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Sonic Arsenal: pasajero silencioso 3, John Cage

“Donde quiera que estamos, lo que más escuchamos es ruido. Cuando lo ignoramos, nos perturba. Cuando lo escuchamos, lo encontramos fascinante” – John Cage


Desde la definición de múltiples y enigmáticas capas del club de David Lynch (en el cine y en París), al incomodo saludo al final de ‘The Graduate’ con Simon & Garfunkel y el vasto regocijo de Depeche Mode unido a la representación visual de Anton Corbijn, el silencio es uno de esos conceptos que posiblemente han sido mejor comprendidos por el compositor John Cage, quien a partir del ruido logró entender el poder de los espacios aparentemente libres de sonido.

La muestra más recordada es la del 29 de agosto de 1952, cuando David Tudor caminó hacia el escenario de Maverick Concert Hall en Nueva York, se sentó al frente del piano y por cuatro minutos y 33 segundos no emitió ningún sonido. Fue la primera vez que se interpretó la pieza silenciosa de John Cage, cuya principal intención es hacer una declaración al tiempo que el público escucha lo que lo rodea.

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El manifiesto mudo de Cage ha inspirado múltiples comentarios, pero como el músico explicó, no hay tal cosa como el silencio. Por su puesto, al principio su propuesta fue desechada, 4’33″ fue catalogada de ridícula, sobre todo en las áreas de la música clásica en las que se movía John Cage, sin embargo, en el área de las artes visuales y la música libre de rigurosas convenciones y llena de experimentaciones, alcanzó un gran reconocimiento, convirtiéndose en una pieza icónica de la postguerra, brindando una gravedad artística e histórica al hecho de que el compositor en realidad no crea y la audiencia es la que puede o no crear con el silencio.

 

 

El epígrafe del inicio es parte de The Future of Music: Credo, uno de tantos ensayos en los que no sólo explora la música, sino el poder del silencio, la falta de voz y la necesidad de experimentar con esos elementos para crear. Ese ensayo en particular aborda la idea de que los sonidos no son más que sonidos, todos son igual de válidos como punto de partida para descubrir más posibilidades sonoras. Curiosamente la palabra silencio no aparece ni una sola vez a lo largo del ensayo, sin embargo sus implicaciones se identifican y nos llevan hasta ese vacío.

Aunque al principio era un compositor avant-garde enfocado en el ruido, a lo largo de su vida después de 4’33″ su propósito fue eliminar estructuras establecidas para lograr entender la música por sí misma, sin las borrosas convenciones entre arte y vida. De hecho, Cage en sus primeros días como compositor promovió la antítesis del silencio: el ruido.

 

Él habló de hacer sonidos nuevos, pero en algún momento de 1948 empezó a trabajar en lo que llamó la Oración del Silencio, como un intento por romper con la cultura estadounidense, estableciendo un nuevo parámetro para el ruido cotidiano en oficinas, centros comerciales y elevadores, presentando la belleza que surge de la quietud.

La Oración del Silencio no se concretó, pero fue el primer paso de John Cage hacia uno de los más grandes estudios del sonido que existen. 4’33″ es el detonador para la creatividad y una postura estética que ha sido adoptada desde múltiples perspectivas, pero sobre todo, es acerca del concepto y la metáfora de un sin número de cosas, la manifestación, la protesta, inconformidad pacífica y las implicaciones políticas otorgadas por la audiencia y de quien propone la adopción de esos cuatro minutos y 33 segundos en un momento dado, pero aunque parezca extraño, siempre es sobre movimiento y sonido.

A 106 años del nacimiento de John Cage (5 de septiembre de 1912), buscar el significado de la obra nos lleva lejos de la experiencia directa de 4’33″ y de todas las creaciones del músico (que son más que esos minutos que algunos no aprecian), por lo que recomiendo buscar sus ensayos, el tributo UnCaged o asistir a la exposición Pasajeros 03: John Cage en el Museo Jumex, donde se realiza una reseña fotográfica de sus visitas a México en 1968 y 1976, destacando su conexión con músicos, artistas y escritores mexicanos. A final de cuentas, en el mundo de las ideas e historias, el silencio es simplemente un lapso de tiempo que tiene un vacío o un significado, dependiendo de quien lo esté escuchando.

 

¿Fan de #JohnCage? Nuestra próxima exposición documenta los viajes de Cage a la Ciudad de México, además de ilustrar sus amistades y colaboraciones con diversos intelectuales mexicanos. Próximamente ‘Pasajeros 03: John Cage’. A partir del 7 de julio en el #MuseoJumex. Imagen: Reunión con John Cage en el Café de Tacuba, julio 1968. Cortesía de Beatrice Trueblood.

