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“Hay una Luna de Miel antes del lado oscuro”, dice el vocalista de Suede

Suede está relanzando el álbum debut que los convirtió en estrellas glamorosas en 1993. “Hay una Luna de Miel antes del lado oscuro”, dice Brett Anderson en entrevista con Jonathan Dean, de The Times.

La música pop es un juego de jóvenes, aparentemente, escribe Jonathan Dean.

Es una vida agotante, luego te dejan.

Para Suede, sin embargo, este ha sido un trabajo para toda la vida. “A medida que nos acercamos a la muerte”, el cantante de la banda, Brett Anderson, se inserta en seco en la entrevista. Es una buena compañía, un hombre muy alto, delgado y reflexivo con chispas en los ojos. Su chaqueta de cuero negro —su uniforme durante la década de 1990— está arrugada en una silla vacía.

En estos días, Suede relanza su debut homónimo en una lujosa caja para conmemorar su 25 aniversario. El álbum todavía suena fuerte y exuberante, con canciones como Animal Nitrate y The Drowners tan abrasivamente estimulantes como siempre: la música que marcó al guitarrista Bernard Butler como uno de los mejores de la época.

“No es un disco perfecto”, dice Anderson cariñosamente. “Pero sus defectos son agradables. Fuimos impetuosos, impertinentes, y captura eso”.

Jonathan Dean le preguntó al cantante —de 50 años el año pasado— si alguna vez previó el éxito a largo plazo cuando sólo tenía 25 años y nadie sabía quién era. “No lo imaginé”, dice. “Cuando eres joven, no puedes ver más allá del fin de semana, pero siempre he tenido una ridícula sensación de autoconfianza. Lo necesitas para estar en el escenario”.

Es refrescante que él no diga que su plan nunca fue ser grande, como lo hacen muchas estrellas falsamente humildes. “Eso es falso”, dice bruscamente. “Subir al escenario es una declaración de ‘¡Adorame!'”. Cara arrugada, se encoge de hombros, los huesudos hombros levantándose.

Britpop

En 1993, Suede lanzó Suede. Dos años después, la “batalla de Britpop” entre Blur y Oasis fue noticia. La banda de Anderson se unió a ese movimiento, lo que muestra cuán amplia era la etiqueta, dado que sus canciones de antorchas están tan alejadas de los borrachos que gritan estupideces. Los Suede son románticos. Urbanos, cuelgan lucecitas en vidas normales. Sin embargo, sin ellos, podría decirse que no hubiéramos tenido el bullicioso Cool Britannia, cuando Tony Blair saltó a la carrera de sencillos para aumentar su popularidad.

“Fue un período increíblemente emocionante”, dice Anderson. “En 1992, estábamos desempleados, en 1993, éramos parodiados en la televisión mainstream”. Él se refiere a un boceto de Spitting Image de una banda parecida a Suede que grita una canción a una pareja de mediana edad llamada Are You Getting Old or Are We Shite? En medio del grunge estadounidense, los medios británicos se aferraron a ellos como si fueran uno de los suyos. “Sentí que estábamos en el corazón de algo, aunque no sabíamos en qué se convertiría el movimiento”.

Mat Osman, el bajista de Suede —hermano de Richard de Pointless y un amigo cercano de Anderson desde la adolescencia, compartiendo su amor por los Smiths, Bowie y Pet Shop Boys— se sienta a su lado. Deja que su compañero de banda brille bajo el reflector. Si los historiadores necesitaran un portavoz de la música pop británica de mediados de la década de 1990, él lo haría bien.

“Fue especialmente difícil para nosotros porque no había nadie alrededor”, dice Osman sobre el año en que el debut de Suede se volvió el No 1. “Abrimos puertas al ser la banda que éramos. En términos de Britpop, no fue musicalmente que tuviéramos mucha influencia. Fue solo por esta idea que podrías ser una banda enorme y apasionada y aún ser genial. No tenías que convertirte en parte de lo principal. Podrías simplemente construir una nueva corriente principal “.

