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Banda Sonora – El rock en el cine del siglo XXI. Los primeros 5 años

En Banda Sonora 101 estamos haciendo un amplio recorrido por la historia del cine-rock. En los primeros tres programas abarcamos el periodo que va de 1955 a 2000. Ahora toca el turno al rock en el cine del siglo XXI.

Dado que la producción de películas aumentó considerablemente con la llegada del cine digital (en pleno cambio de milenio), en esta ocasión vamos a revisar de manera cronológica las películas con espíritu rocanrolero que se estrenaron sólo durante los primeros 5 años del siglo que corre.

Sin duda faltarán muchas, pero la idea no es compilar todo el cine-rock sino hacer una buena selección, una curaduría de lo más representativo y valioso del género.

Aquí lo más sobresaliente del cine-rock realizado del 2000 al 2005.

THE FILTH & THE FURY (2000)

Se estrenó el 25 de enero de 2000 en el festival Sundance y de ahí tuvo un largo recorrido por los principales festivales internacionales de cine, donde recibió múltiples premios. Filme total sobre los Sex Pistols, realizado por el británico Julien Temple como una actualización de THE GREAT ROCK N ROLL SWINDLE (1980), documental polémico porque casi la única voz de la historia es la de Malcolm McLaren, manager de Sex Pistols. En THE FILTH & THE FURY Temple abre su abanico de entrevistados y reúne material de archivo inédito de gran calidad. El resultado: el mejor documental sobre los Sex Pistols que se ha realizado a la fecha.

 

AMORES PERROS (2000)

El 14 de mayo de 2000 se estrenó en el festival de Cannes AMORES PERROS, película que fue el trampolín con el que Alejandro González Iñárritu brincó a las grandes ligas del cine. También proyectó al escritor y cineasta Guillermo Arriaga. González Iñárritu y Arriaga trabajaron juntos en 21 GRAMOS y BABEL y luego se pelearon. De esta trilogía, AMORES PERROS es la que más rifa y la que tiene una banda sonora –ahora sí que aplica el calificativo– “perrísima”. En el soundtrack: Control machete, Nacha Pop, Gustavo Santaolalla, Titán, Los del garrote…

 

DANCER IN THE DARK (2000)

Tres días después del estreno de AMORES PERROS en Cannes, el 17 de mayo de 2000, en el mismo festival se estrenó DANCER IN THE DARK, un peliculón del danés Lars von Trier protagonizado por la islandesa Björk. Una joya en la compleja filmografía de Von Trier. Poco después del estreno comercial, Universal Music lanzó el álbum Selma Songs, que incluye la música original de Björk para la película.

 

HIGH FIDELITY (2000)

En el verano de 2000 se estrenó HIGH FIDELITY, de Stephen Frears, película sobre un freak de la música que tiene una tienda de discos y se la pasa haciendo listas con “lo mejor de” o “Top five”. El caso es que el personaje truena con la novia y tiene que hacer el Top 5 de “rupturas”. Una película bien divertida y llena de buenas rolas.

 

Y TU MAMÁ TAMBIÉN (2001)

Se estrenó el 8 de junio de 2001 en México con mucho éxito y luego brincó a varios festivales, como los de Venecia y Chicago. Igual que AMORES PERROS lanzó a González Iñárritu al estrellato, Y TU MAMÁ TAMBIÉN catapultó a Alfonso Cuarón a otro nivel de la producción cinematográfica. La historia de los charolastras, encarnados por Diego Luna y Gael García Bernal, conquistó al público en la taquilla y a los melómanos que corrimos a comprar el soundtrack saliendo del cine.

 

CASI FAMOSOS (2001)

Otra película fundamental de 2001 es CASI FAMOSOS, de Cameron Crowe. Un muy joven reportero de la revista Rolling Stone se sube al tour de una popular banda y se enamora de una grupie hermosamente interpretada por una joven Kate Hudson. Esta película entra en la categoría “clásico del cine-rock” y su banda sonora es antológica.

 

24 HOUR PARTY PEOPLE (2002)

Vamos de nuevo al festival de Cannes en su edición de 2002. El 18 de mayo se estrenó otro clásico del cine-rock: 24 HOUR PARTY PEOPLE, del británico Michael Winterbottom, película que cuenta la siguiente historia: En 1976, Tony Wilson crea el sello Factory Records y da a conocer al mundo la música que se hacía en Manchester. La historia se desarrolla de finales de los 70s a principios de los 90s y la selección musical es emblemática: Happy Mondays, Joy Division, New Order, Buzzcocks, The Clash…

 

DEMONLOVER (2002)

Al día siguiente del estreno de 24 HOUR PARTY PEOPLE, el 19 de mayo en Cannes se estrenó una de las películas más extrañas que he visto: DEMONLOVER, del francés Olivier Assayas. En México se exhibió en el Foro de la Cineteca del 2003. Lo más interesante de esta película es la música original de Sonic Youth y Jim O’Rourke.

 

INTERSTELLA 5555: THE 5TORY OF THE 5ECRET 5TAR 5YSTEM (2003)

Empezamos el 2003 nuevamente en el festival de Cannes, ese escaparate de lo mejor del cine mundial. El 18 de mayo se estrenó INTERSTELLA 5555: THE 5TORY OF THE 5ECRET 5TAR 5YSTEM, una película animada que es la continuación de las historias de varios videos de Daft Punk pero en versión largometraje. Coproducción Francia – Japón, diálogo cultural entre occidente y oriente.

 

END OF THE CENTURY (2003)

De Cannes vamos al festival de Tribeca, donde se estrenó END OF THE CENTURY, la historia de los Ramones contada en 110 minutos de puro rocanrol ¿Cómo cuentas la historia de una banda que te gusta sin perder objetividad? A los documentalistas no les importa hablar bien o mal de los Ramones sino de documentar, como cineastas e historiadores, la huella que dejaron los Ramones. Sin duda el mejor documental sobre la banda que existe a la fecha.

 

SCHOOL OF ROCK (2003)

De Tribeca brincamos al festival de Toronto, donde en septiembre de 2003 se estrenó SCHOOL OF ROCK, película entrañable de Richard Linklater (director recurrente en BandaSonora101) con Jack Black en el papel de profesor espurio que en la clandestinidad de las aulas está formando una banda de rock de chavitos de secundaria para un concurso de bandas. Muy divertida y la música lo es todo.

 

ALEX LORA: ESCLAVO DEL ROCANROL

Y del festival de Toronto pasamos a la sala 3 de la Cineteca Nacional, donde en octubre de 2003 se estrenó uno de los pocos rockumentales mexicanos de la historia: ALEX LORA: ESCLAVO DEL ROCANROL, dirigido por Luis Kelley. El asunto con esta película es que es más que una apología al personaje, como si el cineasta le rindiera tributo a Lora. La música, no obstante, es lo más representativo de este trabajo.

