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Dario Argento. 78 años

El cine italiano en cuanto autores fílmicos se ha conformando desde distintas perspectivas ópticas, diferentes géneros y diversos intereses discursivos; Fellini, Sica, Passolini, Leone, Tornatore; Bava, Taviani, Fulci, Lenzi, Deodato y Dario Argento, entre otros, han configurado un universo cinematográfico con gran impacto internacional.

Este último se convirtió en uno de los maestros del cine Giallo (Amarillo), aunque es a Mario Bava (Black Sabbath, Bay of Blood, Diabolik) a quien se le atribulle los primeros ejercicios de este género emergido desde del cine de suspenso y la trama de la novela policiáca italiana de los años 30, que utilizaba constantemente el color amarillo en sus cubiertas.

El Giallo encuentra en la solvencia de sus despliegues estéticos la idea estilizada del asesinato; la creación de las secuencias minuciosas más deliciosas de la pantalla de platino, los asesinos y su relación con sus armas mortuarias y la manera en la que las usan para matar a sus víctimas.

En 1974 el romano Dario Argento (7 de septiembre de 1940), es galardonado como Mejor Director por “Rojo Profundo” cuando comenzaba a hacer mucho ruido el también joven Festival de Cine de Sitges, el primero en especializarse en el cine fantástico y de género. Así inició el aprecio por el autor italiano, más allá del ámbito de la crítica ortodoxa que incluso en el sigo XXI continua estigmatizando al cine de terror, gore y demás parenctescos fílmicos.

 

Con una veintena de piezas fílmicas el autor italiano ha marcado profundamente la historía fílmica mundial, quien desde sus primeras entregas “El Pájaro de las Plumas de Cristal”, “4 Moscas sobre el Terciopelo Gris” y “El Gato de las 9 Colas” logró llamar la atención de un público interesado en las narrativas de suspenso, pero que sutilmente ya mostraban el nacimiento de una óptica cinematográfica en busca de la belleza del asesinato, donde los detalles de este trinomio expresaban lo que estaba por configurar al treintañero cineasta, ese momento de florecía y buscaba un estilo a la vez.

El Argento más estlizado y sorprendente, es el que filmó “Rojo Profundo” (Deep Red 1975) y “Alarido” (Suspiria 1977) binomio de piezas fundamentales para entender la obra del cineasta y la influencia que estas representarían en el séptimo arte italiano (Lamberto Bava, Lucio Fulci, Luigi Cozzi, Michele Soavi) durante las décadas de los ochenta, noventa y muy sutilmente hasta nuestros días.

 

La importancia de la banda sonora que Goblin vertió sobre (Deep Red, Suspiria y Phenomena) el imaginario visual de Argento, ha sido sustancial; su partitura a medio camino del jazz y el rock progresivo, potencializaron en más de una ocasión los tonos emocionales de las secuencias del maestro italiano, los ambientes lúgubres y de tensión que confeccionó el cineasta, se matizan hasta puntos desesperadamente esquisitos como los de la secuencia del asesinato en la academia de baile de “Suspiria”: aparecen los ojos a través de la ventana que se azota por la lluvia… se escuchan los relámpagos… la chica mira a través de la ventana y después de encuentros oculares, un cuchillo entra y sale del camisón blanco satinado y la víctima cae, queda pendiendo…como una escultura sangrante…

Del Argento que logró realizar piezas esporádicas de alta factura: “Tenebra”, “El Gato Negro”, “Phenomena (Fiore Argento)”, “El Sindrome Stendahl” (Asia Argento) y “Jennifer” (Masters of Horror). Cinco piezas que subrayo por contener en ellas al autor obsesivo de los detalles secuenciales audiovisuales, con argumentos brillantemente desplegados sobre el asesinato, lo sobrenatural y las alteraciones de conciencia, que muestran reminiscencias de sus dos piezas maestras durante las siguientes tres décadas.

La obra de Dario Argento, es una que ha confeccionado los asesinatos más estilizados, sublimes y disfrutables estéticamente hablando, sin duda, éstos son los de un maestro que durante cinco décadas ha envejecido forjando un cuerpo de obra no perfecto, pero si redondo e intentando sincronizarse con las herramientas técnicas y formales entre dos siglos (Drácula 3D 2012) y a lo que sumamos el estreno del remake a “Suspiria” del cineasta italiano Luca Guadagnino que se llevó a cabo justo hace unos días en el Festival Internacional de Cine de Venecia, no podemos subrayar el impacto del autor en nuestro siglo.

Si les interesa acercarse al cine italiano de género, el documental “Roma Fantástica” de Luigi Cozzi y el libro “Del Giallo al Gore. Cine Fantástico y de Terror Italiano” de Carlos Aguilar, son excelentes opciones.

