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Banda Sonora 101 – 1968 en el cine mexicano

El año de 1968 estuvo marcado por la rebeldía y la represión a escala mundial. En ese entonces imperaba el orden bipolar y la guerra fría entre Estados Unidos y la URSS estaba en pleno apogeo. Los soviéticos invadieron Checoslovaquia para aniquilar de tajo un intento de evolución interna del comunismo en la llamada Primavera de Praga.

El Mayo francés sacó a cientos de miles de ciudadanos a las calles de París. Las protestas masivas en E.E.U.U contra la guerra de Vietnam se sumaron a los movimientos a favor de los derechos humanos y de las minorías. Ese mismo año, el 4 de abril, fue asesinado Martin Luther King en Memphis.

En ese contexto global, en nuestro país, el infame 2 de octubre de 1968 el Estado Mexicano escribió uno de sus pasajes más lamentables de la historia nacional al acribillar a ciudadanos indefensos en la llamada masacre de la Plaza de las Tres Culturas de Tlatelolco. El entonces presidente priista Gustavo Díaz Ordaz y su secretario de gobernación, Luis Echeverría, dieron la orden para que las fuerzas armadas actuaran en contra de la población civil.

A 50 años de esta tragedia, en @BandaSonora101 vamos a revisar un grupo de películas sobre el movimiento estudiantil de 1968 que se ha realizado a la fecha.

EL GRITO (Leobardo López Aretche, 1968)
Una película fundamental en la historia del cine documental mexicano. La realizó un grupo de alumnos del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM, bajo la dirección de Leobardo López Aretche, en plenas movilizaciones de 1968, incluida la masacre del 2 de octubre en la Plaza de las Tres Culturas de Tlatelolco. Se trata del único documento audiovisual (conocido) filmado durante el Movimiento Estudiantil del 68.

 

 

ROJO AMANECER (Jorge Fons, 1989)
Realizada por Jorge Fons en 1989, ROJO AMANECER recrea los trágicos sucesos del 2 de octubre de 1968 desde el interior de un departamento del edificio Chihuahua en Tlatelolco. Es la primera película de ficción que aborda directamente el tema de la matanza de Tlatelolco y que pone en evidencia la participación del gobierno priista de Díaz Ordaz y las fuerzas armadas.

 

 

TLATELOLCO: LAS CLAVES DE LA MASACRE (Carlos Mendoza, 2002)
La película de Carlos Mendoza, es la culminación de una investigación de más de cuatro años en busca de las claves del operativo militar que dio lugar a la masacre del 2 de octubre en la Plaza de las Tres Culturas en Tlatelolco. Este trabajo fílmico es el más completo sobre el tema ya que reúne todo el material audiovisual conocido sobre los sucesos del 2 de octubre de 1968. Identifica a los jefes militares que provocaron la matanza y exhibe documentos fundamentales para poner en evidencia los mecanismos utilizados por las fuerzas represivas y por el gobierno en contra del movimiento estudiantil.

 

 

NI PERDÓN NI OLVIDO (Richard Dindo, 2004)
Producción suiza bajo la dirección de Richard Dindo, NI PERDÓN NI OLVIDO (2004) es un documental que revisa un momento histórico, el verano-otoño de 1968, cuando México se preparaba para ser sede de los Juegos Olímpicos al tiempo que en sus calles miles de estudiantes y ciudadanos se manifestaban en contra del orden establecido, ante lo cual el gobierno de Gustavo Díaz Ordaz respondió con una brutal represión de las fuerzas armadas.

 

LA CONEXIÓN AMERICANA (Carlos Mendoza, 2008)
Documental que reúne información en torno a las actividades secretas de un grupo de altos mandos del ejército mexicano y su accionar terrorista durante el movimiento estudiantil de 1968 en México y la influencia de la CIA en éstos hechos.

 

LA MASACRE DE TLATELOLCO (Matias Gueliburt, 2008)
Dirigido por Matias Gueliburt para The History Channel, este documental sostiene la tesis de la participación directa del gobierno de Gustavo Díaz Ordaz en la matanza del 2 de octubre de 1968 en Tlatelolco.

 

 

BORRAR DE LA MEMORIA (Alfredo Gurrola, 2011)
Realizada por Alfredo Gurrola a partir de un guión original de Rafael Aviña, BORRAR DE LA MEMORIA empieza como una historia de amor que se transforma en un thriller policiaco con la matanza del 2 de octubre como telón de fondo.

 

 

TLATELOLCO, VERANO DEL 68 (Carlos Bolado, 2013)
Dirigida por Carlos Bolado, se trata de una historia de amor entre dos estudiantes de estratos sociales diferentes enmarcada en el movimiento estudiantil de 1968 y la masacre del 2 de octubre en Tlatelolco.

 

Banda Sonora 101 – El rock de Cuarón

ROMA, del cineasta mexicano Alfonso Cuarón, se estrenó el pasado 30 de agosto en el festival italiano de Venecia. El consenso de la critica es que Cuarón realizó una obra maestra que se perfila para llevarse una importante cantidad de premios en los próximos meses. Lo cierto es que apenas han pasado unos cuantos días desde su estreno y ya ha generado una gran expectativa.

