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El soundtrack de la vida – calaveritas rockeras

Para ser sincero no soy mucho de la celebración de Día de muertos, la cosa viene de familia porque no nunca fuimos de poner ofrenda y en el colegio se hacía más por el Halloween.

Sin embargo la tradición de las “calaveritas” siempre me ha gustado, ese juego entre la literatura, la muerte y el humor, una característica muy mexicana y aunque me chocan los estereotipos, una práctica común en la que no me cuesta trabajo integrarme, así que sin más preámbulo, les comparto mis calaveritas rockeras.

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La muerte sin dudarlo
a Bowie vino a llevarse
pero no podía encontrarlo
pues le gusta disfrazarse.
Tuvo que pedir refuerzos
buscando si pista, sin rumbo
y tras muchos esfuerzos
se lo llevó al inframundo.

The Man Who Sold the World es un sencillo del álbum homónimo de David Bowie de 1970, en la letra se deja entrever una especie de duplicidad, y aunque nunca se aclaró realmente a quién se refería Bowie, juega con la conjugación entre el primer y segundo verso con la primera persona del singular y del plural. Ese juego entre el él y el nosotros define su naturaleza camaleónica.

 

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Una de las cosas que más disfruto de la época halloweenesca es poder usar disfraz, jugar un rato a ser alguien o algo más, dejar la piel propia por un exoesqueleto que nos deja divertirnos un rato para después volver a la normalidad, sin rencor y preferentemente sin memora.

Sin estar muy convencida
la huesuda vino por Reed
pero estaba muy divertida
y se le escapó sin sentir.
Lo siento Lou, dijo la muerte
esto es un asunto serio,
ya se te acabo la suerte
te vas conmigo al cementerio.

El tercer sencillo del álbum The Velvet Underground & Nico, Heroin, fue un track que causó controversia en 1967, su año de lanzamiento, ya que se acusaba que la rola glorificaba el uso de las drogas. sin embargo la letra se puede interpretar de una forma totalmente opuesta o distinta. La primera vez que la escuché era demasiado joven ( o fresa) para entender su verdadero significado, así que viví muchos año creyendo que se refería a una mujer y para mi tenía perfecto sentido.

Y esa es la magia de la música, y especialmente la de Lou Reed, las letras pueden tener distintos significados, transmitir distintas cosas dependiendo nuestra edad o hasta nuestro humor. La idea de algo que nos haga sentir “mejor que muertos” es una sensación que todos quisiéramos experimentar, la gran ventaja es que en México lo podemos vivir una vez al año.

Casi por accidente, la muerte
a Leonard Cohen se llevó
le invitó un trago muy fuerte
y casi se le olvidó.
No te creas que es cuento
dijo la huesuda muy suelta
yo creía que ya estabas muerto
y habías salido a dar la vuelta.

Cada vez que despierto con la garganta cerrada o lo que yo conozco como “voz Leonard Cohen” me pongo a cantar Everybody knows, sencillo del álbum de 1988 I’m your man, por mucho mi rola preferida de Cohen.
Descrita como “amargamente pesimista y a la vez graciosa” tiene mucho que ver con esa dualidad entre el destino inevitable y lo poco que podemos hacer al respecto; al final “todo el mundo sabe que así son las cosas”.

La celebración de la muerte no es exclusiva de los mexicanos, muchas culturas a través de la historia lo han hecho, tal vez sea la particular forma de verlo y el humor con que se hace lo que hace que destaque y llame la atención. Al final cada quien lidia con el fin como mejor le parece, lo que no podemos negar es que ese fin llega, si hay vida después de la muerte, es otro tema de discusión, yo solo sé que hay que disfrutar de la música y de la vida en lo que se completa el trámite mortal, que me permite desde este plano escribir calaveritas rockeras para el Día de Muertos.

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ÁLBUM DE LA SEMANA:ELVIS COSTELLO & THE IMPOSTERS
Look Now
Concord

Bueno, allá vas. Estaba convencido de que el doble golpe de Donald Trump y un susto de cáncer revivirían el lado más enojado y punky de Costello. Esperaba escuchar sus vocales que gruñían y escupían contra la muerte de la luz (la suya y el mundo del pensamiento libre en general). Pero no. Gran parte de la planificación de este álbum ocurrió el año pasado, mientras que él se fue de gira con un set en gran parte compuesto de canciones del Imperial Bedroom, y ese álbum proporciona el templete para este. Este es el pulido herrero, el artesano que sigue la tradición de Burt Bacharach (que coescribe tres canciones aquí) y el Brill Building (Carole King coescribe otra).

La pista de King, Burnt Sugar Is So Bitter, es una historia de resiliencia; Como otros aquí, es esencialmente un cuento guiado por un personaje. Stripping Paper utiliza el momento en que una mujer, al quitar el papel tapiz, encuentra una marca de lápiz que indica la altura de un niño como la clave que desbloquea la historia de un matrimonio en disolución. En I Let the Sun Go Down, Costello investiga a un personaje cuyas opiniones con las que seguramente no está de acuerdo: un hombre que lamenta la pérdida del imperio. Con las habilidades melódicas de Costello en su apogeo, los ritmos de Pete Thomas, el epítome de la sutileza y el tecladista Steve Nieve en la mezcla, donde los fanáticos de lo Ismposters/Attractions de siempre quieren que sea, no hay realmente un momento de relleno en todo el álbum.

JOHN GRANT
Love Is Magic

Bella Union
Hay una brecha entre cómo queremos que sea el mundo y cómo es realmente el mundo; y es dentro de esa brecha que Grant crea su mejor trabajo. Por lo tanto, una canción cuyo título, que profesa Love Is Magic, encierra la mundanidad de las relaciones con las líneas: “No hay leche en el refrigerador / Y lo escucharás todo cuando llegues a casa esta noche”. La irónica destreza irónica de Grant es intacto, respaldado por una mezcla de rock suave y electrónica de los ochenta. Es un álbum sencillo, en realidad, contundente, pero en última instancia, conmovedor.

 

ST VINCENT
MassEducation

Loma Vista
Un año después de Masseduction, un divertido juego electrónico sobre cosas tristes, llega una St. Vicente desvestida. Literalmente en la portada, pero desaparecido está la aventura sonora de esta artista de una sola vez en una generación, reemplazado por el piano. A veces esto hace poco: Nueva York permanece como una balada dispersa. Pero al sacrificar la sorprendente guitarra, esta revisión pone de relieve su sorprendente voz. El coro de Los Ageless; el desglose de Young Lover, que permite respirar en un entorno parecido a Billy Joel: su oficio nunca ha sonado tan clásico ni tan hermoso.

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ELLA MAI
Ella Mai

10 Summers
¿Aburrido por el R&B moderno y sin alma? ¿Recuerdas las mermeladas de verano y los duetos de Brandy y Mónica? Conozca a Ella Mai, una londinense del sur cuyo retroceso en los años 90, R&B la ha convertido en una estrella en los Estados Unidos. John Legend está entre los invitados. La voz de Mai es una maravilla, sofocante un minuto, dando vueltas al siguiente. El nuevo single, Trip, es hipnótico, pero es el audaz Cheapshot que podría romper en Gran Bretaña.

 

NENEH CHERRY
Broken Politics

Smalltown Supersound

Cherry tiene problemas para salir de su pecho con un quinto álbum íntimo, producido por Four Tet, que es tanto poesía como pop. Un torrente de pensamientos con asociación de palabras tropieza con su lengua en Faster Than the Truth; Deep Vein Thrombosis  hace reflexionar sobre la vida al piano y la percusión dispersos; puedes escucharla suspirar en la Synchronised Devotion acompañada por arpa. Shot Gun Shack (sobre la cultura de las armas de América) y Kong (la crisis de los refugiados de Europa) son temas más musculosos, pero aún así colocan en el centro de atención  la voz distintiva de Cherry.

 

LE TRIO JOUBRAN
The Long March

Cooking Vinyl
El reciente baile en solitario de Joseph Tawadros habrá convertido a más de unos pocos recién llegados a las complejidades del oud. Si estabas fascinado, los hermanos palestinos Samir, Wissam y Adnan Joubran deberían ser los siguientes en tu lista. Los tradicionalistas pueden rechazar la electrónica y las cuerdas, pero el productor Renau Letang de Manu Chao tiene un ligero toque. Las vocales dispersas de un invitado VIP, Roger Waters de Pink Floyd, agregan un toque conmovedor a Carry the Earth.

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JOHN HIATT
The Eclipse Sessions

New West
Entra y sale del radar de Americana, pero las letras sardónicas de Poor Imitation of God encuentran al veterano cantante y compositor en la cima de su juego. Si bien una o dos de las canciones de su primer álbum en cuatro años son más genéricas, vale la pena leerlas para saborear letras tan sutiles como las de Over the Hill; y hay un jaleo blues a The Odds of Loving You.

 

NACIMIENTO DE LA SEMANA: 

A STAR IS BORN OST
Various

Universal

Adiós vestido de carne, hola vestido de gala: un Oscar a la mejor canción es todo menos en la bolsa. Esta banda sonora ofrece 19 canciones nuevas, la mejor parte escrita por Lady Gaga, y suficiente diálogo para disfrutar de las escenas clave de la película sin tener que poner un pie en un cine. Bradley Cooper es un cantante de country sorprendentemente convincente, pero es Gaga quien se sobresalta. Ella hace suya La Vie en Rose, convierte al dueto Shallow en un triunfo de lágrimas y arrastra la casa hacia abajo con “Never Never Again Again” dos veces.

 

 

MUST-HAVE REISSUE 
DAVID BOWIE
Loving the Alien (1983-1988)

Parlophone
El cuarto de una serie que comenzó con Five Years, que cubrió Space Oddity to Pin Ups, este conjunto de cuadros reúne la sección de salida de Bowie que hizo que los fanáticos se preguntaran si la magia finalmente se estaba desvaneciendo. Let’s Dance se sostiene bien, pero Tonight sigue siendo un desastre. Las remezclas, el trabajo de la banda sonora y dos álbumes en vivo sirven como puntos principales, pero el interés real radica en el nuevo trabajo Never Let Me Down, un álbum que Bowie siempre deseó poder rehacer. Junto a los gustos de Nico Muhly y Reeves Gabrels, es una posdata intrigante e inquietante.

 

BREAKING ACT 
ALFIE TEMPLEMAN 

¿Quién es él? Un cantautor de 15 años de Bedfordshire. Recién contratado en el Chess Club (MØ, Tove Styrke, Hinds y otros), el adolescente está a punto de lanzar su primer EP, Like an Animal. Sus cinco pistas, interpretadas en su totalidad por el cantante y grabadas en su dormitorio, hacen referencia a artistas como Harry Nilsson, Prefab Sprout, Boy Pablo y Mac DeMarco, con una orden de solo de John Lennon. De repuesto, ligeramente destartalado y lleno de espacio, las canciones de Templeman tienen un máximo de melodía, con letras llenas de amor a mitad de camino entre un resignado encogimiento de hombros y un prolongado desmayo, y son uniformemente encantadoras. Si esto es lo que se le ocurre solo en su habitación a la edad de 15 años, debe ser alguien para seguir de cerca.

¿Cuándo está disponible la música? El viernes, en el Chess Club alfietempleman.bandcamp.com .

PISTAS MÁS CALIENTES
Norma: Another Red Day 
Un ligero reggae, texturas pop-noir, una letra sobre los ciclos físicos y psicológicos: la cantante francesa mejora y mejora.

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Fickle Friends: The Moment 
Previsualizando su nuevo álbum, la banda de Brighton presenta una introducción sobre cómo lograr la perfección del sintetizador pop.

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Alma: Cowboy
El finlandés regresa con una mezcla locamente pegajosa de blues / electro-pop.

 

Texto tomado de The Sunday Times, traducción Rock 101

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Banda Sonora 101 – Bowie rockumentado

El miércoles pasado lo sometimos a votación y la @BandaSonora101 decidió el tema de esta entrega: David Bowie, rockumentado. Así que vamos a realizar un viaje mágico musical a lo largo de los ocho rockumentales que a la fecha se han filmado sobre este gran artista británico.

El nombre real de David Bowie es David Robert Jones. Nació en Brixton, en el sur de Londres, el 8 de enero de 1947 y murió a los 69 años, el 10 de enero de 2016. Estudió arte, música y diseño y comenzó su carrera musical en 1963, a los 16 años. A partir de ese momento, Bowie creció tan alto que llegó a las estrellas y se convirtió en un icono cultural. Su último álbum, llamado Black Star, anunció que la estrella que brilló durante 5 décadas estaba a punto de apagarse.

Tratándose de un personaje de la talla de David Bowie, llama la atención que no existan tantos documentales sobre Bowie como uno podría esperar. Estamos hablando de ocho filmes, de los cuales la mayoría son conciertos filmados, a los largo de 55 años de carrera. El cine, sin duda, nos debe una gran película sobre David Bowie, como sí las hay sobre Bob Dylan, George Harrison, Nina Simone, Bob Marley

Aquí los ocho documentales sobre David Bowie más CHRISTIANE F, película del alemán Uli Edel musicalizada por Bowie.

DAVID BOWIE: SERIOUS MOONLIGHT (1984)
Realizada por David Mallet, SERIOUS MOONLIGHT es una película-concierto filmada el 12 de agosto de 1983 durante una memorable presentación de David Bowie en Vancouver, como parte de la gira epónima para promover el álbum Let´s Dance. Sólo se exhibió en cines del Reino Unido en 1984, pero se comercializó a escala global vía las ediciones en video, laserdisc y DVD, así como la televisión pública. No existe soundtrack y el único acceso a la banda sonora es viendo el concierto.

 

 

DAVID BOWIE: RICOCHET (1984)
Una película-concierto filmada por Gerry Troyna en el tramo asiático de la gira Serious Moonlight de mayo de 1983 de David Bowie, con intercortes de las experiencias del músico mientras pasea por tres ciudades asiáticas: Hong Kong, Singapur y Bangkok. Hermana de SERIOUS MOONLIGHT (1984), ambas se exhibieron vía la televisión pública y se comercializaron en video. El único acceso a la banda sonora de RICOCHET es vía las versiones editadas en video.