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Depeche Mode relanzará todos sus sencillos en vinilo

La banda Depeche Mode lanzará una serie de cajas de edición especial en vinilo de 12 pulgadas, con todos los sencillos de sus álbumes, comenzando con el lanzamiento de Speak & Spell – The 12″ Singles y A Broken Frame The 12″ Singles, que verán la luz el próximo 31 de agosto.

Al respecto de estos relanzamientos, cuyos tracks han sido remasterizados desde las cintas originales, la banda inglesa ha expresado la importancia que desde siempre han tenido los sencillos para ellos:

“Es grandioso poder compartir de nuevo estas canciones con nuestros viejos y nuevos fans, de la manera en que originalmente quisimos que los experimentaran… Esperamos que los disfruten tanto como nosotros”, señala el comunicado de prensa firmado por la banda.

 

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Después de este par de lanzamientos, la banda planea seguir lanzando en box sets de 12 pulgadas sus sencillos de años posteriores, además de que pondrán a la venta una edición especial limitada de relojes inspirados en los 55 sencillos que han lanzado hasta la fecha.

Los relojes estarán diseñados con el arte de cada canción e incluirán una copia del sencillo correspondiente en vinilo, además de un certificado de autenticidad firmado por la banda.

 

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De acuerdo con el comunicado, las ganancias que se obtengan de la venta de estos relojes se destinará a una organización sin fines de lucro que ofrezca un consumo limpio y seguro del agua.

 

 

¿Qué esperar de Depeche Mode en México?

Por: Danie Sans – @daniesans

Hace pocas semanas Rock 101 presentó la discografía de Depeche Mode, poniéndonos en sintonía y dando la cuenta atrás para un especial de 12 horas y las dos presentaciones en el Foro Sol de la ciudad de México, los días 11 y 13 de marzo.

Conforme han pasado los meses ‘Spirit’, el más reciente álbum de estudio de la agrupación se ha ido consolidado entre sus seguidores, proponiendo en él, toda la evolución que a 38 años de trayectoria han alcanzado. La mayor parte de las canciones fueron escritas por Martin Gore y en solo dos de ellos colaboró Dave Gahan, su vocalista. El álbum tiene una clara línea socialista, basta escuchar ‘Where’s the Revolution’, dónde Mártin cuestiona, ¿Quién es el que toma las decisiones? ¿La religión o tú?

Si has tenido la oportunidad de haberlo escuchado lo habrás notado, de no ser así, en ellas encontraras temas como ‘Going Backwards’, ‘Cover Me’ y ‘Where’s the Revolution’, sus tres sencillos en el que escucharas ritmos con una gran influencia folk, gótico y matices de gospel, quizá por la influencia que Gahan ha tenido con Soulsavers y con quien ha estado participado últimamente, yéndole bastante bien.

A los primeros días de haberse estrenado ‘Spirit’ (Marzo de 2017) y lanzar sus sencillos no recibió buenas críticas, argumentando que era una copia de ‘People are People’, con letras que rayaban en lo fascista, al menos así lo argumentaba Alexis Petridis en The Guardian, otras, que habían encontrado la influencia que Martin utilizó para ‘Where’s the Revolution’, en el estribillo de la canción ‘Children of The Revolution’ de T.Rex desintegrada en 1977 por la muerte de su vocalista Marc Bolan y otros más etiquetaron el álbum como aburrido y poco emocionante.

En lo personal, creo que el disco tiene propuestas interesantes, me gustan las frases de blues que Martin ha ido incorporando en sus últimas composiciones con su guitarra acústica, y en la parte de Synth-Pop, no deja nada a desear, cierto es que los tiempos cambian y Depeche Mode ha logrado evolucionar con el paso de los años, demostrando que sigue haciendo música universal.

Global Spirit Tour
Entre una de las cosas que cabe la pena resaltar de esta gira, es que vendrán con toda la experiencia de casi un año en que llevan presentando su Global Spirit. En conferencia de prensa, Dave Gahan comentaba que buena parte de ‘Spirit’ estaba hecha para ser tocada en el concierto, algo que no sucedía desde Ultra de 1994.

De los conciertos que se han colado del Global Spirit Tour y al menos de los dos que tengo cargados en mi reproductor, se escucharán temas del álbum y sus conocidos clásicos como ‘Barrel of a Gun’, ‘In Your Room’, ‘Enjoy the Silence’, ‘Never Let Me Down’ y otros que sin duda emocionan a cualquier seguidor de la agrupación. No te lo puedes perder, son nueve años de su última visita y 24 años de que está viniendo a tierra azteca.

