hi

Banda Sonora 101 – Rockumentales hoy

En esta ocasión, en @BandaSonora101 vamos a revisar el estado actual del rockumental, género que surgió en los años 60 del siglo pasado. La primera película que fue calificada como un rockumental es DONT LOOK BACK, filme en el que Don Allan Pennebaker da seguimiento a la gira británica de 1965 Bob Dylan.

A más de 5 décadas de distancia, el género rockumental se mantiene más vivo que nunca y por ello nos dimos a la tarea de seleccionar 14 películas de reciente factura, y cuando digo reciente me refiero a los últimos dos años, que de algún modo reflejan el estado actual del rockumental.

Así que ahora traemos películas sobre John Lydon, Frank Zappa, The Stooges, Gary Numan, Morphine, Sleaford Mods y Tangerine Dream, así como las historias del movimiento Queercore, del festival Austin City Limits, de la extraña relación entre rastas y punks en Jamaica en los 70 y de la escena actual del rock chicano en Río Grande Valley, Texas.

También podría interesarte: Sonic Arsenal – El rockumental como obsesión

Aquí nuestra selección de rockumentales del 2016 a la fecha:

GIMME DANGER (2016)
El 19 de mayo de 2016 se estrenó en el festival de Cannes GIMME DANGER, documental de Jim Jarmusch sobre una de las bandas más poderosas del planeta: The Stooges. Ya hemos comentado en programas anteriores sobre la importancia de la música en la obra de Jim Jarmusch. De hecho Jarmusch tiene una banda de noise que se llama SQÜRL con la cual compone música para sus películas. Bueno, en este caso Jarmusch se pone en el papel de documentalista y nos cuenta la historia de Iggy & The Stogges, como les decía, una de las bandas de rock más poderosas del planeta.

 

 

GARY NUMAN: ANDROID IN LA LA LAND (2016)
Ahora brincamos al 14 de marzo de 2016, día que en el festival South by Southwest se estrenó GARY NUMAN: ANDROID IN LA LA LAND, documental sobre el legendario Gary Numan, quien tuvo mucho éxito a finales de los 70s pero quien también ha tenido una vida bastante atribulada debido a que padece el síndrome de Asperger. Un retrato honesto, si caer en adulaciones fáciles ni nada por el estilo.

 

 

A SONG FOR YOU: THE AUSTIN CITY LIMITS STORY (2016)
Vamos de nuevo al festival South by Southwest de 2016, donde el 17 de marzo se estrenó A SONG FOR YOU: THE AUSTIN CITY LIMITS STORY, documental sobre el festival de música titular. Recordemos que en los 60 surgió una corriente que documentó los principales festivales musicales de la época: Woodstock, Monterey Pop y Altamont. Bueno, esta película es un documental celebratorio por el 40 aniversario de uno de los festivales musicales más importantes y propositivos a escala mundial. El Austin City Limits, que se lleva a cabo en la ciudad texana de Austin. Como se podrán imaginar, la lista de músicos y bandas es impresionante.

 

 

EAT THAT QUESTION: FRANK ZAPPA IN HIS OWN WORDS (2016)
La siguiente película se estrenó en enero de 2016 en el festival de cine independiente Sundance. Es un filme biográfico sobre el gran Frank Zappa, un artista fuera de serie en el mundo del rock. Si les gusta la obra multidisciplinaria de Zappa, éste es un documental que no se pueden perder.

 

 

MORPHINE. JOURNEY OF DREAMS (2016)
Bueno, para cerrar el 2016, vamos con una película que se produjo en 2014 pero que se estrenó comercialmente hasta el 2016. Se Llama MORPHINE, JOURNEY OF DREAMS y cuenta la historia de el power trío llamado Morphine. El cineasta Marck Skuman tuvo acceso a material audiovisual nunca antes visto, a sesiones de grabación, fotografías, y por supuesto a la voz en vivo de los miembros que aún viven. Recordemos que Mark Sandman, cantante y bajista de Morphine, murió de un paro cardiaco en pleno concierto en 1999.

 

 

BUNCH OF KUNST. A FILM ABOUT SLEAFORD MODS (2017)
Empezamos el 2017 con una película dirigida por Christine Franz, misma que se estrenó en mayo de 2017 y que actualmente continúa exhibiéndose en festivales de cine por todo el mundo. Es un documental que sigue durante dos años al dueto punk británico Sleaford Mods. Esta película ya se puede ver en algunas plataformas digitales en Internet y de su banda sonora vamos a escuchar.

 

 

EAGLES OF DEATH METAL: NUESTROS AMIGOS (2017)
La siguiente película se estrenó el 14 de enero de 2017 en el Festival Internacional de Cine de Palm Springs y para hablar de ella debo ponerla en contexto: en noviembre de 2015, mientras Eagles of Death Metal tocaba en el Bataclan de París, un comando de terroristas del Estado Islámico masacró a 89 personas en pleno concierto. Tiempo después, la banda y público se reencuentran en un show para demostrar que la música y la cultura no mueren. Una película sobre la resiliencia de una banda y sus seguidores tras sobrevivir un ataque terrorista.

 

 

QUEERCORE: HOW TO PUNK A REVOLUTION (2017)
La siguiente película es una bomba, se estrenó en el festival de Sheffield, Inglaterra, el 12 de junio de 2017. Este filme cuenta la historia del movimiento queercore, que fue una escisión del punk que incluía a la banda gay, lésbica, transexual y transgénero. Este movimiento fue una respuesta cultural al machismo del punk. La banda sonora es potentísima.

 

 

REVOLUTION OF SOUND: TANGERINE DREAM (2017)
El 29 de mayo de 2017 se estrenó en el festival de Cracovia, es un documental que cuenta la historia de la banda titular, misma que nació en el Berlín psicodélico de los 60 y que después se mudó a Hollywood para introducir la música electrónica en el cine. Si algo queda claro en esta película es que Edgar Froese, el líder de Tangerine Dream, fue un artista excepcional.

 

 

THE PUBLIC IMAGE IS ROTTEN (2017)
Ahora vamos al festival de Tribeca, donde el 21 de abril de 2017 se estrenó la película en la que el punk inmortal John Lydon repasa con lengua afilada su reinvención personal y musical tras su paso por los Sex Pistols. Se trata de un ameno relato sobre los logros y también los problemas de una banda definitoria del post punk británico: Public Image Limited.

 

 

TWO SEVENS CLASH (DREAD MEETS PUNK ROCKERS) (2017)
La siguiente película también está relacionada con el punk inmortal John Lydon. Se estrenó en el pasado festival In-Edit de Barcelona. En esta película, el cineasta Don Letts desempolva su archivo personal de cintas de Super-8 milímetros y revisa en primera persona la llamada “punky reggae party”. La fructífera relación entre rastas y punks de 1976 y 1977 a la que él contribuyó como DJ de la mítica sala Roxy y que le llevó de aventura a Jamaica junto a John Lydon.

 

 

RITA, EL DOCUMENTAL (2017)
Realizado por Arturo Díaz Santana, es un filme biográfico sobre la gran Rita Guerrero, actriz, compositora y voz inconfundible de Santa Sabina. El filme registra desde su infancia en Guadalajara, su paso por el Centro Universitario de Teatro de la UNAM, los tiempos gloriosos al frente de Santa Sabina hasta sus últimos días de vida, antes de morir víctima de cáncer de mama.

 

 

XTC: THIS IS POP (2017)
La película se estrenó apenas en el pasado festival de Londres, es un viaje repleto de sentido del humor por la historia de la banda británica XTC. Esto es de lo más reciente y fresco del cine rock, y se trata la verdad de un rockumental que no debe pasar inadvertido. La música, como se podrán imaginar, es el centro de la historia.

 

 

AS I WALK THROUGH THE VALLEY (2017)
Y terminamos el viaje con un rockumental que se llama AS I WALK THROUGH THE VALLEY lo dirigió Ronnie Garza y Charlie Vela. Se estrenó el 14 de marzo pasado en el festival South by Southwest y cuenta la historia de los músicos chicanos que se han movido en el underground, en particular a los del Río Grande Valley, al sur de Texas. Una película muy interesante desde el punto de vista sociológico y reveladora en materia musical.

 

Banda Sonora 101 – 1968 en el cine mexicano

El año de 1968 estuvo marcado por la rebeldía y la represión a escala mundial. En ese entonces imperaba el orden bipolar y la guerra fría entre Estados Unidos y la URSS estaba en pleno apogeo. Los soviéticos invadieron Checoslovaquia para aniquilar de tajo un intento de evolución interna del comunismo en la llamada Primavera de Praga.

El Mayo francés sacó a cientos de miles de ciudadanos a las calles de París. Las protestas masivas en E.E.U.U contra la guerra de Vietnam se sumaron a los movimientos a favor de los derechos humanos y de las minorías. Ese mismo año, el 4 de abril, fue asesinado Martin Luther King en Memphis.

En ese contexto global, en nuestro país, el infame 2 de octubre de 1968 el Estado Mexicano escribió uno de sus pasajes más lamentables de la historia nacional al acribillar a ciudadanos indefensos en la llamada masacre de la Plaza de las Tres Culturas de Tlatelolco. El entonces presidente priista Gustavo Díaz Ordaz y su secretario de gobernación, Luis Echeverría, dieron la orden para que las fuerzas armadas actuaran en contra de la población civil.

A 50 años de esta tragedia, en @BandaSonora101 vamos a revisar un grupo de películas sobre el movimiento estudiantil de 1968 que se ha realizado a la fecha.

EL GRITO (Leobardo López Aretche, 1968)
Una película fundamental en la historia del cine documental mexicano. La realizó un grupo de alumnos del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM, bajo la dirección de Leobardo López Aretche, en plenas movilizaciones de 1968, incluida la masacre del 2 de octubre en la Plaza de las Tres Culturas de Tlatelolco. Se trata del único documento audiovisual (conocido) filmado durante el Movimiento Estudiantil del 68.

 

 

ROJO AMANECER (Jorge Fons, 1989)
Realizada por Jorge Fons en 1989, ROJO AMANECER recrea los trágicos sucesos del 2 de octubre de 1968 desde el interior de un departamento del edificio Chihuahua en Tlatelolco. Es la primera película de ficción que aborda directamente el tema de la matanza de Tlatelolco y que pone en evidencia la participación del gobierno priista de Díaz Ordaz y las fuerzas armadas.

 

 

TLATELOLCO: LAS CLAVES DE LA MASACRE (Carlos Mendoza, 2002)
La película de Carlos Mendoza, es la culminación de una investigación de más de cuatro años en busca de las claves del operativo militar que dio lugar a la masacre del 2 de octubre en la Plaza de las Tres Culturas en Tlatelolco. Este trabajo fílmico es el más completo sobre el tema ya que reúne todo el material audiovisual conocido sobre los sucesos del 2 de octubre de 1968. Identifica a los jefes militares que provocaron la matanza y exhibe documentos fundamentales para poner en evidencia los mecanismos utilizados por las fuerzas represivas y por el gobierno en contra del movimiento estudiantil.

 

 

NI PERDÓN NI OLVIDO (Richard Dindo, 2004)
Producción suiza bajo la dirección de Richard Dindo, NI PERDÓN NI OLVIDO (2004) es un documental que revisa un momento histórico, el verano-otoño de 1968, cuando México se preparaba para ser sede de los Juegos Olímpicos al tiempo que en sus calles miles de estudiantes y ciudadanos se manifestaban en contra del orden establecido, ante lo cual el gobierno de Gustavo Díaz Ordaz respondió con una brutal represión de las fuerzas armadas.

 

LA CONEXIÓN AMERICANA (Carlos Mendoza, 2008)
Documental que reúne información en torno a las actividades secretas de un grupo de altos mandos del ejército mexicano y su accionar terrorista durante el movimiento estudiantil de 1968 en México y la influencia de la CIA en éstos hechos.

 

LA MASACRE DE TLATELOLCO (Matias Gueliburt, 2008)
Dirigido por Matias Gueliburt para The History Channel, este documental sostiene la tesis de la participación directa del gobierno de Gustavo Díaz Ordaz en la matanza del 2 de octubre de 1968 en Tlatelolco.

 

 

BORRAR DE LA MEMORIA (Alfredo Gurrola, 2011)
Realizada por Alfredo Gurrola a partir de un guión original de Rafael Aviña, BORRAR DE LA MEMORIA empieza como una historia de amor que se transforma en un thriller policiaco con la matanza del 2 de octubre como telón de fondo.