A principios de marzo, Anderson publicó una memoria muy bien recibida, Coal Black Mornings. Es poética y honesta, hablando de su vida antes de que Suede fuera firmado. En el libro, escribe que Osman es un hombre “amable y feliz”.

“Tenía que decir eso”, protesta Anderson.

Entonces, torpemente, le pregunto al bajista cómo es Anderson ahora. “Eso es incómodo”, dice el cantante con el ceño fruncido.
“Te diré una cosa”, dice Osman, cortando la tensión. “Todo lo que Brett ha hecho, lo ha llevado al límite. Ya sea una vida saludable o mala, o la vida familiar, él oscila entre los extremos “.

El hecho es que esos extremos se ajustan a la caricatura por la que Anderson es conocido— en el campamento o en el uso desenfrenado de heroína, es considerado un hombre que se convirtió en un nombre familiar, luego sucumbió a todo el brillo y la cuneta que el éxito puede ofrecer.

 


“Simplemente te metes en ello”, dice de la fama. “Es seductor. Hay una Luna de Miel antes del lado oscuro. ¿Cómo te cambia? Desarrollas personas. Alguien debería escribir un libro, Persona versus Persona, ya que me ha fascinado durante años— el abismo entre cómo eres percibido y tu verdadero yo. Una personaque es en parte tú se desarrolla, pero también una ficción creada por los medios. Tu personalidad se distorsiona. Es una dualidad fascinante”.

Le pregunto a Osman si fue más fácil para él, estar más en el fondo. “Fue una cantidad perfecta de fama”, dice. “Si alguien sabe quién soy, es un fanático. Si alguien conoce a Brett, es probable que sea porque no les agrada”.

“Ciertamente en 1993”, agrega Anderson.

Menciono al cantante de Blur, Damon Albarn. Es el único momento en que la habitación se siente helada.

En Coal Black Mornings, hay dos pasajes que claramente se refieren a Albarn, sin nombrarlo. No sólo era el rival principal de Anderson, sino también el hombre que salió con su novia Justine Frischmann después de él. Lo más irritante es que el autor afirma haber visto el borrador de Modern Life Is Rubbish que se convirtió en el innovador nombre del álbum de Blur.

Anderson mira hacia atrás. Él tiene una mirada intensa y ligeramente condescendiente. Pero esos fragmentos son sobre Albarn, ¿verdad? “La gente hará las suposiciones que quieran hacer”, dice rotundamente. “Pero prefiero hablar sobre lo que hay en el libro que de lo que no es”.

 

Justine

Frischmann es, entonces. Justine, como todos la conocen, está en todas las memorias. La única figura de culto restante del Britpop, la vocalista de Elastica dejó la música después de dos álbumes.

Esa elusividad cimenta una reputación, y cuando hablé con ella el año pasado, parecía una actriz interpretando el papel, tan distante de como la gente la recordaba.

Antes de Elastica, ella era miembro de Suede: Anderson, Osman, Butler, el baterista Simon Gilbert y Frischmann en la guitarra. Cuando rompió con Anderson, se escribieron al menos tres canciones de las sesiones de debut —To the Birds, Moving, Pantomime Horse— y ella todavía estaba en la banda.

“¿Qué tan incómodo era? Realmente extraño”, dice Anderson. “Fue una parte incómoda. No fue solo que nos separamos. Coincidió con ella siendo crítica sobre lo que estábamos haciendo. Ella desarrolló una voz disidente sobre las canciones más grandiosas. Ella quería que fuéramos una banda de punk, básicamente.

“Algo que no dije en el libro, sin embargo”, continúa, “es que estaba realmente orgulloso cuando Justine pasó a hacer algo grandioso con Elastica. Había orgullo profesional. No fue amargo. Era más como, ‘Eso es brillante’ “.

La nueva versión de Suede viene con demos. ¿Ella está en alguna? Sí, dice Anderson. Por ejemplo, todas las canciones de octubre de 1991. “La banda habría sido diferente sin ella”, insiste.