Depeche siempre a la moda

El mítico grupo de los años 80 y 90, Depeche Mode, ha sobrevivido algunas crisis y al paso del tiempo para imponer su estilo. Antes de que estén este verano en Saboya (y a unos días de su concierto en México), el trío que sigue causando tumultos por donde pasa.

La historia de Depeche Mode pudo haber acabado en 1996. Al mismo tiempo que el corazón de Dave Gahan, fue entonces anunciado clínicamente muerto, después de una sobredosis. Así nos lo recuerda Luis Pedro en ledauphine.com.

Triste epílogo de un largo periodo donde el cantante del grupo inglés, a falta de reconocimiento personal, se sumergió en las drogas, e intentó suicidarse antes de coquetear con el desenlace fatal.

Finalmente, su corazón volvió a comenzar, todo como la carrera del del trío inglés.

Depeche Mode conquistó rápidamente las multitudes, un poco menos a los estetas, que a veces los tomaban simplemente por una “boy band” para adolescentes.

Al final de los años 70, en Basildon, a la orilla del sur de Inglaterra, los compañeros de escuela Vince Clarke, Martin Gore y Andy Fletcher recuperaron como cantante a Dave Gahan, que encuentran tropezándose al azar, su nombre en la revista de moda.

El grupo se fue para desenfundar las tuberías en serie (“Just can’t get enough” abre la vía). En 1981 la partida de Vince Clarke (entonces remplazado por Alan Wilder que los dejó en su tour de 1995) quien compuso todos los títulos, pudo cambiar la situación.

Por el contrario, eso lo vuelve aún más bello: es Martin Gore que va a componer y  Dave Gahan que va a interpretar (y a componer un poco más tarde).

Este fin de semana miles de mexicanos están listos para recibirlos.

 

Ladytron comparte nuevo remix de “The Animals” de Vince Clarke

Ladytron lanzó su primer material nuevo en siete años, la nueva canción The Animals, nos alerta Under the Radar.

El sitio informa que la banda compartió un remix de la canción de Vince Clarke de Erasure (y antiguo miembro de Depeche Mode). Escúchala abajo vía Deep House Amsterdam (quienes la lanzaron).

 

En un comunicado de prensa, Daniel Hunt de Ladytron dijo sobre el remix de Clarke; “Siempre hemos querido trabajar con Vince de alguna manera, él obviamente es una leyenda en nuestra esfera”.

Han pasado siete largos años desde que el cuarteto de electro-pop formado en en Liverpool, lanzó su último álbum, Gravity the Seducer en 2011. Under the Radar data más atrás con la banda, los entrevistamos sobre su álbum debut, 604, hace mucho tiempo en nuestra primera edición impresa en 2001. Desde su último álbum, la cantante Helen Marnie lanzó dos álbumes como solista y Daniel Hunt co-produjo el EP de reaparición de los SHOEGAZERS icónicos Lush.

Jim Abbiss, quien produjo el álbum de Ladytron del 2005 Witching Hour, trabajó con la banda en The Animals. Un comunicado de prensa promete un segundo single este verano y un álbum este otoño. La promesa de campaña musical ofrece recompensas como las letras de cualquiera de sus canciones escritas a mano y autografiadas por un miembro de la banda, pruebas de prensado de vinilos, un libro de fotos sobre la historia de la banda, y más

Marnie tenía esto que decir sobre la canción en un comunicado de prensa previo: “The Animals fue la primera canción nueva que tuvimos, y con ella nos fuimos inmediatamente al estudio con Jim Abbiss. Él es el productor que realmente nos ha entendido mejor”.

 

 

¿Qué esperar de Depeche Mode en México?

Por: Danie Sans – @daniesans

Hace pocas semanas Rock 101 presentó la discografía de Depeche Mode, poniéndonos en sintonía y dando la cuenta atrás para un especial de 12 horas y las dos presentaciones en el Foro Sol de la ciudad de México, los días 11 y 13 de marzo.

Conforme han pasado los meses ‘Spirit’, el más reciente álbum de estudio de la agrupación se ha ido consolidado entre sus seguidores, proponiendo en él, toda la evolución que a 38 años de trayectoria han alcanzado. La mayor parte de las canciones fueron escritas por Martin Gore y en solo dos de ellos colaboró Dave Gahan, su vocalista. El álbum tiene una clara línea socialista, basta escuchar ‘Where’s the Revolution’, dónde Mártin cuestiona, ¿Quién es el que toma las decisiones? ¿La religión o tú?