 

 

CHRISTIANE F (1981)
Realizada por el alemán Uli Edel en 1981, CHRISTIANE F cuenta la historia de una jovencita, casi niña, que se engancha en el consumo de heroína en la Berlín de principios de los 80. La música original es obra de David Bowie y el filme cuenta con una secuencia memorable en la que Christiane, la joven protagonista, asiste a un concierto real de Bowie. Uli Edel armó la secuencia con imágenes de la joven deambulando entre el público, intercaladas con las de Bowie en el escenario mientras canta en vivo y completa “Station to Station”, rola que en la película refiere a la vida de los junkies europeos en las estaciones del metro de la capital alemana.

 

 

DAVID BOWIE: A REALITY TOUR (2004)
Realizada por Marcus Viner, DAVID BOWIE: A REALITY TOUR es una película-concierto emanada de una serie de presentaciones de Bowie en el Point Theatre de Dublín, Irlanda, en noviembre de 2003, como parte de la gira Reality Tour de ese año. La leyenda del rock interpreta en vivo varias rolas del álbum Reality, más un montón de clásicos de su discografía. Existe soundrack en formato físico y también está disponible vía descarga o streaming en las principales plataformas de música.

 

 

DAVID BOWIE & THE STORY OF ZIGGY STARDUST (2012)
Es un documental de la BBC, dirigido por James Hale y narrado por Jarvis Cocker, que explora en la creación, 40 años atrás, del álbum conceptual “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” (1972), mismo que se instaló en el imaginario juvenil de principios de los 70 con una poderosa combinación de rock extraterrestre, sexualidad andrógina, glamour e histrionismo en escena, y de paso lanzó a Bowie al estrellato universal.

Fue tan fuerte el viaje musical de Bowie con este álbum que hasta le hizo dudar de su verdadera identidad y le llevó a despedirse de su maravilloso alter ego alienígena, Ziggy Stardust.

 

 

DAVID BOWIE IS (2013)
El documental DAVID BOWIE IS se realizó con motivo de la magna exposición sobre Bowie que montó en 2013 el museo Victoria and Albert de Londres. Sin hilo cronológico, el filme, codirigido por Hamish Hamilton y Katy Mullan, hace un recorrido por cinco décadas de constante reinvención de este icono cultural y cuenta, además, con la participación de invitados especiales como el diseñador de moda japonés Kansai Yamamoto y Jarvis Cocker, líder de la banda Pulp y fan declarado de Bowie. No se editó soundtrack de esta película y el único acceso a la banda sonora es por medio de las ediciones en video.

 

 

David Bowie: Five Years (2013)
Es un documental de Francis Whately que revisa cinco años clave de la carrera David Bowie. Desde la creación de Ziggy Stardust, pasando por la estrella del soul de Young Americans, el Delgado Duque Blanco, la regeneración en Berlín y el triunfo internacional de Let’s Dance. Con entrevistas a sus más cercanos colaboradores, este filme revela por qué David Bowie se convirtió en un icono cultural. No existe soundtrack de esta película y el único acceso a la banda sonora es mediante las ediciones en video.

 

 

DAVID BOWIE: STARMAN (2016)
Un documental biográfico que se transmitió por Channel 4 de Inglaterra el 10 de enero de 2016, día de la muerte de David Bowie, y en el que se le rinde tributo a su vida y obra. Se trata de un merecido homenaje a un artista de otro mundo y uno de los mayores referentes culturales que ha dado el Reino Unido. No se editó soundtrack.

 

 

DAVID BOWIE: THE LAST FIVE YEARS (2017)
Dirigido por Francis Whately, DAVID BOWIE: THE LAST FIVE YEARS (2017) es un portentoso documental sobre los últimos 5 años de vida de David Bowie, centrándose sobretodo en sus álbumes “The Next Day” (2013) y “Blackstar” (2016), así como el musical de Broadway “Lazarus.” No se editó soundtrack de esta película y el único acceso a la banda sonora es vía las ediciones en video.

 

El bar de cócteles David Bowie abrirá en Londres

Agárrense a su “polvo de estrellas”, un bar de cócteles con temas de David Bowie abrirá en Londres.

Inaugurado en el Hotel Café Royal el 20 de septiembre, el exclusivo bar será un accesorio permanente y contará con una gran variedad de bebidas inspiradas en el icónico álbum de 1972 del artista fallecido: ‘The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars’.

Las bebidas serán nombradas después de algunas de las letras más famosas de Bowie de las canciones en el álbum, incluyendo “Darkness and Disgrace” y “Animal Grace”.

La muerte de la leyenda musical en 2016 provocó una ola de luto nacional, con muchas fiestas de temática Bowie para honrar a la estrella amada.

Foto: Hotel Café Royal

También hay un monumento para el cantante en Brixton, donde nació, que se levantó en 2013 y se convirtió en un lugar popular para los fanáticos que desean presentar sus respetos después de su muerte.

Bowie celebró su famosa “fiesta de retiro” para su alter ego, Ziggy Stardust, en el Hotel Café Royal el 3 de julio de 1973. De ahí que el hotel haya decidido pagar al cantante un tributo tan trascendental.

A la fiesta asistieron varios músicos populares, entre ellos Paul McCartney, Mick Jagger, Barbra Streisand y Lou Reed.

Fabio Spinetti, gerente de bares y bebidas del hotel, dijo: “Café Royal siempre ha sido el lugar donde las grandes mentes vendrían a discutir grandes ideas.

“David Bowie jugó un papel muy importante en la historia de Café Royal, con la famosa ‘Última Cena’ que tiene lugar aquí. Parece apropiado brindar un homenaje a uno de nuestros clientes más estimados.

Cada bebida incluye licores y guarniciones cuidadosamente considerados, todo un tributo a la vida de Bowie y su carácter excéntrico y el cambio que trajo a la década de 1970 no solo a la música, sino a la vida misma”.

Las bebidas en el menú incluyen el ‘Femme Fatale’, un giro en el martini convencional, que se cree que le encantó a Bowie, que combina el sake japonés con licor de vermut dulce.

Foto: Hotel Café Royal

También está el ‘Tiger on Vaseline’, que toma su nombre de la popular canción ‘Hang on to Yourself’. La bebida en sí misma juega en el clásico piña colada, con coco casero y espuma de chocolate blanco.

El bar también honrará a Bowie mostrando una selección de fotografías famosas tomadas por Mick Rock, uno de los fotógrafos oficiales del cantante, además de una serie de tomas íntimas y raramente vistas.

Sin duda será un gran éxito entre Bowie y los aficionados a los cócteles por igual.

 

Fuente original: Olivia Petter | Independent

El soundtrack de la vida – It takes two, grandes duetos del rock

No venimos al mundo en parejas, es una frase muy común para señalar la impotencia de la singularidad humana y todo lo que somos capaces de lograr sin la necesidad de un acontecimiento, sin embargo, cada regla tiene sus excepciones y cuando dos grandes figuras se unen con un solo propósito, el resultado suele ser excepcional, se requieren ambos elementos para lograr estos grandes duetos del rock.

Una de mis intérpretes de rock favoritas siempre ha sido Stevie Nicks, la potencia y timbre de su voz definen el rock de los 70. Por otra parte nunca fui muy fan de Tom Petty, me parece que su estilo a veces se pierde en la inmensidad de la música, sin embargo, tuvo a bien escribir ‘Stop draggin’ my heart around, para el álbum debut de la carrera en solitario de Stevie Nicks, Bella Donna de 1981 y fue el único track en esa grabación en la que Nicks no participa en la parte creativa, el resultado, la mejor canción de Petty gracias a la voz de la Reina del Rock Stevie Nicks.

 

Hablado de artistas que no me convencen, sin duda uno de los primeros lugares los ocupa Cher, aunque debo admitir que tiene (o tuvo) una gran voz, muchas veces quedaba mal utilizada en temas que no vale la pena mencionar. Porqué Meatloaf decidió hacer un dueto con Cher en ‘Dead ringer for love’ del álbum cuasi homónimo Dead ringer de 1981, sigue siendo un misterio, lo que si puedo compartir es que a pesar de lo bien que suenan juntos en esta pequeña oda al rock, el amor y la clase trabajadora, no hay ningún testigo de que el track haya sido interpretado en vivo por este dúo o que Cher la haya cantado en concierto. Aún así, para mi sigue siendo una de mis favoritas.
Finalmente llegamos al momento cumbre de lo que al parecer fue un prolífico 1981 en lo que se refiere a duetos rockeros. Producto de una improvisación y el genio de cinco de los más prolíficos representantes del rock en la historia, David Bowie, Freddie Mercury, Roger Taylor, John Deacon y Brian May, surge ‘Under Pressure’, tal vez una de las mejores experiencias musicales a dos voces que se puedan experimentar y que cuenta con múltiples versiones que nos hacen ver todas las facetas que puede tener una simple (por usar un término básico) melodía.
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Les invito a escucharla con audífonos, clavarse en las texturas vocales, en las pausas, en línea de bajo y los acordes. Es muy difícil encontrar una rola tan completa, es como si Bowie y Mercury nos quisieran decir, no, no venimos al mundo solos, pero trabajando en equipo, podemos lograr cosas fantásticas.

El soundtrack de la vida: Vientos de cambio

Dicen que lo único inevitable es el cambio, todo en este mundo está en constante evolución. El domingo nuestra Ciudad, nuestro país iniciará un proceso de cambio, no estoy aquí para vaticinar o juzgar ese cambio, únicamente para referenciar este hecho, ciertamente inevitable, con algunas rolas que hacen énfasis y que nos muestran su gran importancia.

Un factor muy importante para tomar cualquier decisión es el económico, ¿cuántas veces el hecho de tener saldo suficiente en nuestra cuenta a cambiado un si por un no y viceversa ?. Desde un punto de vista romántico el dinero no debería afectar nuestra vida, sin embargo en un frío baño de realidad, para la mayoría de la población mundial; la búsqueda de riquezas ha sido la motivación detrás de los grandes cambios en el orden mundial; tal vez esa haya sido la inspiración detrás de la pieza instrumental de The Smiths de 1986, Money changes everything; o pudo ser una reflexión sobre el momento de su carrera. Lo que es una certeza es que no tuvo nada que ver con Cindy Lauper y que es una rola que personalmente disfruto mucho.

 

 

El 7 de enero de 1972, un día antes de cumplir 25 años, The Thin White Duke, David Bowie lanzó el sencillo Changes de su álbum Honky Dory. Ya para esos días Bowie era reconocido por su camaleónica personalidad y con este track hacía una reseña de su carrera al momento. Esta tendencia se mantuvo a lo largo de su carrera, David Bowie es un ejemplo perfecto una persona que se adapta a los tiempos, que no se estanca y busca evolucionar, encontrando nuevos temas, nuevos ritmos y mantenerse actual y revolucionario a la vez.

Sin duda una lección a la que debemos prestar atención y que nos inspira a mantenerlos alertas a las nuevas oportunidades que nos entrega la vida y no tener miedo a hacer nuevas cosas y siempre enfrentarnos a nuevos retos. Changes fue la última canción que Bowie interpretó antes de retirarse de los escenarios y en mi opinión su más grande legado.

 

Los años 90 estuvieron marcados por grandes cambios en el orden político y económico mundial, la caída del Muro de Berlín el 9 de noviembre de 1989 llenó al mundo de ilusión, lo que parecía imposible: la re unificación alemana, el fin de la guerra fría nos llenaba de una sensación de paz que es difícil de explicar. Este sentimiento inspiró a Klaus Meine, vocalista de la banda alemana Scorpions a escribir la que sería su power ballad más exitosa Wind of change, que fue incluía en el álbum Crazy World de 1991.

 

La letra aunque cursi e idealista, habla de una posibilidad de hermandad que ocurre tras un cambio, de la aceptación ante los (inevitables) cambios y sobre todo de pensar en los beneficios que pueden venir en el futuro.

Hoy vivimos en un país dividido, polarizado, y ante los vientos de cambio que se avecinan, porque sin importar los resultados, ciertamente habrá un cambio, lo importante es que tanto ganadores como vencidos (si lo tenemos que poner de algún modo) busquemos la reconciliación, el punto medio y pensemos más allá de nuestras propias posiciones y pensemos, por una vez en el bien común.

 

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Carrie Fisher: tuve sexo con David Bowie. Creo

Cuando Carrie Fisher tenía 17 años, se despertó desnuda en la cama con el cantante David Bowie, pero había tomado tantas drogas que no podía recordar si habían tenido relaciones sexuales.

“Creo que tuvimos sexo. ¿O fantaseé con ello?”, cita la fallecida Fisher en una nueva biografía.

También se dice que la actriz estadounidense mejor conocida por interpretar a la Princesa Leia en la series de Star Wars, tuvo una aventura amorosa con Freddie Mercury, el cantante de Queen.

Fisher, que falleció a los 60 años en 2016, asistía a la Royal Central School of Speech and Drama en Londres cuando fue invitada con su madre, la actriz Debbie Reynolds, a una fiesta organizada por Mick Jagger.

Fue allí donde conoció a Bowie, quien “pareció sobrevivir durante días a la cocaína que hace vibrar el cerebro”. 

Ella dijo que Mercury, que tenía una cadena de amantes masculinos, le dijo: “Un tipo como yo necesita más”.

Recuerda el diario argentino La Nación que los historiadores cinematográficos Darwin Porter y Danforth Prince dieron a conocer revelaciones sobre el resultado de la ardua investigación que llevaron adelante para escribir su nuevo libro. Y así, contaron que, cuando tenía apenas 17 años, Fisher mantuvo tórridos y clandestino encuentros con el compositor de “Heroes” y con el líder de Queen.

Traducción libre de Lilith T. Masso de The Sunday Times

Banda Sonora 101: Cine y rock en los 80

Continuamos con los festejos por el aniversario de Rock 101, así que en esta ocasión nos vamos a echar un clavado a los 80, periodo del cual seleccionamos un grupo de 20 películas con bandas sonoras emblemáticas y que de algún modo se convirtieron en referentes de esa década.

Esta selección, lo aclaro desde el principio, no pretende ser una compilación de “lo mejor del cine rock de los 80.” Simplemente es un grupo de películas de diversa calidad pero que tienen un elemento en común: grandes bandas sonoras.

