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#SonicArsenal – Psicodélia, DIY y estética furiosa

En los últimos 15 años los carteles han superado la simple definición de “una pieza de papel que es pegada en una superficie”, también han abandonado su uso como medio propagandístico y se han convertido en la nueva herramienta del arte que rodea el rock. Anteriormente pocas veces se mostraba algo más que los nombres de los grupos que participarían en un concierto o las poses que asesinan fríamente desde una imagen plana, hoy existe una nueva perspectiva alrededor del arte de promover la música, la nueva visión tiene como objetivo crear algo sin tener que relacionarse directamente con la ideología de una banda.

Desde principios de la década de los 90, el cartel es un arte que ha crecido de forma paralela con la escena de la música independiente, enalteciendo los pequeños y los grandes conciertos. Han sobrepasado el nivel creativo de las calles y se han unido a múltiples colecciones de arte del más alto nivel. Las antiguas imágenes que eran diseñadas tan sólo para mostrar información quedaron atrás, fueron elevadas y convertidas en arte que todo entusiasta del rock ha colocado con orgullo en la pared de su habitación.

INDIE + KITSCH

Los artistas creadores de los carteles de la actualidad combinan la expresiva libertad del diseño de los 60 con la actitud “hazlo tú mismo” de la escena punk, así logran crear un material que se ha convertido en un nuevo movimiento gráfico, al menos lo es en el arte que rodea al rock. La nueva visión también es una feroz mezcla de la frescura indie y la estética kitsch, muchos consiguieron así opacar a las propias bandas que promovían.

Entre esos nuevos difusores de mensajes y creadores de fantasías paralelas a las de los grupos destaca Emek, cuyos dibujos son hechos totalmente a mano y son reproducidos en una edición limitada a sólo 300 copias. Cada uno de sus pósters es una visión alternativa, muchas veces ni siquiera se aproxima a la visión del grupo, pero aún así ha logrado establecerse como uno de los creativos más solicitados por los músicos.

Trps festival of rock posters- meet legendary rock poster artists from the 60’s to today. Golden gate park Hall of Flowers San Francisco Saturday oct 22 #trps #emekstudios #emekx #emek #posters #gigposters

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Aprecio la flexibilidad que me otorga el medio, porque las bandas generalmente me dan la libertad y la totalidad del control creativo, siempre y cuando incluya la información del concierto. Puedo sumergirme en las profundidades y recovecos de mi imaginación y ver que sale en la página en blanco. Soy mi propio director creativo, así que puedo experimentar con diferentes conceptos y estilos para hacer algo fresco”, explicó Emek tiempo antes de ser invitado a la primera exhibición de pósters de conciertos en el Salón de la Fama del Rock & Roll.

IDENTIDAD Y CREATIVIDAD

Esa misma visión es perseguida en todo el mundo, para todos es sumamente importante la libertad creativa y de la misma forma respetan la identidad de un grupo, al menos Emek siguió su propia línea pero mantuvo los colores básicos de la imagen de los White Stripes, en México el Dr. Alderete también dio imagen del surf y al Foro Alicia, incorporando a sus ilustraciones de comerciales y cómics de hace cuatro décadas los típicos luchadores, sin embargo la mayoría del tiempo sigue sus propios instintos.

Finalmemte impreso! Alicia 21 años

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Desde los diseñadores establecidos como Frank Kozik -con sus típicas referencias a animales que se sublevan- hasta los novatos como Emek y Serigraphie Populaire –un dueto que imprime todo sus pósters a mano y basa su arte en puntos de fuga y rayones infantiles-, todos son una representación vívida de una época. Honran el libre pensamiento de una generación, la política, la furia y la imaginación de la cultura del rock de la década pasada hasta éstos apocalípticos días.

Sólo tenemos que mirar el remolino de colores y la alucinógena imaginería que sobresalía en los carteles de rock de los 60 para recordar los pensamientos contra la guerra y las protestas para hacer que prevaleciera la paz, o analizar detenidamente las muestra de los 70 para vislumbrar las luces de las pistas de baile. El diseño de los 80 estuvo en un pequeño estado de coma, pero entrados los 90 todo se mezcló y se cargó de la ironía que portaba la generación X. Ésta última horda de diseñadores es el producto de una colisión, lo orgánico contra lo mecánico y agrega algo de humor, comentarios sociales y fantasía. Incluso los más pequeños detalles tienen un mensaje.

La firma Weigelt realizó hace algunos años la subasta “The Poster Connection”, que se llevó a cabo en San Francisco y presentó múltiples curiosidades de las primeras décadas del siglo XX, incluyendo algunos pósters promocionales de diversos conciertos de jazz y blues, por eso no es de extrañar que los mayores coleccionistas de arte de rock se encuentran en San Francisco, lugar donde solían estar los diseñadores que crearon la imagen y los pósters de los 60. La cantidad de coleccionistas ha crecido tanto en los últimos 20 años que se creó la convención Flatstock, que cada año reúne durante varios a artistas, diseñadores y grandes coleccionistas de arte.

