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Banda Sonora 101 – biopics

BOHEMIAN RHAPSODY, película sobre Freddie Mercury y Queen, se estrena en México el próximo viernes 2 de noviembre y por ello en @BansaSonora101 hicimos una selección de 12 filmes biográficos o biopics (entre ficciones y documentales) sobre personajes o bandas vinculados al mundo del rock.

Por supuesto, no son todos ni los mejores biopics que se han realizado, pero sí se trata de una muestra del buen estado de salud que gozan las biopics o biografías fílmicas rocanroleras, que a la fecha nos ha dado varios títulos que se defienden muy bien, como CONTROL, WALK THE LINE, RAY, MI HISTORIA SIN MI, GEORGE HARRISON: LIVING IN THE MATERIAL WORLD…. En fin, aquí las 12 películas biográficas que seleccionamos:

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SID & NANCY (1986)
Dirigida por el cineasta marginal Alex Cox, SID & NANCY se estrenó en mayo de 1986 en la sección Quincena de los Realizadores del festival de Cannes. Protagonizada por Gary Oldman y Chloe Webb, esta película retrata con morbo los últimos y decadentes años de vida de Sid Vicious, bajista de los Sex Pistols, y de su novia Nancy Spungen, quien un día de octubre de 1978 apareció muerta junto a Sid en una habitación del hotel Chelsea de Nueva York.
Sid Vicious fue acusado de su muerte y al poco tiempo, antes de que iniciara el juicio en su contra, murió de una sobredosis de heroína. La banda sonora trae rolas de Joe Strummer, The Pogues, John Cale y del mismo Gary Oldman que se avienta versiones de “My Way” y “I Wanna Be Your Dog”.

 

 

THE DOORS (1991)
Clásico indiscutible del cine-rock, THE DOORS (1991) es un filme biográfico sobre una leyenda de los años 60: Jim Morrison y su banda The Doors. Oliver Stone hace un retrato del carismático y atascado Morrison, quien alcanzó la gloria en la escena psicodélica de finales de los 60 y murió en julio de 1971 a los 27 años. Un filme lisérgico sobre los excesos y la genialidad de Jim Morrison. La banda sonora es una antología soberbia de 12 rolas de The Doors más “Heroin” de The Velvet Underground & Nico.

 

 

CONTROL (2007)
Retrato en blanco y negro de Ian Curtis, líder de la banda post punk Joy Division, CONTROL, dirigida por Anton Corbijn, se estrenó el 18 de mayo de 2007 en la sección Directors Fortnight del festival de Cannes, exactamente 27 años después de la muerte de Curtis.

Abatido por la epilepsia, hundido en la depresión y en plena ruptura matrimonial, Curtis se colgó de un perchero en mayo de 1980. Tenía 23 años y lideraba a una banda con apenas dos álbumes y que estaba a punto de iniciar su primera gira internacional.

Al morir Curtis murió Joy Division. Pero nació New Order. Y también el referente del rockero intenso, depresivo, atribulado, sombrío, el mismo que el holandés Corbijn retrató con sorprendente maestría en esta adaptación de Touching From a Distance, la autobiografía de Deborah Woodruff, viuda de Curtis.

 

 

RAY (2004)
Dirigida por Taylor Hackford, RAY se estrenó el 12 de septiembre de 2004 en el festival canadiense de Toronto y a México llegó en febrero de 2005. En su paso por el circuito principal de festivales obtuvo varios premios, entre ellos el Oscar a mejor actor a Jamie Foxx.

Este filme biográfico sobre Ray Charles hace un repaso por su atribulada y exitosa carrera musical, desde que era un joven desconocido hasta que alcanzó la fama mundial. La banda sonora es tan poderosa como la película y ganó un premio Grammy.

 

 

WALK THE LINE (2005)
Filme biográfico sobre el enorme Johnny Cash y su compañera de vida June Carter Cash, WALK THE LINE tuvo su premier mundial el 13 de septiembre de 2005 en Toronto y en México se estrenó el 3 de febrero de 2006. Dirigida por James Mangold y protagonizada por Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon, este biopic recibió una gran cantidad de premios, entre ellos el Oscar a mejor actriz a Reese Witherspoon. Se trata de uno de los filmes biográficos mejor logrados en la historia del cine rock y cuenta con una banda sonora armada por T-Bone Burnett que es dinamita pura.