En esta curaduría de soundtracks ochenteros conviven David Bowie, Vangelis, Pink Floyd, Stewart Copeland, Talking Heads, Iggy Pop, Prince, Peter Gabriel, The Cure, Los Lobos, el gran Ennio Morricone y hasta el Dúo Dinámico.

Aquí la selección:

CHRISTIANE F (1981)
El cineasta alemán Uli Edel tiene dos películas memorables: CHRTISTIANE F (1981), sobre la adicción a las drogas duras de una jovencita en Berlín y con la participación de David Bowie en la banda sonora, y LA BANDA BAADER MEINHOF (2008), sobre el grupo terrorista epónimo y la cual también cuenta con música de altos vuelos. En CHRISTIANE F hay una secuencia memorable en la que la protagonista asiste a un concierto en el que David Bowie canta en vivo y completa “Station to Station”.

 

BLADE RUNNER (1982)
Dirigida por Ridley Scott, BLADE RUNNER se estrenó el 7 de septiembre de 1982 en el festival italiano de Venecia. Brillante adaptación de la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick, esta película marcó, como lo hizo en su momento 2001: ODISEA DEL ESPACIO de Kubrick, un antes y un después en el cine de ciencia ficción. La música original es obra del griego Vangelis. Una película inmortal con una gran banda sonora.

 

PINK FLOYD THE WALL (1982)
PINK FLOYD THE WALL (1982) es un clásico indiscutible del cine-rock y un referente obligado de principios de los 80. Dirigida por Alan Parker y protagonizada por Bob Geldof (Mr. Pink), esta película lleva al lenguaje cinematográfico la obra musical concebida por el master Roger Waters y compañía. Es uno de los pocos casos en la historia del cine que la música original antecede a la película, ya que el filme parte del álbum The Wall, publicado en noviembre de 1979. Las secuencias de animación son obra del ilustrador Gerald Scarfe y Roger Waters. La música lo es todo.

 

RUMBLE FISH (1983)
Pequeña gran obra maestra de Francis Ford Coppola, RUMBLE FISH se estrenó el 7 de octubre de 1983 en el festival de Nueva York. La protagonizan Mickey Rourke (The Motorcycle Boy), Matt Dillon (Rusty James) y Diane Lane (Patty), y la música original es obra de Stewart Copeland, entonces baterista de The Police, hoy un consagrado compositor de música para cine que ha trabajado en decenas de películas. Sin duda ésta es una de mis películas favoritas del gran Francis Ford Coppola, autor de clásicos como la trilogía EL PADRINO, APOCALIPSIS AHORA, DRÁCULA… También ese año Richard Loncraine hizo una adaptación de Brimston & Treacle con música original de The Police y con Sting como protagonista.

 

STOP MAKING SENSE (1984)
Tal vez el único cineasta que ha logrado competir con el maestro Scorsese en materia de conciertos en vivo es Jonathan Demme en el clásico STOP MAKING SENSE (1984). Mediante un manejo de cámaras perfectamente coordinado, Demme logró captar a los Talking Heads, y en particular al líder de la banda, David Byrne, en uno de sus mejores momentos: una serie de tres conciertos en diciembre de 1983 en el teatro Pantages, en Hollywood. La banda sonora de esta película-concierto es una maravilla.

 

REPO MAN (1984)
Una película bien extraña dirigida por Alex Cox con Emilio Estévez y Harry Dean Stanton como protagonistas. La historia es ésta: Otto, un joven punk que acaba de perder su trabajo, se vuelve un repo man o recuperador de autos robados. De pronto se ve implicado en una investigación del gobierno gringo sobre una sustancia extraterrestre que provoca extraños efectos a quienes la observan. La banda sonora es una joya del punk con rolas de Iggy Pop, Black Flag, Suicidal Tendencies, The Plugz, Circle Jerks. La secuencia inicial de créditos, con “Repo Man” de Iggy Pop, es un gran momento del rock en el cine.

 

ONCE UPON A TIME IN AMERICA (1984)
ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA es una de las películas sobre mafiosos que más me gustan. Dirigida por el italiano Sergio Leone y protagonizada por Robert DeNiro y James Woods, se estrenó el 20 de mayo de 1984 en Cannes. Retrato de la vida de un grupo de mafiosos judíos en Nueva York, esta película cuenta con una banda sonora impresionante, obra del genio Ennio Morricone y que nada tiene que ver con el rock. Un portento de la década de los 80.

 

PURPLE RAIN (1984).
Es posible decir que PURPLE RAIN (1984) es una heredera del cine rocanrolero de los años 50 del siglo pasado, época en la que algunos avispados productores de cine hicieron grandes negocios llevando a los ídolos musicales del momento a la pantalla grande. Ejemplo: Elvis Presley. Dirigida por Albert Magnoli, PURPLE RAIN no es una obra de arte del cine ochentero ni la actuación de Prince mereció el Oscar, pero lo cierto es que la música y el diseño de producción de esta película son un referentes claros de la década de los 80.

 

PARIS, TEXAS (1984)
Wim Wenders ganó la Palma de Oro en Cannes en 1984 por PARIS, TEXAS. Un hombre camina por el desierto de Texas sin recordar quién es. Su hermano lo busca e intenta que recuerde cómo era su vida cuatro años antes, cuando abandonó a su mujer y a su hijo. A medida que va recuperando la memoria y se relaciona con personas de su pasado, se plantea la necesidad de rehacer su vida. La música original es obra de Ry Cooder.

 

THIS IS SPINAL TAP (1984)
Realizado por Rob Reiner en 1984, THIS IS SPINAL TAP es un falso rockumental al que se le rinde culto desde su estreno. Se trata de una hilarante parodia sobre la desastrosa gira americana de los británicos SPINAL TAP, una falsa banda de heavy metal en decadencia que tiene la fama de ser la más ruidosa de Inglaterra. Este filme se burla de todas las costumbres, poses, bobadas y ridiculeces del mundo del rock.

 

FOOTLOOSE (1984)
FOOTLOOSE, realizada por Herbert Ross en 1984, es una película sobre y para jóvenes que cuenta la siguiente historia: Un estricto pastor prohíbe que se baile en un pueblo del medio oeste de EE. UU. Un joven (Kevin Bacon), amante de la música y el baile, decide hacer algo al respecto y de pasada enamora a la hija del pastor. Ja. Todo un éxito de los años 80, con una banda sonora de pies sueltos.

 

PELOTÓN (1986)
PELOTÓN (1986) es la primera entrega de la trilogía de Oliver Stone sobre Vietnam, la cual se completa con NACIDO EL 4 DE JULIO (1989) y EL CIELO Y LA TIERRA (1993). Se trata de una potente película antibélica sobre las andanzas de un pelotón del ejército de EE. UU. durante la guerra de Vietnam. En la banda sonora: The Doors, Smokey Robinson, Jefferson Airplane, Otis Redding…

 

BLUE VELVET (1986)
Realizada por David Lynch en 1986, BLUE VELVET es un thriller desorbitado y fantasmal que se convirtió de inmediato en un filme de culto. Lynch, desde sus primeras películas, demostró ser un cineasta de ruptura que se mueve con total naturalidad en el mundo de lo onírico. En su libro de memorias LINTERNA MÁGICA, el sueco Ingmar Bergman escribió: “cuando el cine no es documento, es sueño.” Pensemos en las películas de Buñuel, Kurosawa y Tarkovsky, por mencionar a tres de los grandes soñadores de la historia del cine. El caso es que Lynch es un cineasta que se mueve como pez en el agua en el mundo de los sueños y que al mismo tiempo ha profundizado en los rincones más oscuros de la naturaleza humana. BLUE VELVET o TERCIOPELO AZUL es una película que vuela en el sentido figurado y cuya música original es obra de Angelo Badalamenti. Comparto una escena en la que Roy Orbison canta en directo “In Dreams”.

 

FULL METAL JACKET (1987)
El cine de la segunda mitad del Siglo XX sería otro sin la obra de Stanley Kubrick. FULL METAL JACKET es una gran película bélica antibélica sobre un grupo de reclutas que se prepara, bajo las órdenes del psicópata e inmisericorde sargento Hartman, para ir a la guerra de Vietnam. Un poderoso alegato en contra de la violencia y la milicia. La música original es de Vivian Kubrick y el soundtrack trae piezas de The Dixie Cups, Nancy Sinatra, The Trashmen y Goldman Band.

 

THE CURE IN ORANGE (1987)
Los días 8, 9 y 10 de agosto de 1986, The Cure se presentó en el Teatro Naranja de Valcouse, Francia. Estos conciertos fueron filmados por el cineasta Tim Pope, quien a partir de ese extraordinario material armó una película-concierto fundamental del cine rock de los 80: THE CURE IN ORANGE (1987).

 

LAS ALAS DEL DESEO (1987)
Por LAS ALAS DEL DESEO Wim Wenders ganó el premio a mejor director en Cannes 1987. Una película portentosa sobre ángeles en Berlín con una banda sonora tan brillante como compleja, que incluye a Nick Cave & The Bad Seeds, Crime & The City Solution, Laurie Anderson, Tuxedomoon… Hay una secuencia inmortal en la que Nick Cave canta “The Carny” y luego “From Her To Eternity” mientras el ángel Cassiel le brinda consuelo.

 

LA BAMBA (1987)
Realizada por Luis Valdez en 1987, LA BAMBA es un filme biográfico sobre Ritchie Valens, una joven promesa del rocanrol latino que murió en un accidente aéreo a los 17 años. La banda sonora incluye música original de Carlos Santana y el soundtrack trae versiones de rolas del repertorio de Valens por Los Lobos, más dos piezas de Bo Diddley y Brian Setzer.

 

LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (1988)
Martin Scorsese es uno de los mejores directores de cine en activo. Su trayectoria como realizador es impresionante y su buen gusto musical es evidente a lo largo de toda su filmografía. En 1988 encargó a Peter Gabriel la música original de la polémica película LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (1988).

 

¡ÁTAME! (1989)
Dirigida por Pedro Almodóvar, ¡ÁTAME! tuvo su premier mundial el 12 de diciembre de 1989 en Madrid y de ahí brincó a Berlín en febrero, donde inició un exitoso recorrido por varios festivales internacionales. La lista de premios es larga. Con Victoria Abril, Antonio Banderas y Loles León en los estelares, ¡ÁTAME! cuenta la historia del secuestro de una actriz porno por parte de un admirador medio chiflado pero en realidad inofensivo. Inmortal la escena cuando los tres protagonistas cantan “Resistiré” del Dúo Dinámico.

 

DO THE RIGHT THING (1989).
Spike Lee es uno de los directores afroamericanos más influyentes y talentosos. En 1989 hizo una de sus mejores películas, DO THE RIGHT THING, y escena en la que suena Fight the Power, de Public Enemy, es una locura.

 

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¿Dónde terminará la censura de Spotify?

El anuncio de este mes que Spotify había instituido una nueva política para lidiar con “contenido de odio y conducta de odio” llevó a algunos a preguntar: “¿Dónde terminará esto?” Su primera decisión fue eliminar la música del cantante R Kelly, acusado en serie  por varios delitos sexuales. Los servicios de streaming rivales han seguido el liderazgo de Spotify. R Kelly no enfrenta cargos criminales y ha acusado al servicio de transmisión de actuar sobre “acusaciones falsas e infundadas”.

“¿Dónde terminará esto?”, pregunta Dan Cairns en la revista Culture de The Sunday Times. Es una pregunta pertinente. De hecho, una búsqueda de Spotify muestra que música de Gary Glitter y Lostprophets todavía está disponible, lo que se siente moralmente indefendible cuando una empresa se inclina hacia la santificación. El pop, el rock y el rap están llenos de jamás bienhechores cuyo comportamiento ha sido cuestionable, a menudo explotador e incluso criminal. Retenga muchas letras de las canciones para analizarlas y podría justificar el contenido de odio y la promoción de conductas odiosas en múltiples catálogos retrospectivos.

¿Y qué sigue haciendo la música de Chris Brown en las listas de reproducción de Spotify? Se declaró culpable de violencia doméstica y figura en una lista de nombres en una carta del grupo de defensa de las mujeres UltraViolet al fundador de Spotify, Daniel Ek. Otros incluyen a Steven Tyler de Aerosmith, que tuvo una aventura con un joven de 16 años, y Nelly, que niega las acusaciones de violación y agresión sexual. Con todo esto en mente, aquí hay seis artistas cuyo trabajo puede no sobrevivir por mucho tiempo.

 

David Bowie

Lori Maddox (que ahora usa el apellido Mattix) fue una de las groupies que estuvo en Los Ángeles a principios de la década de 1970, y con la que participaron algunos de los nombres más importantes del pop. Ella dice que perdió su virginidad con Bowie cuando tenía 14 o 15 años. Según la ley californiana, tales acciones cuentan como una violación legal. Bowie nunca respondió preguntas sobre Mattix y murió con su condición de santo intacto.

 

Jimmy Page

Los periodistas mayores aman a Jimmy Page, razón por la cual su reputación es excelente, a pesar de haberse acostado con Mattix, desde que tenía 14 años, durante gran parte de la década de 1970. DJs de la radio Tacky han sido crucificados por menos. De hecho, tan cepillada está la fase Lolita de la leyenda de la guitarra de Led Zeppelin que Rolling Stone lo mencionó en una pieza bajo el titular: “The 10 Wildest Led Legends de Zeppelin, Fact-Checked”. Tenía 14 años. ¡Salvaje!

 

Dee Dee Warwick

El primo de Whitney Houston ha sido acusado de abusar sexualmente de la cantante de I Will Always Love You. Las acusaciones aparecen en un nuevo documental del director Kevin Macdonald (que habló con Culture la semana pasada) y, con la muerte de Warwick, se espera que esto sea todo lo que la gente sepa sobre la mujer — cantante por derecho propio y hermana de Dionne. Nunca fue una estrella lo suficientemente grande como para estar en listas de reproducción de Spotify, pero sus canciones, incluida You’re No Good, permanecen en el servicio. Podrían encontrarse en el registro “en riesgo”.