 

 

TLATELOLCO, VERANO DEL 68 (Carlos Bolado, 2013)
Dirigida por Carlos Bolado, se trata de una historia de amor entre dos estudiantes de estratos sociales diferentes enmarcada en el movimiento estudiantil de 1968 y la masacre del 2 de octubre en Tlatelolco.

 

Banda Sonora 101 – Bowie rockumentado

El miércoles pasado lo sometimos a votación y la @BandaSonora101 decidió el tema de esta entrega: David Bowie, rockumentado. Así que vamos a realizar un viaje mágico musical a lo largo de los ocho rockumentales que a la fecha se han filmado sobre este gran artista británico.

El nombre real de David Bowie es David Robert Jones. Nació en Brixton, en el sur de Londres, el 8 de enero de 1947 y murió a los 69 años, el 10 de enero de 2016. Estudió arte, música y diseño y comenzó su carrera musical en 1963, a los 16 años. A partir de ese momento, Bowie creció tan alto que llegó a las estrellas y se convirtió en un icono cultural. Su último álbum, llamado Black Star, anunció que la estrella que brilló durante 5 décadas estaba a punto de apagarse.

Tratándose de un personaje de la talla de David Bowie, llama la atención que no existan tantos documentales sobre Bowie como uno podría esperar. Estamos hablando de ocho filmes, de los cuales la mayoría son conciertos filmados, a los largo de 55 años de carrera. El cine, sin duda, nos debe una gran película sobre David Bowie, como sí las hay sobre Bob Dylan, George Harrison, Nina Simone, Bob Marley

Aquí los ocho documentales sobre David Bowie más CHRISTIANE F, película del alemán Uli Edel musicalizada por Bowie.

DAVID BOWIE: SERIOUS MOONLIGHT (1984)
Realizada por David Mallet, SERIOUS MOONLIGHT es una película-concierto filmada el 12 de agosto de 1983 durante una memorable presentación de David Bowie en Vancouver, como parte de la gira epónima para promover el álbum Let´s Dance. Sólo se exhibió en cines del Reino Unido en 1984, pero se comercializó a escala global vía las ediciones en video, laserdisc y DVD, así como la televisión pública. No existe soundtrack y el único acceso a la banda sonora es viendo el concierto.

 

 

DAVID BOWIE: RICOCHET (1984)
Una película-concierto filmada por Gerry Troyna en el tramo asiático de la gira Serious Moonlight de mayo de 1983 de David Bowie, con intercortes de las experiencias del músico mientras pasea por tres ciudades asiáticas: Hong Kong, Singapur y Bangkok. Hermana de SERIOUS MOONLIGHT (1984), ambas se exhibieron vía la televisión pública y se comercializaron en video. El único acceso a la banda sonora de RICOCHET es vía las versiones editadas en video.

 

 

CHRISTIANE F (1981)
Realizada por el alemán Uli Edel en 1981, CHRISTIANE F cuenta la historia de una jovencita, casi niña, que se engancha en el consumo de heroína en la Berlín de principios de los 80. La música original es obra de David Bowie y el filme cuenta con una secuencia memorable en la que Christiane, la joven protagonista, asiste a un concierto real de Bowie. Uli Edel armó la secuencia con imágenes de la joven deambulando entre el público, intercaladas con las de Bowie en el escenario mientras canta en vivo y completa “Station to Station”, rola que en la película refiere a la vida de los junkies europeos en las estaciones del metro de la capital alemana.

 

 

DAVID BOWIE: A REALITY TOUR (2004)
Realizada por Marcus Viner, DAVID BOWIE: A REALITY TOUR es una película-concierto emanada de una serie de presentaciones de Bowie en el Point Theatre de Dublín, Irlanda, en noviembre de 2003, como parte de la gira Reality Tour de ese año. La leyenda del rock interpreta en vivo varias rolas del álbum Reality, más un montón de clásicos de su discografía. Existe soundrack en formato físico y también está disponible vía descarga o streaming en las principales plataformas de música.

 

 

DAVID BOWIE & THE STORY OF ZIGGY STARDUST (2012)
Es un documental de la BBC, dirigido por James Hale y narrado por Jarvis Cocker, que explora en la creación, 40 años atrás, del álbum conceptual “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” (1972), mismo que se instaló en el imaginario juvenil de principios de los 70 con una poderosa combinación de rock extraterrestre, sexualidad andrógina, glamour e histrionismo en escena, y de paso lanzó a Bowie al estrellato universal.

Fue tan fuerte el viaje musical de Bowie con este álbum que hasta le hizo dudar de su verdadera identidad y le llevó a despedirse de su maravilloso alter ego alienígena, Ziggy Stardust.

 

 

DAVID BOWIE IS (2013)
El documental DAVID BOWIE IS se realizó con motivo de la magna exposición sobre Bowie que montó en 2013 el museo Victoria and Albert de Londres. Sin hilo cronológico, el filme, codirigido por Hamish Hamilton y Katy Mullan, hace un recorrido por cinco décadas de constante reinvención de este icono cultural y cuenta, además, con la participación de invitados especiales como el diseñador de moda japonés Kansai Yamamoto y Jarvis Cocker, líder de la banda Pulp y fan declarado de Bowie. No se editó soundtrack de esta película y el único acceso a la banda sonora es por medio de las ediciones en video.

 

 

David Bowie: Five Years (2013)
Es un documental de Francis Whately que revisa cinco años clave de la carrera David Bowie. Desde la creación de Ziggy Stardust, pasando por la estrella del soul de Young Americans, el Delgado Duque Blanco, la regeneración en Berlín y el triunfo internacional de Let’s Dance. Con entrevistas a sus más cercanos colaboradores, este filme revela por qué David Bowie se convirtió en un icono cultural. No existe soundtrack de esta película y el único acceso a la banda sonora es mediante las ediciones en video.

 

 

DAVID BOWIE: STARMAN (2016)
Un documental biográfico que se transmitió por Channel 4 de Inglaterra el 10 de enero de 2016, día de la muerte de David Bowie, y en el que se le rinde tributo a su vida y obra. Se trata de un merecido homenaje a un artista de otro mundo y uno de los mayores referentes culturales que ha dado el Reino Unido. No se editó soundtrack.

 

 

DAVID BOWIE: THE LAST FIVE YEARS (2017)
Dirigido por Francis Whately, DAVID BOWIE: THE LAST FIVE YEARS (2017) es un portentoso documental sobre los últimos 5 años de vida de David Bowie, centrándose sobretodo en sus álbumes “The Next Day” (2013) y “Blackstar” (2016), así como el musical de Broadway “Lazarus.” No se editó soundtrack de esta película y el único acceso a la banda sonora es vía las ediciones en video.

 

Banda Sonora 101 – Kusturica, cine rock de los Balcanes

En esta entrega vamos a revisar la música en la filmografía del serbio Emir Kusturica, cineasta con más de 35 años de carrera y películas del calibre de TIEMPO DE GITANOS (1998), UNDERGROUND (1995) y su más reciente filme EL PEPE, UNA VIDA SUPREMA (2018), documental sobre José Mujica que se estrenó el pasado 2 de septiembre en el festival de Venecia.

Kusturica es un cineasta militante. En su filmografía subyace un discurso político liberal y progresista. Hace unos días presentó en Venecia EL PEPE, UNA VIDA SUPREMA, un documental biográfico sobre el político de izquierda José Mujica, ex presidente de Uruguay. Antes hizo un documental sobre el polémico Diego Armando Maradona, también militante de izquierda. Y si revisamos todas y cada una de sus películas, sin falta encontraremos una lectura política. Desde TIEMPO DE GITANOS y UNDERGROUND hasta los documentales ya referidos, en todos hay una toma de bando por parte del cineasta.

Emir Kusturica, además de cineasta militante, es músico y tiene su propia banda: No Smoking Orchestra. La primera etapa de su filmografía fue magistralmente musicalizada por el también serbio Goran Bregovic. Pero, como buenos balcánicos, se pelearon y terminaron la relación en UNDERGROUND. A partir de entonces Kusturica ha musicalizado sus películas con su banda y las más recientes cuentan con música original de su hijo Stribor Kusturica.

Aquí la historia de Emir Kusturica y su cine rock de los Balcanes:

¿TE ACUERDAS DE DOLLY BELL? (1981)
La ópera prima de Emir Kusturica se llama ¿TE ACUERDAS DE DOLLY BELL? y se estrenó el 2 de septiembre de 1981 en el festival de Venecia, donde se llevó el premio de la prensa (FIPRESCI). Kusturica ubica la historia en los suburbios de Sarajevo en los años 60 y sigue los pasos de un joven rockero de 16 años que se revela contra su tiránico padre y se lanza a la vida en las calles y el bajo mundo, donde tiene que esconder a Dolly Bell, una prostituta de la cual se enamora.

La lectura política del filme es que se trata de una metáfora de la instauración de la República Federal Socialista de Yugoslavia en 1963. En otro nivel de lectura, Kusturica muestra su espíritu rebelde y rockero desde su primera película, mismo que será una constante a lo largo de su carrera. La música original es del serbio Zoran Simjanovic y no existe soundtrack original de la película.

 

CUANDO PAPÁ SE VA DE VIAJE (1985)
El cineasta serbio Emir Kusturica se dio a conocer a nivel internacional con su segundo largometraje, CUANDO PAPÁ SE VA DE VIAJE (1985), mismo que se estrenó en mayo de 1985 en el festival de Cannes, cuyo jurado le entregó a Kusturica el máximo premio que otorga el certamen francés: la Palma de Oro. CUANDO PAPÁ SE VA DE VIAJE cuenta la siguiente historia: Yugoslavia, 1948.

La ruptura de Tito con Stalin marcó el principio de un período de represión política en la recién proclamada República Federativa Popular de Yugoslavia. Mesa es un buen tipo, casado y padre de dos niños. En una ocasión se le escapa un comentario crítico sobre política, y su amante, resentida, se lo cuenta al hermano de Mesa, un funcionario del gobierno socialista que hace que lo condenen a trabajos forzados. La mujer de Mesa consigue sacar la familia adelante y al más pequeño de sus hijos le cuenta que papá está haciendo un largo viaje de negocios. La música original es del serbio Zoran Simjanovic y el soundtrack está disponible en línea en las principales plataformas de música.

 

 

TIEMPO DE GITANOS (1988)
Tercer largometraje de Emir Kusturica, se estrenó en Yugoslavia en 1988 y en mayo de 1989 compitió en la sección oficial de Cannes, donde Kusturica ganó el premio a mejor director. En esta ocasión, el serbio cuenta la historia de un joven gitano con poderes telequinésicos que es seducido por el dinero fácil que proporciona la mafia. La música original es del serbio Goran Bregovic y el soundtrack no tiene desperdicio.

 

 

EL SUEÑO DE ARIZONA (1993)
Cuarto largometraje de Kusturica, se estrenó el 11 de febrero de 1993 en el festival alemán de Berlín, donde se llevó el Oso de Plata (premio especial del jurado). En esta ocasión, Kusturica ubica a su personaje en Estados Unidos, primero en Nueva York y luego en el desierto de Arizona, donde conoce a dos peculiares mujeres.

La protagonizan Johnny Depp, Faye Dunaway, Lili Taylor y Jerry Lewis. Nuevamente la música original obra es obra de Goran Bregovic (con el apoyo de Iggy Pop) más tres piezas de Django Reinhardt que suenan en la película pero que no aparecen en el soundtrack.

 

 

UNDERGROUND (1995)
Quinto largometraje de Emir Kusturica, se estrenó el 26 de mayo de 1995 en el festival de Cannes, donde por segunda ocasión en su carrera el serbio ganó la prestigiada Palma de Oro a mejor película. Ahora la historia se ubica en Belgrado, en 1941, en plena Segunda Guerra Mundial y sigue las vidas de dos amigos, Marko y Petar, que primero pelean juntos contra los alemanes pero cuyos destinos se alejan por completo cuando se instaura la Yugoslavia comunista de Tito. Un espectáculo audiovisual de tres horas de duración, en el cual la música de los Balcanes juega un rol fundamental. El score original es obra de Goran Bregovic y el soundtrack es una bomba.