En este contexto, en @BandaSonora101 nos avocamos a revisar con lupa la filmografía de Alfonso Cuarón para descifrar la manera como el cineasta ha utilizado la música, en particular el rock, en su obra.

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Alfonso Cuarón nació en la Ciudad de México el 28 de noviembre de 1961, así que tiene 56 años. Es muy joven y seguramente realizará más de los 8 largometrajes que ha dirigido a la fecha. Estudió cine en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM y su carrera como cineasta arrancó en 1991 con la comedia SÓLO CON TU PAREJA. Aquí inicia la historia:

SOLO CON TU PAREJA (1991)
El primer largometraje de Alfonso Cuarón es SOLO CON TU PAREJA y se estrenó el 9 de septiembre de 1991 en el festival canadiense de Toronto. Protagonizada por Daniel Giménez Cacho, Claudia Ramírez, Luis de Icaza y Astrid Hadad, esta comedia urbana cuenta la historia de Tomás Tomás, publicista y casanova que sufre una cruel venganza de parte de una enfermera –otra de sus conquistas– que cambia el resultado de una prueba de VIH y lo hace creer que es ceropositivo.

Tomás decide acabar con su vida pero en el intento conoce y se enamora de una bella sobrecargo cuya pareja le es infiel. El exitoso debut de Cuarón fue la mano que le abrió las puertas de Hollywood y las grandes ligas del cine. La fotografía es del también mexicano Emmanuel Lubezki y la música original es de Carlos Warman. Cuarón utiliza a “Don Giovani” de Mozart como leitmotiv de todo el filme. No se editó soundtrack y el único acceso a la música es vía la película.

 

 

LA PRINCESITA (1995)
Producida por Warner Bros., LA PRINCESITA, segundo largometraje de Alfonso Cuarón, se estrenó en mayo de 1995 en EE.UU. Se trata de una adaptación de la novela de Frances Hodgson Burnett, misma que cuenta la historia de una niña que vive un infierno –sólo combatido por la imaginación– en un internado en Nueva York, mientras su padre británico pelea en la Primera Guerra Mundial.

Cuarón entró con el pié derecho a Hollywood. Obtuvo 2 nominaciones al Oscar: mejor fotografía y mejor dirección de arte. La música original es del compositor escocés Patrick Doyle (colaborador frecuente del actor y director Kenneth Branagh).

 

 

GRANDES ESPERANZAS (1998)
Adaptación modernizada de la famosa novela de Charles Dickens, GRANDES ESPERANZAS, tercer largometraje de Alfonso Cuarón, se estrenó con éxito moderado en enero de 1998 en EE.UU. y Canadá. A México llegó en marzo de ese mismo año. La producción costó alrededor de 25mdd y al final de cuentas recaudó 55mdd en taquilla a escala mundial. En este caso la compañía productora fue 20th Century Fox.

Con el apoyo de su compa Emmanuel Lubeski en la dirección de fotografía, Cuarón impuso su estilo visual y logró darle un giro de actualidad a la novela, misma que ha sido llevada al cine y la televisión en otras ocasiones, siendo la de David Lean de 1946 la más conocida. Nuevamente la música original es del escocés Patrick Doyle y soundtrack incluye rolas de Chris Cornell, Reef, Scott Weiland, Tori Amos, Fisher y Mono.

 

 

Y TU MAMÁ TAMBIÉN (2001)
Cuarto largometraje de Alfonso Cuarón, se estrenó el 8 de junio de 2001 en México y después compitió en agosto del mismo año en el festival de Venecia, donde ganó los premios a mejor guión (Alfonso y Carlos Cuarón) y mejores actores revelación (Gael García y Diego Luna). En su paso por varios festivales internacionales, esta road movie acumuló una importante cantidad de premios y fue nominada al Oscar a mejor guión original.

En su cuarto largo Cuarón se aleja del cine industrial y realiza una película mucho más personal, misma que cuenta la historia de Julio y Tenoch, dos amigos que se definen como charolastras y que hacen un viaje en auto a una supuesta playa llamada Boca del cielo con una joven y atractiva española. Poderoso relato sobre la sexualidad y el paso a la madurez, Y TU MAMÁ TAMBIÉN cuenta con una banda sonora sobresaliente que incluye rolas de Molotov, Mala Rodríguez, La Revolución de Emiliano Zapata, Frank Zappa, Eagle Eye Cherry, Señor Coconut, Marco Antonio Solís…

 

 

HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN (2004)
De regreso al cine industrial, en 2004 Alfonso Cuarón dirigió HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN, película cuya producción costó alrededor de 130 mdd y que obtuvo ganancias en la taquilla mundial cercanas a los 800 mdd. Un éxito comercial. Y en términos de crítica también le fue muy bien.

“No sólo es ésta deslumbrante entrega de lejos la mejor y más emocionante de las tres películas de Harry Potter hasta la fecha; es también un filme que puedes ver incluso si nunca has oído hablar de la autora J.K. Rowling y de su joven héroe mago,” escribió Peter Travers en la revista Rolling Stone. La música original, que estuvo nominada al Oscar, es obra del gran John Williams.