 

Eminem

Si alguien encaja en el grupo de “contenido de odio” en el nuevo código moral de Spotify, tiene que ser el rapero más vendido de todos los tiempos, Eminem. Desde que era un advenedizo malcriado hasta sus últimos años —ahora tiene 45 años— el artista de Detroit ha sido provocativo/grosero con las mujeres y con los homosexuales en particular, con muchas letras que pueden incitar tanto a la ira como a la violencia. Francamente, estos son temas recurrentes en el hip-hop convencional.

 

Guns N Roses

Hasta el momento, Axl Rose es culpable de crímenes contra la moda. Sin embargo, es revelador que la canción más impactante de su banda, One in a Million, haya quedado fuera de la versión de su álbum debut, Appetite for Destruction. La canción estaba en el seguimiento, GN’R Lies, y mientras una nueva versión voluminosa encuentra espacio para algunas canciones de dicho disco, One in a Million se ha desvanecido. Tal vez porque tiene líneas sobre “n ******”, y no de una manera agradable. “Estaba enojado con algunas personas negras que intentaban robarme”, explicó Rose una vez. Parece poco probable que el código moral de Spotify permita tales letras o, de hecho, disculpas poco convincentes.

 

Michael Jackson

¿Donde empezar? Primero, quizás, con los éxitos. ¿Qué tipo de servicio de transmisión podría existir sin Billie Jean y Heal the World? Ese es el problema con todos estos artistas y su moral dudosa, ¿pero el Rey del Pop? Sin sus canciones, todo se siente más £5.99 al mes que el estándar £9.99. Sin embargo, si Spotify (con razón) va a cuestionar la promoción de la música de R Kelly, al menos debe vigilar las acusaciones de abuso infantil contra Michael Jackson. Nunca fue encontrado culpable, pero algunas de las supuestas manzanas malas algunas veces lo son.

 

Traducción libre de Lilith T. Masso. Texto tomado de Culture, The Sunday Times.

El soundtrack de la vida – Bennie and the Spiders from Mars

Una de las cosas que me fascinan de la composición musical es la capacidad que tienen algunas letras de transportarnos a otros lugres, otros tiempos y hasta otras dimensiones, incluso crear personajes ficticios para intérpretes musicales que parecerían lo suficientemente estrafalarios como para necesitar de una personalidad más y aún así se hacen de este alter ego y crean un universo paralelo en el que es imposible discernir dónde comienza el personaje y dónde termina la locura, así se me ocurre una banda ficticia: Bennie and the Spiders From Mars.

Uno de mis ejemplos favoritos es ‘Bennie and the Jets’ de Elton John, una rola escrita por el propio Elton John y Bernie Taupin y que fue incluida en el ‘Gooodbye Yellow Brock Road’ de 1973. En la letra se habla de Bennie and the Jets, una banda ficticia de la que el narrador es fan. Taupin admitiría algunos años después, que la canción es una sátira de la escena musical de principios de los 70. Aún así se convirtió en uno de los mayores éxitos de Elton John y es una canción que verdaderamente disfruta interpretar en vivo sobre todo el sólo de piano, en el que se han escuchado versiones en las que ha incluido hasta las famosas cinco notas de ‘Encuentros Cercanos del Tercer Tipo’ de John Williams.

 

 

La siguiente canción es probablemente mi canción favorita de todo los tiempos y un tema que podría darme para escribir una eternidad al respecto, pero me limitaré a escribir que Ziggy Stardust no era sólo un rockstar andrógino y bisexual, sino también un mensajero de seres extraterrestres.

El personaje creado por David Bowie y que dio pie a ‘The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars’ de 1972, un álbum que se convirtió en una revelación mundial y en la describe a un guitarrista zurdo destinado a confortar a una humanidad en fase de extinción con un mensaje de esperanza que le permitía a un Bowie de 25 años dar rienda suelta a sus dotes teatrales y llevar al personaje mucho más allá de los escenarios.

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Debo admitir que la primera vez que escuché esta canción, fue, covereada por Bauhaus, pero es sin duda la versión más celebrada de los covers que se han hecho y una afortunada coincidencia que me llevaría querer saber más de este mítico personaje y me dirigiría por el camino correcto del rock.

 

De la última banda ficticia que les hablaré desafortunadamente no existen registros históricos ni grabaciones, sin embargo por una buena parte del 2005 tomó gran importancia en mi vida, les hablo de Keyser Söze, un cuarteto post punk del que era vocalista y letrista del que en una noche de plática amena y bebidas refrescantes los cuatro integrantes decidimos crear una versión alterna imaginaria en la que dejábamos toda nuestra furia punketa y rebelión anti stablishment por los alegres acordes de la cumbia para convertirnos en la explosión tropical de Keyser Söze; cosa que nunca ocurrió, pero que debo admitir habría sido muy divertido.

 

En resumen me parece que tomando el.ejemplo de Elton y Bowie, nunca está de más dejar de ser nosotros y jugar a ser alguien más, el resultado podría ser legendario.

‘Year of the Tiger’, el duelo de Myles Kennedy

Hay dos temas relevantes dentro de la música rock en nuestros días: el primero es su posible extinción, augurado por figuras como Gene Simmons (KISS), Julian Casablancas (The Strokes) y Matt Bellamy (MUSE); y otros eventos la bancarrota de Gibson o el cierre mental que tenemos algunos para expandirnos a todas sus variantes.

El segundo es todas leyendas que hemos perdido una tras otras durante los últimos tres años: David Bowie, Chris Cornell, Dolores O’Riordan, Chester Bennington, que si bien podría ser un pretexto para reforzar el primer tema, es la desmitificación de su inmortalidad que lo aparta.

Es por eso que, al menos desde mi perspectiva, los músicos intentan despegarse un poco del género para entregarnos “algo más: personal, excitante, único, fuera de un encasillamiento”, y el género escogido por excelencia es el country. Kid Rock dejó todo el bawitdaba para hacer dúos con Sheryl Crow y coverear ‘Sugar Pie Honey Bunch’; Steven Tyler dejaba su puesto del demonio de los gritos para regresar sus raíces a Sunapee, New Hampshire con ‘We’re All Somebody from Somewhere’, un disco que apenas es salvado por sus dos singles y un cover de ‘Peace of my Heart’; e inclusive recientemente Justin Timberlake trato de incursionar en él con ‘Man of the Woods’, un disco que prometía tener inclinaciones al folk y que terminó siendo más dubstep, calificado como el peor trabajo de su vida.

Chris Cornell decía que si no eres capaz de llenar un escenario sin una banda de respaldo, realmente no eres un artista. Cosa que tal vez sólo logró él o su amigo íntimo Eddie Vedder. Pero debemos de dejar de aferrarnos al pasado y abrirnos al presente, el cual nos ha entregado apenas hace unas semanas uno de los discos en solitario más completos de los últimos años: ‘Year of the Tiger’ de Myles Kennedy.

Kennedy es mejor conocido por ser el líder de Alter Bridge, colaborar con Slash y por tener una voz inigualable, tanto que en algún punto de su carrera se corría el rumor de que sería la nueva voz de Led Zeppelin.

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‘Year of the Tiger’ no está exenta de eso: Myles compone para explotar su voz como lo hemos escuchado en ‘Show me a Leader’ o en ‘The Dissident’, ambas canciones de sus más recientes materiales con Alter Bridge y Slash respectivamente. Sus agudos acentúan perfectamente cada verso más allá de ser un complemento, sino representando su marca personal y su esencia.

El concepto del disco no está de más: “en el año del tigre, no tengo tiempo que perder”, es una referencia al año de 1974, el año de la muerte de su padre. En algún punto de ese año, una noche su padre padeció apendicitis y lo dejó pasar hasta que se convirtió en gangrena y murió al amanecer. La decisión de no tratarse fue por ser parte de la ciencia cristiana, la cual no cree en la medicina sino en la voluntad de Dios. A partir de ahí, Kennedy toma la experiencia post-muerte de su padre y a lo que le deparaba a su familia, con temas como el homónimo, ‘Mother’, y a los senderos que ha recorrido como cantante: una batalla entre el bien y el mal, representada por versos feroces y con melodías de guitarra acústica que no se ensombrecen ante los arreglos de las eléctricas.

Todo el tiempo es Myles y su acústica: el hipnotismo de ‘Haunted by Design’ se logra con un trasteo sureño, hasta que nos sorprende con un solo vertiginoso el cual irrumpe, pero logra aterrizar de nuevo en ese sentido de somnolencia.

Devil on the Wall’ es su continuación: un tanto sucia, con coros vocales propios del góspel que no da espacio a la interpretación: es el seguimiento a su insomnio, pero más allá de ser producido por la cafeína (como ha declarado el propio Myles en algunas entrevistas), es su batalla interna contra la muerte de su padre. La canción habla del destino y nuestras elecciones.

El desglose de cada canción es posible pero, como todo buen disco, debe ser visto como un todo, una narración de cualquier evento que el autor decida. Myles logra entregar un disco cuyas canciones son integras, tanto al tema como al estilo, con una experimentación apenas palpable de instrumentos que no son precisamente country, algo que se verá en su gira europea siendo él y su guitarra acústica en mano, al igual que Cornell, al igual que Vedder. Inclusive hay un tributo involuntario con ‘Turning Stone’ y su similitud a ‘Dead Wishes’ del ‘Higher Truth’ de Chris Cornell. Una prueba más de que el rock aún tiene camino por recorrer.

De qué hablamos cuando hablamos de Bowie

El artista no existe. El artista es solo una invención de la imaginación de la gente…

Somos los falsos profetas. Somos los dioses”.1

David Bowie

Para responder el cuestionamiento del título, que parafrasea a Carver, ¿Hablamos de Bowie caracterizando en teatro al Hombre Elefante, de su papel cinematográfico como Poncio Pilatos en la alguna vez vetada, ‘La última tentación de Cristo’, de Ziggy Stardust, del Duque Blanco? ¿De qué diablos estamos hablando? Para pretender conseguir una respuesta, que sea el trabajo gráfico de Mick Rock quien intente dar un medio para la solución; que sea la película de 35 mm quien alimente los mitos, que sean los revelados quienes maquillen las fantasías y la ficción, y las hojas de contactos, las que envistan, como reina o como rey, a David Bowie.

Mick Rock, The Man Who Shot The Seventies2, y de las siguientes cuatro décadas; egresado de la Universidad de Cambridge, en donde es influenciado por la oleada salvaje de poetas beatniks y malditos, en particular por Rimbaud, empieza a fotografiar a Bowie en el año de 1972, y es en el Ayuntamiento de Oxford, durante la gira en el Reino Unido del mismo año, cuando su nombre adquiere notoriedad gracias a la simbólica fotografía en la que David Bowie, casi de rodillas, descalzo, muerde la guitarra de Mick Ronson.

En ese mismo segundo año de la década de los setentas del siglo pasado, Bowie señalaba a su fotógrafo, “me gusta tu nombre. No puede ser real”1; más que el apellido, lo irreal es el cometido lenticular que procesado, imprime el sello de la casa… ¡Rock! (¿101?).

Starman, nombre de la exposición encumbrada en el Foto Museo Cuatro Caminos, fue también el título de un sencillo lanzado en abril de 1972, este disco que corría a 45 RPM, posteriormente orbitaría el lado A, pista 4, del LP, ‘The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars’. Sobre Starman, Bowie reveló a Rock, en mayo de 1972, que fue escrita en 15 minutos y que usó cada frase estereotipada en la que pudo pensar1.

Ayer, en el Foto Museo Cuatro Caminos, el hombre detrás de la lente, el autor de legendarias fotografías que pueblan más de un centenar de portadas de discos, se presentó a ofrecernos los vestigios de lo que actualmente estructura la historia del rock.

#Starman #MickRock en @fm4c

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Michael David Rock, que en el apellido lleva la penitencia, de manera paradójica, mientras se preparaba para la inauguración de la exposición fotográfica Starman, tuvo un ligero inconveniente al intentar fotografiar, con su teléfono celular, a quienes esperábamos en la sala de prensa por más revelaciones, como si no fuera suficiente con sus fotografías.

Rock, desenfadado como su vestimenta, enfundando mezclilla, respondía sencillamente, “I’m the provider of the goods”; mercancías que hechizarán a quienes visiten el museo. Continuaba respondiendo, declinó una cerveza de un invitado, respondió otra pregunta y tomó su café, no sin antes maldecir al traductor. Respecto a su trabajo, se describió a si mismo, “I’m a shooter”, para después declarar que su oficio de disparador, le viene de un abuelo siciliano-norteamericano, pues en el momento cumbre, expresaba, asesinó1, porque así se siente, está en posición, te tiene en la mira, y te va a sacar de circulación1.

Al término de la introducción y de responder algunas preguntas, se levantó del asiento, y haciendo muecas, permitió que sus compañeros de oficio ejercieran su profesión. Posteriormente caminó hacia la galería en donde 80 imágenes esperaban ser aclamadas y admiradas, durante el vacilante recorrido, se detuvo frente a una en blanco y negro, en la que con especial detenimiento, expresó la candidez de Bowie, se trataba de una imagen en la que el hombre de las estrellas viajaba en tren, acompañado por otro Mick, Ronson.

En las imágenes exhibidas, la teatralidad y la ambivalencia sexual caminan de la mano en un furtivo y desolado escenario, del mismo modo que la escenificación del rock star se alza empuñando guitarra o saxofón, que desde hace muchos años, retumban en el espacio, en el sideral, en el de la galería del museo, en la de nuestras mentes.

El trabajo de Mick Rock con David Bowie, transmutó también en la dimensión del vídeo, en la que dirigió ‘Jean Genie’, ‘Space Oddity’, ‘Life On Mars’ y ‘John, I´m Only Dancing’. En noviembre del año 2016, el señor Rock lanzó una reedición del video, ‘Life On Mars’, pues según Mick, tenía una pequeña joya, quería pulirla a un estado en el que fuera una gema absolutamente perfecta2.

Respecto a que hoy en día, fotografías suyas cuelguen en museos de todo el mundo, Mick declara que sigue pensando que algo salió muy mal. “Se suponía que seríamos rebeldes y forasteros, pero ahora hemos sido absorbidos por el sistema moderno”2.