 

 

GATO BLANCO, GATO NEGRO (1998)
El séptimo largometraje de Emir Kusturica es GATO NEGRO, GATO BLANCO y se estrenó hace 20 años, el 11 se septiembre de 1998 en el festival italiano de Venecia, cuyo jurado le entregó a Kusturica el León de Plata a mejor director. Las reseñas de la época narran cómo el público se partía de la risa durante las funciones en Venecia pero también cuestionan si Kusturica, a estas alturas de su carrera, es incapaz de reinventarse y salir de su zona de confort. Parte de la crítica halaga el talento visual del cineasta serbio pero otra parte le tunde con todo: “este filme sabe a hueco, a carne de cine sin huesos,” escribió sin piedad Ángel Fernández Santos en el diario El País.

Si hay algo no se le puede reprochar a esta película es el sentido del humor y la calidad de su banda sonora, la cual que incluye música original de Nelle Karajlic, Dejan Sparavalo y Vojislav Aralica.

 

 

SUPER 8 STORIES (2001)
Octavo largometraje de Kusturica, se estrenó el 14 de febrero de 2001 en el festival de Berlín y ese mismo año se exhibió en México vía el Foro Internacional de la Cineteca. En esta ocasión, Kusturica entrega un hilarante documental sobre su propia banda de rock balcánico, The No Smoking Orchestra.

 

 

LA VIDA ES UN MILAGRO (2004)
Noveno largometraje de Kusturica, se estrenó el 14 de mayo de 2004 en el festival de Cannes, donde compitió en la selección oficial por la Palma de Oro. Nuevamente Kusturica toma partido y ubica su historia en Bosnia en 1992, en pleno conflicto bélico (guerras Yugoslavas), y cuenta las andanzas de un serbio de Belgrado que se instala con su mujer y su hijo para construir una vía ferroviaria que atraerá miles de turistas a la región.

Pero ser serbio en Bosnia en tiempos de guerra es casi un suicidio. Ante las locuras de la guerra, Kusturica propone el camino del amor, la risa y la música como la única salida posible de un conflicto étnico que parece no tener fin y que ha cobrado miles de víctimas. La música original de esta metáfora antibélica es obra del propio Emir Kusturica y su banda, la No Smoking Orchestra.

 

 

MARADONA BY KUSTURICA (2008)
Undécimo largometraje de Emir Kusturica, se estrenó el 28 de mayo de 2008 en el festival de Cannes. Esta película es una apología al astro del futbol mundial, Diego Armando Maradona, a quien Kusturica le pasa el balón (en el sentido figurado) para que se luzca frente a las cámaras y opine sobre futbol, historia y política. La música original es obra de Manu Chao.

 

 

EN LA VÍA LÁCTEA (2016)
Duodécimo largo de Emir Kusturica, se estrenó el 9 de septiembre de 2016 en el festival italiano de Venecia y de ahí brincó al circuito principal de festivales internacionales de cine. Kusturica mantiene vivo su disparatado universo fílmico, ahora con una historia de amor imposible que se desarrolla en tiempos de guerra. La música original es obra de Stribor Kusturica, hijo del director serbio.

 

 

EL PEPE, UNA VIDA SUPREMA (2018)
El pasado 2 de septiembre se entrenó en el festival de Venecia el más reciente filme de Emir Kusturica, titulado EL PEPE, UNA VIDA SUPREMA. Se trata de un documental biográfico sobre el ex presidente uruguayo José “Pepe” Mujica, un hombre que se ha ganado la simpatía del mundo por su sencillez y coherencia política.

Banda Sonora 101 – El rock de Cuarón

ROMA, del cineasta mexicano Alfonso Cuarón, se estrenó el pasado 30 de agosto en el festival italiano de Venecia. El consenso de la critica es que Cuarón realizó una obra maestra que se perfila para llevarse una importante cantidad de premios en los próximos meses. Lo cierto es que apenas han pasado unos cuantos días desde su estreno y ya ha generado una gran expectativa.

En este contexto, en @BandaSonora101 nos avocamos a revisar con lupa la filmografía de Alfonso Cuarón para descifrar la manera como el cineasta ha utilizado la música, en particular el rock, en su obra.

También podría interesarte: IMCINE, preservando nuestros recuerdos cinematográficos

Alfonso Cuarón nació en la Ciudad de México el 28 de noviembre de 1961, así que tiene 56 años. Es muy joven y seguramente realizará más de los 8 largometrajes que ha dirigido a la fecha. Estudió cine en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM y su carrera como cineasta arrancó en 1991 con la comedia SÓLO CON TU PAREJA. Aquí inicia la historia:

SOLO CON TU PAREJA (1991)
El primer largometraje de Alfonso Cuarón es SOLO CON TU PAREJA y se estrenó el 9 de septiembre de 1991 en el festival canadiense de Toronto. Protagonizada por Daniel Giménez Cacho, Claudia Ramírez, Luis de Icaza y Astrid Hadad, esta comedia urbana cuenta la historia de Tomás Tomás, publicista y casanova que sufre una cruel venganza de parte de una enfermera –otra de sus conquistas– que cambia el resultado de una prueba de VIH y lo hace creer que es ceropositivo.

Tomás decide acabar con su vida pero en el intento conoce y se enamora de una bella sobrecargo cuya pareja le es infiel. El exitoso debut de Cuarón fue la mano que le abrió las puertas de Hollywood y las grandes ligas del cine. La fotografía es del también mexicano Emmanuel Lubezki y la música original es de Carlos Warman. Cuarón utiliza a “Don Giovani” de Mozart como leitmotiv de todo el filme. No se editó soundtrack y el único acceso a la música es vía la película.

 

 

LA PRINCESITA (1995)
Producida por Warner Bros., LA PRINCESITA, segundo largometraje de Alfonso Cuarón, se estrenó en mayo de 1995 en EE.UU. Se trata de una adaptación de la novela de Frances Hodgson Burnett, misma que cuenta la historia de una niña que vive un infierno –sólo combatido por la imaginación– en un internado en Nueva York, mientras su padre británico pelea en la Primera Guerra Mundial.

Cuarón entró con el pié derecho a Hollywood. Obtuvo 2 nominaciones al Oscar: mejor fotografía y mejor dirección de arte. La música original es del compositor escocés Patrick Doyle (colaborador frecuente del actor y director Kenneth Branagh).

 

 

GRANDES ESPERANZAS (1998)
Adaptación modernizada de la famosa novela de Charles Dickens, GRANDES ESPERANZAS, tercer largometraje de Alfonso Cuarón, se estrenó con éxito moderado en enero de 1998 en EE.UU. y Canadá. A México llegó en marzo de ese mismo año. La producción costó alrededor de 25mdd y al final de cuentas recaudó 55mdd en taquilla a escala mundial. En este caso la compañía productora fue 20th Century Fox.

Con el apoyo de su compa Emmanuel Lubeski en la dirección de fotografía, Cuarón impuso su estilo visual y logró darle un giro de actualidad a la novela, misma que ha sido llevada al cine y la televisión en otras ocasiones, siendo la de David Lean de 1946 la más conocida. Nuevamente la música original es del escocés Patrick Doyle y soundtrack incluye rolas de Chris Cornell, Reef, Scott Weiland, Tori Amos, Fisher y Mono.

 

 

Y TU MAMÁ TAMBIÉN (2001)
Cuarto largometraje de Alfonso Cuarón, se estrenó el 8 de junio de 2001 en México y después compitió en agosto del mismo año en el festival de Venecia, donde ganó los premios a mejor guión (Alfonso y Carlos Cuarón) y mejores actores revelación (Gael García y Diego Luna). En su paso por varios festivales internacionales, esta road movie acumuló una importante cantidad de premios y fue nominada al Oscar a mejor guión original.

En su cuarto largo Cuarón se aleja del cine industrial y realiza una película mucho más personal, misma que cuenta la historia de Julio y Tenoch, dos amigos que se definen como charolastras y que hacen un viaje en auto a una supuesta playa llamada Boca del cielo con una joven y atractiva española. Poderoso relato sobre la sexualidad y el paso a la madurez, Y TU MAMÁ TAMBIÉN cuenta con una banda sonora sobresaliente que incluye rolas de Molotov, Mala Rodríguez, La Revolución de Emiliano Zapata, Frank Zappa, Eagle Eye Cherry, Señor Coconut, Marco Antonio Solís…

 

 

HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN (2004)
De regreso al cine industrial, en 2004 Alfonso Cuarón dirigió HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN, película cuya producción costó alrededor de 130 mdd y que obtuvo ganancias en la taquilla mundial cercanas a los 800 mdd. Un éxito comercial. Y en términos de crítica también le fue muy bien.

“No sólo es ésta deslumbrante entrega de lejos la mejor y más emocionante de las tres películas de Harry Potter hasta la fecha; es también un filme que puedes ver incluso si nunca has oído hablar de la autora J.K. Rowling y de su joven héroe mago,” escribió Peter Travers en la revista Rolling Stone. La música original, que estuvo nominada al Oscar, es obra del gran John Williams.

 

 

NIÑOS DEL HOMBRE (2006)
Sexto largometraje de Alfonso Cuarón, se estrenó el 3 de septiembre de 2006 en el festival italiano de Venecia, donde fue reconocida con el premio a mejor contribución técnica. Adaptación de la novela de PD James, la historia de NIÑOS DEL HOMBRE se ubica en el año 2027, en un futuro distópico donde la raza humana está condenada a la extinción dado que todas las mujeres del planeta se han vuelto infértiles.

En este contexto, un activista británico (Clive Owen) es contratado para llevar a un lugar seguro a la única mujer que misteriosamente ha quedado embarazada. La música original es de John Taverner y el soundtrack trae rolas de Jarvis Cocker, Deep Purple, John Lennon, The Kills, Donovan, Junior Parker, The Libertines… ufff

 

 

GRAVEDAD (2013)
Séptimo largometraje de Alfonso Cuarón, es una obra maestra del cine moderno que en 2013, durante su paso por el circuito principal de festivales internacionales de cine, acumuló una gran cantidad de reconocimientos, entre ellos 7 premios Oscar (de 10 nominaciones), incluidos el de mejor dirección (Cuarón) y mejor fotografía (Emmanuel Lubezki).

Se trata de una obra de una complejidad técnica, visual y sonora fuera de serie y a la vez de una gran sencillez narrativa. Dos astronautas intentan sobrevivir tras un accidente que los deja flotando a la deriva en el espacio. La música original es obra del compositor británico Steven Price.

 

 

ROMA (2018)
Octavo largometraje de Cuarón a la fecha, se estrenó el pasado 30 de agosto en el festival de Venecia, donde se perfila como favorita para llevarse el León de Oro, el máximo premio que otorga el certamen italiano. ROMA nace de los recuerdos de infancia del propio Cuarón y se centra en la historia de Cleo (Yalitza Aparicio), una joven que hace las labores de aseo para una familia de clase media en la colonia Roma de la Ciudad de México.

En paralelo a la de Cleo corre la historia del infame “Halconazo” del 10 de junio de 1971, cuando un grupo paramilitar del Estado mexicano –los Halcones– reprimió violentamente una marcha estudiantil con saldo de varios jóvenes muertos. La música original es del británico Steven Price.

 

Banda Sonora 101 – Cine y reggae

En esta ocasión, en @BandaSonora101 vamos a revisar la relación entre el reggae y el cine. Así que ha llegado el momento de ponernos en modo rastafari y de abrocharnos el cinturón de seguridad porque vamos a viajar 46 años en el tiempo para ubicarnos en 1972, año en el que se produjo en Jamaica la primera película del cine-reggae

También podría interesarte escuchar #Marley101

THE HARDER THEY COME (1972)
Antes de que Bob Marley se convirtiera en el embajador mundial del reggae, en 1972 se produjo en Jamaica THE HARDER THEY COME, película dirigida por Perry Henzell, protagonizada por Jimmy Cliff y con una banda sonora de antología que le dio la vuelta al mundo. El soundtrack incluye rolas de Jimmy Cliff, The Melodians, The Slickers, Desmond Dekker, Toots & The Maytals…

 

 

ROCKERS (1978)
Producida en Jamaica en 1978, ROCKERS cuenta la historia de un joven músico de reggae llamado Horsemouth, mismo que se compra una motocicleta para moverse por Kingston y vender discos a las tiendas. Todo va de maravilla hasta que aparecen en escena unos malandros que le roban la moto. Horsemouth y sus compas diseñan un plan para hacer de Kingston una ciudad segura. La banda sonora trae rolas de Lee Perry, The Heptones, Junior Murvin, The Melodians, Jacob Miller…

 

 

BABYLON (1980)
Producción británica de 1980, BABYLON, del italiano Franco Rosso, cuenta la historia de un joven rastafari que forma parte de un soundsystem llamado Ital Lion. La película es un alegato en contra del racismo y la discriminación que padecían los negros en la Londres de principios de los 80. La música original es de Dennis Bovell y el soundtrack trae rolas de Yabby U, Aswad, I-Roy y Cassandra.