 

 

JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN (2007)
Realizado por el británico Julien Temple, JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN se estrenó el 20 de enero de 2007 en el festival de cine independiente Sundance y a partir de ahí inició un largo recorrido por los principales festivales de cine a nivel internacional, donde acumuló varios premios importantes como el de mejor documental en los British Independent Films Awards (BIFA). Este magistral retrato fílmico de quien fuera delantero de The Clash y The Mezcaleros, es sin duda uno de los mejores documentales biográficos de la historia del cine rock. La banda sonora es, por decir lo menos, portentosa.

 

 

MI HISTORIA SIN MI (2007)
Alejado de los cánones de la narrativa convencional, MI HISTORIA SIN MI (I’M NOT THERE), biopic sobre Bob Dylan realizado en 2007 por Todd Haynes, es uno de los filmes biográficos más propositivos y originales del cine rock. El estadounidense Todd Haynes (VELVET GOLDMINE) realizó un retrato multifacético del icono de la revolución cultural a partir de la siguiente premisa: “Todos somos Bob Dylan”. Seis personajes que trazan los diferentes perfiles de uno de los hombres más influyentes de la historia del rock y premio Nobel de Literatura.

Sobresale el Bob Dylan (en su faceta de rock star) interpretado por Cate Blanchett y una banda sonora con covers de rolas de Dylan a cargo de músicos y bandas de primera línea: Eddie Vedder, Sufjan Stevens, Yo la Tengo, Calexico, Sonic Youth, Cat Power, Los Lobos, The Black Keys, entre otros, y la mega banda creada ex profeso para el soundtrack llamada The Million Dollar Bashers.

 

 

GEORGE HARRISON: LIVING IN THE MATERIAL WORLD (2011)
Dirigida por el maestro Martin Scorsese, GEORGE HARRISON: LIVING IN THE MATERIAL WORLD es un documental biográfico que revisa con lupa la vida de uno de los músicos más influyentes y queridos de la historia del rock: el ex Beatle George Harrison.
El filme, que se estrenó el 12 de septiembre de 2011 en el festival de Toronto, incluye material de archivo hasta entonces inédito y testimonios de los amigos más cercanos, colaboradores y familiares de Harrison. La banda sonora es una antología de canciones del ex miembro de The Beatles.

 

 

MARLEY (2012)
Dirigido por el escocés Kevin Macdonald en 2012, MARLEY es un documental biográfico sobre el mayor referente del reggae a nivel planetario: Bob Marley. Ésta es la única película autorizada (a la fecha) por la familia Marley, misma que facilitó el acceso a un montón de objetos personales, así como a material privado y musical nunca antes visto y escuchado. La banda sonora no tiene el mínimo desperdicio.

 

 

THE PUNK SINGER (2013)
Una película biográfica sobre la activista, música e icono cultural Kathleen Hanna, fundadora del grupo punk Bikini Kill, voz inconfundible de la banda electroclash Le Tigre y pionera del movimiento “riot grrrl” de los 90. La banda sonora es tan potente como la película.

 

 

WHAT HAPPENED, MISS SIMONE? (2015)
Realizado por Liz Garbus, WHAT HAPPENED, MISS SIMONE? se exhibió por primera vez el 22 de enero de 2015 en el festival de cine independiente Sundance y después se estrenó en Netflix con gran éxito de crítica. Se trata de un documental biográfico sobre una de las mujeres más influyentes en la historia de la música moderna: Nina Simone. Como diría Joe Strummer: “Let Nina Simone rule the World.”

 

 

BOHEMIAN RHAPSODY (2018)
Realizada por Bryan Singer, BOHEMIAN RHAPSODY (2018) se estrenó el miércoles 24 de octubre en Inglaterra y el próximo viernes 2 de noviembre llega a las salas mexicanas. Se trata de una biopic sobre el inmortal Freddie Mercury (interpretado por Rami Malek), delantero de la banda Queen. Sin duda, BOHEMIAN RHAPSODY es uno de los biopics más esperados del año al igual que su banda sonora.

 

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Banda Sonora 101 – La cultura dance en el cine

El tema de esta semana en @BandaSonora101 es la cultura dance en el cine y por ello invitamos a un experto en la materia, Alejandro Sánchez, DJ con una amplia cultura musical y cinematográfica, quien hizo una selección de 11 títulos que de algún modo reflejan cuál ha sido la relación entre la música electrónica y el cine.