 

DIG! (2004)

El festival de cine independiente Sundance tenía que ser el espacio para estrenar este gran documental en enero de 2004. Realizado por Ondi Timoner, DIG! es un rockumental que sigue durante siete años la compleja relación entre The Brian Jonestown Massacre y The Dandy Warhols (hasta 2004, cuando se concluyó la película), cuyos delanteros, Anton Newcombe y Courtney Taylor, un día se adoran y al otro son acérrimos rivales. Una joya.

 

METALLICA: SOME KIND OF MONSTER (2004)

También en Sundance, el 21 de enero de 2004 se estrenó METALLICA: SOME KIND OF MONSTER, película que de inmediato llamó la atención por la cercanía de la cámara con los miembros de la banda. Como si la cámara fuera uno más que observa y escucha. El documental sigue el proceso de creación del álbum St. Anger con todas sus complicaciones y tensión entre los miembros del grupo. Grandes momentos musicales en esta película.

 

9 SONGS (2004)

De Sundance vamos al recurrente festival de Cannes, donde el 16 de mayo de 2004 se estrenó 9 SONGS, del británico Michael Winterbottom. Esta película se puede sintetizar en el título de una rola de Ian Dury: “Sex & Drugs & Rock & Roll”. Nueve secuencias sexuales con nueve secuencias de conciertos de rock en vivo. De hecho los actores tuvieron sexo real. Una película erótica muy interesante con una banda sonora bien poderosa: Franz Ferdinand, Primal Scream, Goldfrap, Black Rebel Motorcycle Club..

 

GARDEN STATE (2004)

De los tres largometrajes que ha dirigido Zach Braff a la fecha, GARDEN STATE, su ópera prima, es el mero bueno. Película y banda sonora de alto nivel, con rolas de The Shins, Iron and Wine, Frou Frou, The Thievery Corporation y más. Hay una escena memorable en la que Natalie Portman le pasa los audífonos a Zach Braf y suena “New Slang” de The Shins.

 

THE FEARLES FREAKS (2005)

2005 lo empezamos en el South by Southwest Film Festival, donde el 13 de marzo se estrenó THE FEARLESS FREAKS, película inmortal sobre los primeros 20 años de trayectoria de una bandota: The Flaming Lips. Un portento del cine-rock.

 

LEONADR COHEN I’M YOUR MAN (2005)

El 11 de septiembre de 2005 en el festival de Toronto fue la premiere de LEONADR COHEN I’M YOUR MAN, película dirigida por Liam Lunson. Un documental sobre el poeta y músico recientemente fallecido más concierto homenaje con invitados del calibre de Nick Cave, Martha Wainwright, Jarvis Cocker, U2…

 

THE DEVIL AND DANIEL JOHNSTON (2005)

Para vernos muy cinematográficos, hacemos un flashback a enero de 2005 en el festival Sundance, donde se exhibió por primera vez THE DEVIL AND DANIEL JOHNSTON y ganó el premio a mejor dirección. Película sobre la música, el arte y la enfermedad mental de Daniel Johnston, quien saltó a la fama a principios de los 90s cuando Kurt Cobain lo llamó “el mejor escritor de canciones del mundo” y usó una playera con uno de sus dibujos.

 

WALK THE LINE (2005)

Regresamos al festival de Toronto de 2005, donde se programó WALK THE LINE, una película biográfica sobre el gran Johnny Cash y su relación con June Carter. Algo interesante de esta película es que los protagonistas cantan y lo hacen muy bien: Joaquin Phoenix en el papel de Johnny Cash y Reese Witherspoon en el papel de June.

 

PUNK: ATTITUDE (2005)

Ahora brincamos al festival de Tribeca de 2005, donde se estrenó PUNK: ATTITUDE, de Don Letts, un documental que revisa la historia del punk en EUA y en Gran Bretaña y que lanza la pregunta sobre si el punk es en verdad una actitud o sólo es una moda. En la banda sonora: The Kinks, Black Flag, The Clash, Sonic Youth, The Slits…

 

WE JAM ECONO: THE STORY OF THE MINUTEMEN (2005)

Otro gran rockumental de 2005 y que también tiene que ver con el punk es WE JAM ECONO: THE STORY OF THE MINUTEMEN. Este es un filme portentoso, realizado con un presupuesto modesto pero con un talento y un oficio sobresalientes para contar una historia. Dirigido por Tim Irwin , esta película cuenta la historia de la banda punk gringa Minutemen de principios de los ochentas.

 

NO DIRECTION HOME: BOB DYLAN (2005)

Vamos a cerrar la selección de películas con una joya: NO DIRECTION HOME: BOB DYLAN, documental dirigido por el grandísimo Martin Scorsese. Si quieren conocer la vida de Dylan a fondo, no se pueden perder este documental…

Descansa en paz, Judy Blame (arreglaba a Boy George y Björk)

El diseñador iconoclasta de moda y joyería, estilista de Boy George y Björk, y causante del escándalo en el antro Heaven.

The Times nos recuerda que si caminabas sobre la rivera de Londres cuando había marea baja en 1980, existe la posibilidad de que hayas visto a Judy Blame pepenando en el lodo del Támesis y recogiendo los restos de la ciudad. Para el momento en el que la marea regresara, su bolsa estaría llena de pedacitos de trozos de metal, madera flotante, antiguas pipas de arcilla, huesos de orígenes inciertos y todas formas de otros “tesoros” descartados.

El diario británico explica que si te hubieras aparecido más tarde en el antro gay Heaven en Charing Cross, o en Blitz en Covent Garden, existe la misma posibilidad de que hayas visto a Blame utilizando objetos pepenados montados en fantásticos collares, extravagantes aretes, broches exorbitantes y otros artículos de joyería.

No tenía ningún miedo en usar algo que no era material clásico de joyería.

Porque no tenía ningún entrenamiento no tenía ningún parámetro.

Cuando no tenemos el dinero, debemos usar nuestra imaginación.

Las creaciones de Blame pasaron a llenar de accesorios las colecciones de diseñadores como John Galliano, Comme des Garçons, Moschino y Alexander McQueen.

Él arreglaba a Boy George, Björk, Kylie Minogue y Neneh Cherry, y trabajó en sesiones de fotografía de moda para revistas influyentes en 1980, como The Face o i-D.

“Él era un artista, uno genuino, alguien que podía elegir desechos culturales y después mezclarlo todo para crear algo nuevo”, dijo Dylan Jones, editor de GQ. “Él trabajaba en un mundo efímero, pero lo que creaba realmente lo valía”.