DKNG is coming to #Flatstock at #SXSW! Presented by the American Poster Institute, Flatstock 59 will display the works of the world’s top gig poster artists. The show runs March 16-18 and will feature posters of varying styles and techniques for sale by the very artists who create them. At the DKNG booth, we’ll have lots of rare and previously sold out posters available. Visit us at Exhibit Hall 4 in the Austin Convention Center, Thursday – Saturday.

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Detrás de la evolución del arte de Vive Latino

El cartel ha superado la simple definición de una simple pieza de papel, no ha abandonado su uso como medio propagandístico, pero se ha convertido en la nueva herramienta del arte que rodea el rock y todos los géneros que le siguen, todos los festivales basan en ese elemento el concepto general y la perspectiva de cada año, de la misma manera ocurre con Vive Latino, el arte ha crecido de forma paralela con el festival y por la misma razón siempre hay gente a favor y en contra, tal y como sucede con las bandas invitadas a participar.

Como en muchas áreas, el arte de Vive Latino anteriormente mostraba poco más que los nombres de los grupos que participarían en el evento, tardaron en hacerlo, pero hoy existe una nueva perspectiva alrededor del cartel para promover la música, la nueva visión tiene como objetivo crear algo sin tener que relacionarse directamente con una ideología, pero si ha propiciado el tema central de cada año.

 

Los primeros años fueron poco arriesgados, sin mostrar un tema, se trataba de asentar los dos brazos que se cruzan para formar con las manos las letras V y L, la idea principal eran los participantes, sin embargo a partir del 2004 la imagen ha cambiado. En ese año se presentó el primer cartel que contó con un diseño gráfico temático para el festival, se trató, aunque no sabemos porque razón, de aviones y pilotos con un estilo de la Segunda Guerra Mundial que lograron aterrizar hasta el Foro Sol como personajes ambulando entre el público.

A partir de Vive Latino 2005 percibimos una idea que pretendía permanecer en los siguientes años, el diseño del cartel consistió en una imagen de la ciudad siendo invadida por extraterrestres. En el año siguiente los gráficos fueron inspirados en el circo, con sus personajes característicos saltando entre la multitud o bajando en tirolesa hacia el escenario para darnos esa idea de que el arte inicial podía rodear cada uno de los conciertos.

En Vive Latino 2007 el diseño consistió un la tecnología en la música, la digitalización y la evolución de como concebimos la música en la actualidad, un buen tema para enlazarse con el 2008, donde para la celebración de los 10 años del festival se crearon varios carteles con la “unidad” como característica principal, siendo representada por varios tipos de familia.

Para Vive Latino 2009 las ideas dejaron de ser primarias y se enfocaron en contextos, como fue el caso de los varios carteles de ese año, que emularon la experimentación visual surgida de diversos artistas en la olimpiadas de México 1968, utilizando la misma tipografía y retratos de deportistas de algunas disciplinas olímpicas como los clavados, la alterofilia, el atletismo y el fútbol.

Para Vive Latino 2010 la idea tenía que ver con la imagen de la mexicana que fruta vendía, fragmento de la canción popular infantil La Víbora de la Mar. El cartel del evento mostró la imagen de una mujer vendiendo frutas y flores, con un bajo en la mano. La idea de mexicanismo se reforzó con Vive Latino 2011, donde los gráficos se inspiraron en el arte prehispánico, con elementos que al unirse conformaban un Dios del Rock.

Para 2012, la idea y el invitado para crear el arte fue diferente, inmediatamente identificamos al Dr. Alderete, conocido del rock por sus gráficos para el Multiforo Cultural Alicia y diversos grupos de surf y rockabilly. Un año después Alejandro Magallanes eliminó todos los distractores y nos brindó un cartel con un trazo infantil que expresaba la creatividad temprana. En 2014 el diseñador Manuel Macías expresó las diferentes culturas que alberga el festival y en el 2015 Sociedad Anonima reunió elementos étnicos, tribales y tropicales bajo la visión de la cultura pop.

En 2016 nos encontramos con Saner, quien inmeditamente elevó la idea de lo que debe ser un cartel de Vive Latino, la mezcla de todo eso que realiza este artista, que ha incursionado en el grafitti, la ilustración y el mural con un reconocimiento mundial, con obras monumentales en la calle, en lo mínimo con juguetes o el escenario y el arte del disco con Centavrvs. La edición 17 del Festival Iberoamericano de Cultura Musical vive precisamente todos los aspectos que se ven reflejados en el largo nombre del evento, da importancia a Latinoamérica a través de sus expresiones y narrativas visuales, presentes ahora en cualquier parte del mundo, solo chequen su cuenta de Instagram.

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