Aquí la las 11 películas:

BETTER LIVING THROUGH CIRCUITRY (1998)
Realizada por Jon Reiss en 1998, BETTER LIVING THROUGH CIRCUITRY se estrenó en 14 de agosto de 1999 en el Chicago Underground Film Festival y luego tuvo una corrida comercial limitada a tres ciudades de Estados Unidos: Nueva York, Los Ángeles y San Francisco. Se trata de un documental que registra la historia de la escena rave en Estados Unidos. La banda sonora incluye música de Moby, Keoki, The Chrystal Method, DJ Spooky, Roni Size, Psychic TV y The Future Sound of London, de quienes vamos a escuchar Expander.

 

 

HUMAN TRAFFIC (1999)
El británico Justin Kerrigan dirigió HUMAN TRAFFIC a principios de 1999 y la presentó por primera vez el 11 de septiembre del mismo año en el festival de Toronto. Festivaleó durante el cambio de milenio en Tesalónica, Buenos Aires, Tokio y luego se estrenó en una docena de países, entre los cuales no se encuentra México. En España se estrenó con el nombre GENERACIÓN ÉXTASIS. A nuestro país sólo llegó en video importado y no existe registro de su exhibición en salas. Esta es la historia de 5 compas que viven la cultura dance al máximo. La banda sonora incluye rolas de Public Enemy, Grim, Death in Vegas, Lucid, Orbital, Fatboy Slim…

 

 

GO (1999)
Bueno ahora vamos con otra película de 1999: GO de Doug Liman. Se estrenó el 20 de febrero de 1999 en el festival de Miami. A México llegó en DVD en el 2000 con el título VIVIENDO SÍN LÍMITES. Una comedia inteligente y con altas dosis de energía sonora. La música original es de BT y Moby.

 

 

GROOVE (2000)
Realizada por Greg Harrison, GROOVE se estrenó el 21 de enero de 2000 en el festival de cine independiente Sundance. Dos hermanos, la prometida de uno de ellos, suficientes dosis de éxtasis y una fiesta interminable en un almacén abandonado en San Francisco. Inmersión a la cultura rave en Estados Unidos con una banda sonora que incluye a Bedrock, Orbital, Symbiosis, Dmitri Ponce, Hybrid…

 

 

SCRATCH (2001)
Dirigida por Doug Pray, SCRATCH se estrenó el 21 de enero de 2001 en el festival de cine independiente Sundance. Una película sobre el arte del tornamesismo, sobre las posibilidades infinitas del vinilo. La banda sonora es una compilación de 22 piezas que incluyen a DJ Disk, Grand Wizard Theodore, Rob Swift, DJ Shadow, Mox Master Mike y hasta el gran Herbie Hancock.

 

 

24 HOUR PARTY PEOPLE (2002)
Dirigida por el versátil cineasta británico Michael Winterbottom, LA NUEVA ORDEN (24 HOUR PARTY PEOPLE) se estrenó en abril de 2002 en el Reino Unido y unas semanas después compitió en el festival de Cannes por la Palma de Oro. Este clásico del cine rock cuenta la siguiente historia: Mánchester, Inglaterra, 1976: el egresado de Cambridge y periodista de televisión Tony Wilson (Steve Coogan) está en una de las primeras presentaciones en vivo de los Sex Pistols. Impactado por el momento histórico que le tocó vivir, Wilson decide convertirse en promotor musical y en 1978 crea su propio sello discográfico, Factory Records, mismo que dio a conocer al mundo el sonido de la llamada Escena Máncester con bandas como Joy Division (luego New Order), The Durutti Column y Happy Mondays.

Tras la exitosa creación de su sello, Wilson montó The Hacienda, una de las discotecas más famosas y legendarias de la historia británica. LA NUEVA ORDEN es un filme brillante, dotado de un gran sentido del humor –no obstante las tragedias (el suicidio de Ian Curtis, por ejemplo)– y con una banda sonora que es una fiel y bien armada antología del poderoso sonido que emanó de Mánchester a finales de los 70 y principios de los 80.

 

 

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IT’S ALL GONE PETE TONG (2004)
Dirigida y escrita por el canadiense Michael Dowse, IT’S ALL GONE PETE TONG se estrenó el 12 de septiembre de 2004 en el festival de Toronto, donde ganó el premio a mejor película canadiense, y el DVD fue lanzado en septiembre de 2005. Este filme cuenta la atribulada historia de DJ Fankie Wilde, quien alcanzó la cima hasta que un trastorno acústico lo alejó para siempre de la escena dance.

 

 

ROLLING (2007)
Ópera prima del estadounidense Billy Samoa Saleebay, ROLLING se estrenó el 11 de febrero de 2007 en el festival de cine independiente de San Francisco. Es un retrato, desde la ficción, de la subcultura del consumo de éxtasis en el underground de Los Ángeles, California. La banda sonora incluye nombres como Ozgur Cann, John Kelley, Simpli Jeff, Hiratzka y Kazell, entre otros.