 

 

COUNTRYMAN (1982)
Producida en Jamaica en 1982, COUNTRYMAN, de Dickie Jobson, cuenta la siguiente historia: una pareja de jóvenes gringos estrellan su avioneta en Jamaica y un pescador al que llaman Countryman los rescata y esconde de las autoridades, mismas que se inventaron una loca historia que involucra a la avioneta, el tráfico de drogas y a la CIA. La música original es de Wally Badarou y el soundtrack incluye rolas de Bob Marley & The Wailers, Steel Pulse, Aswad, Human Cargo, Dennis Brown, Toots & The Maytals…

 

 

WONDROUS OBLIVION (2003)
Producción británica del 2003, WONDROUS OBLIVION, de Paul Morrison, cuenta la historia de un niño inglés de 11 años apasionado del cricket que entrena con sus nuevos amigos y vecinos jamaicanos. Sin embargo, no todos los vecinos están contentos con la llegada de una familia de negros a la zona. Alegato antirracista con música de Dandy Livingstone, Millie Small, Laurel Aitken, Delroy Wilson, The Skatalites…

 

 

THIS IS ENGLAND (2006)
Es una producción británica del 2006 dirigida por Shane Meadows, misma que cuenta la historia de un chavito inglés llamado Shaun que en el verano de 1983 se involucra con grupo de skinheads. La música original es de Ludovico Einaudi y la banda sonora trae rolas de Toots & The Maytals, Soft Cell, The Specials, Lee Perry, U.K. Subs…

 

ROOTS TIME (2006)
Coproducción entre Argentina y Jamaica, ROOTS TIME (2006), de Silvestre Jacobi, es una road movie que cuenta la historia de dos rastafaris que venden vinilos en un colorido auto. En uno de sus viajes se topan con Farmer Roots, su locutor de radio favorito, quien les pide aventón para llevar a su esposa enferma al hospital. Los rastas convencen al locutor de ir en la búsqueda de un misterioso curandero llamado Bongo Hu. La música original es de Jah Bull.

 

 

ROCKSTEADY: THE ROOTS OF REGGAE (2009)
Coproducción entre Suiza y Canadá, ROCKSTEADY: THE ROOTS OF REGGAE (2009) es un documental dirigido por Stascha Bader que revisa con lupa la historia del rocksteady jamaiquino de finales de los años 60 y el origen del reggae. El soundtrack es una compilación de 15 rolas representativas del género.

 

 

MARLEY (2012)
Dirigido por el escocés Kevin Macdonald en el 2012, MARLEY es un documental biográfico sobre el mayor referente del reggae a nivel mundial: Bob Marley. Es la única película (a la fecha) autorizada por la familia Marley, misma que facilitó el acceso a material privado y musical nunca antes visto y escuchado. La banda sonora no tiene desperdicio.

 

 

DUB IT YOURSELF (2017)
DUB IT YOURSELF (2017) es un documental del catalán Pau Garriaga sobre la escena actual del reggae y el dub en Barcelona. En la banda sonora: Sound System FM, One Blood, Leones humildes, Marcus Jr., U-Rie, BlackUp…

 

 

YARDIE (2018)
Adaptación de la novela homónima de Victor Headley, YARDIE es una producción británica del 2018, dirigida por Idris Elba, cuyo personaje es un joven jamaicano que termina rolando en las peligrosas calles del este de Londres mientras planea la venganza por el asesinato de su hermano años atrás en Jamaica. La música original es de Dickon Hinchciffe y la banda sonora trae rolas de Lord Creator, Yellowman, Black Uhuru, Grace Jones, The Heaptones, Burning Spear…

 

 

También podría interesarte: Enke reggae

Banda Sonora 101 – Julien Temple: Do It Yourself

El británico Julien Temple ha dirigido algunos de los documentales musicales más relevantes de la historia del cine. Conoció a los Sex Pistols antes de la irrupción del punk en Londres, cuando eran unos desconocidos y furiosos inadaptados sociales que ensayaban en un almacén abandonado.

Desde entonces, Temple ha documentado la historia del punk y lo ha hecho con la disciplina y el rigor de un historiador social, pero sin renunciar jamás al espíritu anarquista que lo distingue como persona y cineasta. En su filmografía destacan títulos como THE FILTH AND THE FURY, el documental más completo sobre los Sex Pistols, y JOE STRUMMER: THE FUTURE IS UNWRITTEN, un portentoso retrato biográfico del vocalista y líder de The Clash y The Mescaleros. En la última década ha realizado documentales sobre Wilko Johnson (de Dr. Feelgood), la banda The Strypes y Suggs, el líder de Madness. Ahora trae un proyecto sobre la música en Tijuana, ciudad a la que califica como “la próxima capital de California”.

A continuación, una charla que sostuvimos durante su más reciente visita a México.

¿Cómo fue que comenzaste a filmar a los Sex Pistols?

Bueno, es una historia extraña. Primero tengo que recordar cuando era pequeño en los sesenta, una época en la que se hacía una música asombrosa en Londres. Estaban los Rolling Stones, The Kinks, Small Faces y The Who, y de algún modo me sentía involucrado en la creación de esa música, me identificaba con sus canciones, igual que muchos jóvenes londinenses de la época, porque sabíamos que estaban escritas para nosotros. De hecho esas bandas tenían mucha más influencia en nuestras vidas que nuestros padres y maestros.

La música era nuestro principal referente. Eso ocurrió entre 1963 y 1967, más o menos. Pero después todos se fueron a Estados Unidos, se mudaron a Los Ángeles, y se perdió ese contacto directo con la juventud en Londres. Se volvieron rockstars y se alejaron de la gente. Ese esquema se mantuvo hasta que apareció el punk de los setenta. Lo mejor del punk fue que surgió desde abajo, justo cuando Inglaterra vivía momentos de convulsión social y desempleo.

En Londres había zonas industriales que cerraron y estaban completamente desoladas. Podías ir un domingo en la mañana y no había nadie, como pueblo fantasma, mientras que por otra parte estaba esta idea del gran imperio británico, de la gran potencia industrial. Yo solía ir a estas zonas deshabitadas, me gustaba caminar por ahí. Un día escuché una canción a lo lejos, así que me acerqué a un almacén de donde venía esta música extraña, subí las escaleras y me encontré con una banda que estaba ensayando a un volumen muy alto. Recuerdo que cantaban “quiero que sepas que te odio” (cambiando el sentido a la versión original, que dice “quiero que sepas que te amo”), y estaban dándole durísimo a esa canción, la estaban destrozando. Me pareció genial, nunca había escuchado algo similar en mi vida.

Desde donde estaba parado los veía como una especie de insectos de otro mundo, como mutantes, mitad insectos mitad humanos. Era muy raro porque estaba acostumbrado a ver a músicos de cabello largo y ellos tenían esas piernas largas y delgadas y el cabello puntiagudo estilo mohawk; fue como si hubiera tenido una visión futurista, pero era sólo esta banda ensayando, una banda que aún no había tocado en público. Yo estaba asombrado.

En ese entonces estaba haciendo una película sobre Small Faces para la escuela de cine y les pregunté si querían hacer música para mi proyecto. Me contestaron: “fuck off”. Pero me dijeron que iban a dar un concierto en un mes. Estaba muy entusiasmado y les dije a todos mis amigos que acababa de ver a una banda increíble, como venida del futuro. Me preguntaron cómo se llaman y caí en cuenta de que ni siquiera les había preguntado su nombre. Fue hasta un mes después cuando supe que eran los Sex Pistols.

Desafortunadamente me perdí su primer concierto pero fui al segundo; había como 15 personas, no más, pero fue algo extraordinario: entre el público estaban Sid Vicious, Siouxie y Billy Idol que de algún modo replicaban lo que hacía la banda en el escenario. En ese momento fue cuando mandé a la mierda todo lo que estaba haciendo y decidí filmar a los Sex Pistols.

También podría interesarte: Rápidas y furiosas, el cine-punk

¿Cómo recuerdas a Sid Vicious?

Yo quería mucho a Sid. Era un tipo comprometido y muy carismático. Cuando aparecía en un lugar no había manera de que pasara inadvertido, todos volteaban a verlo. Tenía una energía extraordinaria. Esto, por supuesto, antes de que se convirtiera en un junkie, porque cuando se hizo adicto fue una persona diferente. Pero antes de eso Sid era un individuo lleno de energía. En el segundo concierto de los Sex Pistols, Sid estaba entre el público y la gente lo volteaba a ver más que a la banda, tenía un magnetismo impresionante.

¿Crees que Nancy Spungen fue de algún modo la responsable de su muerte?

Te puedo decir que Nancy fue la responsable de que Sid se convirtiera en un junkie. Ella lo enganchó en las drogas duras y, como todos sabemos, Sid murió de una sobredosis. Había algo horrible respecto a Nancy, un lado destructivo y oscuro en su personalidad que terminó por hundir a Sid y… no lo sé… Primero anduvo tras Johnny (Rotten) pero acabó siendo la novia de Sid. Y todos sabíamos que tenían una relación destructiva, se lo advertimos a Sid, pero al mismo tiempo había un amor extraño entre ellos, un amor que era real.

¿Cuál es la historia detrás de THE GREAT ROCK ‘N’ ROLL SWINDLE?

(Risas) La historia detrás de la película es que creíamos que el punk podía destruir el sistema creado por las grandes compañías discográficas, las mismas que gastan millones de dólares anualmente y crean rockstars inalcanzables para la gente, una suerte de ídolos creados con muchísimo dinero, que luego se les tiene como dioses en posters en los cuartos de los jóvenes, quienes les rezan y los idolatran.

Nuestra intención, más que destruir esos posters, era destruir las habitaciones completas. Y lo queríamos hacer a partir de una idea: “hazlo tú mismo”. Los Sex Pistols fueron víctimas de ese sistema. En 18 meses se convirtieron en un fenómeno, tuvieron fama mundial, y los jóvenes tenían posters de los Sex Pistols en sus cuartos y se inclinaban frente a ellos, sus nuevos ídolos punk. Así que la idea de la película era provocar a esos fans con la furia y el enojo del punk. Era una provocación para que pensaran sobre esa realidad.

En esos tiempos, ¿cómo era tu relación con Malcolm McLaren (manager de Sex Pistols)?

Tenía una buena relación con él, en particular en ese periodo. Al principio no le gustaba que filmara a la banda pero terminamos trabajando juntos en la película (THE GREAT ROCK ‘N’ ROLL SWINDLE) durante 6 meses. Y también aprendí mucho de él. Era un tipo con muy buena suerte y de algún modo al trabajar con él te contagiaba de esa buena suerte. Pero también te puedo decir que era una persona complicada y bastante difícil de tratar.

También podría interesarte: Especial #SexPistols101

Hay quienes consideran que el punk nació en Nueva York y hay quienes aseguran que nació en Londres ¿Qué opinas?

Me parece una discusión un tanto innecesaria porque viene de ambos lugares y de más atrás en el tiempo. Si revisas la historia del punk tienes que remontarte al blues negro de los Estados Unidos. Y en Inglaterra, a principios de los sesenta, teníamos bandas como The Kinks y The Rolling Stones, mientras que en Estados Unidos apareció gente como Iggy Pop y The Ramones. Pero la génesis del punk real viene de The Kinks. Luego tenemos a los (Sex) Pistols y al punk de Nueva York surgiendo al mismo tiempo, producto de una influencia bilateral. Así que es innecesario preguntarse en dónde fue primero, si en Estados Unidos o en Inglaterra, porque fue en ambos lugares al mismo tiempo.

¿Hay alguna banda hoy en día que tenga el espíritu punk de aquellos años?