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Banda Sonora 101: Danny Boyle, la música en su cine

Desde hace tres semanas y tras haber revisado la historia del cine-rock, en @BandaSonora101 hemos realizado recorridos por la obra de cineastas que, desde mi punto de vista, han integrado a la música como parte fundamental de su lenguaje cinematográfico.

Arrancamos con Jim Jarmusch y luego dedicamos dos programas seguidos al gran Martin Scorsese. Ahora, y tras haberlo sometido a votación en twitter, toca el turno al británico Danny Boyle, director de películas del calibre de ‘Trainspotting’, ’28 Days Later’, ‘Sunshine’ y ‘Slumdog Millionaire’, y para quien la música juega un rol fundamental en su obra.

Danny Boyle nació el 20 de octubre de 1956 en Radcliffe, Mánchester, así que en otoño de 2018 cumplirá 62 años.

Es posible hablar de Boyle como uno de los cineastas más versátiles de la actualidad. Su filmografía incluye la adaptación de novelas de culto como ‘The Beach’ y ‘Trainspotting’, hasta cine de ciencia ficción como ‘Sunshine’, cine social como ‘Slumdog Millionaire’, un filme familiar como ‘Millions’, un thriller psicológico como en trance y un filme biográfico como ‘Steve Jobs’. Y si le escarbamos un poco más encontramos comedia negra en ‘Shallow Grave’ y ‘A Life Less Ordinary’, cine de terror en ’28 Days Later’ y un drama minimalista en ‘127 Hours’.

Como vemos, Boyle no se encasilló en un género sino que decidió explorar en todas las posibilidades de la narración cinematográfica de ficción. Curiosamente, el elemento que une a sus películas es la música que habita en las bandas sonoras de cada una.

Me explico: en la obra de Danny Boyle, los vasos comunicantes entre sus filmes se revelan más en las bandas sonoras que en los temas y géneros que aborda. Es más común encontrar a Underworld en los soundtracks de sus películas que a Ewan McGregor o el género ciencia ficción, por ejemplo. Tal vez el cine social, la comedia negra, pero no son temas tan recurrentes como su gusto por determinado tipo de música. Lo mejor del asunto es que Boyle utiliza la música (debo decir: de manera magistral) para fortalecer el sentido del relato y, sobre todo, para mover emociones en el espectador.

La música electrónica es un común denominador en su filmografía aunque sus gustos musicales son variados. En sus bandas sonoras cohabitan Orbital con Beck o Leftfield con Lou Reed. Creo que su gusto se puede sintetizar en la larga relación artística que mantiene con la banda británica Underworld.

El trabajo de Boyle ha sido tan reconocido a nivel internacional, que en 2012 fue director artístico de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres. Si la revisan en YouTube verán la calidad de su trabajo.

Tras esta breve introducción, vamos a abrocharnos los cinturones de seguridad porque esta nave fílmica llamada @BandaSonora101 entra al túnel del tiempo para viajar a enero de 1995, mes en el cual se estrenó la exitosa ópera prima de Danny Boyle.

Primer largometraje de Danny Boyle. Tal fue el éxito de esta película en la taquilla y crítica inglesas, que fue reconocida en los premios BAFTA como la Mejor Película Británica de 1994. También fue la primera colaboración entre el actor escocés Ewan McGregor y Danny Boyle. Impregnada de humor negro, cuenta la historia de tres compas de departamento que encuentran una maleta llena de dinero en la habitación de un nuevo y misterioso inquilino, mismo que acaba de morir por sobredosis. En lugar de llamar a la policía, deciden quedarse con la lana y a partir de ahí se desatan una serie de sucesos tan dramáticos como hilarantes. La banda sonora trae música original de Simon Boswell (compositor de la música para películas de Dario Argento y Alejandro Jodorowsky) y rolas de Nina Simone, Andy Williams y Leftfield.

El éxito de ‘SHALLOW GRAVE’ (1994) le abrió muchas puertas a Danny Boyle y gracias a ello consiguió financiamiento para su segunda película, la inmortal ‘TRAINSPOTTING’, adaptación de la novela homónima de Irvine Welsh, la cual se estrenó el 13 de mayo de 1996 en el festival francés de Cannes, donde empezó una meteórica carrera que la llevó a convertirse en un clásico instantáneo. La frenética historia de cinco amigos y su relación con las drogas duras, el sexo y la violencia cautivó a toda una generación que hizo de TRAINSPOTTING un referente obligado de la década de los noventa del siglo pasado. Desde la primera escena Boyle marca el ritmo del filme con la música y los corazones palpitan a todo con la poderosa ‘Lust for Life’ de Iggy Pop. Digamos que la música son las alas que mantienen a TRAINSPOTTING siembre arriba, imparable en su vuelo y moviendo emociones. La banda sonora de esta película es en sí misma un clásico.