 

 

BERLIN CALLING (2008)
Realizada por el alemán Hannes Stöhr, BERLIN CALLING se estrenó el 8 de agosto de 2008 en el festival de Locarno y de ahí inició un exitoso recorrido por varios festivales internacionales. A México llegó vía el Foro de la Cineteca y el ciclo Rock en el Cine de 2009. El filme cuenta la historia de un DJ que se la pasa bomba de festival en festival hasta que sufre un colapso y termina en un hospital psiquiátrico. La música original es de Paul Kalkbrenner, quien también actúa como protagonista de la película.

 

 

THE CHEMICAL BROTHERS: DON’T THINK (2012)
El documental realizado por Adam Smith, se estrenó de manera limitada en enero de 2012 y llegó a México en febrero del año siguiente vía la sección Sonidero de la Gira de Documentales Ambulante. Se trata de una película-concierto que registra una actuación memorable de Chemical Brothers en el Fuji Rock Festival de Japón en el 2011.

 

 

EDEN (2015)
Dirigida por Mia Hansen-Love, EDÉN se estrenó el 5 de septiembre de 2014 en el festival canadiense de Toronto y de ahí brincó al circuito principal de festivales de cine, donde acumuló varios premios. Esta película cuenta la historia de un joven DJ que se mueve en la escena underground de la cultura dance en la vibrante París de los años 90. La banda sonora incluye piezas de Liquid, Jaydee, The Orb, Crystal Waters, Aaron Smith, Daft Punk, Watanabe…

 

 

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Banda Sonora 101 – festivales documentados

A diferencia del cine rocanrolero de los 50, que respondía a meros intereses de los mercados de la música y el cine, en los 60 surgió una nueva generación de cineastas, en su mayoría comprometidos con los ideales transformadores de la época, que abordaron el tema de rock desde dos ópticas: por un lado realizaron documentales de giras y conciertos, y por otro se hicieron películas de ficción, musicalizadas con temas de rock, que pretendían reflejar el sentir y pensar de la juventud.

El primer “rockumental” de la historia se llama DON’T LOOK BACK y lo realizó Don Alan Pennebaker durante la gira británica de 1965 de Bob Dylan. Esta película mostró el camino a otros cineastas que dieron seguimiento a los acontecimientos musicales más importantes de los 60. De esta corriente surgieron tres documentales clásicos: MONTEREY POP (1968), WOODSTOCK (1970) y GIMME SHELTER (1970).

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Aquí la selección de películas sobre los principales festivales de música en el mundo:

MONTEREY POP (1968)
Realizado por el padre del rockumental Don Alan Pennebaker, MONTEREY POP es una película que documenta lo sucedido en el lisérgico festival, mismo que se llevó a cabo del 16 al 18 de junio de 1967 en Monterey, California, y en el cual se presentaron artistas y bandas de la talla de Jimi Hendrix, The Who, Ravi Shankar, Janis Joplin, Grateful Dead, Otis Redding, Jefferson Airplane , Canned Heat y The Mamas & the Papas. La intepretación de Jimi Hendrix se volvió icónica cuando prendió fuego a su guitarra mientras tocaba “Wild Thing”. Esta película es un retrato en glorioso technicolor del lisérgico paraíso hippie de finales de los 60.

 

 

GIMME SHELTER (1970)
Realizado por los hermanos Maysles, registra buena parte de la gira americana de The Rolling Stones en 1969 y culmina con el desastroso concierto gratuito de Altamont, California, celebrado el 6 de diciembre de 1969. En el Altamont Speedway Free Festival se presentaron bandas del calibre de The Rolling Stones, Santana, The Grateful Dead y Jefferson Airplane. Mientras los Stones tocaban “Under my Thumb” , Meredith Hunter, un locuaz de 18 años, apareció entre la multitud con una pistola en lo alto. La cámara lo captó y registró para la historia el momento en el que un miembro de los Hell’s Angels, insólitos encargados de la seguridad del festival, lo mata a navajazos y patadas. En ese festival murieron tres personas y decenas terminaron en el hospital, ya por golpes o por sobredosis de droga. En Altamont, se dijo, murió la utopía de los sesenta y nació la represión de los setenta.