 

 

NIÑOS DEL HOMBRE (2006)
Sexto largometraje de Alfonso Cuarón, se estrenó el 3 de septiembre de 2006 en el festival italiano de Venecia, donde fue reconocida con el premio a mejor contribución técnica. Adaptación de la novela de PD James, la historia de NIÑOS DEL HOMBRE se ubica en el año 2027, en un futuro distópico donde la raza humana está condenada a la extinción dado que todas las mujeres del planeta se han vuelto infértiles.

En este contexto, un activista británico (Clive Owen) es contratado para llevar a un lugar seguro a la única mujer que misteriosamente ha quedado embarazada. La música original es de John Taverner y el soundtrack trae rolas de Jarvis Cocker, Deep Purple, John Lennon, The Kills, Donovan, Junior Parker, The Libertines… ufff

 

 

GRAVEDAD (2013)
Séptimo largometraje de Alfonso Cuarón, es una obra maestra del cine moderno que en 2013, durante su paso por el circuito principal de festivales internacionales de cine, acumuló una gran cantidad de reconocimientos, entre ellos 7 premios Oscar (de 10 nominaciones), incluidos el de mejor dirección (Cuarón) y mejor fotografía (Emmanuel Lubezki).

Se trata de una obra de una complejidad técnica, visual y sonora fuera de serie y a la vez de una gran sencillez narrativa. Dos astronautas intentan sobrevivir tras un accidente que los deja flotando a la deriva en el espacio. La música original es obra del compositor británico Steven Price.

 

 

ROMA (2018)
Octavo largometraje de Cuarón a la fecha, se estrenó el pasado 30 de agosto en el festival de Venecia, donde se perfila como favorita para llevarse el León de Oro, el máximo premio que otorga el certamen italiano. ROMA nace de los recuerdos de infancia del propio Cuarón y se centra en la historia de Cleo (Yalitza Aparicio), una joven que hace las labores de aseo para una familia de clase media en la colonia Roma de la Ciudad de México.

En paralelo a la de Cleo corre la historia del infame “Halconazo” del 10 de junio de 1971, cuando un grupo paramilitar del Estado mexicano –los Halcones– reprimió violentamente una marcha estudiantil con saldo de varios jóvenes muertos. La música original es del británico Steven Price.

 

Sonic Arsenal – IMCINE, preservando nuestros recuerdos cinematográficos

Con un timeline lleno de frases, trataba de pensar en una pero solo venía a mi cabeza un cartón de ‘Crónicas Marcianas’, Trino hacía referencia a un momento cantadito tipo Pedro Infante, nos dejaba el resto para completar en la mente: “a ver si a esta le das contestación…”. Así como nos sucede con José José, Juan Gabriel o el periodo azotadísimo de baladas románticas, todos convivimos con algún momento de la comedia ranchera mexicana, afortunadamente la gente de Internet proporcionó una visión más amplia con el hashtag para celebrar el Día Nacional del Cine Mexicano.

Aquello de #FrasesdePeliculasMexicanas fue la puerta de entrada para muchas imágenes y conexiones con ciertas películas, para algunos se trata de un recuerdo generacional, pero como nos ha demostrado el cine mexicano en los últimos dos años de celebración, aquel nostálgico blanco y negro solo es un instante en una industria que afortunadamente sigue creciendo y sigue incorporando más frases memorables y que no se pueden encasillar en la idea de que la época dorada nunca volverá.

Nuestra memoria activa del cine mexicano tal vez falla cuando se trata de ir a los estrenos para darle mayor permanencia en salas a las películas, la iniciativa de celebrarlo cada 15 de agosto busca cambiar nuestra percepción y el hambre de blockbusters con ciclos gratuitos de películas contemporáneas, pláticas, exposiciones y, por supuesto, el continuo llamado a la preservación.

 

 

En el segundo año consecutivo en el que se celebra el Día Nacional del Cine Mexicano ese ha sido uno de los temas principales, claro que se trata de promoción, exhibición y la formación de públicos, pero eso no se logra sin el material, por esa misma razón el IMCINE ha estado abriendo sus instalaciones para que descubramos el increíble trabajo que significa mantener un acervo que no solo abarca películas, también incluye hojas de prensa, 47 mil piezas de fotomontajes, alrededor de 20 mil negativos de 8×10 y carteles nacionales y extranjeros que muestran la riqueza del proyecto que inició en 1983 y se ha ido adaptando a los tiempos entre el material análogo que exige muchos cuidados y la digitalización que abarca muchos cerebros electrónicos.

Me invitaron a realizar un pequeño recorrido por las bóvedas donde se resguarda el acervo de IMCINE de producciones y coproducciones, donde además de preservar la memoria del cine nacional, sus procesos de sistematización y digitalización permiten que disfrutemos de películas restauradas, como la de ‘El Castillo de la Pureza’, presentada el miércoles de la semana pasada en la gala del Día Nacional del Cine Mexicano.

 

 

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Con más de 1200 películas, el acervo del IMCINE se distribuye a lo largo de espacios de clima controlado que concentran “un archivo joven”, como me comentó María Elena Durán Payán, encargada del acervo iconográfico de la bóveda y quien a lo largo del recorrido me mostró como llegan los materiales, la manera en que se van dividiendo para su preservación y la realización de exposiciones como las que actualmente se exhiben en la Sala 2 de la Cineteca Nacional, el metro Coyoacán y el Auditorio Nacional.