Sin duda el brillo nunca fue lo suyo. “No creo que un diamante sea mejor se un seguro, para mí es sólo una cosa o una figura. Veo la belleza en todo”, llegó a decir Blame.

Era un estético punk que significaba botones, pedazos de hilo, papel aluminio, ligas, llaves, plumas, corchos de champaña, clips, palitos de coctel y vasos plásticos de shot desechables eran parte de sus creaciones. Las tapas de botella hacían anillos fantásticos, mientras que un collar estaba diseñado de soldaditos de plástico rosas colgados juntos de una cadena. Otro incorporaba una lata de Coca-Cola aplastada por un auto, un comentario sobre nuestra sociedad desechable que le debía algo a su admiración por Andy Warhol.

Cuando trabajaba con Duran Duran en su video Wild Boys, él pepenó en los basureros de Hoxton por harapos, plástico descartado y otras piezas de basura para coserlas y convertirlas en disfraces de baile. En aquella ocasión la necesidad era la madre de sus inventos: había gastado la mayor parte de las 800 libras que la compañía disquera de la banda le había dado en speed (un tipo de anfetaminas).

Su trabajo fue exhibido en la V&A y fue sujeto de una retrospectiva e el ICA, cuyo curador Matt Williams lo describió como “un erudito e inspiración”, con una habilidad “para responder al residuo diario y transformarlo en un objeto o imagen que toca temas sociales y políticos pertinentes de su tiempo”.

Sobre todo, él creía que la moda era sobre “lucir diferente” y no tenía interés alguno en producir su trabajo para las masas. El look extasiante y andrógino del movimiento New Romantic que él ayudó a forjar era “un tipo de vanidad, pero también era una declaración que no querías ser como nadie más”. Como cualquier artista, su objetivo máximo era “obtener algún tipo de reacción.”

Amable, chismoso y generoso, él podría en sus días de juventud como monstruo de la fiesta creador de escenas también ser llamado diva sarcástica. En efecto, su honestidad algunas veces era demasiado refrescante. Tony Marnach, un amigo por más de 30 años, que profesionalmente es conocido como DJ Fat Tony, llamó a Blame “una perra retorcida y un gran amigo”, invirtiendo ambos sobrenombres con el mismo afecto.

Un experimentador entusiasta con químicos sin licencia, sus adicciones lo metieron a rehabilitación más de una vez pero hacia el final de su vida él desarrolló casi una figura paterna –aunque aún traviesa.

“Después de años de causar problemas, tomar drogas y experimentar cada parte de mi vida, parece que la cosa más radical que uno puede hacer hoy en día es cuidarse a sí mismo y a otras personas”, remarcó.

Aunque un determinado iconoclasta, él también mostró una inesperada reverencia por la tradición. “Inglaterra es realmente buena creando excéntricas cosas”, dijo. “Necesitamos regresar a eso”. El sentimiento pudo haber sido levantado de un manifiesto al movimiento de las artes y artesanías de un siglo anterior.

La capacidad de transformar lo mundano en algo espectacular –la marca de agua de su arte– fue reflejado en su propia reinvención. Nacido simplemente como Christopher Barnes en Leatherhead, Surrey, en 1960. Cuando tenía cinco, su padre, un distribuidor de metales preciosos, tomó un trabajo en Madrid y la familia se mudó a España.

Tenían sirvientes y fue enviado a una escuela privada donde aprendió a hablar español y francés fluido. Un sábado cuando su madre iba de compras, lo dejó en el museo del Prado, “A la edad de siete estaba pasando horas sentado en frente de Goya y Velázquez”, llegó a platicar.

La experiencia prendió su imaginación. Cuando la familia se mudó de regreso a Gran Bretaña, él tenía 12 –su padre tomó una granja a las orillas de Dartmoor– y encontró el aislamiento aplastante. La escuela en Exeter estaba a una hora en camión, odiaba el uniforme “porque me hacía lucir igual a todos los demás” y chocaba con sus profesores; él se consideraba más brillante que cualquiera de ellos.

El Glam Rock era su escape. Él cerraba la puerta de su cuarto, cubrió las paredes de pósters de Marc Bolan y David Bowie, e interpretaba a Ziggy Stardust hasta que la moda pasó. Sus dos hermanos se pusieron uniforme, uno se unió al ejército y el otro a la policía, pero el afirmaba que hubiera preferido morir en lugar de seguirlos.

Ya consciente de que era gay, se tiñó el cabello de naranja a la edad de 17 y se escapó a Londres para convertirse en punk. En su primer día en la capital visitó la tienda de Vivienne Westwood Kings Road y compró un par de pantalones con múltiples cadenas y ataduras. “Yo sabía que era aquí donde debía estar”, dijo.

Vistiéndose de los mercados de beneficencia y tiñéndose el cabello de un color diferente cada semana “hasta que una noche se cayó todo en pedazos al lavabo”, se desilusionó de la moda punk cuando “se volvió un uniforme” y se volvió uno de los primeros en adoptar lo que se convirtió en el look New Romantic.

Viviendo en un bloque de pisos en la Isla de los Perros, tomó un trabajo como guardarropas del recién abierto antro gay Heaven, vistiendo más extravagante que cualquiera de los clientes de quienes recibía los abrigos.

Cuando Richard Branson (creador del imperio Virgin y considerado uno de los mecenas del punk) se volvió el dueño del antro pensó que su asistente del guardarropas era tan escandaloso, que lo despidió en cuanto pudo. De todas maneras él ya era un icono del antro y alboroto asegurado. “Todas las chicas del bar dijeron: ‘¡Bueno, si ella se va, todas nos vamos!”. No solo fue restituido, sino que le fue dado su propio día a la semana en el antro, llamado Cha-Chas.

Una noche en el Heaven platicó con el director de películas Derek Jarman y, aunque “no funcionó en la cama”, se volvieron amigos. Bajo el patrocinio de Jarman conoció muchos de los más significativos influyentes de la escena gay de Londres, incluyendo al diseñador Antony Price, quién arregló a Roxy Music y le dio el nombre de “Judy”, después de Garland. El agregó el “Blame” porque sonaba “como un panquesito rubio-oxigenado de una película B” y quedaba con el espíritu hedonista del tiempo.

Él se encontró con Boy George en los antros de Londres e inicialmente eran rivales, “reinas perras” intentando superar al otro en escándalo, como él lo explicó.

Pero George comenzó a utiliza la joyería de Blame y le pidió arreglar su apariencia en los premios Grammy de 1984. Blame le prestó varios collares estridentes y otras piezas de razzle-dazzle de las que eligió. “Cinco minutos antes de que nos fuéramos,  aún no podía decidir, así que las usé todas”, dijo George. Entonces se tomó una fotografía con Joan Rivers y Joan Collins en una imagen que Blame orgullosamente describe como “la cosa más exagerada y falsa que has visto en tu vida”.