Es una pregunta difícil. Son momentos muy diferentes y definitivamente no podemos hablar de que se pueda hacer lo mismo que en aquellos años. No me gusta nada la música ruidosa e inconexa que pretende ser punk, pero te puedo decir que Massive Attack tiene un concepto muy poderoso tanto en lo musical como en lo visual, aunque, repito, es muy diferente porque son contextos distintos. Pero en este caso (Massive Attack) el espíritu me parece similar. Hay algunas bandas que retoman bien la actitud y el sonido punk pero que les falta el espíritu subversivo del punk real.

Has hecho muchas películas, la mayoría relacionadas con la música, los músicos y la cultura juvenil ¿Por qué la recurrencia en estos temas?

Creo que si no conoces y comprendes bien el pasado no puedes transformar el futuro, así que, en parte, la razón por la que he hecho este tipo de películas como un historiador social y como un anarquista es porque creo que podemos hacer el cambio; creo que podemos provocar que los niños del futuro puedan hacer las cosas por ellos mismos. Y para lograrlo necesitan de una arma de entendimiento, una que les muestre su pasado para que puedan hacer los cambios en el futuro. Me parece importante que los niños vean THE FILTH AND THE FURY y sepan quiénes fueron los Sex Pistols y qué pasó con Sid Vicious; y también que comprendan el contexto histórico, social y político en el que surgió el punk. Me gusta hacer películas sobre música, pero la verdad es que utilizo la música como un elemento que te permite viajar en el tiempo para comprender nuestra historia reciente.

Cambiando de tema, ¿qué opinas sobre la legalización de las drogas en México?

La mejor solución sería que Estados Unidos dejara de consumir tanta droga y frenara el envío de armas a México, pero eso es una fantasía, así que la legalización me parece una buena propuesta porque una vez que el negocio es legal los carteles de la droga y su violencia no tienen razón de existir.

¿En qué andas?

Tengo muchos planes (risas), de hecho estoy trabajando en una película sobre Tijuana y su música, que es la futura capital de California. Es donde choca el primer mundo con el tercer mundo. En esa frontera confluyen todo tipo de expresiones culturales y artísticas, además de que socialmente es un lugar muy interesante.

Banda Sonora 101 – Wes Anderson

En @BandaSonora101 publicamos una encuesta en Twitter para que los escuchas decidieran el tema de esta semana y el ganador fue Wes Anderson. Así que en esta ocasión vamos a revisar la música en la filmografía de este brillante cineasta estadounidense.

Hijo de una arqueóloga (Texas Ann Burroughs) y un publicista (Melver Anderson), Wes Anderson nació el 1 de mayo de 1969 en Houston, Texas. Sus padres se divorciaron cuando tenía 8 años y desde muy joven mostró interés por las artes y en particular por la narrativa audiovisual. Estudió filosofía en la Universidad de Texas en Austin, donde se hizo muy buen amigo del actor Owen Wilson y con quién realizó su primer largometraje en 1996 llamado BOTTLE ROCKET.

BOTTLE ROCKET (1996)
Por un tema de presupuesto, BOTTLE ROCKET nació como un cortometraje que se exhibió en el festival Sundance de 1995, donde no sólo llamó la atención de la crítica y el público. Tras ver el corto, la productora Polly Platt respaldó a Wes Anderson para que Columbia Pictures le soltara un presupuesto de cinco millones de dólares para levantar su primer largometraje.

Protagonizado por los tres hermanos Wilson (Owen, Luke y Andrew) y Ned Dowd, BOTTLE ROCKET no fue un éxito en taquilla pero fue muy bien recibida por la crítica. Escrita por Wes Anderson y Owen Wilson, la película cuenta la historia de tres locuaces que planean realizar una serie de atracos para llamar la atención de un jefe de la mafia y así incorporarse al bajo mundo. Con el paso de los años BOTTLE ROCKET ha sido revalorizada por los fans de Wes Anderson e incluso el sello Criterion lanzó una hermosa edición especial en Blu-ray. La música original juega un rol fundamental en la narrativa del filme y es obra de Mark Mothersbaugh, líder y fundador de la banda Devo.

 

 

RUSHMORE (1998)
Segundo largometraje de Wes Anderson, se estrenó el 17 de septiembre de 1998 en el festival canadiense de Toronto y de ahí brincó a otros como los de Nueva York, Los Ángeles y el BAFICI, en Buenos Aires.

Escrita por Wes Anderson y Owen Wilson, y con (un joven y entonces desconocido) Jason Schwartzman, Olivia Williams y Bill Murray, RUSHMORE es una comedia sumamente inteligente e irónica sobre la juventud y los sueños frustrados. Desde su segunda película, Wes Anderson mostró un sentido del humor finísimo y una estética muy particular, elementos que combina con un evidente dominio del lenguaje cinematográfico en todos los sentidos. Nuevamente la música original es obra de Mark Mothersbaugh y el soundtrack es una joya con rolas de Faces, The Kinks, The Creation, The Who, Cat Stevens y más.

 

LOS EXCÉNTRICOS TENENBAUMS (2001)
El tercer largometraje de Wes Anderson, LOS EXCÉNTRICOS TENENBAUMS, se estrenó el 5 de octubre de 2001 en el festival de Nueva York y a partir de ahí comenzó una carrera ascendente que lo llevó a recaudar más de 50 millones de dólares en taquilla sólo en Estados Unidos, un montón de dinero si consideramos que se trata de una película de corte independiente que costó 20 mdd y con un sentido del humor no apto para todo el público.

Escrita (nuevamente) por el equipo creativo Wes Anderson – Owen Wilson, LOS EXCÉNTRICOS TENENBAUMS es una hilarante comedia sobre la familia titular, cuyos miembros son todos unos personajes, tan geniales y talentosos como malogrados y frustrados. La protagoniza un elenco de lujo, encabezado por Gene Hackman, Anjelica Houston, Ben Stiller, Luke Wilson y Gwyneth Paltrow. Una vez más la música original es de Mark Mothersbaugh y el soundtrack trae una finísima selección de rolas de Nico, Bob Dylan, Elliot Smith, Nick Drake y The Velvet Underground, entre otros.

 

LA VIDA ACUÁTICA DE STEVE ZISSOU (2004)
Cuarto largometraje de Wes Anderson, se estrenó en noviembre de 2004 en algunas ciudades de Estados Unidos y en febrero de 2005 compitió en la sección oficial del festival de Berlín.

Debido al éxito de LOS EXCÉNTRICOS TENENBAUMS, Anderson consiguió un presupuesto de 50 mdd para realizar LA VIDA ACUÁTICA DE STEVE ZISSOU, mismo que le permitió integrar imágenes creadas en computadora. En esta ocasión, el guión es obra de Wes Anderson y Noah Baumbach, y Bill Murray encarna magistralmente al oceanógrafo Steve Zissou, quien recluta a una tripulación compacta pero variopinta para vengar la muerte de un colega devorado por un imaginario tiburón jaguar.

Uno de los elementos más sobresalientes de LA VIDA ACUÁTICA DE STEVE ZISSOU es la música original de Mark Mothersbaugh y la portentosa selección de rolas de la banda sonora que incluye a David Bowie, Devo, Seu Jorge, The Stooges y hasta una pieza del gran Ennio Morricone.

 

THE DARJEELING LIMITED (2007)
El VIAJE A DARJEELING, quinto largometraje de Wes Anderson, se estrenó el 3 de septiembre de 2007 en el festival de Venecia y de ahí brincó a otros certámenes, entre ellos los de Nueva York y mexicano de Morelia, y luego se exhibió comercialmente en nuestro país vía la Muestra Internacional de la Cineteca, en noviembre de ese mismo año.

En esta comedia, Anderson narra el caótico viaje espiritual de tres hermanos a bordo del Darjeeling Limited, el tren que recorre la India de un extremo al otro.

Las actuaciones de Owen Wilson, Adrien Brody y Jason Schwartzman son notables y la banda sonora incluye varias piezas de músicos de La India y unas rolas de The Kinks y los Rolling Stones.

 

FANTASTIC MR. FOX (2009)
EL FANTÁSTICO SR. ZORRO, sexto largometraje de Wes Anderson, se estrenó el 14 de octubre de 2009 en el festival de Londres y de ahí brincó a varios festivales internacionales donde cosechó un montón de reconocimientos, entre ellos las nominaciones a dos premios Oscar: mejor película animada y mejor banda sonora original.

La incursión de Wes Anderson en el cine de animación dio como resultado una película fascinante, capaz de sacudir al niño interior que todos llevamos dentro. Basada en el libro infantil de Roald Dahl, esta película cuenta las aventuras de un zorro muy astuto que lleva una doble vida: por los días es padre de familia y por las noches se dedica a robar gallinas, patos y pavos en las granjas vecinas.

EL FANTÁSTICO SR. ZORRO es también la primera colaboración entre Wes Anderson y el laureado compositor francés Alexandre Desplat, autor de la música original del filme, cuyo soundtrack también incluye rolas de Jarvis Cocker, The Beach Boys y The Bobby Fuller Four.

 

MOONRISE KINGDOM (2012)
El séptimo largometraje de Wes Anderson se llama MOONRISE KINGDOM y se estrenó el 16 de mayo de 2012 en el festival de Cannes, donde compitió en la sección oficial por la Palma de Oro.

Ahora Wes Anderson le entra al tema de la pérdida de la inocencia con la emotiva historia de dos jovencitos enamorados que escapan de su pueblo natal.

Por segunda ocasión en su carrera, Anderson invitó al francés Alexandre Desplat a componer la música original y armó un soundtrack de altos vuelos con piezas de Hank Williams y Françoise Hardy, entre otros.

 

EL GRAN HOTEL BUDAPEST (2014)
Octavo largometraje de Wes Anderson, se estrenó el 6 de febrero de 2014 en el festival de Berlín, donde ganó el Gran Premio del Jurado. Un año después, se llevó 4 premios Oscar: mejor banda sonora original, dirección de arte, vestuario y maquillaje.

En esta elegante y sofisticada comedia de época, Wes Anderson ubica el relato en una país inventado, Zubrowka, y cuenta la historia del robo y la recuperación de una pintura de valor incalculable. Como telón de fondo, los levantamientos que transformaron a Europa durante la primera mitad del siglo XX.

La música original es obra del compositor francés Alexandre Desplat, quien se llevó el Oscar a mejor banda sonora o score original por este estupendo trabajo de musicalización.

 

ISLA DE PERROS (2018)
Noveno largometraje de Wes Anderson y su segundo filme animado a la fecha, se estrenó el 15 de febrero de 2018 en el festival de Berlín donde fue reconocida con el premio a mejor director. Esta película cuenta la entrañable historia de un niño de 12 años que se lanza a la búsqueda de su perro exiliado en una isla donde fueron enviadas todas las mascotas caninas. Esta joya del cine animado cuenta con música original del francés Alexandre Desplat.

Banda Sonora 101 – David Lynch, música y sueños

En esta entrega nos vamos a transportar al mágico mundo de los sueños, ya que en @BandaSonora101 nos toca revisar la música en la filmografía de David Lynch, uno de los más grandes soñadores de la historia del cine.

“Cuando el cine no es documento, es sueño”, escribió el sueco Ingmar Bergman en un pasaje de Linterna mágica, su revelador libro de memorias. David Lynch es uno de esos realizadores que, como pocos, se mueve con naturalidad absoluta en el extraño mundo de los sueños, el mismo al que se refiere Bergman. Lo hizo el gran Georges Méliès. Lo hicieron en su momento los surrealistas Luis Buñuel y Salvador Dalí. Lo hicieron también Akira Kurosawa y Andréi Tarkovski. Son los más grandes soñadores del cine.

En el caso específico de David Lynch, hay un elemento que sobresale: la música ¿Cómo ha musicalizado Lynch sus películas?, ¿qué papel juega la música en sus historias oníricas?, ¿con qué compositores ha trabajado? ¿Que David Lynch también es músico?…

También podría interesarte escuchar el especial #MrX101

Para dar respuesta a estas preguntas, vamos a revisar en orden cronológico la música en la obra de este extraordinario cineasta:

ERASERHEAD (1977)
La ópera prima de David Lynch, ERASERHEAD, se estrenó en septiembre de 1977 en Estados Unidos y prácticamente pasó inadvertida. Costó unos 20 mil dólares y sólo recaudó 7 mil en taquilla. Con el paso de los años, sin embargo, se convirtió en una película de culto que hoy incluso se exhibe en glorioso 4K en el Foro de la Cineteca Nacional.