Aunque no es un archivo abierto al público, muchos de los materiales del acervo de IMCINE continuamente están recorriendo ciclos, festivales y exposiciones, todo comienza en el interés por crear una memoria que se pueda compartir con los espectadores, es uno de los primeros pasos en la formación, pero depende de nosotros darle una oportunidad a las producciones nacionales para que siga creciendo la industria.

 

Banda sonora 101: cine rock mexicano

Los tiempos que hoy corren en México son históricos –de cambios de fondo y forma en materia política– e inevitablemente nos invitan a reflexionar sobre los temas que nos identifican como un mexicano, más allá de nuestras diferencias.

Si hay algo que refleja con claridad la identidad de un pueblo es precisamente su cinematografía. Sí, el cine, sea ficción o documental, es el espejo de los pueblos y, de paso, un poderoso generador de identidad nacional.

Inmersos en esta idea de exploración de nuestro cine y por lo tanto de nuestra identidad, en @BandaSonora101 nos echamos un clavado en la historia del cine rock mexicano e hicimos una selección de 15 películas de diversa estirpe pero que comparten un elemento en común: el rock.

Aquí la selección de películas:

 

DEVERAS ME ATRAPASTE (1985)
Dirigida por Gerardo Pardo a partir de un cuento de René Avilés Fabila, DEVERAS ME ATRAPASTE se estrenó el 11 de julio de 1985. Esta película es un pilar del cine rock mexicano y cuenta la historia de una chica de familia conservadora que se enamora del fantasma de un roquero, el Humo, compa que toca en una banda de rock progresivo llamada Manchuria (en la que participa Gerardo Pardo), encargada de componer la música original de la película. Hace unos años tuve el gusto de programarla en copia de 35mm en una edición del ciclo “Rock en el cine” de la Cineteca Nacional. La música que hizo Manchuria para el filme está disponible en YouTube.

 

¿CÓMO VES? (1986)
Dirigida por Paul Leduc en 1986, ¿CÓMO VES? retrata el rostro marginal de la CDMX en los años 80. La cámara recorre las calles y recrea la vida nocturna de los barrios al ritmo de El Tri, Son de Merengue, Rockdrigo, Jaime López y Cecilia Toussaint. Leduc muestra a un sector de la sociedad, la juventud chilanga de los 80, enfrentado a la pobreza, la represión, la falta de oportunidades y la violencia.

 

UN TOKE DE ROC (1988)
Realizada por Sergio García Michel en súper 8 mm, UN TOKE DE ROC (1988), pequeña joya del cine rock mexicano, es una gran apología a la música y a la rebeldía feminista con la participación de Cecilia Toussaint, Jaime López, Rockdrigo, Chac-Mool, Three Souls in My Mind… La Filmoteca de la UNAM, en merecido homenaje a la generación de los llamados superocheros, lanzó un DVD de esta película hace unos cuantos años.

 

CIUDAD DE CIEGOS (1990)
En 1991 Alberto Cortés realizó CIUDAD DE CIEGOS, filme compuesto por 10 historias que al mezclarse forman una película muy sólida sobre la ruptura y la desazón. El escenario es un departamento de la colonia Condesa, en la CDMX, donde a lo largo de tres décadas sucede esta decena de historias. Los guionistas: José Agustín, Hermann Bellinghausen, Alberto Cortés, Marcela Fuentes-Berain, Paz Alicia Garciadiego y Silvia Tomasa Rivera. La música original es obra de José Elorza y el soundtrack trae una gran pieza: “Foto Finish” interpretada y musicalizada por Rita Guerrero (Santa Sabina) y Saúl Hernández (Caifanes).

 

AMORES PERROS (2000)
AMORES PERROS se estrenó el 14 de mayo de 2000 en el festival de Cannes. Esta película fue el trampolín con el que Alejandro González Iñárritu brincó a las grandes ligas del cine. También proyectó al escritor y cineasta Guillermo Arriaga. González Iñárritu y Arriaga trabajaron juntos en 21 GRAMOS y BABEL y luego se pelearon. De esta trilogía, AMORES PERROS es la que más rifa y la que tiene una banda sonora perrísima con piezas de Control machete, Nacha Pop, Gustavo Santaolalla, Titán, Los del garrote, Celia Cuz,… Un antes y un después en materia de soundtracks mexicanos.

 

PIEDRAS VERDES (Ángel Torres Flores, 2000)
“Una pacheco road movie”… Así definió a PIEDRAS VERDES su director, Ángel Flores Torres, cuando lo entrevisté hace 18 años. Más por azares del destino que por decisión propia, una joven atribulada (Vanessa Bauche) emprende un viaje de autodescubrimiento. El cineasta se apega al guión de las road movies clásicas y acompaña el viaje de la joven protagonista con música de Botellita de Jerez, Café Tacvba, Oscar Chávez, Resorte, Tequio…

 