Trabajando con revistas como The Face y i-D, se aventuró a la arena política con sesiones fotográficas de moda con temas como la contaminación y la indigencia. Para el primero hizo que as modelos “lucieran como pájaros sacados del mar después un desastre de aceite”. El otro proyecto era más problemático; no era fácil transmitir un mensaje de indigencia con ropa de Galliano.

La punta de su influencia en la industria de la moda llegó en los finales de 1980 cuando ayudó a fundar la Casa de la Belleza y la Cultura, una colectiva avant garde. Tenía una tienda en una planta baja en Dalton, en el este de Londres, y un taller arriba, donde Blame, el diseñador de zapatos John Moore, el diseñador de ropa Christopher Nemeth y el fotógrafo Mark Lebon trabajaban juntos en “intentar cambiar la cara de la cultura contemporánea”.

La joyería de Blame permaneció en demanda entre los diseñadores de alta costura hasta el final, pero despreciaba a aquellos que le pedían revivir los modelos que había creado en 1980, prefiriendo “inventar un nuevo futuro”, dijo, en lugar de revolcarse en la nostalgia.

“Fue un punk hasta el final”, su amigo DJ Fat Tony dijo. “Siempre era dos dedos arriba hacia todos”.

 

Judy Blame, icono del estilo, nació el 13 de Febrero de 1960. Murió de causas desconocidas el 19 de Febrero de 2018 a los 58 años de edad.

 

 

Traducción libre de un texto publicado originalmente en The Times. 
https://www.thetimes.co.uk/article/judy-blame-obituary-px22p87fd

 

 

 

 

 

 

 

Las pistas de Björk en México

En el capítulo anterior les hablaba sobre lo dañino que resulta la mala información que se replica en redes sociales y bueno, Björk no dejó de ser víctima del ciberbullying por lo que tuvo seguramente que refugiarse en una lujosa cueva donde bebió por días vino espumoso con diamantes flotando y sus lágrimas caían una a una en su tapete elaborado con libras.

 

Y es que perdón si me meto en un necio debate de género, pero no importa si eres una niña que decide dejar la escuela, o una joven que denuncia un acoso callejero, una indígena activista, una actriz blanca mostrando sus senos en una portada de revista porque actriz, una astronauta, una científica descubriendo como sanar el cáncer, una joven yéndose de fiesta en la madrugada, una madre amamantando a su hijo en el metro o una creadora de música experimental, porque a ojos del mundo inequívocamente vas a estar haciendo forzosamente algo medianamente mal, solo por ser mujer. Ni modo, aquí nos toco vivir, la cosa es que antes no lo podíamos ni decir abiertamente.

 

Lo anterior viene luego de que Björk anunciara su más reciente visita a México, en un único concierto en el Auditorio Nacional, y que después de anunciar los elevados precios del recital, vino una aparente calma con el aviso de su participación en el festival Ceremonia, además de la instalación #BjörkDigital en el Fotomuseo de Cuatro Caminos y en el inter, un DJ set improvisado en la compañía de ARCA. Una vez que esto pasó, una ola descarrilada de insultos y descrédito por parte de aquellos que en su opinión apesta, inundaron las redes aludiendo al hecho de que el trabajo de la cantante es sobrevalorado, presuntuoso, y hasta carente de discurso artístico. Y vuelvo a lo mismo, lo malo no es que algunos no les guste la música de Björk, el problema es que lo expresen de una forma tan vulgar haciendo alarde de quien sabe qué conocimientos.

 

Espero de corazón que las fuerzas oscuras no hayan provocado que ninguna alma proveniente de las nuevas generaciones se priven de conocer a esta excelente artista sin antes darse la oportunidad de escuchar su música

 

Pero aquellos jóvenes lectores que aún se sientan indecisos de escuchar la obra de Björk y que tengan dudas solo porque suena distinto a lo que generalmente suena en cualquier bocina, déjenme primero contarles una historia:

 

Corría el año de 1994 en el todavía Distrito Federal,  cuando en televisión abierta, que aún no era ni digital ni HD, existían canales vacíos, que no eran nada más que señales desocupadas donde lo único que se transmitía eran las famosas rayas de colores, puntitos en blanco y negro o, si tenías algo de suerte, entre el medio día y las 5 de la tarde,  aproximadamente unas cinco horas de videos de rock alternativo que se repetían una y otra vez,  así que muchos como yo, comenzamos a indagar sobre música gracias al ocio de algún o alguna camarada que en lugar de poner rayas en un canal inútil, nos ponía videos musicales. Hay héroes sin capa y esa entidad era una de ellas.

 

Entre los muchos videos programados en esas horas había uno en especial que me hacía brincar. Se llevaba perfecto con mi furia adolescente y la chica que interpretaba la canción era rara como yo, oh sí, porque raras, únicas y especiales las habemos desde antes de que se pusiera de moda. Esa canción era Violently Happy y esa voz que te recordaba a una princesa o hada madrina con toques extraterrestres era Björk.

 

Y no voy a salir con la cursilería de que Björk cambió mi vida desde entonces y todo tuvo sentido, porque a la par hubo otros muchos que en conjunto lo hicieron,  pero sí hizo algo importante, puso Human Behavior y There’s More to Life Than This a sonar en mi cabeza una y otra y otra vez, y las canciones se volvieron mantras, y los mantras pensamientos y los pensamientos se convirtieron en referencias y las referencias se transformaron en soundrack, ese que te acaricia el alma y te acompaña a diario a donde sea que vayas y en ese soundtrack vive Björk desde aquel lejano entonces.

 

 

Y bueno, cuando alguien como ella visita tu país, va dejando un rastro de magia y suceden cosas maravillosas. Así fue el paso de esta compositora por el desolado y siempre surreal México.

 

Primero, un mítico concierto en nada menos que el Auditorio Nacional, con toques mucho más formales y rigurosos y, tan solo unos días después, tal como lo hiciera una hada madrina, salvaba prodigiosamente la edición 2017 del Festival Ceremonia, apenas cancelado un día antes dado que los problemas climatológicos de Toluca que impidieron que dicho festival se realizara en tiempo y forma.

 

En la página oficial de Facebook de Björk, se lograba ver un emotivo mensaje que decía que ella y su equipo habían ensayado y preparado cada detalle de ese día, mostrando su desolación y solidaridad con los asistentes y productores pero arrojando al mismo tiempo una pequeña pista de esperanza ¿Alguien propone un Plan F? Al que muchos entusiastas resignados respondieron invitándola a sus casas o al menos a deleitarse con una torta de mole verde en la Vaca Negra.