#Starman #BowieByMickRock en el @fm4c del 22 de marzo al 29 de abril

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Cuando el referido aún no mutaba su existencia en polvo de estrellas, y el año que vivíamos era el de 1989, surge Tin Machine, banda alterna de Bowie que tendría una corta vida, únicamente lanzarían dos producciones, de la primera, se establece contacto Bowie-México a través de Cesar Vera, egresado de la Universidad Nacional Autónoma de México, quien cargó con la responsabilidad de realizar la sesión fotográfica de aquella banda impulsada por una máquina de hojalata. Las fotografías irrumpirían en el tercer sencillo, ‘Prisoner of Love’, el trabajo del mexicano quedaría impreso en la portada del 12 pulgadas y en la funda interior.

La segunda de las comunicaciones, inaudita, aconteció el 23 de octubre de 1997, fecha en la que Bowie realizó el único concierto en este país, el aterrizaje ocurrió en el Foro Sol, donde decenas de miles fuimos testigos de aquel avistamiento. A consecuencia de esa visita, y con el apetito del propio John Blaylock3, Bowie elige, para suministrarse de la sangre vital de México, al fotógrafo Fernando Aceves; el resultado de aquellas sesiones son las fotografías de Bowie, que parado sobre la Calzada de los Muertos, y al pie de la Pirámide del Sol, pareciera ofrendar su vida; o aquella otra, en el Palacio de Bellas Artes, en la que se mimetiza con el mural, ‘El hombre controlador del universo’, de Diego Rivera.

Cuando Bowie, en su odisea espacial había perdido contacto con el Major Tom, y asistió con el hombre de las estrellas que esperaba en el cielo4, las fotografías de Brian Duffy lo trajeron de regreso al planeta azul, y sí, el hombre que cayó a la tierra5, lo hizo aquella ocasión en el Museo de la Ciudad de México; esa noche, como la de hoy, las estrellas se ven muy distintas6.

1 Clay, Barnaby, Shot!, Documental, Prod. Vice Films y Straight Up Films, Dist. Maganolia Films, 2015.

2 Mick Rock, Diciembre 2016, consultada el 21-03-2018, http://www.mickrock.com/about/

3 Dir. Scot, Tony, The Hunger (El Ansia), Película, 1983, Metro – Goldwin – Meyer. David Bowie interpreta al vampiro John Blaylock

4 Fragmento de la canción Starman.

5 Dir. Roeg, Nicolas, The Man Who Fell to Earth, Película, 1976, British Lion Films.

6 Fragmento de la canción Space Oddity.

Starman, inaugurada el 22 de marzo de 2018, estará exhibiendo 80 fotografías autoría de Mick Rock hasta el 29 de mayo de 2018 en el Foto Museo Cuatro Caminos. Adicionalmente a la exposición fotográfica, el visitante podrá entrar al Oddity Room, mapping que muestra la vida de David Bowie; al Infinty Room, espacio ideal para la egoteca. El viernes 24 de marzo, Mick Rock ofrecerá una conferencia magistral a las 14:00 horas en la Universidad de la Comunicación. El sábado 24 de marzo, se llevara a cabo una fiesta en el mismo Museo. Así mismo, jueves y sábados abrirá el Club Bowie, noches en las que Dj´s y bandas invitadas darán vida musical a la exhibición. También se proyectaran algunas de las películas en la que David Bowie hizo de las suyas como actor. Para consultar horarios, fechas y venta de boletos para los distintos eventos, bowie.mx y https://starman.boletiacom/

Banda Sonora – cine-rock de 2006 a 2010

En los primeros cuatro programas de Banda Sonora 101 hicimos un amplio recorrido por la historia del cine-rock, desde sus inicios en 1955 hasta el 2005. Así que a la fecha llevamos 50 años de historia de rock en el cine y hemos hablado de más de 80 películas del género.

Ahora vamos a revisar el segundo lustro del siglo XXI, es decir, de 2006 a 2010. Ya verán qué buenas películas y qué buenos soundtracks se hicieron en este periodo. Vamos a avanzar de manera cronológica, año por año, y voy a comentar las películas que considero más representativas de este lustro.

Viajemos entonces en el tiempo para ubicarnos a finales de 2005, justo cuando el cine está transitando al formato digital y como resultado hay un aumento importante en el número de películas producidas al año.

Aquí empieza el recorrido:

NO TUVO TIEMPO: LA HURBANISTORIA DE ROCKDRIGO (2005)
A finales de 2005 y principios de 2006 llegó a un puñado de salas en la CDMX. Retrato fílmico de Rockdrigo González, el Profeta del nopal, y del movimiento rupestre, esta película pasó casi inadvertida salvo por su exhibición en la Cineteca Nacional. Hoy, a la luz de la historia, se muestra como un documento fundamental del cine-rock mexicano.

 

GLASTONBURY (2006)
En 10 de febrero de 2006 se estrenó en el festival de Berlín el documental GLASTONBURY, de Julien Temple, filme celebratorio del 30 aniversario del festival musical más importante de Inglaterra. No se editó soundtrack pero Temple registró para la historia las actuaciones de Björk, Morrissey, Primal Scream, David Bowie, Coldplay, Nick Cave, Blur y Pulp.

 

loudQUIETloud: A FILM ABOUT THE PIXIES (2006)
El 2 de mayo de 2006 se estrenó en el festival de Tribeca un documental que me vuela: loudQUIETloud: A FILM ABOUT THE PIXIES. Esta película registra el tenso y triunfal reencuentro de Pixies pero visto desde adentro, en el día a día, ya en ensayos y conciertos o hasta en el autobús de giras y a la hora de la comida. El registro audiovisual es histórico.

 

MARIE ANTONIETTE (2006)
De Tribeca vamos al festival de Cannes donde el 24 de mayo de 2006 se estrenó MARIE ANTONIETTE, de Sofía Coppola. Un retrato pop de la opulencia y frivolidad que imperaban en el palacio de Versalles justo antes de la Revolución Francesa de 1789. Lo increíble es que es una película de época, ambientada en el siglo XVIII, pero musicalizada con rolas de The Strokes, New Order, The Cure, Bow Wow Wow, Siouxie & The Banshees, Gang of Four…

 

AMERICAN HARDCORE (2006)
Vamos ahora con un documental bien poderoso que se estrenó en marzo de 2006 en el festival de Tesalónica, Grecia. Me refiero a AMERICAN HARDCORE. Dirigido por Paul Rachman, esta película cuenta la historia del punk rock gringo de 1980 a 1986. La banda sonora trae un montón de rolas porque todas duran máximo un minuto.

 

ROCK THE BELLS (2006)
Regresamos al festival de Tribeca de 2006, donde el 28 de abril se estrenó una película muy importante para el mundo del Hip Hop: ROCK THE BELLS, de Denis Hennelly, documental sobre la organización y realización de la última tocada de Wu-Tan Clan en el Rock The Bells Hip Hop Festival.

 

JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN (2007)
El 20 de enero de 2007, en el festival de cine independiente Sundance, se estrenó uno de los mejores rockumentales de la historia: JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN, de Julien Temple. Nuevamente Julien Temple, un crack del cine-rock, ahora con un magistral retrato fílmico de quien fuera delantero de The Clash y The Mezcaleros. Peliculón con una banda sonora inmortal.

 

JOY DIVISION (2007)
Se exhibió en México en el ciclo Rock en el Cine de la Cineteca y en la gira de documentales Ambulante de 2008. Dirigido por el británico Grant Gee, sin duda JOY DIVISION es el mejor documental sobre la banda titular que se ha hecho.

 

CONTROL (2007)
CONTROL se estrenó el 17 de mayo de 2007 en Cannes. Es una adaptación fílmica de la autobiografía de Deborah Curtis, viuda de Ian Curtis, vocalista de la banda post punk Joy Division. La dirige el legendario fotógrafo Anton Corbijn. Un retrato en blanco y negro de la corta vida de Curtis y su banda Joy Divison, después New Order.

 

PUNK’S NOT DEAD (2007)
¿Sigue vivo el espíritu contestatario del punk de los 70s o el punk actual es sólo moda? PUNK’S NOT DEAD (2007) responde a ésta y otras preguntas sobre el género a treinta años de su irrupción. La banda sonora está repleta de cañonazos del género.

 

I’M NOT THERE (2007)
Y para cerrar el 2007 con una joya vamos al festival italiano de Venecia donde se estrenó uno de los filmes biográficos más originales de la historia: I’M NOT THERE, de Todd Haynes, un retrato multifacético de Bob Dylan, con interpretaciones de Cate Blanchette, Christian Bale, Richard Gere, Ben Wishaw y Heath Ledger. Para el soundtrack Todd Haynes armó un supergrupo llamado The Million Dollar Bashers y encargó covers a puro big shot.

 

ANVIL!: THE STORY OF ANVIL (2008)
Empezamos el 2008 en el festival de cine independiente Sundance, donde el 18 de enero se estrenó THE STORY OF ANVIL, película que, como su nombre lo indica, cuenta la historia de la banda metalera canadiense Anvil, fundada en 1978 por dos personajazos: Rob Reiner y Lips. Tras una gira por Europa, Anvil decide sacar disco nuevo… Una película llena de humor involuntario sobre una banda influyente pero que nunca tuvo éxito comercial.

 

IT MIGHT GET LOUD (2008)
Vamos al festival de Toronto de 2008, donde se estrenó el 5 de septiembre una película que ya puede ser considerada un clásico del cine-rock: IT MIGHT GET LOUD. Dirigido por Davis Guggenheim, este es un documental sobre el sonido de la guitarra eléctrica con Jimmy Page, The Edge y Jack White como protagonistas. Enormes momentos musicales en la banda sonora, sobre todo cuando tocan juntos los tres.

 

ROLLING STONES: SHINE A LIGHT (2008)
Otra película fundamental del año 2008, estrenada en el festival de Berlín, es ROLLING STONES: SHINE A LIGHT, del gran Martin Scorsese, quien es el maestro de maestros cuando de filmar un concierto en vivo se trata.

 

WHITE STRIPES: UNDER GREAT WHITE NORTHEN LIGHTS (2009)
La siguiente película es de 2009 y se llama WHITE STRIPES: UNDER GREAT WHITE NORTHEN LIGHTS. Resulta que en 2007 The White Stripes (Jack White y Megg White) se fueron de gira por Canadá y los siguió el director de videos Emmet Malloy, quien armó una película bien interesante sobre la banda, las personalidades opuestas del dúo, un Jack White genial y extrovertido y una Meg White silenciosa y tímida. Esta película se estrenó con mucho éxito el 18 de septiembre de 2009 en el festival de Toronto.

 

IRON MAIDEN: FLIGHT 666 (2009)
La siguiente película se estrenó en el BAFICI 2009, el festival de cine independiente de Buenos Aires, Argentina. IRON MAIDEN: FLIGHT 666 es un documental que sigue la gira mundial de Iron Maiden de 2008 por India, Australia, Japón, Estados Unidos, México, Sudamérica… y el viaje es a bordo del Boing 757 de la banda… ¿Y quién creen que pilotea el avión? ¡Bruce Dikinson, el vocalista de Iron Maiden!

 

TAKING WOODSTOCK (2009)
Continuamos el viaje y nos ubicamos el 16 de mayo de 2009 en el festival de Cannes, día del estreno mundial de TAKING WOODSTOCK, película dirigida por Ang Lee y que recrea en tono de comedia la organización del icónico festival sesentero. Una película menospreciada por la crítica pero que guarda sin duda un valor sentimental sobre la nostalgia de una época donde la consigna eran paz, amor… y mucho rocanrol.

 

OIL CITY CONFIDENTIAL (2009)
Y para terminar el 2009, vamos al London Film Festival, donde el 20 de octubre se estrenó otro peliculón de Julien Temple: OIL CITY CONFIDENTIAL, un documental sobre Dr. Feelgood, banda británica de principios de los 70s que rockeaba durísimo.

 

SCOTT PILGRIM VS. THE WORLD (2010)
Empezamos el 2010 en el Fantasia International Film Festival de Canadá. Ahí se estrenó SCOTT PILGRIM VS. THE WORLD, del británico Edgar Wright, una película que rinde culto a los videojuegos pero con toda la actitud del cine-rock. El soundtrack es una bomba: Sex Bob-Omb, Frank Black, Beck, T. Rex, Metric, The Bluetones, The Rolling Stones… uff

 

TRON LEGACY (2010)
Dirigida por Joseph Kosinski, esta película tiene música original (y escena inmortal) de Daft Punk. Pienso que la música de esta película, como la historia que cuenta, es de otro mundo (soy fan desde la original).

 

SEGUIR SIENDO (2010)
Los cineastas Ernesto Contreras y José Manuel Craviotto convivieron unos 700 días con los integrantes de Café Tacvba para realizar SEGUIR SIENDO (2010), un rockumental que resume los primeros 20 años de la banda. La música de esta película es una gran antología de Café Tacvba.

 

NACO ES CHIDO (2010)
Dirigida por Sergio Arau, NACO ES CHIDO es un autorretrato de Botellita de Jerez como sólo ellos lo saben hacer. Una película muy divertida con grandes momentos musicales. Para el soundtrack invitaron a un montón de artistas que hicieron covers de sus rolas.

#SonicArsenal – Sleeveface, la Ilusión y broma

Justo cuando pensábamos que las fundas de los discos se convertirían en algo obsoleto y un recuerdo de muchos momentos musicales, un fenómeno viral en le dio nueva vida a esos objetos de arte. El sleeveface se estableció como una broma, un exceso de creatividad, un costo de oportunidad y uno de los movimientos más populares de las redes sociales.

Existen comunidades en Facebook y Flickr dedicadas al arte del sleeveface, una forma de integración de lo visual con lo real que se expandió rápidamente y que le dio un nuevo sentido a esos símbolos de una época análoga y llena de contemplación. Cientos de fotografías y múltiples galerías digitales muestran a los discos de vinilo como parte de una tendencia, donde la unificación entre el arte y su acérrimo fan niegan completamente la extinción del arte de portada.