Es la tercera película de Danny Boyle y se estrenó en Inglaterra en octubre de 1997. Resulta que un par de años antes Boyle recibió una jugosa oferta de un estudio de Hollywood para dirigir la cuarta entrega de ALIEN, pero el británico prefirió filmar esta comedia negra protagonizada por su (en ese entonces) actor de cabecera Ewan McGregor y por Cameron Diaz. Cuenta la relación que surge entre una chica rica y su torpe secuestrador. No es de lo mejor logrado en la temprana obra de Boyle, pero la banda sonora trae joyas de Underworld, The Prodigy, R.E.M., The Folk Implosion y piezas que rompen con el uso de la música electrónica como una de los Squirrel Nut Zippers, que es puro swing.

La cuarta película de Danny Boyle se llama THE BEACH y es una adaptación de la novela homónima de Alex Garland. Originalmente iba a ser protagonizada por Ewan McGregor, actor principal de los primeros tres filmes de Boyle, pero los estudios le impusieron a Leonardo DiCaprio en el protagónico y el resultado fue una película tediosa y sin mucha coherencia. La música original es de Angelo Badalamenti, compositor de buena parte de la obra de David Lynch, y el soundtrack incluye piezas de Underworld, Orbital, Leftfield, Moby, y Blur.

La quinta película de Danny Boyle es 28 DAYS LATER (EXTERMINIO en español) y se estrenó en Inglaterra en noviembre de 2002. El guionista es Alexander Garland, autor de la novela The Beach, en la que se basa la película anterior de Boyle. Parece que la dupla Boyle-Garland tenía que sacarse la espina y sin duda lo hizo con esta potentísima película sobre zombis infectados de rabia, en cuya trama subyace un retrato de la naturaleza humana. La música original es obra del compositor John Murphy y el soundtrack incluye rolas de Brian Eno, Blue States y Grandaddy.

El sexto proyecto cinematográfico de Danny Boyle se llama MILLIONS y se estrenó el 14 de septiembre de 2004 en el festival canadiense de Toronto. Es un filme apto para toda la familia que cuenta la historia un niño británico de siete años al que literalmente le cae del cielo una bolsa repleta de libras, justo antes del cambio de moneda a euros. Nuevamente Boyle deja bien claro que es un cineasta que no se encasilla y puede pasar de un género a otro con muy buenos resultados. La música original es de John Murphy y la banda sonora trae rolas de Muse, Feeder, The Clash, Vangelis.

Es la incursión de Danny Boyle en la ciencia ficción. El Sol se va a apagar y como consecuencia vendrá la extinción de la raza humana. La única salvación radica en la misión del Icarus II, una nave tripulada por 6 hombres y 2 mujeres cuyo objetivo es acercarse lo más posible al Sol y detonar una enorme carga explosiva para que la estrella vuelva a brillar. Nuevamente el guión es de Alex Garland y la música original de John Murphy y Underworld. Una joya. Si les gusta el cine de ciencia ficción, ésta es una película obligada.

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La octava película de Danny Boyle es SLUMDOG MILLIONAIRE, un filme de corte social que cuenta la maravillosa historia de un joven huérfano de 18 años en Mumbai y su participación en la versión india del programa ¿Quién quiere ser millonario? Esta película estuvo nominada a 10 premios Oscar de los cuales ganó 8, incluidos el de mejor director y mejor película. La música original es del compositor indio A. R. Rahman con colaboraciones de M.I.A.

Es la novena película de Danny Boyle y se estrenó el 4 de septiembre de 2010 en el festival estadounidense de Telluride. Se trata de un drama sobre un montañista que queda atrapado en un peñasco. Otro giro en la filmografía de Boyle, ahora con una película minimalista que centra la tensión dramática en un solo personaje, este montañista que busca sobrevivir a toda costa. La música original es de A. R. Rahman y la banda sonora incluye rolas de Free Blood, Sigur Rós y Plastic Bertrand.

Tras haber sido el director artístico de la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, Danny Boyle realizó su décimo largometraje, TRANCE (2013), mismo que se estrenó en marzo de 2013 en Inglaterra. Esta película implica un nuevo giro en la obra de Dany Boyle, ahora con un thriller psicológico que cuenta la historia de un empleado de una casa de subastas que se asocia con una banda criminal para robar una obra de arte. En el atraco recibe un golpe en la cabeza y al despertar descubre que no recuerda dónde escondió el cuadro. En ese momento se desata el conflicto con el líder de la banda y la película se pone buenísima. La música original es obra del compositor Rick Smith y el soundtrack incluye rolas de Moby y UNKLE.