 

Tan solo unas horas después, los organizadores pregonaban la buena nueva: habrá Ceremonia en domingo y Björk estará ahí junto al otro ochenta por ciento de cartel confirmado. Sí amigos, los milagros del rock existen. De esta forma miles lograron ver y escuchar, incluso por primera vez, el encanto de la voz y composiciones de la islandesa.

 

 

Pero a la par de esas dos presentaciones, se desarrolla también la exposición #BjörkDigital una exposición de realidad virtual la cual ha sido exhibida nada menos que en las ciudades más grandes del mundo tales como Tokyo, Londres, Sydney, Montreal e Islandia, la cual concentra el trabajo de diversos diseñadores y artistas visuales que hicieron uso de la tecnología más novedosa para montarla haciéndola única en su especie.

Pero un momento, una exposición de realidad ¿qué?  Y yo que me creía súper moderna por haber visitado el Museo del Mundo Maya donde ya puedes manipular diversos gadgets digitalmente. Pero, esperen, ¿acaso el precio supera los 600 pesos mexicanos?

 

Y así muchos, que como yo tuvimos que ser víctimas de la manita de puerco emocional para obligarnos a consumir cultura. ¿Y de qué se trato esa manita de puerco emocional? Pues en la posibilidad de ver a Björk junto a ARCA en Dj Set en la compra de tu boleto para asistir a la exposición y que al final, tuvimos que tragarnos sin agua nuestra amarga incredulidad.

 

Una vez adentro, además de la camaradería y hospitalidad por parte de los guías del Fotomuseo, puedes darte cuenta de que definitivamente no es nada que hayas experimentado antes y por lo tanto, no tienes parámetro de comparación (por muchos videojuegos que hayas jugado). En primera, porque involucra y pone a trabajar tus oídos a la par de tu vista y tacto, a diferencia de otras exhibiciones, no eres el típico espectador pasivo que solo observa y juzga sino que eres participe de las obras.

 

La expo esta dividida más o menos en tres etapas: Primeramente, un acercamiento al Biophilia Room, donde tienes la oportunidad de manipular, con la ayuda de una tableta, la app del disco, la cual fue diseñada como una herramienta educativa que sirviera a estudiantes como una alternativa de aprendizaje en temas como: ciencia, tecnología, música, naturaleza y creatividad. Dentro del cosmos de la aplicación, podrás encontrar juegos que ayudarán al estudiante a comprender fórmulas o bien, mecanismos para componer o cambiar las canciones del disco Biophilia.

 

En la segunda parte, siendo la actividad medular de esta exposición, la cual oscila alrededor de  las canciones del Vulnicura, encontrarás seis momentos con experiencias distintas; la primera de ellas es Black Lake, en donde dentro de una sala oscura con dos enormes pantallas y rodeada de bocinas con calidad de definición y audio inigualables, escucharás y verás muy de cerca la dolorosa experiencia de una ruptura amorosa: la de Björk con el artista visual Matthew Barney. Este video infinito tal como el dolor del que nos habla, fue dirigido por el artista visual Andrew Thomas Huang,  quien colabora actualmente con la cantante en la elaboración de todo el diseño y discurso visual del Vulnicura, incluido el concepto de #BjörkDigital. Grabado en una cueva en algún lugar de Islandia, podemos ver a Björk en primer plano, arrodillada, encerrada y mutilada por un dolor y una rabia infames que la aquejan a tan solo dos meses de su divorcio. Con una fotografía impecable, la experiencia Black Lake toca fibras muy profundas y expone a su vez, un lugar muy intimo dentro del corazón de Björk.

 

Cabe destacar que esta sala únicamente ha sido montada en el Fotomuseo de Cuatro Caminos, es decir, estamos siendo testigos de la versión más completa de #BjörkDigital en todo el mundo. Por otra parte, también es cierto que la islandesa eligió personalmente este recinto para montar aquí la exposición.

 

Los siguientes tres momentos tienen que ver con una experiencia 360ª, primero Stonemilker, dirigido también por Thomas Huang, veremos a una Björk en amarillo rodeándonos por doquier y suplicando claridad comunicativa, también doloroso aunque más refrescante, quizá esa sea la sensación que emana el hecho de haber sido grabado en una remota y bella playa islandesa.

 

 

Enseguida, y también en 360ª viene Quicksand, grabada en vivo en un concierto en Tokio con tecnología de realidad aumentada.

 

Y para concluir las experiencias 360ª está Mouth Mantra, la cual trae consigo una advertencia para estómagos susceptibles, ya que con ayuda de algunas capturas hechas del interior de la boca de Björk, Jesse Kanda, su director, nos hará vivir por algunos minutos dentro de la boca de la cantante, junto a todos sus movimientos vibratorios, salivales y de lengua.

 

Por otra parte vienen los momentos de realidad virtual, diferentes a las que uno experimenta en un juego de video, ya que por ejemplo en el caso de Family, tendrás que, con ayuda de un dispositivo ayudar a zurcir el pecho lastimado de Björk con ayuda de tus manos, aguja e hilo mientras la escuchas cantar. Lo mismo sucede con NoGet, donde a través de esta realidad virtual te ves inmerso en la mutación corporal de la cantante.

 

La última parte de la exposición consiste en una retrospectiva de la carrera de Björk a través de un recorrido por los videos más representativos dirigidos por la realeza de la cinematografía.

 

El punto es que esta exposición vale la pena cada centavo por ver algo único y de excelente calidad, la cual ha sido montada en apenas cinco países y que costó muchos millones ser instalada. No necesitas ser fan de Björk para entenderla pues más allá de ser un recorrido alrededor de la cantante, es más bien una ventana hacia la tecnología y las herramientas con las que dentro de poco tiempo tendremos que relacionarnos.

 

Así es cuando todo tu trabajo lleva un sello de cuidado en los detalles, trabajo en equipo, dedicación y amor. Siempre notas distintivas de las obras de Björk.

 

Es solo rock and roll, pero me gusta

 

Así resuelven los Rolling Stones una gran incertidumbre humana ¿Para qué tanto alboroto alrededor de solo música? Y es que habemos locos a los que en serio no nos importa dejar sudor, lágrimas y algunos miles de pesos solo por el rock.

 

Y es aquí donde lanzo un atento aviso a los trolls, haters e inconformes con lo sucedido en días pasados en el Centro Dinámico Pegaso con la cancelación del Festival Ceremonia en su edición 2017, que son por lo general aquellos que odian los retrasos, los precios altos, las largas filas, la mala organización, la lluvia, el calor y casi todo en el mundo: Señores, los humanos se equivocan, los errores suceden y los imprevistos ocurren, se llama vida y todos, absolutamente todos somos vulnerables de caer en su insoportable levedad.