 

 

WOODSTOCK: TRES DÍAS DE PAZ Y MÚSICA (1970)
A diferencia de GIMME SHELTER, WOODSTOCK: TRES DÍAS DE PAZ Y MÚSICA (1970) es un fiel retrato de la buena vibra y del enorme poder de convocatoria del movimiento hippie, que en agosto de 1969 reunió a más de medio millón de personas en el legendario Festival de Woodstock. La película se estrenó en Cannes en mayo de 1970 y un año después recibió el Oscar a mejor documental. Entre los músicos y bandas participantes sobresalen Janis Joplin, Carlos Santana, Joe Cocker, The Who, Jimi Hendrix y Canned Heat.

 

 

SWEET TORONTO (1971)
Un documental realizado por el padre del rockumental, Don Alan
Pennebaker, sobre el Toronto Rock and Roll Revival, un festival de un día celebrado el 13 de septiembre de 1969 en el Varsity Stadium en el campus de la Universidad de Toronto y al que asistieron unas 20 mil personas. El evento fue producido por John Brower y Ken Walker. Las cámaras de Pennebaker registraron tanto los actos en vivo como al público asistente. Sobresale la participación de John Lennon con The Plastic Ono Band & Yoko Ono.

 

FESTIVAL EXPRESS (2003)
Dirigido por Bob Smeaton, FESTIVAL EXPRESS (2003) es un rockumental sobre la gira en tren por todo Canadá que en 1970 realizaron algunas de las bandas y músicos más importantes de los sesenta, entre ellos Grateful Dead, Janis Joplin, The Band, Flying Burrito Bros. El filme combina las presentaciones en vivo con material filmado en el interior del tren, que era toda una fiesta ambulante.

 

 

GLASTONBURY (2006)
En 2006, el gran Julien Temple hizo GLASTONBURY, documental celebratorio del 30 aniversario del festival musical más importante de Inglaterra. No se editó soundtrack pero Temple registró buena parte de las actuaciones de Björk, Morrissey, Primal Scream, David Bowie, Coldplay, Nick Cave, Blur y Pulp.

 

 

COACHELLA (2006)
Realizado por Drew Thomas en 2016, COACHELLA es un rockumental sobre uno de los mejores y más concurridos festivales de música que se celebran en Estados Unidos: The Coachella Valley Music & Arts Festival. Esta película registra una selección de actuaciones memorables de los primeros seis años de vida del festival, con bandas de la talla de Radiohead, The Arcade Fire, Björk, Bright Eyes, The Mars Volta, Morrissey, Pixies, Red Hot Chilli Peppers, The White Stripes y The Flaming Lips.

 

 

ALL TOMORROW’S PARTIES (2009)
Retrato fílmico del festival de culto londinense, ALL TOMORROW’S PARTIES, realizado en el 2009 por Jonathan Caouette, es un documental que registra las actuaciones de bandas alternativas del calibre de Battles, Belle & Sebastian, Grinderman, The Octopus Project, Animal Collective, Yeah Yeah Yeahs y Portishead.

 

 

NO CAMERAS ALLOWED (2014)
Un rockumental realizado en 2014 por James Marcus Haney, un melómano empedernido que asiste a los principales festivales de música en el mundo.

 

Banda Sonora 101: Pink Floyd de celuloide

Hubo un tiempo cuando –en plena revolución contracultural– Pink Floyd exploró en la composición de música original para películas. Al margen de la muy conocida PINK FLOYD THE WALL (1982), entre 1969 y 1972 –con Roger Waters, David Gilmour, Richard Wright y Nick Mason en la alineación– Floyd musicalizó tres películas fundamentales del cine psicodélico: MORE (1969), LA VALLÉE (1972) y ZABRISKIE POINT (1970). Las dos primeras fueron dirigidas por Barbet Schroeder y la tercera por Michelangelo Antonioni.

En esa época, en octubre de 1972 y con el anfiteatro de Pompeya, Italia, como escenario, también se filmó PINK FLOYD: LIVE AT POMPEII, un rockcumental que capta a la banda en uno de sus mejores momentos creativos.
Después de esas experiencias, Pink Floyd, como banda, no volvió a componer música original para películas ajenas pero sí se concentró en encargar los visuales más impresionantes para sus giras y videos musicales.

En 1982 llegó PINK FLOYD THE WALL, película dirigida por Alan Parker que se convirtió en un clásico instantáneo del cine rock y cuya música original e historia parten del legendario disco The Wall, concebido por Waters en 1979. Waters, como solista, musicalizó WHEN THE WIND BLOWS en 1986 Y Gilmour hizo lo mismo con el documental DRUG-TAKING AND THE ARTS en 1993.