Y TU MAMÁ TAMBIÉN (2001)
Alfonso Cuarón, además de ser un gran cineasta, tiene muy buen gusto musical. Basta con darle una escuchada al soundtrack de Y TU MAMÁ TAMBIÉN (2001) para darnos una idea de sus preferencias musicales. Esta maravillosa road movie, interpretada por Maribel Verdú, Diego Luna y Gael García, inmortales charolastras desmadrosos, es recordada por sus grandes pasajes musicales. Inolvidable la escena del baile erótico de los tres protagonistas en la playa con “Si no te hubieras ido” de Marco Antonio Solís. El soundtrack incluye rolas de Molotov, Plastilina Mosh, Café Tacvba, La Revolución de Emiliano Zapata, Brian Eno, Frank Zappa, Mala Rodríguez, Titán…

 

PERFUME DE VIOLETAS (2001)
Realizado por Maryse Sistach, cineasta dotada de una gran sensibilidad social y humana, PERFUME DE VIOLETAS (2001) es un filme crudo que ubica a su joven personaje femenino (Ximena Ayala) en el centro de un entorno machista, violento, totalmente adverso (así como lo es hoy en día para una chavita de la secu en muchos barrios de la zona metropolitana de la CDMX). El rock funciona como traje a la medida en esta dramática historia que hasta se queda corta si la comparamos con la cruda realidad de los feminicidios en nuestro país.

 

ALEX LORA: ESCLAVO DEL ROCANROL (2003)
En octubre de 2003 se estrenó en la sala 3 de la Cineteca Nacional otro de los pocos rockumentales mexicanos de la historia: ALEX LORA: ESCLAVO DEL ROCANROL, dirigido por Luis Kelly. Esta película una apología absoluta al personaje, como si el cineasta le rindiera tributo a Lora en lugar de contar la historia de su carrera con objetividad. La música, no obstante, es lo más representativo de este trabajo ¡Qué viva el rocanrol!

 

NO TUVO TIEMPO. LA HURBANISTORIA DE ROCKDRIGO (2004)
Hacia finales de 2005 y principios de 2006 se estrenó en un puñado de salas de la CDMX el rockumental NO TUVO TIEMPO. LA HURBANISTORIA DE ROCKDRIGO (2004), de Rafael Montero. Retrato fílmico de Rockdrigo González, el Profeta del nopal, y del movimiento rupestre en la capital chilanga, esta película pasó casi inadvertida salvo por su exitosa exhibición en la Cineteca Nacional, donde se mantuvo más de un mes en cartelera. Hoy, a la luz de la historia, este filme se muestra como un documento fundamental del cine rock mexicano.

 

NACO ES CHIDO (2009)
Dirigida por Sergio Arau, NACO ES CHIDO (2009) es un autorretrato de la legendaria banda Botellita de Jerez como sólo ellos lo podrían hacer. Una película muy divertida, satírica a madres, 100% irreverente, con grandes momentos musicales y con la presencia de muchas personalidades del rock mexicano. Para el soundtrack invitaron a un montón de artistas a hacer versiones propias de sus rolas. María Emilia, Alex Otaola, El Gran Silencio, Kinky, Café Tacvba, Molotov, Yucatán A Go Go…

 

SEGUIR SIENDO (2010)
Los cineastas Ernesto Contreras y José Manuel Craviotto convivieron unos 700 días con los integrantes de Café Tacvba para realizar SEGUIR SIENDO (2010), un hermoso rockumental que resume los primeros 20 años de la banda y que los retrata en sus procesos creativos y tocadas en vivo. La música es el punto G de la película.

 

GIMME THE POWER (2012)
Rockumental de Olallo Rubio sobre Molotov, GIMME THE POWER (2012) es un grito contra el sistema político podrido (el mismo que acaba de pagar la factura en las urnas). Un alegato poderoso, desde el arte de la música, en contra de la corrupción y los abusos de la clase política mexicana. Molotov no es cualquier banda y en esta película queda bien claro.

 

TIJUANA, SONIDOS DEL NORTEC (2012)
Dirigido por Alberto Cortés y producido por Jorge Sánchez, actual director del Imcine, TIJUANA, SONIDOS DEL NORTEC es un documental que recorre las calles de la ciudad titular para descubrir su música. Así nos lleva a Nortec Collective: Pepe Mogt y Ramón Amescua de Bostich + Fusible; Jorge Verdín y Fritz Torres de Clorofila y Pedro Beas de Hiperboreal. Un documento fílmico que registra la vibrante vida musical de Tijuana, donde la fusión de sonidos generó una escena musical bien poderosa y que se mantiene viva.

 

RITA, EL DOCUMENTAL (2017)
Realizado por Arturo Díaz Santana, RITA, EL DOCUMENTAL (2017) es un filme biográfico sobre la gran Rita Guerrero, actriz, compositora y voz inconfundible de Santa Sabina. El filme registra desde su infancia en Guadalajara, su paso por el Centro Universitario de Teatro de la UNAM, los tiempos gloriosos al frente de Santa Sabina hasta sus últimos días de vida, antes de morir víctima de cáncer de mama.

 

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Un vistazo rumbo al Ariel

Si algo caracterizará a la entrega número 60 del premio Ariel, será un giro hacia las mujeres. No solo es la primera vez en la que están nominadas tres en la categoría de mejor director, también otras obras tienen temáticas que incluyen la visión femenina o sus problemáticas.