 

Hasta los dioses griegos cometieron un millón de equivocaciones para culminar en su máxima obra ¿Qué nos hace pensar que nosotros, humildes mortales, seremos capaces de crear obras perfectas?

 

A lo mucho lograremos dejar algún tipo de rastro en este mundo esperando que sea lo más benéfico posible, algunos otros, a los que llamamos locos, capaces de cargar con todos los dolores físicos y las penas del alma. Los que se desvelan guiados por una musa infame, esos que no se conforman con la realidad en segunda dimensión y necesitan abrir cada vez más puertas para saciar su curiosidad. Esos seres inquietos capaces de sangrar por un factor emocional y a quienes veremos todo el tiempo moviéndose y moviéndonos hacia lugares incómodos y desconocidos, tristes, eufóricos tal vez.

 

Esos que merecen ser despellejados en un escenario ante los ojos extasiados de un público insaciable… la noticia es que si no estás dispuesto a pagar ese precio, pues quiere decir que solo eres un espectador, lo cual no está mal tampoco y además, como tal, adquieres otro tipo de poderes y responsabilidades. Ser espectador te obliga a ser cada vez más exigente para tener un segmento de comparación, como espectador también deberás ser disciplinado y ordenado para darle sentido al conocimiento adquirido; deberás conocer otros ámbitos del arte para entender las referencias de aquello que estás presenciando y por supuesto, esto te compromete a hacer sacrificios de tiempo y dinero motivado siempre por pasión.

 

La cosa es que si no estás en ninguno de esos dos bandos y andas por la vida ajusticiando, criticando y vociferando sin conocimiento de causa, eres parte, entonces,  de esa masa inerte que solo replica la violencia, el desconocimiento y la ignorancia.

 

En estos días hemos visto ir y venir informaciones, juicios, amenazas y opiniones sobre diversos temas que han polarizado y han dividido al mundo en dos: los buenos y los malos, los liberales y los conservadores, los que saben y los que no saben el meollo, los que han leído y los que no, los ricos y los pobres, los privilegiados y los desprotegidos, las víctimas y los verdugos. En realidad es la lucha de toda la vida y aunque sé muy bien que anhelar la unidad de pensamiento y emociones además de utópico resulta una idea aburridísima, considero que no estaría nada mal que una deidad ultrasensorial, omnipoderosa y megasabia pudiera de pronto poner alto al ego desbordado que a otorgado la libertad de opinión en las redes sociales, ya que este poder desmedido lo único que provoca es polaridad, desconocimiento y violencia, mucha violencia, como si no ya tuviéramos suficiente.

 

Un ejemplo de esto son los acontecimientos más recientes, apenas el sábado pasado en Coachella cuando Radiohead ascendió al escenario en medio de un montón de fallas de sonido por lo que en pleno show tuvieron que parar una y otra vez hasta que el sonido quedó listo para ser dignamente escuchado.

 

 

Y otro gran momento lo vivimos, como mencioné arriba, en el  festival Ceremonia cuando este se pudo llevar a cabo tan solo un día después gracias al apoyo de esos soñadores quienes no dudaron en mover un poco sus agendas para poder quedarse un día más y esos amorosos espectadores de los que les hablaba hace un rato quienes también tuvieron que llegar tarde al trabajo y mover cielo mar y tierra para poder estar ahí esa noche; esos, tanto unos como otros que hacemos de todo por el rock and roll solo porque nos gusta.

 

Con un cartel reconformado al 80 por ciento y al 70 por ciento de la capacidad general, hubo un Festival Ceremonia feliz en domingo en el que todo mundo la pasó muy bien.

 

 

Y claro que el sistema apesta y con él toda la monstruosa infraestructura que conlleva tener que hacer filas infinitas, pagar precios injustos, comprar en preventas exclusivas o en reventas abusivas y tener que jugar a ese juego burocrático que nos hace soñar con el privilegio de ser parte de algo importante, más hay algo que el sistema jamás podrá robarnos: Nuestras experiencias.

 

Yo no pude quedarme y ser testigo del show plagado de poesía de Björk, ni de la adrenalina desenfrenada de Underworld, ni de la energía trip deep del guapo de Nicolas Jaar, otro error humano categorizado como “de fuerza mayor” me mandaron de regreso a la menos ventilada Ciudad de México, donde siguieron y seguirán ocurriendo errores humanos que me harán hacer bilis y vomitar amarillo, por los que estaré molesta tres horas o quizá tres días o hasta  tres meses, porque los humanos somos tremendamente vulnerables de caer, porque somos tremendamente torpes o porque simplemente Mercurio está retrogrado.

 

Pero quisiera jamás perder la habilidad de sorprenderme y sonreír con las pocas cosas que sí podemos hacer bien, como hacer y escuchar rock and roll.

 

Por un mundo con menos ego cibernético y más amor real.

Find your path

 

Me queda claro que hay profesiones que dejan lana y otras que son, mmhhh digamos por amor al arte, seguramente cuando eras puberto o puberta te aconsejaron tus padres o algún mayor que podrías estudiar o algunas veces era una dirección de que tenías que estudiar de acuerdo con la tradición familiar o creencias, a esa tierna edad poco sabes de nada así que cualquier influencia es crítica.

 

A esas edades también somos muy idealistas, creemos que nos podemos comer el mundo y que ser activista es la neta, que podemos vivir vagando por el mundo siendo un alma libre con posesiones casi nulas, algunos, muy muy pocos logran este sueño a costa de hacer a un lado otras comodidades, algunos afortunados encuentran su vocación exacta y se dedican a ella exitosamente tanto económicamente como de reconocimiento social, otros se someten a los deseos de alguien más y sumisamente dedican su vida a ser alguien quien no quieren ser, en fin, muchos casos muy particulares, pero de todos hay un porcentaje que encuentra su vocación y amor a lo que hacen de la mejor manera, un ejemplo de esos son los músicos exitosos.