Si has tenido la oportunidad de haberlo escuchado lo habrás notado, de no ser así, en ellas encontraras temas como ‘Going Backwards’, ‘Cover Me’ y ‘Where’s the Revolution’, sus tres sencillos en el que escucharas ritmos con una gran influencia folk, gótico y matices de gospel, quizá por la influencia que Gahan ha tenido con Soulsavers y con quien ha estado participado últimamente, yéndole bastante bien.

A los primeros días de haberse estrenado ‘Spirit’ (Marzo de 2017) y lanzar sus sencillos no recibió buenas críticas, argumentando que era una copia de ‘People are People’, con letras que rayaban en lo fascista, al menos así lo argumentaba Alexis Petridis en The Guardian, otras, que habían encontrado la influencia que Martin utilizó para ‘Where’s the Revolution’, en el estribillo de la canción ‘Children of The Revolution’ de T.Rex desintegrada en 1977 por la muerte de su vocalista Marc Bolan y otros más etiquetaron el álbum como aburrido y poco emocionante.

En lo personal, creo que el disco tiene propuestas interesantes, me gustan las frases de blues que Martin ha ido incorporando en sus últimas composiciones con su guitarra acústica, y en la parte de Synth-Pop, no deja nada a desear, cierto es que los tiempos cambian y Depeche Mode ha logrado evolucionar con el paso de los años, demostrando que sigue haciendo música universal.

Global Spirit Tour
Entre una de las cosas que cabe la pena resaltar de esta gira, es que vendrán con toda la experiencia de casi un año en que llevan presentando su Global Spirit. En conferencia de prensa, Dave Gahan comentaba que buena parte de ‘Spirit’ estaba hecha para ser tocada en el concierto, algo que no sucedía desde Ultra de 1994.

De los conciertos que se han colado del Global Spirit Tour y al menos de los dos que tengo cargados en mi reproductor, se escucharán temas del álbum y sus conocidos clásicos como ‘Barrel of a Gun’, ‘In Your Room’, ‘Enjoy the Silence’, ‘Never Let Me Down’ y otros que sin duda emocionan a cualquier seguidor de la agrupación. No te lo puedes perder, son nueve años de su última visita y 24 años de que está viniendo a tierra azteca.

Depeche Mode y el paraguas para el clima global

 

No hay razón para no comenzar señalando que para el lanzamiento de ‘Where’s the Revolution’ Depeche Mode encontró un nicho virgen que no había sido siquiera sugerido o acariciado con la punta de una pértiga muy larga durante los primeros 15 días más tensos de 2017. Quizás lo intentó Gorillaz pero aparentemente sólo hizo el ridículo.

 

Sin adentrarnos demasiado en el sonido –cómodo y nada arriesgado– y la producción de James Ford –bastante mediocre–, DM tampoco rascó demasiado en las metáforas y David Gahan –quien por el momento debe tener su cuarto lleno de posters de Marylin Manson para alcanzar su registro desgañitado– escupe, con el tedio de quien recita su lista del supermercado, una seguidilla de frases tan cortas que aquello parece haiku o el contenido de un panfleto mal redactado que, sin embargo, parece cumplir con su tarea de informar. Ojo, sólo informar.

 

“¿Dónde está la revolución? Vamos, gente” es el grito de batalla que se repite hasta el cansancio y no alcanza ni por asomo el poder de convocatoria que se requiere para crear cambios emocionales y de actitud. Oh, sí, la gente sabe qué está sucediendo en Norteamérica pero aparentemente no lo comprende.

 

 

¿Oportunismo o casualidad? Es posible que, aunque suene contradictorio, hayan sido las dos cosas o quizás estoy equivocado, pero el cariz de la canción me remite a cualquier lado B de la banda. No emociona, aburre y aturde, precisamente tres aspectos de los que debe adolecer cualquier intento electro pop a menos que te llames Vómito Negro o Calva y Nada.

 

La música y las artes en el mundo tienen una oportunidad abierta para manifestar su posición y hacer llegar un mensaje concreto, como el de DM, pero, sin duda, con una mayor construcción sociopolítica porque además de entretener, el arte debe enseñar y motivar el pensamiento, la disertación.

 

No obstante, al mismo tiempo, resulta decepcionante que reconocidos paladines de los Derechos Humanos como Zack de la Rocha y Manu Chao estén más entretenidos en otras cosas, mientras que el actor Matthew McConaughey llamó a cerrar filas alrededor del presidente de Estados Unidos con un discurso preciso y bien documentado cuyo único fallo puede ser el no estar de acuerdo con su posición. Pero eso ya es algo personal.