Bueno, el caso es que la primera película de Lynch cuenta una historia bien extraña: un hombre taciturno y callado se convierte en padre de la manera más ilógica. Para colmo, su recién nacido es una criatura deforme, sin extremidades y con la cabeza como la de una tortuga.

Hasta aquí, el relato dialoga sabroso con Una cuestión personal (1964) del nobel de literatura Kenzaburo Oe, pero la historia de Lynch da un giro y nos muestra a un personaje que comienza a perder la cabeza, la gobernabilidad de su propia vida, al quedar a cargo de un bebé contrahecho, luego de que su novia y madre del niño los abandona. La música original es obra del propio David Lynch y la banda sonora incluye piezas de Fats Waller.

 

EL HOMBRE ELEFANTE (1980)
Tuvo su premier mundial el 2 de octubre de 1980 en Nueva York. El segundo largometraje de David Lynch se ubica en la Gran Bretaña de finales del Siglo XIX y cuenta la siguiente historia: el doctor Frederick Treves descubre en un circo a John Merrick, un hombre con la cabeza monstruosamente deformada y que vive en una situación de constante humillación y sufrimiento al ser exhibido diario como una atracción de feria. Esta es una película incómoda, que duele al verla y capaz de conmover al corazón más duro que se imaginen. Las actuaciones de John Hurt y Anthony Hopkins sobresalen y la música original es obra de John Morris. EL HOMBRE ELEFANTE tuvo ocho nominaciones al Oscar, entre ellas las de mejor actor (John Hurt) y mejor director (Lynch).

 

DUNAS (1984)
Adaptación de la famosa novela de Frank Herbert, DUNAS se estrenó en diciembre de 1984 en Estados Unidos. El tercer largometraje de David Lynch fue un rotundo fracaso en taquilla y recibió críticas demoledoras. Al paso de los años, sin embargo, los seguidores de Lynch lo han reivindicado como un filme de culto del género de la ciencia ficción. En lo personal creo que se trata de una película fallida (aplica el típico “la novela es mucho mejor”) pero reconozco que tiene una banda sonora de muy buen nivel (estuvo nominada al Oscar a mejor sonido). La música original es obra de Toto.

 

TERCIOPELO AZUL (1986)
Protagonizado por Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper y Laura Dern, el cuarto largometraje de David Lynch, TERCIOPELO AZUL, se estrenó el 30 de agosto de 1986 en el festival canadiense de Montreal, donde Hopper se llevó el premio a mejor actor. De ahí brincó a otros festivales como los de Toronto, Sitges y Barcelona, donde cosechó más premios y el reconocimiento casi unánime de la crítica. David Lynch sorprendió a propios y extraños con una historia intrigante, de una perversidad suprema y técnicamente impecable, misma que que se convirtió en un clásico instantáneo del cine de los 80 y que le valió la nominación al Oscar a mejor director. Este fue el primer proyecto de Lynch en el que participa el compositor estadounidense de origen italiano Angelo Badalamenti, autor de la música original y quien a partir de esta película se vuelve un colaborador frecuente en la obra del cineasta.

 

WILD AT HEART (1990)
La quinta película de David Lynch se llama SALVAJE DE CORAZÓN y se estrenó el 19 de mayo de 1990 en Cannes, donde se llevó la codiciada Palma de Oro, el premio más importante que otorga el festival francés. Con un elenco de lujo, encabezado por Laura Dern, Diane Ladd, Nicolas Cage, Willem Dafoe, Harry Dean Stanton e Isabella Rossellini, Lynch realizó una película tan psicótica y eficaz que incomoda y atrapa al mismo tiempo. SALVAJE DE CORAZÓN es un filme inclasificable de un cineasta también inclasificable. La música original es de Angelo Badalamenti y el soundtrack incluye rolas de Them, Chris Isaac, Gene Vincent y hasta una versión de “Love Me Tender” interpretada por Nicolas Cage.

 

TWIN PEAKS: FUEGO CAMINA CONMIGO (1992)
Precuela de su famosa serie de televisión TWIN PEAKS, el sexto largometraje de David Lynch, TWIN PEAKS: FIRE WALK WITH ME (1992), se estrenó en la sección oficial de competencia del festival de Cannes de 1992. Lynch llevó a la pantalla grande un poderoso thriller que sigue los últimos días de Laura Palmer, esta enigmática mujer que lleva una doble vida: estudiante modelo durante el día que por la noche se entrega sin restricción alguna al sexo y a las drogas. Nuevamente la música original es de Angelo Badalamenti. En el 2017 David Lynch retomó la serie de televisión TWIN PEAKS, misma que se mantiene vigente a la fecha.

 

LOST HIGHWAY (1997)
POR EL LADO OSCURO DEL CAMINO, en español, se estrenó el 24 de enero de 1997 en el festival de cine independiente Sundance. Recuerdo bien que a México llegó un año después vía el Foro Internacional de la Cineteca de 1998. El séptimo largometraje de Lynch, protagonizado por Bill Pullman, Patricia Arquette y Balthazar Getty, cuenta una historia circular de lo más perturbadora y pesadillesca: un músico de jazz llamado Fred Madison (Bill Pullman) que vive con su esposa Renee (Patricia Arquete) recibe unos misteriosos videos en los que aparece él con su mujer en su propia casa.

Más adelante, en una extraña fiesta, un misterioso personaje le dice que en ese preciso instante se encuentra en su casa y lo comprueba con una llamada. El estado de las cosas en la vida de Fred Madison y Renee se vuelve más raro y terrorífico cuando llega una nueva cinta de video… La narrativa aparentemente incoherente de Lynch da como resultado una película tan onírica como fascinante.

Una vez más la música original es obra de Angelo Badalamenti y el soundtrack, producido por Lynch y Trent Reznor, es una joya del más allá con rolas de David Bowie, Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, Lou Reed y Barry Adamson ¿Alguien por aquí tiene el vinilo? Lo compro…

 

UNA HISTORIA SENCILLA (1999)
Digámoslo sin rodeos: UNA HISTORIA SENCILLA, sin ser la película más conocida de Lynch, es una obra maestra en todos los sentidos. El octavo largometraje de David Lynch se estrenó el 21 de mayo de 1999 en Cannes y de ahí brincó al circuito principal de festivales internacionales, donde obtuvo un montón de reconocimientos. “Un regalo impagable a los espectadores y a la historia del cine”, escribió el critico español Carlos Boyero sobre esta película, misma que cuenta la historia de un anciano achacoso que hace un largo viaje en su tractor para visitar a su hermano enfermo. La música original, por supuesto, es de Angelo Badalamenti.

 

MULHOLLAND DRIVE (2001)
Buena parte de la crítica pro David Lynch considera a MULHOLLAND DRIVE (2001) la mejor película de su filmografía. Por lo menos, en términos curriculares, es la que más premios internacionales ha ganado, entre ellos varios a mejor director. Se estrenó el 16 de mayo de 2001 en Cannes y de ahí pasó al circuito principal de festivales internacionales de cine.

La novena película de Lynch vuela libre como las imágenes en los sueños, desciende y asciende al mismo tiempo, y si uno le busca la lógica a la narrativa termina por abdicar. En cambio, si te dejas llevar y entras al mundo onírico-poético de Lynch, esta película se vuelve una experiencia cinematográfica de otro planeta, en la que no es necesario entender sino sentir. Lynch va directo a las emociones y lo hace con una maestría inigualable. Nuevamente la música original es de Angelo Badalamenti y el soundtrack trae rolas del propio David Lynch, Milt Buckner, Linda Scott y una versión impresionante de “Llorando” interpretada por Rebekah Del Río.

 

INLAND EMPIRE (2006)
Puedo decir que el décimo largo de David Lynch, INLAND EMPIRE (2006), es una de las películas más raras e inquietantes que he visto. Imposible hacer una sinopsis coherente de este viaje por la realidad cada vez más distorsionada de una mujer (Laura Dern) de la cual sabemos que es actriz y punto. Mediante este fluir de imágenes sin aparente lógica, Lynch nos lleva al mundo de los sueños –a lo largo de tres horas–, donde todo puede suceder por más incoherente que parezca.

Esta película es tan importante que en los círculos críticos y académicos se debate sobre la “deconstrucción del lenguaje cinematográfico” que logra David Lynch en esta cinta, misma que dialoga más con el cine experimental y las obras surrealistas del siglo pasado. La música original es obra del propio David Lynch y el soundtrack incluye piezas de Nina Simone, Beck, Chrysta Bell y Antoni Wit.

 

TWIN PEAKS / TV SERIES (2017)
En mayo de 2017, David Lynch y Mark Frost retomaron la famosa serie TWIN PEAKS, de la cual a la fecha ha entregado una veintena de episodios. La música original es de Angelo Badalamenti.

 

También podría interesarte: Twin Peaks, the Return se va en una oscuridad placentera

Banda Sonora 101 – Oliver Stone

Esta semana en @BandaSonora101 revisamos con lupa la filmografía del cineasta estadounidense Oliver Stone y seleccionamos unas buenas rolas de sus soundtracks.

El director, guionista y productor de cine Oliver Stone nació el 15 de septiembre de 1946 en la ciudad de Nueva York. Hijo de padre judío y madre católica, Stone no se interesó por estas religiones y terminó, ya de adulto, convirtiéndose al budismo.

Stone siempre fue un alumno destacado. Estudió literatura en la Universidad de Nueva York y un postgrado en la prestigiada Yale. Peleó como soldado de infantería en la guerra de Vietnam, donde fue herido de bala en dos ocasiones. Haber participado en Vietnam lo marcó de por vida y a este tema le dedicó una de las mejores trilogías que se han filmado: PELOTÓN (1986), NACIDO EL 4 DE JULIO (1989) y EL CIELO Y LA TIERRA (1993). Stone también es uno de los cineastas más políticos de su generación. Basta con mencionar JFK (1991), NIXON (1995), COMANDANTE (2003), HIJO DE… BUSH (2008), MI AMIGO HUGO (2014).

Tras la guerra de Vietnam, Stone comenzó su carrera en la industria del cine. Antes de ser director, trabajó como guionista de películas del calibre de EXPRESO DE MEDIANOCHE (Alan Parker, 1978), por la cual ganó el Oscar a mejor guión adaptado en 1979, y la memorable SCARFACE (Brian de Palma, 1983).

Stone debutó como director en 1974 con SEIZURE, una película de terror que pasó sin pena ni gloria, y en 1981 hizo un thriller psicológico llamado THE HAND (LA MANO), película en la cual haremos nuestra primera escala…

 

Conoce los otros directores que han sido mostrados en Banda Sonora 101

 

LA MANO (1981)
Protagonizada por Michael Caine, LA MANO cuenta la historia de un historietista gráfico, o dibujante de comics, que pierde una mano en un accidente. Pero luego reaparece la mano y comete atroces asesinatos. Hay un corto de la etapa silente que se trata de lo mismo pero contado en 10 minutos.

 

 

SALVADOR (1986)
En 1986 Stone hizo sus primeras dos películas importantes: SALVADOR y la inmortal PELOTÓN. Protagonizada por James Woods, SALVADOR cuenta la historia del foto periodista Richard Boyle, quien cubrió los conflictos armados en Centroamérica en los años 80. La película se centra en su estancia en El Salvador. Por este papel, Woods estuvo nominado al Oscar a mejor actor.

 

PELOTÓN (1986)
La otra película realizada por Stone en 1986 es PELOTÓN, un clásico del cine bélico que se estrenó en febrero de 1987 en el festival de Berlín, donde el jurado le entregó a Oliver Stone el Oso de Plata a mejor director. Un año después tuvo 8 nominaciones al Oscar, de las cuales ganó cuatro: mejor película, mejor director, mejor edición y mejor mezcla de sonido. Primera entrega de la trilogía de Stone sobre la guerra de Vietnam, PELOTÓN cuenta la historia de un joven estadounidense que es enviado a combatir a Vietnam y quien irremediablemente se topa de frente con las atrocidades de las guerras: crueldad, deshumanización y violencia extrema. La protagoniza un elenco de lujo: Charlie Sheen, Tom Berenger, Willem Dafoe, Forest Whitaker y Johnny Depp. La música original es de Georges Delerue y el soundtrack incluye rolas de The Doors, Smokey Robinson, Jefferson Airplane, The Rascals, Aretha Franklin y Otis Redding.