 

Regresando a esa tierna edad que no sabes qué hacer con tu vida, siempre hay el punto en que crees que serás músico, adorado por multitudes y hasta sueñas con los excesos de un músico o grupo, claro que hay de músicos a músicos como los bohemios que se medió mueren de hambre en obscuros bares llenos de humo y olor a brandy, que melancólicamente tocan un delicioso blues cobijados por media luz y una audiencia contada, en el otro lado del espectro estaría un mega grupo de metal como Iron Maiden que hasta se transporta en un 747 propio (rentado en realidad) a todos lados del mundo con las comodidades del príncipe de Brunei o de algún miembro de la política mexicana, si, todos hemos soñado con eso, pero ocurre como el meme ese que circula actualmente de “me chingue la rodilla”

 

 

Así entonces justificamos que la vida nos jalo a otro punto y que por responsabilidades de adulto no fuimos el próximo Ozzy Osbourne, la Janis Joplin mexicana o incluso el Lou Reed región 4 que cambiaría el curso de la historia musical en nuestro país, somos adultos responsables, no tenemos tiempo para eso…

 

Estoy convencido que una de las cosas más difíciles en la vida es identificar para que somos buenos, y no me refiero a ser medianamente buenos que nos medió deje para vivir, sino identificar la profesión que nos permita explotar lo mejor de nuestro ser y además nos de los recursos económicos para vivir de lo mejor, quién sabe, quizá en realidad nuestro potencial máximo es ser un ingeniero naval en lugar de ser un frustrado cajero de banco que a todo mundo le pone jeta y con esa actitud no llegar a ningún lado o quizá en lugar de estar abrumado con el trabajo de un burócrata de oficina gris de gobierno, tu vocación en realidad sea la de ser ese cajero de banco que con una excelente actitud trates muy bien a la clientela y la orientes y así ser el mejor en ese ramo especifico, siendo feliz con lo que haces y esa es la clave, ser feliz con lo que haces.

 

 

Regresando a los músicos exitosos, estos cuando son felices con lo que hacen y explotan sus cualidades pueden llegar a trascender, cambien la forma de hacer las cosas, innovan con sus ideas, lírica y creatividad, así tenemos casos como Pink Floyd, quienes por una casualidad cósmica juntaron los ingredientes para ser únicos, para ser una banda creativa e innovadora que revoluciono varios géneros que incluso ellos mismos inventaron o como David Bowie quien siendo muy valiente se aventó a ser sinónimo de vanguardia o Björk que se voló la barda dando alma y personalidad a la música electrónica avant garde, esa Björk que podemos apreciar en sus años mozos con Sugarcubes haciendo loqueras y desarrollando ese timbre de voz tan único

 

Sugarcubes con su sonido muy experimental y ver a Björk en esa tierna edad me hace pensar si es que se imaginaron que llegarían a ser lo que hoy son, saliendo de Islandia, un país con menos de 350,000 habitantes en medio del océano, aislados de todo el resto del mundo, aun así abriéndose paso solo con originalidad y perseverancia dejaron ver al mundo que allí estaban.

 

¿Y bueno que ganan con eso los músicos con una propuesta decente? Además de sobresalir y ser punta de lanza como ya lo decía también hay el lado material…

 

Es bien sabido que los músicos exitosos tienen grandes casas, se rodean de gente bonita y se compran juguetitos bonitos, para darnos una idea les compartiré este inventario que hicieron ahora que en este infame 2016 que falleció Prince. Él con sus décadas de trabajo duro y con algo de visión de inversión se hizo de varios inmuebles, los cuales en conjunto suman mas de $25 millones de dólares, entre cuentas de banco y otras propiedades suman otro milloncito mas, dinero en efectivo que anda por los $12 millones, 67 barras de oro con valor de arriba de $800,000.

 

Hay un apartado de 18 cochecitos y motos, quienes me conocen saben que soy amante de los autos y esta lista me parece muy interesante, juguetitos entre los que figuran un Buick Electra, una limusina Cadillac, la motocicleta ‘Purple Rain’, un Cadillac XLR, un BMW 850 y otro 633CS (estos tres últimos me encantan), además de las regalías de varios álbumes y canciones para otros músicos, obras de arte, instrumentos, equipo de concierto y estudio, etcétera. Vean aquí el inventario completo.

En fin, Prince al momento de dejar este mundo a los 57 años tenía suficientes bienes materiales para disfrutar, eso claro está sin contar con la fortuna perdida que a lo largo de años se gastó en parrandas, comidas, viajes, regalos y demás cosas que son incuantificables.

 

 

Esta es la clase de cosas a las que me refiero con encontrar la vocación correcta, cuando sucede los beneficios son muy nobles.

 

A Tribe Called Red, celebrando la cultura desde sus raíces

Alucionaciones powwow-step que hablan de esa multiculturalidad que antes solo se hablaba en cuentos de ciencia ficción y que se empieza a materializar como la música que avanza hacia el futuro basada en sus raíces. A Tribe Called Red, un acto de electrónica y hip-hop, asentado como un acto de spoken word basado en la poesía de John Trudell, convierte las imágenes de nativos americanos en un tremendo caleidoscopio de la cultura de Canadá

Introduciéndonos a su ‘Hullici Nation’, el disco que saldrá a la venta en los próximos días, ATCR se muestra como un colectivo de artistas y activistas dedicados a erradicar los efectos del colonialismo persistente. El concepto parte de un trío, pero se extiende a voces conocidas como la de Tanya Tagaq, que llevó el canto gutural a nuevos niveles participando en el disco ‘Medúlla’ de Björk, después con Kronos Quartet y como interprete de su propio origen musical.

DJ NDN, Bear Witness y 2oolman realizan una intensa colección de sonidos mezclados con un gran sentido de la herencia y la identidad cultural, liberan 15 canciones que combinan las primeras naciones powwow con elementos de dubstep, que introducen la música electrónica en la comunidad indígena y llevan su cultura al resto del mundo de una manera que no es típica, pero que se ha buscado ya en múltiples propuestas que tienen la intención de liberarnos del género world music y llevarnos a la simpleza y complejidad de la última palabra.

Pensemos en Luaka Bob, el sello de David Byrne que buscó la extensión de fronteras sonoras, en Peter Gabriel exponiéndonos a las diferencias y unidades a través de un festival WOMAD, en Paul Simon saltándose el boicot cultural por el dominio del apartheid para grabar ‘Graceland’, la fascinación con los sonidos locales de Damon Albarn para crear el álbum ‘Mali Music’ y el encongimiento de lo global a una sola villa del proyecto 1 Giant Leap, todos tienen en común esa búsqueda que intenta unir las orillas del mundo en pequeños espacios, tal como ahora lo hace ATCR.

 A Tribe Called Red busca celebrar lo único de una cultura, a través de su música. Parten de la engañoza tristeza del rap, blues y country para crear música festiva, enfrentándonos con sonidos que durante mucho tiempo fueron cercados, marginados a cierta comunidad.

La insoportable brevedad del 14 de febrero

Ya casi es tiempo de esa maldita fecha que yo no sé cómo logro sobrevivir cada año (además de la Navidad que odio profundamente), esa fecha que llena la TV, radio, Internet y cualquier medio masivo de comunicación con colores rosas, corazones, cupidos y osos de peluche gigantes en las tiendas, como pueden darse cuenta hablo del día del amor y la amistad, fecha implantada en el subconsciente para hacernos correr al Sangrons más cercano por un regalito al vapor, normalmente un oso chafa chino de peluche, unos chocolatitos horribles con centro envinado y una cajita de condones para ir a ver a la susodicha, fecha ñoña que solo es un pretexto de las corporaciones para subirse al tren del mame inculcando compras inútiles o videítos insulsos de la amistad del Facebook.