 

Pareciera que los artistas aún no se reponen de la sorpresa y esa área de oportunidad sea saciada en meses posteriores, pero por lo visto el shock es de tal envergadura que no permite hallar una puerta de entrada para editorializar el clima global o al menos hilar algunas ideas coherentes. O quizás sobre el arte pesa esa máxima que sugiere no entrometerte en temas que no conoces o que pueden resultar demasiado ponzoñosos.

 

Por primera vez, el arte parece estar a la expectativa. Ya llegará el momento del estrés; esperemos.

Si tienes algo que decir, guarda silencio

“Donde quiera que estamos, lo que más escuchamos es ruido. Cuando lo ignoramos, nos perturba. Cuando lo escuchamos, lo encontramos fascinante” – John Cage

 

Hace 65 años inició la travesía de John Cage hacia el silencio. Desde la definición de múltiples y enigmáticas capas del club de David Lynch (en el cine y en París), al incomodo saludo al final de ‘The Graduate’ con Simon & Garfunkel y el vasto regocijo de Depeche Mode unido a la representación visual de Anton Corbijn, el silencio es uno de esos conceptos que posiblemente han sido mejor comprendidos por el compositor John Cage, quien a partir del ruido logró entender el poder de los espacios aparentemente libres de sonido.

 

 

La muestra más recordada es la del 29 de agosto de 1952, cuando David Tudor caminó hacia el escenario de Maverick Concert Hall en Nueva York, se sentó al frente del piano y por cuatro minutos y 33 segundos no emitió ningún sonido. Fue la primera vez que se interpretó la pieza silenciosa de John Cage, cuya principal intención es hacer una declaración al tiempo que el público escucha lo que lo rodea, una historia que comenzó en 1948 como idea, pero que empezó a gestarse a lo largo de 1951 inspirado por la serie ‘Blank’ del artista plástico Robert Rauschenberg, quien también diseñó la portada del disco ‘Speaking in Tongues’ de Talking Heads.

 

 

Sus lienzos pintados de blanco, que variaban su aspecto dependiendo las condiciones de luz, derivaron en una de las más importantes obras sonoras del siglo XX. El manifiesto mudo de Cage ha inspirado múltiples comentarios, pero como el músico explicó, no hay tal cosa como el silencio. Por su puesto, al principio su propuesta fue desechada, 4’33″ fue catalogada de ridícula, sobre todo en las áreas de la música clásica en las que se movía John Cage, sin embargo, en el área de las artes visuales y la música libre de rigurosas convenciones y llena de experimentaciones, alcanzó un gran reconocimiento, convirtiéndose en una pieza icónica de la postguerra, brindando una gravedad artística e histórica al hecho de que el compositor en realidad no crea y la audiencia es la que puede o no crear con el silencio.

 

El epígrafe del inicio es parte de ‘The Future of Music: Credo’, uno de tantos ensayos en los que no sólo explora la música, sino el poder del silencio, la falta de voz y la necesidad de experimentar con esos elementos para crear. Ese ensayo en particular aborda la idea de que los sonidos no son más que sonidos, todos son igual de válidos como punto de partida para descubrir más posibilidades sonoras. Curiosamente la palabra silencio no aparece ni una sola vez a lo largo del ensayo, sin embargo sus implicaciones se identifican y nos llevan hasta ese vacío.

 

Aunque al principio era un compositor avant-garde enfocado en el ruido, a lo largo de su vida después de 4’33″ su propósito fue eliminar estructuras establecidas para lograr entender la música por sí misma, sin las borrosas convenciones entre arte y vida. De hecho, Cage en sus primeros días como compositor promovió la antítesis del silencio: el ruido.

 

Él habló de hacer sonidos nuevos, pero en algún momento de 1948 empezó a trabajar en lo que llamó la ‘Oración del Silencio’, como un intento por romper con la cultura estadounidense, estableciendo un nuevo parámetro para el ruido cotidiano en oficinas, centros comerciales y elevadores, presentando la belleza que surge de la quietud.

 

La ‘Oración del Silencio’ no se concretó, pero fue el primer paso de John Cage hacia uno de los más grandes estudios del sonido que existen. 4’33″ es el detonador para la creatividad y una postura estética que ha sido adoptada desde múltiples perspectivas, pero sobre todo, es acerca del concepto y la metáfora de un sin número de cosas, la manifestación, la protesta, inconformidad pacífica y las implicaciones políticas otorgadas por la audiencia y de quien propone la adopción de esos cuatro minutos y 33 segundos en un momento dado, pero aunque parezca extraño, siempre es sobre movimiento y sonido.

A final de cuentas, en el mundo de las ideas e historias, el silencio es simplemente un lapso de tiempo que tiene un vacío o un significado, dependiendo de quien lo esté escuchando.

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