En los años subsecuentes al estreno de PINK FLOYD THE WALL en 1982, se han realizado varios documentales y conciertos grabados en vivo de una calidad sobresaliente, como DELICATE SOUND OF THUNDER (1989) y P.U.L.S.E LIVE AT EARLS COURT (1994). Hay películas-concierto y documentales increíbles sobre Floyd, sobre Waters, sobre Gilmour… pero como agrupación Pink Floyd no compuso más música original para películas después de su experiencia psicodélica de finales de los 60 y principios de los 70 y de la inmortal PINK FLOYD THE WALL de 1982.

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Aquí la historia:

MORE (1969)
Pink Floyd incursionó en la composición de música para cine en 1969, año en el que la banda británica hizo el score original de MORE, de Barbet Shroeder, un clásico del cine psicodélico que se estrenó el 13 de mayo de 1969 en el festival de Cannes. MORE cuenta la historia de Stefan, un joven alemán recién graduado de la universidad que viaja de aventón a París y ahí conoce a una hermosa chica estadunidense llamada Estella. Stefan y Estella hacen química y se lanzan a la paradisiaca Ibiza, donde el consumo de heroína se vuelve un peligroso hábito diario. La música original de Pink Floyd crea una atmósfera sonora perfecta en las escenas de viajes psicotrópicos y enriquece el retrato de la época de manera notable.

 

 

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ZABRISKIE POINT (1970)
Realizada por el célebre cineasta italiano Michelangelo Antonioni, ZABRISKIE POINT (1970) es el intento de sintetizar en una película los lisérgicos años 60 y la corriente contracultural en Estados Unidos. Para ello, Antonioni creó la metáfora de una pareja de jóvenes, hombre y mujer, que se encuentran en el desierto y experimentan un proceso de liberación absoluta. En este caso, la música de Pink Floyd es un personaje más, mismo que representa la expansión de la conciencia colectiva de toda una generación de soñadores.

 

LA VALLÉE (1972)
En LA VALLÉE (1972), el cineasta Barbet Shroeder explora en los temas de la liberación sexual y la expansión de la conciencia mediante el relato del viaje – en los sentidos literal y figurado– de unos franceces aburguesados a un remoto lugar en Nueva Guinea conocido como “El valle”, donde habita la tribu Mapuga y que ni siquiera aparece en los mapas (se le muestra como “obscured by clouds”). La música original de Pink Floyd acompaña a los viajeros en su expedición como si fuera una suerte de guía intangible en el camino hacia la liberación física y mental. En esta odisea, los personajes abandonan todas sus cargas materiales, incluída la ropa, y rompen las paredes mentales que los esclavizan. La música original de Pink Floud se editó en el disco Obscured by Clouds.

 

PINK FLOYD: LIVE AT POMPEII (1972)
Realizado por Adrian Maben en octubre de 1972 –con el impresionante anfiteatro de Pompeya, Italia, como escenario– PINK FLOYD: LIVE AT POMPEII es un rockumental que capta a Pink Floyd en uno de sus mejores momentos (principios de los 70), interpretando en directo piezas inmortales como “Echoes”, “One of These Days” y “A Saucerful of Secrets.” Existen varias versiones de esta película en video y todas se merecen una tanda de aplausos.

 

PINK FLOYD THE WALL (1982)
Clásico induscutible del cine rock, PINK FLOYD THE WALL se estrenó el 22 de mayo de 1982 en el festival de Cannes. Concebida por Roger Waters (autor de la música y el guión) y dirigida por Alan Parker, es de los pocos momentos de la historia del cine en los que un álbum, en este caso The Wall, antecede e inspira la realización de una película.

Waters exorcisa sus propios demonios en la historia de Mr. Pink (Bob Geldof), un rock star atribulado y traumatizado por su pasado que navega entre la realidad y la locura, todo en su intento por derribar la enorme pared mental que lo aisla del resto del mundo. Las secuencias de animación creadas por Geral Scarfe son un referente indiscutible de la época. Una poderosa metáfora sobre los efectos colaterales de la guerra, el vacío existencial del estrellato y la locura de los regímenes dictatoriales. Al cabo los años, PINK FLOYD THE WALL se manifiesta hoy en día tan poderosa y vigente como las negras intenciones del presidente gringo de levantar un inmenso muro fronterizo entre México y EE. UU.