No escapa en la lista presentada, que en todos los trabajos existe el interés de mostrar la realidad nacional. Ya sea con películas de época y que al comparar las situaciones, podemos hacer yuxtaposiciones que encuadran con la actualidad, o con trabajos documentales, que este género cada vez está tomando más fuerza, olvidándose del estigma de ser un género menor.

La producción mexicana siempre ha tenido renombre y se ha destacado en festivales internacionales, pero lo que llena de júbilo a la industria es que ahora son más cuantiosos. Se pueden ver triunfadores en todos los festivales internacionales, no así en las salas de cine, que por desgracia la audiencia siguen siendo eclipsada por las producciones americanas.

A continuación un recuento de las que entre otras cosas están en la terna de mejor película y/o mejor dirección.

Los nominados son:

 

Entra en la terna de mejor director Sebastian Hoffman con su segundo largometraje Tiempo compartido y que también va para mejor película. Si algunos estaban pensando que se parece a su primer trabajo Halley, pues no. Es una tragicomedia entretenida y que nos hace vivir en carne propia lo complejas que pueden ser unas vacaciones en familia, así como los engaños y torturas que provocan los tiempos compartidos.

Vemos a Luis Gerardo Méndez en un papel que lo saca un poco de su zona de confort, ya que nos había acostumbrado a trabajos cómicos. Esta es la segunda vez que aparece en la terna de Mejor Actor, la primera por Nosotros los nobles en 2014.

El film se logró gracias a varios apoyos de los Países Bajos  y fue premiada en Sundance por mejor guión.

 

Everardo González cada vez se supera a sí mismo. Basta con nombrar en orden cronológico su obra: La canción del pulque del 2003, Los ladrones viejos: Las leyendas del artegio del 2007, El cielo abierto de 2010, Cuates de Australia del 2011, El paso del 2015. Todos con un alto sentido humano y que nos dejan reflexiones. Su más reciente trabajo no es la excepción.

La libertad del diablo desenmaraña una realidad innegable en México. Son entrevistas que cierran una conversación de todos los involucrados en los actos del crimen organizado.

Confesiones de sicarios y torturadores se contraponen a los testimonios de quienes fueron torturados. Familias que narran cómo es vivir buscando a sus desaparecidos. El llanto de quienes perdieron a sus seres queridos de forma violenta. Policías, militares, paramilitares… vistiendo una máscara que deja toda la atención en la mirada.

Es a través de los espejos del alma de cada una de las personas en este documental, un método que nos desmorona como espectador. Nadie puede negar que la violencia que se vive en México, es resumida en el título de este trabajo. El director ha descrito que el nombre es por la gran impunidad ante hechos tan horrorosos.

Everardo González va por mejor director y la cinta por mejor película.

 

Amat Escalante (nominado a mejor director) nos deja con el ojo cuadrado con La región salvaje (nominada a mejor película), una fábula que nos muestra la cotidianeidad de la codependencia y la agresión en las relaciones “afectivas” y sexuales. También la doble moral, un crimen de odio y un ente sexual que domina a cualquiera con quien tiene contacto.

El director repite la naturalidad de un pueblo como en Heli (2013), pero en este caso, se guardan muchos secretos, entre ellos, triángulos amorosos y los límites de cada ser humano. Al final, todos buscan un poco de amor y ser comprendidos.    

La historia es tan singular, que también entró a la terna de mejor guión original, escrito por el director y Gibrán Portera, mismo que ganó el Ariel en la misma categoría en 2014 por La jaula de oro.

Este film se llevó el León de plata en el festival de cine de Venecia por el trabajo de dirección en 2016.

 

La más nominada con 16 rubros, Sueño en otro idioma de Ernesto Contreras pudiera arrasar este año. Aunque compite por mejor película, dio la nota que Contreras no postuló para mejor director.

Está basada en un hecho real. Dos ancianos son las últimas personas en hablar un idioma, pero están peleadas por un asunto de invasión de terreno, pero en la película le dieron un giro muy romántico. El director y su hermano Carlos Contreras, desarrollaron el guion.

Son muchos los temas que se tocan, desde el valor a las tradiciones, el respeto a la edad avanzada, el amor y el aprendizaje, por lo que es altamente reflexiva.

El paisaje también jugó un papel importante. El director narra que se dejó ir por el clima y no fue ortodoxo, que si llovía o había neblina, eso se quedaba en las tomas.

Un trabajo excepcional que incluye crear un idioma para la película, hecho que puede convertirla en culto. Fue parte de la selección de Sundance, llevándose el premio del público como mejor película extranjera de drama.

 

 

The morra’s power

Como destacaba al inicio, la mirada femenina está muy presente. En ellas se muestra una línea temática similar, en la que hay una preocupación de la violencia y su normalidad. Cada una señala y levanta la voz, reivindicando a sus personajes, dándoles fuerza y con ello el reflejo de quienes padecen día a día injusticias.

 

Desprendiéndose de estereotipos sobre la violencia doméstica, Lucía Gajá muestra el panorama de 5 mujeres distintas en puntos geográficos, condición social y educativo.