El momento preciso en que nació el concepto se desconoce, sin embargo los culpables de que el sleeveface se haya convertido en un fenómeno viral fueron los DJs Carl Morris y John Rostron, que en un momento de extremo aburrimiento en un club de Cardiff tomaron el disco ‘McCartney II’ de Paul McCartney para esconder sus caras del público. Después de Morris y Rostron múltiples DJs del Reino Unido empezaron a repetir el truco en sus presentaciones con fundas de la dimensión correcta, aunque otros adoptaron portadas de cómicas proporciones para agregar un toque irónico a ‘Cat Scratch Fever’ de Ted Nugent, ‘Lust for Life’ de Iggy Pop y ‘Clouds’ de Joni Mitchell.

 

 

No fue algo planeado, pero el resultado fue una escena hilarante que obligó a Morris y Rostron a buscar más caras en su colección de discos. Después de muchas bromas entre amigos, colocaron su primer sleeveface en waxidermy.com a principios del 2006. La imagen mostraba a dos personas saludándose, una de ellas ocultaba su rostro con un álbum de Johnny Mathis. La broma pronto se expandió a través de Internet, adquirió el nombre de sleeveface, se convirtió en un sitio oficial, material en YouTube, un libro, comunidades en Facebook y Flickr con más de 5.000 miembros de diversas nacionalidades, y una exhibición en una galería de Londres.

El sleeveface no sólo se trata de grandes fotos, inmediatamente te das cuenta que hay una gran broma detrás. Algunas veces la broma es lo que la persona hace –un hombre portando una cara de Liberace mientras cocina vistiendo únicamente un saco, boxers y zapatos, una cara de Elvis Costello aspirando, un David Bowie trabajando concentrado frente a una computadora, un Rod Stewart con cuerpo de mujer o un Prince con senos.

 

 

Los miles de ilusionistas han experimentado con el medio – fotografiando caras, puños o extremidades, jugando con géneros, vestuario, proporciones, locaciones y retratos de grupos. Algunos han intentado utilizar las fundas y los booklets de los CDs para verse más intelectuales, mientras que otros han creado un subgénero llamado sleeverotica con las bocas, torsos y glúteos de ciertas cubiertas. Entre más creativa y detallada sea la foto mejor, lo único que importa es la forma en que el arte y la realidad crean una ilusión. De cualquier forma, los resultados frecuentemente son impresionantes.

 

 

La gente tal vez ha hecho esto por años, sin embargo ese extraño y fácil acto parece cobrar importancia en estos momentos, obviamente es algo que no puedes hacer con los MP3s y downloads, el sleeveface exige tener una amplia colección de discos y un gran ojo para montar toda una escena, es necesario el arte del disco para llevarlo a cabo. Y aunque no podemos asegurar que el sleeveface salvará al arte del disco, al menos podemos pensar que miles de personas intentan mezclarse con él para no dejarlo morir sin un último respiro.

Música de cañerías, Tokyo 2020

En la semana en que se celebró el día Picachu y la caminata Pokemon Go, el ministro de Japón cumplió el deseo de muchos al atravesar una tubería de Tokio a Río de Janeiro para convertirse en Mario, en esos cuatro minutos no solo preguntamos por Luigi, también nos dimos cuenta que la propuesta de Segways, manga y personajes de vídeo juegos venía del país que se mostró tradicionalista para el mundial de fútbol en el 2002, pero que para los Juegos Olímpicos del 2020 prometía cumplir los sueños del movimiento Shibuya-kei mezclados con dosis de futuro, ‘Super Campeones’, Doraemon y Hello Kitty.

Adiós baby boomers que fueron a buscar a Señorita Cometa, Japón nos mostró sus nuevos elementos culturales, los que se ha renovado y siguen teniendo una importancia mundial, sobre todo entre la generación X y millennials que no solo comprenden el síndrome de tunel carpiano y los pulgares crujen por ciertas repeticiones, también aprecian y entienden la estética de los cómics, series y vídeo juegos de origen japonés que han sido adoptados en la cultura occidental.

 

La industria del entretenimiento, como el producto de artistas, ingenieros y productores, cuyo trabajo deriva en una nueva forma contextual interactiva y orgánica que aprovecha al máximo la versatilidad del medio. Los juegos electrónicos se han convertido en el más fresco e innovador medio para experimentar y explorar nuevas formas de hacer algo, incluida la música.

Aunque la música aparentemente es uno de los elementos menos notorios dentro de un vídeo juego, es la constante, cualquier sonido es fundamental para su éxito o fracaso. La música creada para los juegos de vídeo se ha convertido en un producto muy fructífero para directores y compositores, al grado de que hasta los más conocidos han tratado de incursionar en el medio, por eso, no es gratuito que Spotify haya agregado una nueva plataforrma para localizar esa música en específico, desde las obras de ‘Final Fantasy’ hasta las obra de 8 bits y los soundtracks de EA Sports.

El desarrollo del audio y efectos de sonido se extiende hasta el distante pasado de los juegos electrónicos. Al igual que el audio para las películas, los sonidos no fueron parte de ellos desde un principio debido a limitantes técnicas. Fue hasta los días del Pong y Pac-Man que la compañía Atari integró ciertos sonidos a los juegos. El audio de estos era sumamente repetitivo, pero tuvo un impacto enorme sobre la creación de música específicamente para vídeo juegos.

Al paso del tiempo, los pasajes musicales para cualquier tipo de juego, sin importar el género, fueron mejor conocidos como gamey, término que trata de englobar las cualidades electrónicas y tonales de un pasaje o partitura, que en otros términos podría ser considerado como un loop, una secuencia de sonidos que se repite una y otra vez. Pasaron muchos años antes de que los gamey se distanciaran de ésta definición, ya que a partir de la década de los 90 la música para video juegos se convirtió en un excelente medio para la experimentación vía el chiptune, un género que habla de la integración de elementos de consolas, sonidos y tonos típicos de quienes crecieron frente a un juego de arcadia.

Superadas la era de los 8 y 16 bits, los juegos de peleas, carreras y extensos vuelos encontraron un mayor énfasis a través de los beats del techno y la música grunge, que brindaron a los jugadores una mayor sensación de competencia y agresividad, con lo que se logró establecer un escenario y tiempo de acción, además de romper con la monotonía que implica ver el mismo personaje y escenario de forma continúa.

Por su parte los juegos de simulación, acción, aventura y RPG necesitaron que su música tuviera otros propósitos, brindándole al juego sentimientos y comportamientos acorde a las acciones en pantalla, prevaleciendo el jazz, música minimalista, instrumental y la electrónica, con los que se logró que el juego tuviera ciertas entonaciones que permitieran vislumbrar lo que sucedería dentro de un escenario.

 

La música para video juegos se ha convertido en una parte importante para sus creadores y para los mismo realizadores de música, al grado de que los Grammys ya contemplan un premio a “Mejor Soundtrack para un Juego Interactivo”. Aunque en su mayoría los compositores de música para video juegos son totalmente desconocidos para el público en general, pero reconocidos en el medio en el que se mueven, también algunos personajes más conocidos han decidido involucrarse y experimentar un poco con su música y su propia voz. Tan sólo para dar algunos ejemplos tenemos a David Bowie, Fatboy Slim, Chemical Brothers, Prodigy, Future Sound of London, Run DMC, Public Enemy, Afrika Bambaataa, Dead Kennedys, Goldfinger, Primus e incluso Michael Jackson y el gran Louis Armstrong.

Obviamente ya no es necesario ser un obsesivo con túnel carpiano para poder escuchar ésta música, ya que en diversos sitios de ventas en línea o en varias tiendas de discos podemos adquirir el soundtrack original de diversos juegos. Algunos de los discos más recomendables de la primera época, antes de las bandas sonoras de FIFA o Grand Theft Auto curadas por grandes nombres, son: cualquiera de ‘Final Fantasy’, ‘Chrono Trigger’, el rapero ‘Thrasher, Skate & Destroy’, ‘Metal Gear Solid’, ‘Castlevania: Symphony of the Night’ y de beats electrónicos ‘Wipeour XL’; o sólo basta revisar algunos sitios web para encontrar loops, remixes o canciones completas para obtener los mejores soundtracks simplemente para disfrutar sin tener que jugar.

Esa idea prevalece en la serie web de RedBull, ‘Diggin’ In The Carts’, explora la influencia que tuvo ésta música en personas que a diferencias de otras, expuestas a la radio y los hallazgos en las tiendas de discos, pasaron gran parte de su infancia escuchando lo que salía de la consola casera o depositando cientos de monedas en las maquinitas, siendo impactados por la evolución de esa tarjeta de audio que brindaba pocos tonos pero que logró activar el oído de proyectos como Anamanaguchi, Flying Lotus y Thundercat.

Los tres actos no dudan en imitar esos sonidos a través de su música o en forma de onomatopeya para Diggin’ In The Carts, exponen la influencia y la manera en que los géneros populares impactaron los sonidos creados para el vídeo juego y como estos a su vez hicieron un recorrido a la inversa para que emergiera el chiptune y sus variantes como una nueva forma de expresión.

 

Elon Musk: Estoy buscando el amor

LONDRES. El año pasado Elon Musk estaba en una sesión fotográfica de la revista Rolling Stone y la estilista le pidió que usara un cuello de tortuga negro. Él se rehusó. “Si me estuviera muriendo y tuviera puesto un cuello de tortuga”, dijo, “con mi último aliento me quitaría el sweater y lo lanzaría tan lejos como mi moribundo cuerpo pudiera”.

El cuello de tortuga negro, claro, era la prenda representativa del excéntrico fundador de Apple Steve Jobs, y hay tres hombres con los que Musk odia ser comparado: Jobs, el millonario ficticio convertido de hombre a super héroe Tony Stark y Errol Musk, el distante padre de Elon. Claramente tiene una relación complicada con los hombres.

Él también tiene una relación complicada con las mujeres. Es padre de seis niños –un hijo que murió a las diez semanas en 2002, gemelos y trillizos– con su primera esposa, la autora canadiense Justine Wilson.

Conoció a su segunda esposa, la actriz Talulah Riley, en 2008, la desposó en 2010, y se divorciaron dos años más tarde. Se volvió a casar con ella un año más tarde, para volver a solicitar los papeles del divorcio, después retiró la solicitud, después los solicitó de nuevo, y esta vez en 2016, terminaron con el matrimonio definitivamente.

¿Y la amistad? Eso es complicado. Musk padeció viciosamente bullying en la escuela –una vez fue maltratado al grado que tuvo que ser llevado al hospital–. La parte más difícil, recuerda a The Times, fue que “hicieron que mi mejor amigo me convenciera de esconderme para que me golpearan. Y eso dolió”. A pesar, o quizás por eso, ha dedicado su vida a salvar la raza humana.

El martes de la semana pasada la ambición de Musk se acercó mucho más. Su compañía armadora de cohetes, SpaceX, lanzó exitosamente el Falcon Heavy (Halcón Pesado), el cohete más potente en el mundo con el poder de levantar una masa mayor a un avión de reacción 737 con pasajeros, tripulación, maletas y combustible. Solo el cohete lunar Saturn V, última vez lanzado en 1973, suministró más carga a la órbita.

El Falcón Heavy es un logro destacable, aunque para Musk, es sólo el comienzo de su viaje al espacio. Lanzó su cohete a Marte (aunque se excedió ligeramente) para probar que misiones tripuladas al Planeta Rojo eran posibles. El empresario sudafricano de 46 años aclama que él estará viviendo en Marte cuando esté en sus cincuenta.

La carga del Falcon Heavy era otro descabellado sueño de Musk: un convertible Tesla, el primer auto deportivo completamente eléctrico, con un maniquí humano vestido con un traje espacial anclado al volante, una copia del libro Guía del autoestopista galáctico en la guantera y la canción de David Bowie Space Oddity en repetición.

 

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— Elon Musk (@elonmusk) January 5, 2018

Este es un clásico florecimiento de Silicon Valley. Musk es una figura de admiración en la Costa Oeste como probablemente la única persona que ha empezado compañías de cuatro mil millones de dólares: Paypal, Tesla, SpaceX y la manufacturadora de páneles solares Solar City. Aunque a pesar de eso sigue sintiéndose incómodo en las compañías tecnológicas.

“De hecho no me gusta perturbar, eso suena… perturbador”, me dijo una vez, presentado en una conferencia como el amo de la perturbación. El Valley habla de nuevas compañías agresivas que destruyen propiedades más viejas. Su enfoque era tan intenso que hacía la conversación desconcertante. Su nerviosa energía era palpable y se alejó rápidamente después de decir, con un encogimiento de hombros: Estoy mucho más inclinado a decir, ‘¿Cómo podemos hacer las cosas mejor?“.

Mientras que casi todo multimillonario de Silicon Valley dice que quiere hacer del mundo un lugar mejor, pocos han apoyado sus sueños tan rápidamente, temerariamente y tan exitosamente como lo ha hecho Musk. Las cuentas convencionales del enfoque de sus carrera en las metas hacia las que está acercándose de manera apresurada. La verdad es que de lo que está huyendo es más significativo. Puedes observar en todos los logros de Musk un deseo de escapar tan rápido como le es posible.

NIÑO SORDO CRIADO POR LIBROS

Musk nació en Pretoria de la modelo y nutrióloga Maye Musk –quién aún es una regular en las pasarelas a pesar de tener 69– y el ingeniero sudafricano Errol Musk. Durante sus primeros ocho años raramente veía a alguno de los dos. Se iba vagando tan frecuentemente a su propio mundo que pensaban que era sordo. De hecho, estaba solitario.

“En realidad no tenía una nana principal o lo que sea”, él ha dicho. “Solo tenía una empleada doméstica que estaba ahí para hacerse cargo de que yo no rompiera nada. Ella no estaba ahí, como, cuidándome. Estaba fuera haciendo explosivos o leyendo libros y haciendo cohetes y cosas que pudieron haberme matado. Estoy sorprendido de aún tener todos mis dedos. Me criaron los libros. Libros, y después mis papás”.

Cuando sus padres se separaron, su hermana y hermano menor, Kimbal y Tosca, se quedaron con su madre, pero Musk sintió lástima por su padre, que parecía muy triste y solo, entonces se mudó con él. “Pero en ese tiempo no entendía que tipo de persona era”, dijo recientemente. “No era una buena idea. Era un terrible ser humano”.