Es tierno cómo Anderson y Osman recuerdan aquel momento. ¿Fue divertido? “Ciertamente más que el segundo disco”, dice Anderson. Aquellos días fueron de drogas. El dúo rememora. “Todos esos años desaliñados”, como Anderson describe la creación de Suede, “caminando penosamente hacia la oficina de subsidios, mirando la caspa en el cuello del hombre frente a mí”.

Recuerdan cómo actuaban apasionadamente en el escenario, solo para retroceder y empacar sus cosas. “Gracias a Dios, no había nadie allí”, dice Osman. Entonces, de repente, la gente vino, pero todavía tenían malos conciertos. En Liverpool, alguien gritó: “¡Recordamos a Rod Stewart!”. Nunca supieron por qué.

Cuando Anderson crecía en una casa del consejo, su padre ponía seguido a Liszt y Wagner muy fuerte, y la familia se escondía en la cocina, esa energía siempre estuvo presente en Suede.

Su relación con su padre era compleja, pero me pregunto si, a pesar de impedir la grandilocuencia, incluyó elementos clásicos para obtener su reconocimiento. “No conscientemente, no”, dice en voz baja. “Gravité hacia la música que parecía diametralmente opuesta a lo que él estaba haciendo. Me parece preocupante cuando a los niños les gusta la misma música que a sus padres. La música se trata de establecer tu identidad, así que me gusta que a mi hijastro le guste el grime, ya que no es mi mundo. Entonces, no, no era consciente. Pero la música clásica es parte de mi ADN, creo, y el pop que comencé a escribir, a través de la ósmosis, tenía un drama similar. Es sólo mirando hacia atrás que no puedo ignorar que debe de haber sido una influencia”.

Le pregunto si sus hijos —él tiene un hijastro y un hijo con su esposa, Jodie— están interesados ​​en su carrera. “Parecen estar cada vez menos interesados”, dice, pero, para ser justos, el estilo de Suede es apenas obvio en el pop actual. Sus canciones más conocidas fueron en Coming Up, en 1996, pero su marca de bello y glamoroso maullido es difícil de imitar, difícil de acertar. The Libertines son lo más parecido que hemos tenido desde entonces, pero no por la música, más bien, el estilo, la sensación de que las bandas y los fanáticos son parte de la misma pandilla, juntos de por vida.

Suede ya volvió a lanzarse.

 

Traducción libre. Puedes consultar la entrevista completa: Brett Anderson Interview

 

#SonicArsenal – Escarbando a Mike Patton

 

Hay tiempo para todo. Eso hace la vida interesante. Actualmente trabajo tiempo completo en cuatro bandas y ninguna suena igual” – Mike Patton

 

Exageradamente creativo, hiperactivo y ansioso por participar en cuanto proyecto cruce ante él, así podría etiquetarse a un personaje como Mike Patton; otros simplemente le llaman loco. Las definiciones se quedan cortas, aún cuando soltemos la frase de que es el más versátil y talentoso vocalista que existe en la actualidad, pero aún así se mantiene como un personaje casi anónimo. La mayoría del tiempo se mantiene en la oscuridad o lejos de los lugares comunes, pero sólo él puede dividirse entre Faith No More, Mr. Bungle, Fantômas, Tomahawk, una trayectoria experimental como solista, la producción de discos, la realización de scores y la creación del sello independiente Ipecac, claro que también se da su tiempo para colaborar en los proyectos de otros.

Mike Patton tiene tiempo para todo, menos para ser una celebridad, más bien corre en la dirección contraria en cuanto le mencionan que es importante dentro de la industria de la música. No puede creerlo, por que antes de buscar la fama, Patton busca divertirse y de paso expresarse. Bueno, sus palabras son bastante claras: “Estás viendo hacia un lado diferente.Cómo artista,es importante enfocarte en el arte.Hay muchos que no lo hacen y eso es lo que crea un arte aburrido.Yo sólo trato de recrear las ideas que vienen a mí.No tengo un objetivo de ventas que apunten a una demografía.Sólo hago lo que hago y cuando puedo.Me estoy divirtiendo bastante al hacerlo.Puede hacerse”.