El onceavo proyecto cinematográfico de Danny Boyle es STEVE JOBS (2015), mismo que se estrenó el 5 de septiembre de 2015 en el festival de Telluride. En esta ocasión Boyle entrega un filme biográfico sobre el icónico fundador de Apple y personaje clave de la revolución tecnológica de finales del siglo pasado. La actuación de Michael Fassbender en el papel de Steve Jobs es sobresaliente y la música original de Daniel Pemberton es como un traje a la medida.

La premier mundial de esta esperada película fue el 22 de enero de 2017 en Edimburgo, Escocia. Nuevamente el guión es de John Hodge a partir de la novela de Irvine Welsh, y participa el mismo elenco de la versión de 1996. Sin alcanzar el éxito de la primera parte, TRAINSPOTING 2 es una película muy bien lograda cuya historia da seguimiento a la vida de estos maravillosos bribones sin oficio ni beneficio. El soundtrack, como era de esperarse, es una bomba.

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Jason Blum – El nuevo maestro del horror

Aunque en la actualidad tenemos directores brillantes que cumplen con el cometido de “producción barata” como lo son Eli Roth (‘Hostal’), James Wan (‘Saw’), Scott Derrickson (‘El Exorcismo de Emily Rose’), Robert Eggers (‘The Witch’), André Øvredal (‘The Autopsy of Jane Doe’), Anthony DiBlasi (‘Last Shift’) y David F. Sanberg (‘Lights Out’), el maestro del horror de la actualidad no es un director de cine. Jason Blum y su productora, Blumhouse Productions, son las constantes en la mayoría de estas producciones.

Sangre falsa hecha de jarabe de maíz, adolescentes en pleno éxtasis sexual y maquillaje con prostéticos definieron al cine de horror durante sus mejores décadas. Dario Argento, Sam Raimi, George A. Romero, Wes Craven, John Carpenter, Sean S. Cunningham, entre otros, además de crear las pesadillas más vigentes en una sociedad amante del género, demostraron que para crear películas memorables no era necesario un presupuesto alto sino ganas de hacer cine y mucha creatividad para enfrentar los percances de producciones que rayaban el género de serie B.

El éxito de Blum se debe a distintos factores: sabe cómo se mueve Hollywood, tiene criterio para la exhibición de sus películas (tanto que afirma que de 80 películas que ha producido hasta 2017, sólo ha cometido un error al producir ‘Jem y los Hologramas’, la cual recaudó la mitad de lo que costó) y sabe explotar la fórmula del low cost: desde la fundación de Blumhouse en el año 2000, la casa productora otorga de uno a cinco millones de dólares a guiones fuera de lo común y entre cinco a diez a sus secuelas.

Su modelo de negocio es todo lo contrario al blockbuster, Jason Blum no está interesado en pantallas verdes ni en Scarlett Johansson protagonizando una de sus cintas. El productor hace que los directores se centren en el horror y que estos momentos se resuelvan de la manera más ingeniosa posible. Todo se resume en el presupuesto y a la gran libertad creativa que Jason otorga al realizador.

El resultado es más que satisfactorio para él y su equipo: en sus diecisiete años de haberse fundado, Blumhouse cuenta con ‘Actividad Paranormal’, ‘Insidious’ y ‘La Purga’ (que está próxima a expandirse en formato de serie), tres sagas que no rebasaron los setenta millones en su realización y recaudaron dos billones de dólares a nivel mundial.

Por si eso fuera poco, también fueron los encargados de producir ‘Whiplash’, la opera prima de Damien Chazelle ganadora de tres Oscars; estuvieron a punto de producir ‘La La Land’; trajeron de vuelta al inestable M. Night Shyamalan con ‘The Visit’, ‘Split’ y su secuela ‘Glass’ e introdujeron ‘Get Out’, película de horror psicológico dirigida por Jordan Peele, como una de las consentidas en todas las listas de lo mejor del 2017 y como nominada en los Golden Globes en la categoría de “Mejor Película Musical o de Comedia”

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Y aunque su fuerte sean los largometrajes, Jason Blum ha expandido su visión a otros medios: junto a Eli Roth creó Crypt TV, un espacio en internet dedicado especialmente a la creación de cortometrajes con directores novatos, además de que reciben trabajos de todo el mundo; también ha fundado Blumhouse TV, un estudio que se destinará solamente a proyectos televisivos; y goza de tener un contrato de distribución por diez años con Universal Studios.

Jason Blum ha revolucionado las desventajas del cine independiente, transformándola en un modelo de negocios redituable. Más allá del abaratamiento del equipo, es su fe en el talento joven y sus ideas que lo ha hecho uno de los hombres más exitosos del show biz hollywoodense. Uno nunca sabe hasta dónde llegará la labor de un producto cinematográfico pero sin lugar a duda Jason Blum se ha encargado de postrar el puesto en lo más alto, haciendo que el horror recobre nombre y apellido.

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