Batallas íntimas es bella visualmente, pero cruda en contenido. Se trató con mucho respeto la historia de cada una, basada en narrativa y no gráficamente. La lucha que atravesaron para escapar, los desgarradores momentos que atravesaron y un ejemplo de valentía, deja claro que nadie está exento de padecer algo similar y que es una situación grave que no debe quedar impune.

Otro documental que está en las categorías más importantes, la de mejor dirección y no es para menos, la belleza de la vida y sopesar al mismo tiempo los conflictos de quienes se han prometido amor.

La convivencia no es fácil, pero aún con tantas leyes y supuesta atención al tema, la violencia de género sigue siendo común y que es ejercida por gente cercana. Un documental imperdible.

Tráiler “Batallas íntimas” (Dir. Lucía Gajá) from AMBULANTE on Vimeo.

 

Fueron cinco años de trabajo de Natalia Beristáin, solo 2 de ellos para leer la obra completa de Rosario Castellanos y otro tanto en hacer entrevistas con gente cercana a ella.

Retomarla como personaje, representaba enaltecer el genio de la escritora mexicana y dar a conocer que su vida personal, llena de incomprensión y violencia por parte de su esposo. Una búsqueda de encontrar su lugar como dramaturga, pero sentenciada a una época en la que se debía renunciar al trabajo para dedicarse a la familia. En ese sentido, Rosario fue una rebelde y logró conjuntar ambas cosas, aún llena de sacrificios.

La estructura de la película cambió en postproducción para dejar un producto más cercano a la directora, quien ha confesado que se ve reflejada porque a ella también le ha tocado despedirse.

Hay saltos de tiempo para entender los deseos previos y a dónde llegan los protagonistas. Es una oda para que las nuevas generaciones conozcan a la escritora y para entender que la igualdad no es un punto supremo en la lucha feminista, sino que cada mujer encuentre su potencial y poder, a pesar de la supremacía del hombre.

Pasó por el Festival de Cine de Morelia y en la Fiesta del Cine de Roma.   

 

Issa López logró una película de terror desde la mirada infantil. Nos deja sin aliento al desprender la inocencia de los niños que viven las consecuencias de la guerra contra el narcotráfico, mientras mantienen las fantasías propias de la edad.

Una pequeña que ha perdido a su madre, pide como primer deseo que vuelva, pero solo logra situaciones perturbadoras.

Tratar un tema tan crudo desde la ficción, nos deja el sinsabor de una infancia maltratada, huérfana, que padece día a día al crimen organizado y que mantienen la esperanza gracias a su inocencia.

 

Que la premiación sea una excusa para consumir más cine mexicano.  

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64 Muestra Internacional – ‘De la Infancia’ de Carlos Carrera

El cine mexicano del siglo XXI tiene demasiada deuda con cineastas que desde la última década del pasado milenio fueron ampliando un camino sumamente estrecho para nuestro cine en los escaparates de los festivales denominados de de autor de todo el mundo. Este es el caso de Carlos Carrera, quien en 1994 fue galardonado con la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes con su cortometraje animado ‘El Héroe’.

Su carrera desde entonces genera gran expectativa en cualquier circuito cinéfilo del mundo donde exhiba su trabajo. ‘De la Infancia’, será la pieza inaugural de la 64 Muestra Internacional de Cine que comienza el 23 de marzo en las instalaciones de Cineteca Nacional.

Aunque este largometraje de Carrera nos remite al 2009 cuando fue exhibido en muy pocas ocasiones y que estuvo en stand by debido a problemas de presupuesto para llegar a la versión definitiva, la pieza afortunadamente no ha envejecido, la historia desafortunadamente para la niñez universal continúa duramente vigente.

Basado en la novela homónima de Mario González Suárez, plantea un retrato de la violencia infantil en el entorno de una familia de clase media-baja: A medio camino de la inocencia y la posibilidad de lo fantástico en los miembros más pequeños de la misma, la historia logra generar una sólida reflexión acerca de un tema que no deja de preocuparnos a todos y que tampoco deja de existir como un mal social sumamente desafortunado para la niñez del cualquier latitud del planeta.

‘De la Infancia’, imprime sobre la pantalla una serie de circunstancias socio-culturales, las cuales nunca serán las responsables del maltrato infantil; realmente hay que ser humanos que demeritan nuestro género, para infringir violencia física y psicológica a nuestros pequeños.

La obra del cineasta mexicano, la reconocemos como una que constantemente busca generar reflexión desde los ámbitos de la moral y lo ético en sus personajes, ejemplo de ello ‘El Crimen del Padre Amaro’, ‘El Héroe’ o ‘La Mujer de Benjamín’, trinomio que muestra a protagonistas con la posibilidad de decidir desde esas dos concepciones el presente-futuro personal y de los que están muy cerca de ellos.

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La película que inaugura esta sexagésima cuarta edición de la Muestra Internacional, nuevamente llevará al espectador a un panorama oscuro de la humanidad, a parámetros que por un lado, nos plantean desesperanza y que por el otro, nos deben llevar a generar las acciones que en conjunto social nos lleven a extinguir la agresión sobre la comunidad infantil del mundo.

También esta pieza, subraya como es que nunca estamos obligados ha ejercer acciones dañinas sobre los demás, siempre tenemos elección; la vida siempre nos enfrentará a desigualdades y a falta de oportunidades, pero dichas circunstancias nunca justificarán la violencia en sus distintas tipificaciones y mucho menos la infantil.