SUSTITUTO PERFECTO

Su visión de lo que puede llamarse música moderna está bastante lejos, ni siquiera pasan por el mismo cuadrante de lo convencional, para él todo eso es basura sin sentido. Mike Patton ha tratado mantenerse ocupado durante las últimas décadas, discretamente ha logrado recopilar más de una decena de excelentes producciones, que para muchos contienen sonidos no tan fáciles de digerir o explicar. Desde sus inicios en Mr. Bungle intentó unir lo abstracto con lo absurdo, sólo así podrían integrarse sus gritos con un saxofón hilarante. Esas contradicciones lo convirtieron en el mejor candidato para suplir a Chuck Mosley en Faith No More, exactamente lo mismo hizo que atrajera a los integrantes de INXS cuando Michael Hutchence murió.

Los dos grupos se encuentran en puntos diametralmente opuestos, al igual que el resto de los proyectos de Mike Patton. Lo único que los une es la fuerza creativa en su interpretación, capaz de pasar por la apariencia de un payaso psicótico en ‘Epic’ y convertirse en un tipazo en ‘Ashes to Ashes’. Obviamente las contradicciones, la experimentación y lo absurdo se han mantenido en casi todos sus proyectos, ese ya es el sello Patton. Cada proyecto muestra una capa del vocalista, pero todavía falta bastante para llegar a la profundidad o al menos no ha dado indicio de que ya estemos entrando a la médula, más bien parece que no hemos logrado ni siquiera abrirle un poquito de piel.

MIKE PATTON EN SEIS GRADOS

MR. BUNGLE – MR. BUNGLE (1991)

Música implacable que nadie puede entender, pero que no puedes dejar de escuchar a pesar de los incesantes cambios de ritmo. Jazz, thrash, death metal, baladas circenses, ska, punk, funk, disco, música para vídeo juegos… ¡todo en el mismo disco! Mike Patton y sus compinches intentaron y lograron romper todas las reglas, el resultado realmente es confuso, pero contagioso. Después de escuchar esto todo te parecerá simplón.

FAITH NO MORE – ANGEL DUST (1992)

No se acerca ni tantito a lo que logró el grupo en ‘The Real Thing’, pero eso es lo que hace de éste disco algo fascinante. La voz y las letras perturbadoras de Patton se distinguen desde el primer instante. Faith No More no sólo se quedó con la aproximación al hard rock, sino que se aventuró a lugares más complejos, puedes encontrar desde la influencia del funk, baladas nada fáciles y un órgano electrónico salpicando cada una de las canciones de éste álbum.

MIKE PATTON – PRANZO OLTRANZISTA (1997)

El sello del absurdo de Mike Patton se mantiene en éste álbum solista, es bastante difícil de seguir, pero aún así puede llegar a disfrutarse. El álbum es un experimento que por momentos se acerca a lo que el vocalista ha hecho con Mr. Bungle y Fantomas, sin embargo no es para aquellos que se aproximan a Patton por primera vez, mejor empiecen por otro lado. 

FANTÔMAS

Ambient, sonidos atmosféricos y uno que otro ruido indescriptible, no es un proyecto que se mida por la prudencia, la forma en que mezclan algo de jazz, efectos especiales y algunos sonidos caricaturescos dicen todo lo contrario. Patton experimenta también con su voz, no entona nada y tampoco dice palabras verdaderas. El proyecto es bastante interesante, aún más cuando te enteras que también participa gente de Slayer y Melvins.

LOVAGE – MUSIC TO MAKE LOVE TO YOUR OLD LADY BY (2001)

Producido por Dan The Automator, éste proyecto pone en un mismo lugar a Mike Patton, Nathaniel Merriweather, Jennifer Charles, Kid Koala, Damon Albarn y Africa Bambaata. El álbum es relajante, con algo de trip-hop mezclado con lounge y letras adecuadas para tener sexo, de cualquier tipo y con cualquier ente. Un buen punto para conocer a Patton en una faceta menos agresiva y difícil, que abre perfectamente el camino para el proyecto Peeping Tom de Patton y Dan The Automator.