La escuela no era mejor que en casa. Su apodo de niño era Niño Genio después de que vendió su primer juego de video a los 12 años. Era el más joven y el menor en su año y era bulleado como resultado. Dejando Sudáfrica a los 17 años, usó la ciudadanía canadiense de su madre para asegurar un lugar estudiando física en Ontario, y transferirse a Pennsylvania para finalizar sus estudios.

Su amigo de universidad Adeo Ressi recordaba que “Elon era el bobo más grande que había conocido en la vida. De hecho él es 100 veces menos bobo de lo que era. Podía pasar el rato con él, pero antes era medio doloroso. Él era literalmente la rectitud en persona; no tomaba… Yo siempre estaba, como, ‘Elon, creo que la policía está aquí. Puedes lidiar con ellos? Y el siempre decía como ‘Claro. Está bien.’”

Después de la universidad se dirigió a California con Kimbal para lanzar su primera compañía de un millón de dólares, Zip2, en 1995. No era fácil.

“Recuerdo intentar obtener financiamiento, y la mayoría de los empresarios capitalistas en Silicon Valley que conocíamos nunca habían usado internet”, dijo recientemente. “Nunca, por nada. Habían escuchado de él, pero no sabían. Literalmente, si decíamos, “Dime algo sobre internet, ellos se quedaban como… Nada. Yo estaba bastante sorprendido. Pero ocurrió un gran cambio al final del 95 cuando Netscape se hizo público. Entonces la segunda vez que mi hermano y yo buscamos fondos, todos los que conocimos estaban interesados”.

Compaq eventualmente le pagó 22 millones de dólares por su inversión de 7 por ciento en Zip2 en 1999. Lo usó para co-fundar lo que eventualmente se convertiría en Paypal.

Paypal le dio dinero para fundar SpaceX, luego Tesla, luego Solar City y después Hyperloop –que propone hacer tubos de presión reducidos para cargar cápsulas de pasajeros bajo tierra de Nueva York a Washington DC– al igual que OpenAI y el chip de telepatía de la recién arrancada compañía Neuralink.

0 to 100 km/h in 1.9 sec pic.twitter.com/xTOTDGuwQj

— Elon Musk (@elonmusk) November 17, 2017

En cada paso la gente ha dudado de él – a excepción de su madre, Maye, que aclama que ella ha apoyado a todos sus hijos a ser emprendedores. Cuando Musk dejó Sudáfrica su padre le dijo que fallaría en Canadá. Fue derrocado de su posición como jefe ejecutivo en Zip2 en 1996. Paypal fue votada como una de las diez peores ideas de negocios en 1999. Fue derrocado de Paypal un año después. Sus primeros cohetes explotaron y sus primeros carros Tesla tenían problemas con la combustión espontánea. Y se lo tomó todo personalmente. Cuando escucha que Wall Street esta cortando los recursos de Tesla  apostando que fallará, en otras palabras, él dice que es “doloroso”.

SEVERO DOLOR EMOCIONAL

Tal ves lo que falla, naturalmente, son sus relaciones. Cuando el periodista Neil Strauss entrevistó a Musk el año pasado, la primera pregunta que le hizo fue cómo se sintió haber lanzado el Tesla modelo 3. ¿Cómo se había sentido parándose en el escenario diciéndole al mundo que acababa de lanzar un auto eléctrico al mercado masivo?

A Musk se le dificultó la respuesta, antes de confesar: “Acabo de terminar con mi novia. Estaba realmente enamorado y dolió mucho”, dijo, hablando sobre la actriz Amber Heard. “Bueno, ella rompió conmigo más de lo que yo rompí con ella, creo. He estado en severo dolor emocional en las últimas semanas. Me tomó cada onza de mi voluntad poder hacer el evento del Modelo 3 y no parecer el tipo más deprimido del lugar. Durante la mayor parte del día estuve enfermo. Y después tuve que mentalizarme: tomar un par de Red Bulls, pasar el rato con gente positiva y después, decirme a mi mismo, ‘tengo a toda esta gente dependiendo de mí. ¡De acuerdo, hazlo!’”

Le pidió a Strauss que le sugiriera o le presentara a posibles novias porque, dice: “Es tan difícil para mi siquiera conocer gente. Estoy buscando una relación a largo plazo. No busco un encuentro de una noche. Busco una compañera seria o un alma gemela, esa clase de cosa. No es como que no sé como se siente: estar en una gran casa sola, y las pisadas haciendo eso en el pasillo, nadie ahí – y nadie en la almohada a tu lado. Cuando era un niño dije… ‘Nunca quiero estar solo’.”

Hay un eco de esto en su filosofía de vida. “Mucha de mi motivación viene de ver las cosas que no funcionan bien y sentirme un poco triste, sobre cómo se manifestarán en el futuro”, él ha dicho. “Si eso resultara en un futuro triste, me hace triste, y querer arreglarlo”.

SOÑADOR

Certeramente es tanto un duro empresario como un soñador.

Él admite que esperaba que SpaceX y Tesla fallaran, pero fue lo suficientemente astuto para salir de las negociaciones que tenía con el constructor de cohetes ruso Kosmotras cuando se dio cuenta de que podía construir un cohete por menos del 5 por ciento del precio en el mercado. SpaceX se elevó, bueno, como un cohete. Su Falcon I, fue lanzado en 2008, fue el primer cohete fundado de manera privada en alcanzar la órbita y fue seguido por el lanzamiento y recuperación de Dragon, el próximo remplazo de Space Shuttle.

“Trabajar con él no es una experiencia cómoda”, dice Dolly Singh, la antigua jefa de adquisición de talento en SpaceX. “Nunca está satisfecho consigo mismo, entonces nunca está realmente satisfecho con los que están a su alrededor. Él se presiona más y más y por ende presiona a los que lo rodean de la misma manera. Entonces si trabajas para Elon debes de aceptar la incomodidad. Pero en esa incomodidad está la clase de crecimiento que no puedes adquirir en ningún otro lugar, y cada onza de sangre y sudor lo valen.”

Y los sueños de crecimiento de Musk en alguna manera pocos CEOs la tienen. Todos sus logros, él insiste, son escalones en el camino a su meta de la colonización completa de Marte, requiriendo viajes espaciales guiados, vehículos eléctricos y energía solar. ¿Por qué? Porque teme que estemos en el borde de la destrucción, citando guerra global, un colapso tecnológico y cambio climático como amenazas existenciales. “Hay una ventana donde tenemos una oportunidad de establecer una base auto-sustentable en Marte”, razona, “antes de que algo dirija el nivel de tecnología en la Tierra más abajo de donde es posible”.

El cambio climático es algo muy relevante para Musk. Su co-fundador libertino de Paypal, Peter Thiel es un amigo cercano de Donald Trump y persuadió a Musk de unirse al panel de consejeros industriales del presidente.

Musk renunció el verano pasado en protesta a la salida de Estados Unidos del Acuerdo de París.

Muchos de sus críticos, no obstante, malinterpretan sus motivos. Mientras se sentaba solo en Pretoria esperando a que alguien fuera y estuviera con él, Musk se consoló a sí mismo con libros de física, cómics de superhéroes, cohetes de botella y autos deportivos de juguete. Esperó y se mudó, esperó y se mudó, y no importó a donde fue o lo que hizo, nunca nadie ha ido para quedarse con él.

“Es como un vagabundo, lo que es un poco gracioso”, el co-fundador de Google y amigo de Musk, Larry Page dijo recientemente. “El manda e-mails y dice, ‘No sé dónde quedarme esta noche. ¿Puedo ir a tu casa?’ Aún no le he dado una llave o algo”.

Y Musk sigue, lanzando cohetes y autos deportivos a Marte en un intento de salvar el mundo, siempre intentando, siempre solo, siempre buscando, e intentando nuevas maneras de viajar tan rápido como es posible sin dejar rastro alguno.

 

 

 

Second boring machine almost ready. Will be called Line-Storm, after the poem by Frost. "And be my love in the rain." pic.twitter.com/xlWPYdPu3P

— Elon Musk (@elonmusk) October 19, 2017

Musk en números

Fortuna: 20.9 miles de millones de dólares

Edad: 46

Hijos: 6

Matrimonios: 3

Fundado/Co-fundado: 8 compañías

Compró: 70 millones en propiedad residencial en el vecindario de Bel-Air en Los Ángeles.

Tiene: 5 casas

Tamaño de su residencia principal: 20,248 pies cuadrados

Maneja: 2 autos de gasolina (un Ford modelo T y un Jaguar serie 1 1967, descapotable de tipo E)

Leyó: la Enciclopedia Británica entera a los 9 años

Ganó: 500 dólaresa cuando tenía 12 después de vender su código para un video juego llamado Blastar

Vivió: De un dólar al día durante un mes cuando tenía 17, comprando naranjas y hot-dogs en gasolineras.

Rentó: Una casa de fraternidad de diez cuartos con un compañero, Adeo Ressi, mientras estaba estudiando en la Universidad de Pensilvania

Organizó: Fiestas de estudiantes en la casa con un cargo de cinco dólares la entrada para cubrir la renta

Dejó: La maestría en la Universidad Stanford en 1995 después de solo asistir 2 días.

Consumió: 8 latas de Coca de dieta al día durante  semanas de 100 horas

Se ejercita: Dos veces a la semana

Trabaja: 85 a 100 horas a la semana

Duerme: De 6 a 6 horas y media por noche

Despierta: 7 am

Duerme: 1 am

#SonicArsenal – Herencia musical británica

A más de 60 años de que el disc jockey Alan Freed comenzara a tocar un estilo de música en Cleveland, Ohio, utilizando las palabras rock and roll para describirlo, aparentemente ya resulta fácil seguir las líneas que lo concibieron y que lo mantienen a través de diferentes vertientes como el género más popular en la actualidad, influyendo directamente sobre otros sonidos sin importar de que lugar del planeta surjan.

De 1951 a 2011 fácilmente podemos decir que Alan Freed utilizó las palabras rock and roll para definirlo, pero también podemos afirmar que no surgió el estilo con el primer DJ acusado de aceptar payola y que el género fue evolucionando de finales de los 40 a principios de los 50 con una combinación de blues, jazz, country y góspel, pero eso es para una clase de R’n’R 101, ni siquiera el sumergirse en sus significados (sexo y movimiento) y la aparición de la guitarra eléctrica lo engloban, porque es necesario considerar el todo para palpar las influencias de los estilos de vida (las migraciones de los poblados rurales a las grandes ciudades), la moda, las actitudes y el lenguaje. Y aún así nos quedamos cortos.

Sobre el rock and roll de Estados Unidos claramente se ha escrito mucho, aunque nunca sobra encontrar nuevas historias, sin embargo al repetir en mi mente algunos fragmentos del documental Kraftwerk and The Electronic Revolution, Karl Bartos me recordó su idea de la “herencia musical británica”. Menciona la imposibilidad de emular el sonido americano por la falta del delta del Mississippi, por lo que buscaron la proximidad del delta del Támesis, tan sólo para descubrir que no sonaban tan naturales, la búsqueda de los Beatles teutones estaba destinada a fracasar.

Sabemos que el giro de la persecución desembocó en el krautrock y la música electrónica, pero Bartos deja una incógnita sobre la herencia musical del Reino Unido, que como en muchos lados inició con el intento de muchas bandas de tocar blues y sonar como los discos que escasamente les llegaban de América. Como en Estados Unidos, es necesario agregar muchos elementos a la mezcla para llegar a las particularidades de la región. Sorprendentemente, para alcanzar ese sonido tenemos que tomar en cuenta que en 1960 en Gran Bretaña se eliminó el servicio militar obligatorio.

Como explica Keith Richards en su biografía ‘Life’, toda esa generación se había mentalizado a pasar dos años en el ejercito, la rebeldía de la adolescencia sería abruptamente terminada y se les obligaría a transformarse en adultos. Repentinamente esa opción desapareció, en vez de ir al extranjero y regresar como una persona completamente diferente, se les dieron dos años para hacer lo que querían, muchos de ellos decidieron permanecer mentalmente jóvenes hasta la fecha.

Pero los aspectos que influyen el surgimiento del rock and roll británico van más atrás, como explica una de las muchas biografías de David Bowie, se remonta al impacto en la infancia, con niños jugando en las zonas pobres no protegidas por Winston Churchill, llenas de ruinas dejadas por los bombardeos nazis, viviendo en áreas de re ubicación en casas prefrabricadas, probando el sabor de los dulces hasta 1953, creciendo en hogares fragmentados con padres marcados por la guerra o encabezados por viudas.

Sin embargo, para no hacerles el cuento largo, hay tres cosas que todos esos músicos vieron en su infancia/adolescencia y posteriormente se convirtieron en el móvil, el tema y la inspiración para todo lo que hicieron después: el primer programa de ciencia ficción de la BBC, The Quatermass Experiment (que también inspiró la historia del filme Alien); las películas Blackboard Jungle y Don’t Knock the Rock, y el rey del skiffle Lonnie Donegan.


Sting, la edad de oro del último Samurai

 

Fotografìas: Chino Lemus, cortesìa OCESA

 

He llegado a esa feliz edad donde ya no me parece necesario tomar un baño antes de un concierto en el Auditorio, donde ya no me parece buena idea invertir en un montón de cerveza carísima y pasármela en el baño, incluso ya no siento la extraña ansiedad de estar sacando fotos o tomando vídeos. He llegado a esa feliz edad donde uno ya no necesita la compañía de muchos, sino de uno que sea la compañía ideal para abandonarse al disfrute de simplemente contemplar.

 

Pero no creo ser la única concentrada en el aquí y el ahora, para eso tenemos a Sting quien se presentó el pasado 17 y 18 de mayo en el Auditorio Nacional de esta cada vez más temible Ciudad y lo hizo de forma majestuosa.

 

Siempre he tenido la sensación de que The Police eran los chicos listos de su generación. Los que siempre sacaban diez y le caían bien a la maestra mientras los otros balagardos (o valagardos o galavardos) se dedicaban a aventarse papeles, a gritonear y a hacer música punk. Y no es para menos; cada riff, cada matiz, cada beat en la batería pareciera matemáticamente calculado con el objetivo de emitir una canción inigualable casi irrepetible, y si no me creen pregúntenle a cualquier banda que haya osado incluir en su set un cover de estos ingleses.