El octavo largometraje de Carrera, aunque con pocas exhibiciones en 2009, obtuvo el Premio Glauber Rocha al Mejor Film Latinoamericano y Premio al Mejor Guion en el Festival de Cine del Mundo de Montreal, Canadá, por lo cual, no dudamos que ahora con la exhibición formal de la versión definitiva de ‘De la Infancia’ a casi una década de distancia, nuevamente haga ruido no solo en nuestro país sino también en otras latitudes ahora que está en búsqueda de un distribuidor internacional.

‘De la infancia’ inaugura la 64 Muestra Internacional de Cine con funciones del 23 al 28 de marzo en la Sala 1 Jorge Stahl.

¡Vive, cine mexicano, vive!

Por: Elmer Manuel Mejía García

Hace un par de años, después de haber visto bodrios como ‘Eddie Reynolds y los Ángeles de Acero’ y ‘El Crimen del Cácaro Gumaro’ en cine y cosas que no entran en mi gusto personal como ‘Después de Lucía’ me hice la promesa de que no volvería a pagar por ver una película mexicana en mi vida. Sin embargo, he tenido la desgracia de que éstas sean las favoritas de la colección pirata de algunos transportes en los que he tenido que viajar, comprobando que el “vayan a verla, se van a divertir. Apoyen el cine mexicano” es la mentira más usada en los programas matutinos de televisión abierta.

¿Malinchista? Tal vez “¿Qué no eres mexicano?” Lo soy, pero el patriotismo no tiene nada qué ver con el ser selectivo. El cine producido en México ya es tan monótono, con temas como el narco, géneros como la comedia, el lenguaje generalista, los mismos actores protagonizándolas y títulos que caen el cliché (“Camino a Marte” ¿es en serio?) han provocado que la etiqueta de “Cine Mexicano” se arraigue cada vez más como reflejo internacional, cuando la mayoría de su público no se siente identificado con él.

Y es que el gran apoyo que tienen estas cintas es injustificable cuando las estadísticas muestran que en México ya no existe una cultura de masas: el género cinematográfico de la población es el horror ¿Por qué no existe una distribución mayor por parte de las cadenas nacionales, teniendo tantos festivales en la república? En México se producen en promedio 160 largometrajes al año, de los cuales un poco más de la mitad alcanzan estreno en salas comerciales; pero al parecer no importan estos datos, puesto que la publicidad está destinada a cintas que ya tienen su público, como si nadie conociera el apellido “Derbez”

Sin embargo, este año ha tenido un par de sorpresas para los que estamos hartos de lo mismo. La más evidente es ‘Coco’ de Disney Pixar. Lo sé, no es mexicana, pero el recibimiento del público ha sido tan positivo que hemos convertido a la película en la más taquillera de nuestro país, superando a cintas como ‘Avengers’ 1 y 2, ‘Minions’ y ‘Rápidos y Furiosos’. A pesar de las polémicas que causó, como el cortometraje de Frozen o el intento de Disney de registrar el uso de “Día de los Muertos” como marca; fue la visión de nuestras tradiciones por parte de Pixar, sin olvidar respetarlas, lo que la han hecho tan exitosa en países como Estados Unidos y China.

Otro caso excepcional es el de ‘Vuelven’ de Issa López, la cual narra la vida de Estrella, una niña de 10 años a la que se le otorgan tres deseos: uno de ellos lo gasta en pedir que su madre, la cual da por desaparecida, regrese a su vida, sin embargo llega en forma de fantasma. La película también toca las temáticas del narco y de la orfandad, mismos que demuestran que no es de qué se trata la historia, sino el cómo la cuentas.

El problema es que entró y salió desapercibida de cartelera al enfrentarse a ‘Thor: Ragnarok’, la ya mencionada ‘Coco’ y a unas semanas del estreno de ‘La Liga de la Justicia’. Además, no contó con el apoyo publicitario de Cinépolis, por lo que la directora respondió cada tweet de las personas que tenían sus dudas acerca de la cinta, teniendo una retroalimentación directa con su audiencia y brindando algo que les falta a muchas personas dentro del medio: confianza e integridad.

El cine mexicano no sólo está ensombrecido por la cartelera atascada de blockbusters hollywoodenses, como suelen declarar los representantes del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), sino porque aún las productoras creen en la fórmula. Televisa y TV Azteca están en crisis por creer que su público siempre ha sido el mismo, inclusive compañías como Fox se han vistos forzados a probar otros modelos (véase los casos de ‘Deadpool’, ‘Logan’ y la próxima ‘The New Mutants’) porque todo se desgasta en cierto punto.

El 2017 fue una gran sorpresa para la industria (aunque sea por un par de ejemplos), no sólo porque demostró que al mundo y a los mexicanos nos interesa ver historias sobre México, sino porque también cada vez más directores dejan la comedia por buscar un género distinto que destruya la envoltura de “cine mexicano” y se les comience a llamar por sus nombres. Que el propósito del 2018 del cine nacional vaya más allá del vender boletos y que se preocupe por inspirar personas; y que el nuestro sea exigir calidad y no cantidad en la cartelera.

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