TOMAHAWK

La segunda producción de Tomahawk no se queda en un simple está bien, canciones como ‘God Hates a Coward’ y ‘Sweet Smell of Success’ muestran una profundidad que te envuelve, tanto por sus letras como por esa instrumentación oscura. Algunos comparan éste proyecto con A Perfect Circle, hasta dicen que Patton logró en Tomahawk lo que siempre ha deseado alcanzar Maynard James Keenan.

#SonicArsenal – ¿Recuerdan a Gorillaz en México?

 

El 11 de marzo de hace 15 años nos los encontramos, llevábamos poco tiempo de invasión mediática sobre lo innovador que era un grupo ficticio que salía de gira. Apenas empezaba la relación de México con Blur y Damon Albarn, todavía no conocíamos las posibilidades del vocalista y todas las relaciones musicales que establecería a partir de Gorillaz, que llegó tanto con los personajes de carne y hueso como los virtuales a la Ciudad de México, para presentarse en una única ocasión en el Palacio de los Deportes, que a pesar de lo que nos tenía acostumbrados el recinto, no tuvo tan mal audio como en otras ocasiones, bueno al menos el característico zumbido en nuestras cabezas no nos acompañó durante las horas posteriores a la presentación o tal vez lo recuerdo así porqué mis oídos llevaban poco tiempo exponiéndose al ruido como un trabajo.

 

Algunos reportes dicen que se reunieron ahí cerca de 7,000 personas. Realmente no creo que hayan sido tantas o al menos no parecía un lleno total en la pista, será porque los cientos de niños que había allí no hacen tanto bulto como los adultos. Como sea, reviví la sensación de estar en el lugar equivocado, gran parte de los espectadores eran menores de edad, con la diferencia de que en esa ocasión era más un ambiente familiar de niños de tres a cinco años corriendo emocionados antes de que se apagaran las luces. Así era Gorillaz en ese momento, aparentemente era un atractivo proyecto para menores y no el combo de talentos que fue creciendo a través de las producciones, con historias que fueron ampliando el mito virtual conforme evolucionaron los personajes, sobre todo Noodle, que de prodigio infantil de la guitarra se transformó en líder de opinión sobre el papel de las mujeres en la música electrónica.

 

 

El sorpresivo éxito del disco debut otorgó 24 fechas resolviendo una cuestión: ¿cómo transportar una banda virtual a los escenarios? La tecnología en ese momento no estaba tan avanzada, ni siquiera estaba en las posibilidades una gira con hologramas, la solución fue esconderse y tocar detrás de una pantalla, en la cual se proyectaban imágenes y vídeos, para tratar de mantener la ilusión y el misticismo de la banda virtual que en esa gira tenía a Damon Albarn, Simon Katz (guitarra), Cass Browne (batería), Haruka Kuroda (voz de apoyo) y Mike Smith (teclados).

Mucha distancia no solo de tecnología, también de percepciones musicales, el encargado de abrir ese concierto fue Dan “The Automator” Nakamura, quien prolongó su mezcla de hip-hop y rap a pesar de la continua rechifla de los asistentes, con todo y que Damon Albarn subiera al escenario para presenciar de cerca (con cigarro y chela en mano) el trabajo como DJ del productor de Gorillaz. En el 2017 el set sería apreciado de otra manera.

 

En el escenario, un par de pantallas alineadas horizontalmente. En la primera se proyectaban las imágenes de Murdoc, 2D, Russel y Noodle, y en la segunda pantalla translúcida podíamos ver las siluetas de los integrantes de Gorillaz en primer plano, al mismo tiempo que veíamos las siluetas de los músicos. ‘M1 A1’, ‘Tomorrow Comes Today’, ‘Slow Country’ y ‘5/4’, todas ellas acompañadas de las imágenes de Gorillaz, aunque no precisamente en acción, ya que después de un rato las figuras sincronizadas en ciertos momentos fueron estáticas y repetitivas. Aunque tuvimos un descanso de las imágenes caleidoscópicas en cuatro ocasiones, cuando se proyectaron sin música de fondo cortos animados del grupo, donde mostraron el humor que su creador, Jamie Hewlett, había tratado de impregnar a cada uno de los personajes.

