Mylene Cruz quien quiere ser cantante a toda costa y en contra de los principios de su padre, un devoto cristiano muy fiel a la creencia religiosa de los años setenta, interpreta el tema ‘There But For The Grace Of God Go I’, en una audición para un empresario de una disquera. Esta se lleva a cabo dentro de la iglesia del barrio y con la ayuda de Zeke, el otro protagonista, resulta un muy buen ejemplo de la combinación entre el soul y los coros góspel que desde los años 60 gracias a gente como The Chambers Brothers, se han ido mezclando y hoy en día muchos artistas de distintos géneros han creado temas con arreglos de los llamados Gospel Choirs. Algunos simplemente les dicen Choir Songs a las canciones que no necesariamente llevan gospel pero si tienen esa melodía con tono celestial y emotivo.

Figuras clásicas de la talla de los Rolling Stones, Paul Simon, Madonna o Michael Jackson han compuesto canciones con esta especie de coros conmovedores que enriquecen la melodía y principalmente realzan las presentaciones en vivo. También gente como Damon Albarn con Blur y Gorillaz, Kanye West, Katy Perry o George Michael, entre muchos otros, han sacado rolas con coros gospel.

 

Como siempre, les dejamos algunos de los que más nos gustan sobre dicho tema. Ya saben que pueden comentar si tienen otra rola con este tipo de coros, recomiéndenos algunas más.

 

Uno de los ejemplos que no precisamente son góspel pero sí Choir Songs, es The Polyphonic Spree, banda de Tim Delaughter que se forma a raíz del deceso del bajista de su anterior banda Tripping Daisy. Con más de 20 integrantes, principalmente coristas, sus rolas están llenas de coros emotivos.

 

Los coros que hacía esta banda de hard-progressive rock en los noventa se asemejan mucho al estilo del que estamos hablando. Sin ser forzosamente con coristas, el timbre de Dan Arlie junto con los arreglos de Eric Valentine en la batería y producción, hacían esa atmosfera multitudinaria.

 

Una de las rola características del rock con arreglos góspel es la que mister Harrison nos regala en My Sweet Lord. Clásico que comprueba que la calidad de este miembro de los Fab Four.

 

Muchas de las agrupaciones de Góspel se forman en el Reino Unido, y es por eso que bandas como Primal Scream los invitan a colaborar en sus composiciones. Aquí la maravillosa ‘Movin´ On Up’ que abre el Screamadelica.

 

Bret Michaels junto con Ritchie Kotzen, que había tomado el lugar de C.C. DeVille en la lira principal, componen Stand para el cuarto álbum de Poison y convocan a un coro Gospel a la melodía que sirve como primer sencillo. Aunque ya lo había hecho Michaels en temas como Something To Believe In.

 

Del Hot Fuss, debut aclamado de Brandon Flowers y sus muchachos. Surge este tema que componen con coros emotivos. Recordamos su show en Coachella 2004 en la Gobi Tent donde aparecen con 20 coristas góspel detrás al momento de interpretar esta rola. Ya no lo hacen, pero sigue siendo una de sus mejores canciones en vivo.

 

No podía faltar este rolón de los inigualables Faith No More. El maestro Patton haciendo gala de su gran voz acompañado de bastantes chicas en los coros. ¡Un agasajo!

 

Que Nick Cave ocupe esta clase de composturas en sus creaciones ya es normal. Y aquí les dejamos una exquisita.

 

La última producción hasta ahora de Karen O y Nick Zinner con los Yeahs, comienza de gran manera con Sacrilege, aunque el resto del Mosquito haya decepcionado.

 

El Space Rock de Justin Pierce y su Spiritualized llegan al climax en su tercera producción Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space. Trompetas, cuerdas y un gran coro góspel, sobresalen en esta obra de hace 20 años.

 

Muchas gracias por el tiempo dedicado, esperando sea de su agrado y principalmente nos retroalimenten con sus recomendaciones. Hasta pronto.

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