 

Así corría el año de 1979 cuando Gordon Matthew Sumner, mejor conocido como Sting, Andy Summers y Stewart Copeland se consolidaban como una de las mejores bandas de la Inglaterra de los 80, en pleno apogeo punk, en plena locura pop, el caldo de cultivo ideal para el sonido de The Police.

 

Con letras que hablan de historias reales de alienígenas citadinos, prostitutas psicodélicas y amores imposibles que se hacen posibles a través de mensajes embotellados, The Police halló un nicho único cuyo hueco podría no ser llenado por nadie nunca, y sí, estoy usando las palabras nadie y nunca.

 

El estilo de The Police, incluso estudiado en academias de música, polemizado por sus fanáticos quienes otorgan poderes sobrenaturales a cada uno de sus integrantes quienes además de poseer un talento extraterrestre, también cargan sobre sus hombros sus propios poderosos egos de hombres, blancos, ricos y súper músicos.

 

Pero atrás quedaron ya los fabulosos ochenta, sus estoperoles, sus colores enceguecedores, el gel, la cocaína, los copetes altos, los sintetizadores, las noches pop que concluían en amaneceres punk, las bocas secas, la época de oro del capitalismo, los yuppies, las modelos Calvin Klein, las luces neón y todo ese sueño eléctrico de realidades eclécticas que nos trajeron hasta este momento.

 

Sting, Summers y Copeland deciden en 1985 poner fin a esa aventura onírica y dedicarse de lleno a sus proyectos personales, porque tanta genialidad no puede convivir tan cerca, de otra forma correrían el riesgo de explotar.

 

Desde entonces, esa semi deidad que conocemos por Sting anda por el mundo conociendo de músicas extranjeras, enriqueciéndose de viajes y experiencias, se mantiene cerca de América Latina, sobre todo de Chile y Argentina ya que por las constantes referencias empáticas del inglés ante las problemáticas de estos países, siempre es bien recibido.

 

Además de esto, a Sting también se le conoce por su fase altruista, su preocupación por el medio ambiente y su continua colaboración con Amnistía Internacional, y aunque lo ha manejado con un perfil mucho más bajo que Bono o Roger Waters, cierto es que se mantiene activo  y constante en su activismo.

 

Y yo no sé muy bien qué profundidad espiritual llega a tener alguien que practica yoga de manera formal, pero un Sting de 65 años que luce como de 40, con una sonrisa fresca como de estar disfrutando la vida, tocando majestuosamente el instrumento que le ha caracterizado por décadas y no pareciera hacerlo por compromiso sino por puro gusto. Rodeado de músicos que son sus amigos y hasta su hijo que baila con el entusiasmo de una bailarina de un club nocturno, son los que integran su banda, porque ¿qué más da? Vaya, que hasta dan ganas de practicar yoga y disfrutar de la vida tal como lo hiciera este alien paseando en Nueva York.

 

 

Todo comenzó con Syncronicity II y su estructura vertiginosa, entonces supimos que la banda sonora de nuestras vidas había puesto play; enseguida Spirits in the material World donde se escucharon los primeros coros y luego vinieron Englishman in New York y I Can’t Stop Thinking About You, para recordarnos que la fiesta de cumpleaños es suya y no de The Police y para terminar este bloque inicial vino la favorita de tías para sobrinas: Every Little Thing She Does Is Magic donde es difícil no llorar de alegría.

 

One Fine Day, también del 57th & 9th apenas lanzado el año pasado y donde, perdón que insista, podría no extrañar los antiguos hits pues cada uno de los tracks que conforma este material es una pequeñita pieza de piedra preciosa. Luego vino la poderosa She’s too Good for Me, con un arreglo fenomenal con el tiempo destrozado pero el corazón bien rojo. Fue a partir de este momento donde los abridores, The Last Bandoleros comenzaron (o al menos intentaron) tomar cierto protagonismo, y digo intentaron porque el pobrecillo vato que se encargó (o al menos intentó) de matizar a través del acordeón canciones como Seven Days, Fields of Gold, Petrol Head, Down, Down, Down, no logró escucharse nunca en la sala, lo que tristemente denostó un feo descuido por parte de los ingenieros de audio.

 

Shape of my Heard, Message in a Bottle, nos pusieron un poco la piel de gallina, aunque nunca llegaron los encendedores, ni los celulares prendidos en la oscuridad ¿será que el público mexicano ha perdido su encanto? Me gusta pensar que hemos madurado, o quizá que el publico ya era más bien madurito; como sea sí faltaron un poquito de ganas, sobre todo en momentos como cuando el mismísimo hijo de Sting coverea a David Bowie con Ashes to Ashes de forma grandiosa, pero no sin antes recibir instrucciones de papá: -“ponte aquí” le dice en modo gruñon Sting a Joseph Sumner, quien también fungió como telonero a lado de los texanos de The Last Bandoleros. Incluso en numerosas ocasiones escuchamos al inglés invitarnos a corear diversos estribillos pero no siempre con éxito. Eso me pone triste, nos hace falta euforia, espero que no nos haya sido arrebatada.

 

Para dar los toques finales vinieron 50,000, Walking on te Moon, So Lonely, Desert Rose, y una versión larga, larga, larga pero hermosa de Roxane con luces rojas y todo. Para el primer encore tuvimos Next to you, Every Breath You Take con más y mejores arreglos. Quien dice que lo viejo no puede ser renovado y así lo demostró Sting con un sonido fresco, para nada trasnochado.

 

El punto final llegó con  Fragile y un Sting enfundado en una playera de Ayotzinapa, no se puede no llorar con esa canción y ese contexto. Puede ser que alguien sí nos haya arrebatado la euforia, más espero no así la esperanza.

AFI – AFI (The Blood Album)

Apenas van algunos días de enero y una buena cantidad de producciones discográficas ya han salido al mercado. Por ahí un EP de Bowie, uno nuevo de los Flamimg Lips, el de Run The Jewels e incluso el francés Vitalic ha regresado después de su decepcionante Rave Age del 2012, pero uno que nos atrajo para escuchar y comenzar este 2017 es el homónimo de A Fire Inside, mejor conocidos como AFI.

Décimo álbum de estudio de los californianos que en el ya muy lejano 1995 debutaban con pura metralla y velocidad con el ‘Answer That and Stay Fashionable’ y el ‘Very Proud of Ya’, después vinieron tres magníficos discos, ‘Shut Your Mouth and Open Your Eyes’, ‘Black Sails in the Sunset’ y ‘The Art of Drowning’, hasta que en el 2003 llega ‘Sing the Sorrow’ y el cambio en la velocidad de las canciones es notorio. Siguen con la oscuridad y la influencia post new wave ochentera que Davey Havok siempre había mostrado, pero los decibeles y la melodía denotan el lado más nostálgico y sentimental que indicaban un camino más pop depresivo conocido como EMO.

A partir de ahí su carrera asciende en popularidad pero disminuye en autenticidad y energía. Logran con sus siguientes tres producciones entrar al pseudo mundo mainstream del rock, a la moda HOT TOPIC llena de fashion punk en todas las plazas comerciales y en ese curso del Warped Tour en donde el punk-rock poco a poco se fue desvirtuando.

Y es que se entiende el camino de la música tomado desde principios del nuevo siglo, pero hay grupos que sobresalen por la esencia y la capacidad de mantener ese punto principal de su sonido aunque lo lleves a diferentes caminos. A AFI sinceramente no le ha salido.

La causa por la que decidimos escuchar esta nueva producción fue la incertidumbre y honestamente la esperanza de que después de bastantes años, por fin Puget y Havok reintentaran crear riffs demoledores y bases rápidas y contundentes como en antes. La sorpresa no es que se hayan mantenido en su sonido de 3 discos anteriores, sino que ahora se escuchan mucho más soft. Producción decente con temas simples melodías pop un tanto oscuras, y coros melódicos pero no inquietantes ni tan pegajosos. En ocasiones nos recuerda al ‘Love is Gone’ de Dommin o a ondas post-punk como Beastmilk.

Sin apartarse del tinte gótico pop que los caracteriza, ‘AFI (The Blood Album)’ es una mezcla de sus producciones a partir del ‘Sing The Sorrow’. Nos quedamos con ‘Still A Stranger’, ‘Snow Cats’, ‘Pink Eyes’ y ‘Feed From The Floor’, que trae toda la estructura The Cure-zca del ‘Head On The Door’ y suena totalmente nostálgica.

En general esperábamos algo más intenso y algunos toques de velocidad con la metralla de antaño. Nada nuevo bajo el fuego que se ha ido extinguiendo poco a poco de las entrañas de Havok y sus tres amigos.

Find your path

 

Me queda claro que hay profesiones que dejan lana y otras que son, mmhhh digamos por amor al arte, seguramente cuando eras puberto o puberta te aconsejaron tus padres o algún mayor que podrías estudiar o algunas veces era una dirección de que tenías que estudiar de acuerdo con la tradición familiar o creencias, a esa tierna edad poco sabes de nada así que cualquier influencia es crítica.

 

A esas edades también somos muy idealistas, creemos que nos podemos comer el mundo y que ser activista es la neta, que podemos vivir vagando por el mundo siendo un alma libre con posesiones casi nulas, algunos, muy muy pocos logran este sueño a costa de hacer a un lado otras comodidades, algunos afortunados encuentran su vocación exacta y se dedican a ella exitosamente tanto económicamente como de reconocimiento social, otros se someten a los deseos de alguien más y sumisamente dedican su vida a ser alguien quien no quieren ser, en fin, muchos casos muy particulares, pero de todos hay un porcentaje que encuentra su vocación y amor a lo que hacen de la mejor manera, un ejemplo de esos son los músicos exitosos.

 

Regresando a esa tierna edad que no sabes qué hacer con tu vida, siempre hay el punto en que crees que serás músico, adorado por multitudes y hasta sueñas con los excesos de un músico o grupo, claro que hay de músicos a músicos como los bohemios que se medió mueren de hambre en obscuros bares llenos de humo y olor a brandy, que melancólicamente tocan un delicioso blues cobijados por media luz y una audiencia contada, en el otro lado del espectro estaría un mega grupo de metal como Iron Maiden que hasta se transporta en un 747 propio (rentado en realidad) a todos lados del mundo con las comodidades del príncipe de Brunei o de algún miembro de la política mexicana, si, todos hemos soñado con eso, pero ocurre como el meme ese que circula actualmente de “me chingue la rodilla”

 

 

Así entonces justificamos que la vida nos jalo a otro punto y que por responsabilidades de adulto no fuimos el próximo Ozzy Osbourne, la Janis Joplin mexicana o incluso el Lou Reed región 4 que cambiaría el curso de la historia musical en nuestro país, somos adultos responsables, no tenemos tiempo para eso…

 

Estoy convencido que una de las cosas más difíciles en la vida es identificar para que somos buenos, y no me refiero a ser medianamente buenos que nos medió deje para vivir, sino identificar la profesión que nos permita explotar lo mejor de nuestro ser y además nos de los recursos económicos para vivir de lo mejor, quién sabe, quizá en realidad nuestro potencial máximo es ser un ingeniero naval en lugar de ser un frustrado cajero de banco que a todo mundo le pone jeta y con esa actitud no llegar a ningún lado o quizá en lugar de estar abrumado con el trabajo de un burócrata de oficina gris de gobierno, tu vocación en realidad sea la de ser ese cajero de banco que con una excelente actitud trates muy bien a la clientela y la orientes y así ser el mejor en ese ramo especifico, siendo feliz con lo que haces y esa es la clave, ser feliz con lo que haces.

 

 

Regresando a los músicos exitosos, estos cuando son felices con lo que hacen y explotan sus cualidades pueden llegar a trascender, cambien la forma de hacer las cosas, innovan con sus ideas, lírica y creatividad, así tenemos casos como Pink Floyd, quienes por una casualidad cósmica juntaron los ingredientes para ser únicos, para ser una banda creativa e innovadora que revoluciono varios géneros que incluso ellos mismos inventaron o como David Bowie quien siendo muy valiente se aventó a ser sinónimo de vanguardia o Björk que se voló la barda dando alma y personalidad a la música electrónica avant garde, esa Björk que podemos apreciar en sus años mozos con Sugarcubes haciendo loqueras y desarrollando ese timbre de voz tan único

 

Sugarcubes con su sonido muy experimental y ver a Björk en esa tierna edad me hace pensar si es que se imaginaron que llegarían a ser lo que hoy son, saliendo de Islandia, un país con menos de 350,000 habitantes en medio del océano, aislados de todo el resto del mundo, aun así abriéndose paso solo con originalidad y perseverancia dejaron ver al mundo que allí estaban.

 

¿Y bueno que ganan con eso los músicos con una propuesta decente? Además de sobresalir y ser punta de lanza como ya lo decía también hay el lado material…

 

Es bien sabido que los músicos exitosos tienen grandes casas, se rodean de gente bonita y se compran juguetitos bonitos, para darnos una idea les compartiré este inventario que hicieron ahora que en este infame 2016 que falleció Prince. Él con sus décadas de trabajo duro y con algo de visión de inversión se hizo de varios inmuebles, los cuales en conjunto suman mas de $25 millones de dólares, entre cuentas de banco y otras propiedades suman otro milloncito mas, dinero en efectivo que anda por los $12 millones, 67 barras de oro con valor de arriba de $800,000.

 

Hay un apartado de 18 cochecitos y motos, quienes me conocen saben que soy amante de los autos y esta lista me parece muy interesante, juguetitos entre los que figuran un Buick Electra, una limusina Cadillac, la motocicleta ‘Purple Rain’, un Cadillac XLR, un BMW 850 y otro 633CS (estos tres últimos me encantan), además de las regalías de varios álbumes y canciones para otros músicos, obras de arte, instrumentos, equipo de concierto y estudio, etcétera. Vean aquí el inventario completo.

En fin, Prince al momento de dejar este mundo a los 57 años tenía suficientes bienes materiales para disfrutar, eso claro está sin contar con la fortuna perdida que a lo largo de años se gastó en parrandas, comidas, viajes, regalos y demás cosas que son incuantificables.

 

 

Esta es la clase de cosas a las que me refiero con encontrar la vocación correcta, cuando sucede los beneficios son muy nobles.

 

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