Hip-hop, reggae y rock rayando en el punk en algunas ocasiones, pero poca euforia entre los asistentes. Las canciones siguieron una detrás de otra, con los intermedios marcados por los cortos animados, sin lograr una gran comunicación entre los integrantes reales de Gorillaz y el público, a pesar de que podíamos ver a Damon Albarn detrás de la pantalla brincando y moviendo las manos emocionado. La sensación fría de ese 2002 obviamente sería más atractiva en este momento en el que vivimos de imágenes.

Una hora con 20 minutos duró el concierto (duraría menos, pero se repitió ‘Clint Eastwood’), sin presentar un gran avance tecnológico, mucho menos para nombrarlos el Pink Floyd de la era moderna, como muchos críticos llamaban al proyecto en ese momento. Obviamente no existía ningún punto de comparación, sin embargo la tecnología ahora permite que los personajes de Gorillaz interactúen más, su historia ha crecido conforme los colaboradores han ido sumándose a lo largo de cuatro discos y un quinto por llegar, que de entrada rompió el equilibrio de Internet con cuatro canciones. Eran virales hace 15 años, pero su presencia incrementó con el ruido previo que incluyó una serie de playlists que indican el territorio en el que se encuentran sus cuatro integrantes en la actualidad.

 

Pronto llegará ‘Humanz’ con una amplia ventana de posibilidades tecnológicas que no tenían en el 2002, sin embargo por lo que pudimos ver en el concierto que se realizó en Londres este viernes, los humanos han pasado al frente y los personajes a la pantalla del fondo.

A Tribe Called Red, celebrando la cultura desde sus raíces

Alucionaciones powwow-step que hablan de esa multiculturalidad que antes solo se hablaba en cuentos de ciencia ficción y que se empieza a materializar como la música que avanza hacia el futuro basada en sus raíces. A Tribe Called Red, un acto de electrónica y hip-hop, asentado como un acto de spoken word basado en la poesía de John Trudell, convierte las imágenes de nativos americanos en un tremendo caleidoscopio de la cultura de Canadá

Introduciéndonos a su ‘Hullici Nation’, el disco que saldrá a la venta en los próximos días, ATCR se muestra como un colectivo de artistas y activistas dedicados a erradicar los efectos del colonialismo persistente. El concepto parte de un trío, pero se extiende a voces conocidas como la de Tanya Tagaq, que llevó el canto gutural a nuevos niveles participando en el disco ‘Medúlla’ de Björk, después con Kronos Quartet y como interprete de su propio origen musical.

DJ NDN, Bear Witness y 2oolman realizan una intensa colección de sonidos mezclados con un gran sentido de la herencia y la identidad cultural, liberan 15 canciones que combinan las primeras naciones powwow con elementos de dubstep, que introducen la música electrónica en la comunidad indígena y llevan su cultura al resto del mundo de una manera que no es típica, pero que se ha buscado ya en múltiples propuestas que tienen la intención de liberarnos del género world music y llevarnos a la simpleza y complejidad de la última palabra.

Pensemos en Luaka Bob, el sello de David Byrne que buscó la extensión de fronteras sonoras, en Peter Gabriel exponiéndonos a las diferencias y unidades a través de un festival WOMAD, en Paul Simon saltándose el boicot cultural por el dominio del apartheid para grabar ‘Graceland’, la fascinación con los sonidos locales de Damon Albarn para crear el álbum ‘Mali Music’ y el encongimiento de lo global a una sola villa del proyecto 1 Giant Leap, todos tienen en común esa búsqueda que intenta unir las orillas del mundo en pequeños espacios, tal como ahora lo hace ATCR.

 A Tribe Called Red busca celebrar lo único de una cultura, a través de su música. Parten de la engañoza tristeza del rap, blues y country para crear música festiva, enfrentándonos con sonidos que durante mucho tiempo fueron cercados, marginados a cierta comunidad.

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