 

PINK FLOYD: DELICATE SOUND OF THUNDER (1989)
Entre el 19 y el 23 de agosto de 1988, el cineasta Wayne Isham filmó a Pink Floyd en vivo en el Nassau Coliseum, en Long Island, Nueva York, para luego editar la película-concierto PINK FLOYD: DELICATE SOUND OF THUNDER (1989), misma que registra los mejores momentos de la serie de cinco conciertos que dieron vida al álbum doble Delicate Sound of Thunder (1988).

La película fue lanzada en video en junio de 1989 y sobresale por la altísima calidad de la música ejecutada en vivo (la mezcla de sonido es impresionante) y los maravillosos visuales realizados ex profeso para la gira A Momentary Lapse of Reason (1987/88).

 

PINK FLOYD: P.U.L.S.E LIVE AT EARLS COURT (1994)
Es una portentosa película-concierto realizada por el británico David Mallet –cineasta especializado en la filmación de conciertos y videos musicales– que regristra la legendaria presentación del 20 de octubre de 1994 de Pink Floyd en el Earls Court de Londres, como parte de la gira Division Bell Tour.

De la grabación de este mítico concierto surguió el álbum doble en vivo P.U.L.S.E., publicado en junio de 1995. Junto con EL ÚLTIMO VALS (1978) de Martin Scorsese y STOP MAKING SENSE (1984) de Jonathan Demme, P.U.L.S.E es sin duda una de las mejores películas-concierto de la historia del cine rock.

 

PINK FLOYD: TE MAKING OF DARK SIDE OF THE MOON (2003)
Realizado en 2003, es un proyecto de lujo que no se estrenó en cines comerciales y sólo se distribuyó en video (DVD y Blu-ray), en la cadena BBC y algún otro canal cultural europeo. Este rockumental registra de manera minuciosa el proceso de creación de uno de los álbumes más relevantes de la historia del rock: Dark Side of the Moon. Son 84 minutos de repaso, canión por canción, del disco clásico de de Pink Floyd de 1973. La cinta compila muy buen material de archivo y lo alterna con entrevistas a Waters, Gilmour, Mason y Wright. Joya.

 

PINK FLOYD: THE STORY OF WISH YOU WERE HERE (2012)
Como se lee desde el título, PINK FLOYD: THE STORY OF WISH YOU WERE HERE (2012) es un documental que cuenta la historia del proceso creativo de uno de los álbumes más importantes e introspectivos de la banda británica: Wish You Were Here, publicado en septiembre de 1975. Puedo decir con plena convicción que el track número 4, “Wish You Were Here”, es una de mis rolas favoritas y cada vez que la escucho y la canto se me enchina la piel. La película, dirigida por el británico John Edginton, incluye entrevistas con Waters, Gilmour, Mason y Wrghit, y material de archivo de grandísima calidad.

Banda Sonora 101: Blow-Up

En diciembre de 1966, horas después de la premier mundial de Blow-Up’ en Nueva York, Herbie Hancock llamó por teléfono a Michelangelo Antonioni para expresarle su desilusión por la manera como el italiano había utilizado su música. “Sólo se escuchan fragmentos”, dijo el compositor, miembro del Quinteto de Miles Davis desde 1963 y que a sus 25 años había sido requerido por uno de los directores de cine más celebrados del planeta.

La respuesta del cineasta, 35 años mayor que Hancock, fue contundente: “La usé como sentí que era correcto”. El pianista, según la entrevista publicada en la edición de aniversario de la banda sonora (Turner, 1996), colgó el teléfono, se quedó helado un instante, sin decir palabra, hasta que se dio cuenta del error: había ido a la premier de Blow-Upa escuchar su música y no a ver la película de Antonioni.

Al cabo de unos días –añade el texto–, Hancock se sacudió el ego, vio de nuevo la película y quedó maravillado. Esa misma noche llamó al cineasta: “Lo siento, tienes la razón: ¡Es cine!.. Esta es una lección que nunca voy a olvidar”. En la obra de Antonioni, comprendió Hancock, la música siempre está al servicio de la película y el director hace con ella lo que mejor considere.



En aquellos años, Hancock ya era considerado una de las mayores promesas del jazz. Además figurar en la selecta alineación del Quinteto de Miles Davis, a sus 26 años tenía un contrato como solista con el sello Blue Note, que le publicó piezas del nivel de ‘Watermelon Man’, ‘Maiden Voyage’ y ‘Cantaloupe Island’.

Pero Hancock nunca había compuesto música para un largometraje y –según lo aceptó años después–, no tenía mucha idea que cuál era la función de un músico en el cine, y menos en las películas de autores como Antonioni o Fellini, por mencionar a dos maestros italianos de la época.