 

Bueno, no seamos contreras y ya que estamos en esa maquinaria imparable como la de la película de Denzel Washington, pues veamos que nos deja estas fechas, les escribo esto escuchando una rolita que es muy característica de esta temporada, aunque en nuestro rancho es más conocida la versión de Yuri que Siempre En Lo Mismo se encargó de imprimir en nuestra psique, la versión original de Rossana Fratello “Se t’amo t’amo” es de donde surgió, esta rola es hasta buena, muy característica del pop italiano que acá de este lado del charco en la nefasta Televisa les dio por copiar cuanto pudieron, Rosanna en caso de que no la conozcan es una cantante con una muy bella voz mezzo-soprano y belleza física que la pondría directamente en la clasificación de MILF en esos días de los 80, hoy ya esta mucho mas grandecita, si bien ella le entró al pop y disco de la época, su mero mole era la música regional folclórica de por allá.

 

 

El pop italiano y el francés da mucha tela de donde cortar en cuanto a baladas de amor, ya que estamos freseando,¿por qué no darle a nuestros oídos el chance de probar a la francesa Mylène Farmer?, ella es una especie de Madonna francesa muy recomendable que tiene un videíto cachondo que se llama “L’Amour N’Est Rien” donde nos deleita con un strip tease, ya ven que de aquel lado del mundo no tienen tanto recato como acá.

 

 

Pero estamos en un site de rock y antes de que los pierda de esta columna regresemos a este género, que mejor forma de hacerlo pasando por la melancólica voz de la chiqui sexy Hope Sandoval en el grupo Mazzy Star, como imaginaran estoy hablando de la rola “Fade In To You”, que con los sonidos etéreos y un vídeo polvoso filmado en sepia junto a las vías del tren y a un clásico Citroen DS nos hace desear tomar el coche e irnos sin rumbo fijo con nuestra peor-es-nada a recorrer nuestro bello país, otra canción en el mismo tono y hasta parece continuación es “Flowers In December”, dream pop de calidad.

 

 

Ahora, si por ahí hay algún masoquista con un amor a control remoto mas allá del horizonte, ya sea en otro estado o en otro país les puedo recomendar a una banda que se colgó del look locochon y rockero de las bandas de los 80, pero en realidad era un grupo para llenar un nicho vacío entre el metal y el pop que junto como muchos otros grupos vieron sus bolsillos llenos de billetes verdes gracias a la visión de algún creativo productor, hablo de Winger, de entre su repertorio fresón-roquero esta “Miles Away”, nostalgia en blanco y negro de ese alguien que está lejos, que hace el reclamo “justo cuando más te necesitaba, tu estabas a millas de distancia” hay dolor ya me volviste a pegar, esta se la dedico a una ex jajaja.

 

 

Muchas canciones románticas se las dedicamos a ese alguien, ya sea abiertamente o solo cuando las oímos nos recuerda su nombre y momentos, son canciones que llevan el estigma de un nombre, ese alguien que imprimió para siempre en esa canción un significado un momento o sentimiento especial, como no ligar “Avalon” de Roxy Music, con ese encuentro furtivo con alguien en el after de una fiesta o un concierto, el vídeo lo muestra tal cual, después de una fiesta fufurufa de la alta socialité ya que todos se fueron, ahí esta ella, escondida esperando pacientemente el momento del ultimo baile, mascaras fuera, seamos nosotros mismos lejos de la vista de todos.

 

 

Desamor, cuando ya estamos hartos de esa persona que ya nos llenó de piedritas el zapato y la queremos lo más lejos posible de nosotros, que nos drena la energía o simplemente no nos presenta con sus papás, mandarlo a la chingada, si, hasta allá o más lejos si se puede, “You can go your own way” como dice Fleetwood Mac, canción que describe tal y como era la relación de los integrantes de esta épica banda en ese momento, cuando intercambiaban parejas entre ellos mismos como intercambiaban de escenarios, la historia real y descarnada de sus sentimientos que cuando vemos un concierto de esta época vemos claramente como se lo cantaban el uno al otro con total convicción.

 

 

Sin embargo hay otro grupo de personas que por voluntad propia o no, son forever alone, que en esos días solo hay opción de comprarle algo al gato o unas llantas a la bici, a estas personas nunca se les considera en este día del amor, hasta creemos que como dice Björk, “All is full of love”, en su video de un enamoramiento entre robots con sugestivos mecanismos y apareamiento mecánico, no hay que hacernos mensos y negar que en esta época tan material y artificial, hay quien desarrolla lazos afectivos con objetos inanimados, no quiero ahondar en que tan patológico sea o no esto pero quién no ha dicho “amo mi casa” o entre fashionistas “amo esos zapatos” e incluso entre la bola de amigos declarar el amor irracional a un auto, como nos lo dice Queen en su rola “I’m in love with my car” que describe qué tanto su auto ha formado parte de su amor y sus emociones.

 

Con todo esto no quiero desanimarlos a que vayan a festejar a su ser u objeto querido, vayan, sumérjanse en ese consumismo y lleven rosas, chocolates y cariño, cumplan con la sociedad y la expectativa general de comprar un oso de peluche inútil que solo vivirá para estorbar en la cama o repisa junto con los otros peluches acumulando ácaros, festejen, pero con cuidado, no quiero saber que luego esperan una personita en Noviembre…

Lou Reed, Björk, Fugazi y Siouxsie and the Banshees en la serie 33 1/3

 

A la vanguardia antes de que los vinilos fueran tan mencionados, el formato de 33 1/3 se convirtió en una referencia de lectura obligada para los que entienden la música a través de sus ojos. A los más de 50 libros pronto se sumarán el análisis de discos de Lou Reed, Björk, ODB, Fugazi, Bob Mould, la serie ‘Twin Peaks’ (que por supuesto también tiene la esencia de la música en cada cuadro), Jawbreaker, Modern Lovers, Young Marble Giants, Siouxsie and the Banshees y Pharcyde.

 

Como en otras ediciones de la serie, la idea sigue siendo la misma, cada libro de la colección estudia y contextualiza un disco concreto, muy parecido a nuestro Sonorock 9, pero en un pequeño formato que no recorre toda una discografía, se limita a algo más pequeño que un bolsillo y sin superar nunca las 200 páginas, la colección no quiere ser una serie de biografías extensas, sino una llave para entender mejor los discos.

 

 

La nueva serie de 33 1/3 tendrá 16 nuevos títulos, checa la lista:

 

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