 

WALL STREET (1987)
Protagonizada por Michael Duglas y Charlie Sheen, WALL STREET se estrenó en diciembre de 1987 en Estados Unidos y cuenta la historia de un joven corredor de bolsa (Charlie Sheen) que se involucra con un auténtico tiburón inescrupuloso (Michael Duglas) de Wall Street. Duglas ganó un montón de premios por este papel, entre ellos el Oscar a mejor actor. La música original es obra de Stewart Copeland, baterista de The Police y un reconocido compositor de música para cine.

 

TALK RADIO (1988)
En 1988 Stone escribió y dirigió TALK RADIO, película que fue premiada con el Oso de Plata en el festival de Berlín. En este caso Stone cuenta la historia de un locutor de radio de un cinismo descarado que recibe amenazas por la manera de expresar sus opiniones. Nuevamente la música original es del británico Stewart Copeland.

 

NACIDO EL 4 DE JULIO (1989)
Segunda entrega de la trilogía de Stone sobre la guerra de Vietnam, NACIDO EL 4 DE JULIO se estrenó en febrero de 1990 en el festival de Berlín. Inspirada en la autobiografía del ex combatiente de la guerra de Vietnam Ron Kovic, NACIDO EL 4 DE JULIO cuenta la historia de un joven soldado que se alista como voluntario para ir a la guerra, convencido de que es la mejor manera de demostrar su nacionalismo y su amor a la patria.

Sin embargo, sus convicciones cambian radicalmente cuando regresa sin piernas, postrado en una silla de ruedas, y a un país que ni siquiera reconoce a los veteranos de Vietnam. Una película sobre la decepción patriotera, sumamente crítica, y por la cual nuevamente Oliver Stone ganó en Oscar a mejor director. La música original es del célebre compositor John Williams y la banda sonora incluye rolas de Bob, Dylan, The Temptations, Edie Brickell y Van Morrison.

 

THE DOORS (1991)
Un filme biográfico sobre una leyenda del rock: Jim Morrison y su banda The Doors. Oliver Stone hace un retrato del carismático y atascado Morrison, quien alcanzó la gloria en la escena psicodélica de finales de los 60 y murió en julio de 1971 a los 27 años. Un filme lisérgico sobre los excesos y la genialidad de Jim Morrison. La banda sonora es una antología soberbia de 12 rolas de The Doors más “Heroin” de The Velvet Underground & Nico.

 

JFK (1991)
JFK se estrenó el 20 de diciembre de 1991 en Estados Unidos y de inmediato se convirtió en un éxito rotundo en taquilla. El asesinato del presidente de norteamericano John F. Kennedy en noviembre de 1963 es analizado con lupa por Stone, quien logró armar una obra fundamental no sólo de la historia del cine sino de la historia de los Estados Unidos. La música original es del célebre John Williams.

 

EL CIELO Y LA TIERRA (1993)
Tercera entrega de la trilogía de Oliver Stone sobre Vietnam, EL CIELO Y LA TIERRA (1993) cuenta la historia verdadera de una jovencita vietnamita que lleva una vida miserable durante y después de la intervención militar estadounidense. La enfermiza relación que sostiene con un soldado gringo sugiere una analogía de la relación entre Estados Unidos y Vietnam. La música original es del japonés Kitaro.

 

ASESINOS POR NATURALEZA (1994)
Se estrenó el 29 de agosto de 1994 en el festival de Venecia, donde ganó el Gran Premio Especial del Jurado. Adaptación de una historia concebida por Quentin Tarantino, se trata de una película en extremo violenta que le sigue los pasos a una pareja de asesinos seriales, interpretados por Woody Harrelson y Juliette Lewis. El soundtrack fue producido por Trent Reznor (Nine Inch Nails) e incluye rolas de Patti Smith, Leonard Cohen, Nine Inch Nails, Janes’s Adiction, Bob Dylan, Cowboy Junkies, Barry Adamson… sin duda este es uno de los soundtracks más poderosos del cine rock de los 90.

 

NIXON (1995)
Protagonizada por Anthony Hopkins, NIXON (1995) es un filme biográfico sobre uno de los personajes más controvertidos de la historia de Estados Unidos: Richard Nixon, quien tuvo que renunciar a la presidencia tras el destape del Caso Watergate en 1973. Sobresale la interpretación de Hopkins, quien ganó varios premios por este papel, incluida la nominación al Oscar a mejor actor. La música original es obra del maestro John Williams.

 

U TURN (1997)
En 1997 Oliver Stone realizó U TURN (CAMINO SIN RETORNO), filme basado en el libro de John Ridley y protagonizado por Sean Penn, Jennifer Lopez, Nick Nolte y Billy Bob Thornton. Fiel a su estilo barroco pero intenso y muy eficaz, Stone cuenta la historia de un hombre que se dirige a Las Vegas con la idea de ganar dinero rápido antes de que la mafia rusa lo mate. Cuando va en pleno desierto de Arizona el auto se avería y tiene que hacer escala en un pueblo donde le suceden las cosas más extrañas. La música original es del maestro italiano Ennio Morricone y el soundtrack trae rolas de Peggy Lee, Sammi Smith, Pedro Fernández, Patsy Cline y Johnny Cash.

 

UN DOMINGO CUALQUIERA (1999)
Terminaba el siglo XX y Oliver Stone realizó UN DOMINGO CUALQUIERA, película que se estrenó en febrero de 2000 en el festival de Berlín. Nuevamente Stone logró juntar a un elenco de lujo, encabezado por Al Pacino, Cameron Diaz, Jamie Foxx, James Woods y Dennis Quaid, y le entró al género deportivo con una historia sobre el mundo del futbol americano. El soundtrack es muy hiphopero y trae rolas de Missy Elliot, Mob Deep, Outkast, Kid Rock, Jamie Foxx, Hole, DMX y Trick Daddy, entre otros.

 

COMANDANTE (2003)
En el 2002, Oliver Stone viajó a Cuba con un reducido equipo de colaboradores, entre ellos los cinefotógrafos mexicanos Rodrigo Prieto y Carlos Marcovich, para entrevistar durante tres días seguidos a Fidel Castro. El resultado: COMANDANTE, un documental cien por ciento apologético. La música original de esta película es obra del compositor Alberto Iglesias y el soundtrack trae piezas de Buena Vista Social Club, Benny Moré, Orquesta Aragón, Carlos Puebla, Compay Segundo y Antonio Machín. En el 2003, Stone Regresó a Cuba para realizar el documental LOOKING FOR FIDEL (2004), una nueva entrevista al polémico líder cubano.

 

ALEXANDER (2004)
En noviembre de 2004 se estrenó en Estados Unidos ALEXANDER, película en la que Oliver Stone cuenta la vida de Alejandro Magno, personaje que formó un imperio sin precedentes en la historia mundial. Una película de época muy pretenciosa, con Colin Farell, Angelina Jolie, Anthony Hopkins, Val Kilmer y Jared Leto, entre otros, que al final de cuentas termina por naufragar en su propio mar de ambiciones. La música original es de Vangelis.

 

HIJO DE… BUSH (W., 2008)
Tercera película biográfica de Stone sobre un presidente de Estados Unidos (antes hizo JFK y NIXON), HIJO DE… BUSH es un retrato de vida del polémico George W. Bush, político de pocas luces que gobernó en dos ocasiones al país más poderoso del mundo. La música original es de Paul Cantelon y el soundtrack trae rolas de Roy Orbison y Bob Dylan.

 

AL SUR DE LA FRONTERA (2009)
Filme biográfico sobre el ex presidente venezolano Hugo Chávez, con entrevistas a otros mandatarios de izquierda como Lula da Silva, Evo Morales, Cristina y Nestor Kirchner, Rafael Correa y Fernando Lugo. Un documental político que de tanta alabanza a su personaje cae en el panfleto. La música original es de Adam Peters.

 

WALL STREET: MONEY NEVER SLEEPS (2010)
Secuela de la película de 1987, WALL STREET: EL DINERO NUNCA DUERME se estrenó el 14 de mayo de 2010 en el Festival de Cannes. Stone retoma la historia del tiburón de las finanzas Gordon Gekko (personaje inmortalizado por Michael Duglas), quien acaba de salir de prisión y busca reincorporarse al mundo que alguna vez dominó. La música original es de Craig Armstrong y el soundtrack incluye rolas de David Byrne, Brian Eno, y Talking Heads.

 

SAVAGES (2012)
Adaptación de una novela de Don Winslow, SAVAGES cuenta la historia de dos compas de Laguna Beach, California, que comparten novia y se dedican a la venta de mariguana de gran calidad. Todo cambia cuando un cártel mexicano secuestra la novia de ambos y les exige como rescate todo el dinero que han generado en 5 años, pero los jóvenes tienen un plan para rescatar a la chica. La música original es de Adam Peters y el soundtrack trae rolas de Systema Solar, Cut Copy, Peter Tosh, Bob Dylan…

 

SNOWDEN (2016)
Alguien tenía que llevar la historia de Edward Snowden a la pantalla grande y ese fue Oliver Stone. Protagonizada por Joseph Gordon-Levitt, SNOWDEN cuenta los sucedido tras la filtración de documentos clasificados a la prensa por parte del analista de la Agencia de Seguridad Nacional Edward Snowden. La película se basa en el libro The Snowden Files The inside story of the world’s most wanted man, de Luke Harding, y en otro libro escrito por Anatoly Kucherena, el abogado ruso de Edward Snowden. Una historia fascinante, la verdad, y con música original de Craig Armstrong y Adam Peters.

 

También podría interesarte: Edward Snowden, It’s Only Getting Better

Banda Sonora 101: Sofia Coppola

Tras haber explorado en la historia del cine rock mexicano la semana pasada, en @BandaSonora101 retomamos el bonito hábito de revisar la música en la filmografía de cineastas que –me parece importante decirlo– han sido seleccionados por los radioescuchas de Rock 101 vía encuestas en Twitter.

En entregas anteriores escribimos sobre la música en las obras de Martin Scorsese, Jim Jarmusch, Danny Boyle, Quentin Tarantino, Wim Wenders y los hermanos Cohen. Ahora vamos a hacer un viaje mágico musical por la filmografía de Sofia Coppola, cineasta con mucha onda rockera que a la fecha ha realizado media docena de largometrajes, todos con bandas sonoras memorables.

También podría intersarte: Banda Sonora 101: La música de los Coen

Sofia Coppola lleva el cine en la sangre. Cuando apenas tenía un año de vida su padre, el gran Francis Ford Coppola, la llevó al set de filmación de EL PADRINO (1972) y le dio su primer papel en la escena inmortal del bautizo del bebé Michael Corleone. El niño que recibe el sacramento es en realidad Sofía Coppola de bebé.

Al cabo de los años, y tras aparecer en varias películas de su padre y en algunos videos musicales de Sonic Youth, The Chemical Brothers y Madonna, Sofía se inscribió en el Instituto de Artes de California, donde estudió Bellas Artes, enfocándose en fotografía y diseño de modas.

Sobre sus padres ha comentado: “Mi madre fue la que nos expuso a mí y a mis hermanos al arte contemporáneo; la que siempre nos animó a ser artistas. Pero mi padre nos empujó a ser quienes somos, a seguir nuestra propia carrera”.

Se graduó en el instituto con un modelo de Karl Lagerfeld y al poco tiempo se casó con el cineasta Spike Jonze, de quien posteriormente se divorció. Más adelante se volvió a casar, ahora con Thomas Mars, líder de la banda francesa Phoenix, con quien tiene dos hijas.

Hizo su primer largometraje en 1996. Es una adaptación de la novela Las vírgenes suicidas de Jeffrey Eugenides. A la fecha ha realizado películas de excelente factura como PERDIDOS EN TOKIO (2003), por la que obtuvo el Oscar a mejor guión original, SOMEWHERE (2010), MARIA ANTONIETA (2006) o su más reciente THE BEGUILED (2017).

THIS HERE GIRAFFE (Video short 1996)
Sofia Coppola tenía 25 años cuando dirigió el video musical de “This Here Giraffe”, rola de The Flaming Lips que aparece en el álbum Clouds Taste Metallic, publicado en febrero de 1996. Desde entonces Coppola daba señales claras de su buen gusto musical, mismo que se verá reflejado a lo largo de su filmografía.