‘Blow-Upestá inspirada en ‘Las babas del Diablo’, de Julio Cortazar. A diferencia del relato original, la anécdota no ocurre en París sino en Londres de mediados de los sesenta, en tiempos de la revolución cultural, cuando la fusión de modernismo y psicodelia abrió una serie de umbrales en el mundo de la música: jazz y funk se volvieron una palabra; el blues se acopló con el rock; Bob Dylan se colgó una guitarra eléctrica y creó el concepto folk rock y los Beatles tendieron un puente con los sonidos de Oriente con el ‘Revolver’.

En el 66, Londres brillaba en glorioso technicolor y por sus venas corría todo tipo de sustancias psicotrópicas. Ese año, el llamado “swinging London” abrió las puertas al movimiento hippie. En las calles rugían las scooters de los mods, quienes pasaron de la rebeldía individual a la revuelta social e hicieron del disco ‘My Generation’, de The Who, la banda sonora de sus días. En los clubes se podía viajar con la música de Pink Floyd (Syd Barret pisó la luna antes que Neil Amstrong) o escuchar el jazz con más onda de todos los tiempos. Miles Davis y Herbie Hancock podían estar tocando juntos en un club, mientras Jeff Beck y Jimmy Page revolucionaban el sonido del rock a unas cuadras de distancia.

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Antonioni se apropió el relato de Cortazar y lo ubicó en esta Londres. La historia es básicamente la misma: un fotógrafo se obsesiona con la idea de haber captado un asesinato con su cámara, pero nunca logra resolver el misterio. El títuloBlow-Upse refiere a “reventar el grano de la foto” mediante la ampliación de la imagen.

¿Por qué Antonioni decidió llamar a Herbie Hancock para musicalizar Blow-Up’? Hay una explicación lógica: el personaje principal del filme, Thomas (David Hemmings), es un fotógrafo especializado en moda y de gustos sofisticados. No es un mod común y corriente, un rebelde callejero (como el personaje deQuadrophenia’), sino un artista interesado en las corrientes de vanguardia. En lugar de una moto scooter tiene un deportivo convertible; y en su estudio fotográfico sonaban finas piezas de jazz, en lugar del acelerado álbum The Who.

Antonioni, apasionado de la música, y en particular del jazz, intuyó bien que Hancock era el músico indicado para crear los sonidos que sintetizaran la energía de la movilización juvenil, la rebeldía mod, con la elegancia del jazz.

Antonioni tomó la decisión correcta: Hancock invitó al bajista Ron Carter y el baterista Jack DeJohnette y al poco tiempo le entregó al director una docena de piezas extraordinarias, la mayoría pensadas para ambientar escenas específicas. En algunas aceleró los ritmos de la batería, en otras dilató las líneas del bajo y en casi todas se dio vuelo con el piano eléctrico.

Hancock construyó la atmósfera sonora que le encargó Antonioni, pero de paso compuso un álbum que hoy es considerado una obra fundamental del jazz de los 60. Y precisamente por eso, por el hecho de haber creado un álbum tan excelso, Hancock se sacó de onda el día de la premier. Su música no era la protagonista de la noche sino un elemento más del filme, que de hecho Antonioni usó como “source music”, es decir, la que se escucha cuando alguien prende la radio o pone un disco en una película.

Como contrapunto al jazz, Antonioni invitó a la banda de rock The Yardbirds, con la que filmó una secuencia delirante mientras tocan ‘Stroll On’ en vivo: el público se mantiene inmóvil, como idiotizado, mientras Jimmy Page se avienta un solo desenfrenado y Jeff Beck destruye su guitarra como lo hacía Pete Townshend de The Who en aquellos años. La cámara sigue el movimiento de Thomas mientras se escabulle entre el público estático y al tiempo que Beck destroza el escenario. A esta memorable actuación de los Yardbirds, hay que agregar dos canciones que Antonioni encargó a Tomorrow, en la que tocaba Steve Howe antes de formar Yes.

Hancock debió sentirse muy desilusionado a la salida del cine, con el ego hecho pedazos. Pero días después, el pianista comprendió que el cine es un es un arte complejo, un lenguaje que integra a varias expresiones, y por ello se disculpó con Antonioni, hecho que demuestra una humildad muy poco común entre los artistas que gozan de fama.

A la fecha, Hancock ha musicalizado una decena de largometrajes, entre ellos una delicia del cine-jazz dirigida por Bertrand Tavernier: ‘Round Midnight’. Su momento cumbre en el cine sigue siendo ‘Blow-Up’.

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