 

 

LAS VÍRGENES SUICIDAS (1999)
Adaptación de la novela de Jeffrey Eugenides, LAS VÍRGENES SUICIDAS, el primer largometraje de Sofia Coppola, se estrenó el 19 de mayo de 1999 en el festival francés de Cannes. La historia de LAS VÍRGENES SUICIDAS se ubica en un tranquilo barrio de los suburbios de Detroit a mediados de los 70, donde vive la familia Lisbon, compuesta por cinco jovencitas de belleza deslumbrante y sus dos padres castrantes y autoritarios.

Los chicos de la zona suspiran por las hermanas Lisbon. Sin embargo, la aparente vida en armonía de esta familia se desmorona cuando una de las chicas, de apenas 12 años, se suicida. El hecho obsesiona a uno de los adolescentes que, dos décadas después, no ha podido olvidar ni comprender lo sucedido. El score es obra de la banda francesa de música electrónica Air, cuya música enriquece en todo momento la atmósfera casi hipnótica que logra Sofia Coppola. Un par de joyitas, tanto la película como el soundtrack.

 

PERDIDOS EN TOKIO (2003)
PERDIDOS EN TOKIO es mi película favorita de Sofia Coppola. Se estrenó el 31 de agosto de 2003 en la Mostra de Venecia y de ahí brincó a un montón de festivales por todo el mundo. Protagonizada por Scarlett Johansson y Bill Murray, cuenta la historia de un actor ya entrado en años llamado Bob Harris (Bill Murray) que viaja a Tokio para grabar una serie de anuncios publicitarios.

En el hotel conoce a Charlotte (Scarlett Johansson), hermosa joven recién graduada de filosofía de Yale y acompañante de viaje de su esposo fotógrafo, quien está en Japón por asuntos laborales. Bob y Charlotte comparten tiempo juntos y se hacen amigos… o tal vez algo más. Sofia Coppola ganó el Oscar a mejor guión original por esta película, cuya banda sonora vuela alto con música de Kevin Shields, Sebastien Teller, Death in Vegas, Phoenix, My Bloody Valentine, The Jesus & Mary Chain…

 

I JUST DONT KNOW WHAT TO DO WITH MYSELF (Video short, 2003)
En el 2003 Sofia Coppola dirigió el video musical de “I Just Dont Know What to Do With Myself”, de The White Stripes, pieza en blanco y negro con un solo personaje femenino que baila tubo.

 

MARIE ANTOINETTE (2006)
MARIE ANTONIETTE, tercer largometraje de Sofia Coppola, se estrenó el 24 de mayo de 2006 en Cannes. En esta ocasión, la cineasta hace un retrato pop de la opulencia y frivolidad que imperaban en el Palacio de Versalles justo antes del estallido de la Revolución Francesa en el verano de 1789. Lo interesante, en términos musicales, es que es una película de época, ambientada en el siglo XVIII, pero musicalizada con rolas de The Strokes, New Order, The Cure, Bow Wow Wow, Siouxie & The Banshees, Gang of Four, Air, The Radio Dept…

 

SOMEWHERE (2010)
Recuerdo haber visto SOMEWHERE por primera vez en la edición 2010 del festival de Morelia. Había ganado el León de Oro a mejor película en Venecia, así que no me la podía perder. Tras la función, la comenté al son de una chela con el crítico Erick Estrada y ambos estuvimos de acuerdo en esto: con su cuarto largometraje, Sofía Coppola había logrado consolidar un estilo propio y era correcto hablar de su obra como cine de autor.

SOMEWHERE cuenta la historia de un actor de Hollywood (Stephen Dorff) que lleva una vida de lujos y excesos (Ferrari, mujeres, fiestas), como toda buena estrella de la meca del cine. Pero un día, sin previo aviso, le cae a vivir con él su hija de once años (Elle Fanning), fruto de un matrimonio fracasado. Entonces las cosas cambian radicalmente en la vida de ambos. La música original es obra de la banda francesa de Phoenix (Sofía Coppola está casada y tiene dos hijas con Thomas Mars, delantero de la banda) y el soundtrack trae rolas de The Police, T. Rex, The Strokes, Bryan Ferry, Foo Fighters…

 

THE BLING RING (2013)
Si alguien conoce bien el mundo de “las celebridades” es Sofia Coppola. Su padre es una de las máximas figuras del mundo del cine y ella, desde niña, se ha codeado con la llamada crema y nata de Hollywood. Esto se ha visto reflejado en sus películas, sea desde el punto de vista estético (sus personajes femeninos son interpretados por actrices de una belleza física deslumbrante, por ejemplo), sea desde los temas que aborda: soledad, opulencia, frivolidad, materialismo extremo, hedonismo…

En su quinto largometraje, THE BLING RING (2013) o LADRONES DE LA FAMA en español, la cineasta se aprovecha de su conocimiento de este mundo para, a partir de hechos reales, contar la historia de un grupo de adolescentes que vía Internet rastrean las agendas de los famosos para luego robar en sus lujosas residencias. Lo interesante del asunto es que el motor de los atracos, más que económico, es de carácter psicológico: los adolescentes idolatran a quienes roban, desean ser como ellos, usar su ropa, sus zapatos…

A final de cuentas THE BLING RING es una película bien fácil de olvidar por superflua y la banda sonora, a diferencia de sus otras películas, es igual de trivial que la película. La única rola que rescato es “Power” de Kanye West.

 

CHLOROFORM (Video short, 2013)
Al estar casada con Thomas Mars, líder de Phoenix, es lógico que Sofia Coppola, siendo cineasta, se involucre en los videos musicales de la banda francesa. En 2013 dirigió el video de Chloroform, rola que forma parte del álbum Elephant de 2013.

 

THE BEGUILED (2017)
La película más reciente de Sofia Coppola se llama THE BEGUILED y se estrenó el 24 de mayo de 2017 en Cannes, donde el jurado el entregó a la cineasta el reconocido premio a mejor dirección. Basada en la novela de Thomas Cullinan, la cual Don Siegel ya había llevado al cine con Clint Eastwood, THE BEGUILED es una película de época cuya trama ocurre en 1864, en plena Guerra Civil estadunidense, cuando un guapo soldado confederado llega herido a una escuela femenina de Virginia y lo altera todo entre las chicas. La música original es obra de Phoenix.

 

¿Te perdiste los programas anteriores? Escucha Banda Sonora 101 en el servicio #OnDemand101

Banda Sonora 101: Martin Scorsese, melómano (primera parte)

Hace poco Martin Scorsese fue reconocido con el premio Princesa de Asturias de las Artes 2018. Este hecho es un buen pretexto para revisar la música en la filmografía de Martín Scorsese, un maestro de maestros en el medio cinematográfico y un melómano de muy buen gusto.

La música es un elemento fundamental en la obra de Scorsese. Sus gustos se inclinan por el blues, el rock clásico y el jazz. En las bandas sonoras de sus películas cohabitan Tonny Bennett, Ella Fitzgerald, Count Basie y Bobby Darrin con Robbie Robertson, The Rolling Stones, Eric Clapton, B. B. King, Talking Heads, Bob Dylan, Cream, T. Rex, George Harrison, Mark Knopfler y un largo etcétera.

Dada la gran cantidad de títulos que conforman la obra de Scorsese, en esta primera entrega revisaremos los soundtracks de la mitad de su filmografía, que va desde MEAN STREETS (1973) hasta GOODFELLAS (1990), y el próximo miércoles abordaremos el resto de sus películas.

También podría interesarte: Contrapunto sonoro: #CorteDeDirector

Empezamos con el recorrido:

Se estrenó el 2 de octubre de 1973 en el Festival de Cine de Nueva York y fue el trampolín que catapultó la carrera de Martin Scorsese a las grandes ligas del cine. Primera colaboración con Robert De Niro y el primer retrato de la vida en La pequeña Italia, en Nueva York. El cine de mafiosos alza la mano en la obra de Martin Scorsese. La banda sonora de esta película es una joya que incluye rolas de Rolling Stones, Eric Clapton, The Charts, The Paragons, Cream…

Es la primera película de Martin Scorsese que se estrenó en el festival de Cannes, el 12 de mayo de 1975. Este filme cuenta la historia de una mujer que, tras la muerte de su esposo, hace un viaje con su hijo de 11 años de Nuevo México a Monterrey, California, con el sueño de convertirse en cantante profesional. Es protagonizada por la gran Ellen Burstyn, que canta bastante bien, y quien se llevó el Oscar a mejor actriz por este papel. Nuevamente Scorsese arma una gran banda sonora con rolas de Mott the Hoople, Elton John, T.Rex, Kris Kristofferson…

Es para muchos la mejor película de Martin Scorsese. Se estrenó en mayo de 1976 en Cannes, donde ganó la codiciada Palma de Oro. Robert De Niro encarna a Travis Brikle, un excombatiente de Vietnam que se gana la vida como taxista nocturno en la convulsa Nueva York de los años 70. Los temas de la redención cristiana y la justicia en propia mano se asoman como recurrentes en la temprana obra de Scorsese. TAXI DRIVER es un peliculón. El guión es de Paul Shrader y el score original es obra de Bernard Herrmann, compositor de la música de clásicos como EL CIUDADANO KANE y PSICOSIS.

Resulta que después de 16 años de rocanrolear, en noviembre de 1976, The Band organizó una tocada de despedida en el teatro Winterland de San Francisco. Durante ese legendario festín musical, celebrado en el Día de Acción de Gracias, Martin Scorsese filmó THE LAST WALTZ, sin duda, el mejor testimonio audiovisual del fin de una era en la historia del rock. Aquel memorable concierto, en el que participaron como invitados Muddy Waters, Dr. John, Neil Young, Bob Dylan, Van Morrison, Neil Diamond y Joni Mitchell, fue la última gran fiesta de la primera generación de rockeros emanados de la revolución cultural de los sesenta.

Un clásico del cine de boxeadores. La estelariza Robert De Niro en uno de sus mejores momentos, que encarna a un peleador llamado Jake LaMotta, un toro dentro del ring pero fuera de él es un personaje complejo y atribulado que se hunde en una espiral de violencia y autodestrucción. Robert De Niro se llevó el Oscar a mejor actor por este papel. La banda sonora incluye piezas de Tonny Bennett, Ella Fitzgerald y Count Basie, entre otros.

En mayo de 1982 se estrenó en Cannes THE KING OF COMEDY, película en la que Robert De Niro interpreta al comediante Rupert Pupkin. La banda sonora es de antología, con rolas de The Pretenders, B.B. King, Talking Heads, Van Morrison, Robbie Robertson…

El 11 de septiembre de 1985 fue la premier mundial de AFTER HOURS en Nueva York. Meses después, en mayo de 1986 compitió en Cannes y Martin Scorsese ganó la Palma a mejor director. Esta comedia de humor negro narra la aventura de un empleado de una empresa de informática que, durante una cita en Nueva York, le ocurren una serie de extrañas circunstancias que le hacen vivir una alocada e interminable noche. El score original es del canadiense Howard Shore y la banda sonora incluye una selección bastante ecléctica de piezas, que va desde Mozart y Bach hasta The Monkees, Joni Mitchell y The Bad Brains.

Protagonizada por Paul Newman y Tom Cruise, cuenta la historia de un veterano jugador de billar que encuentra a su pupilo, un joven con mucho talento a quien después tendrá que enfrentar. En la banda sonora, puros cañonazos: Don Henley, Eric Clapton, Robert Palmer, Willie Dixon, Marc Knopfler, B.B. King, Warren Zevon…

Adaptación de la polémica novela homónima de Nikos Kazantzakis, se estrenó en la Mostra de Venecia de 1988 y cuenta la vida de un Jesús más humano que divino. Willem Dafoe en uno de sus mejores papeles. La música original es de Peter Gabriel, misma que fue publicada en el álbum Passion.

Se estrenó el 9 de septiembre de 1990 en la Mostra de Venecia, donde inició un exitoso recorrido por festivales internacionales de cine. Junto con la trilogía de EL PADRINO (Francis Ford Coppola) y ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA (Sergio Leone), se le considera una de las mejores películas de mafiosos en la historia del cine. La protagonizan Robert De Niro, Ray Liotta, Elizabeth McGovern y Joe Pesci. En la banda sonora: Muddy Waters, Derek & The Dominos, Bobby Darrin, Tonny Bennett, Cream, bandota de la cual vamos a escuchar…

Continuará…

-->